戦争映画

戦争映画は戦争を扱った映画のジャンルであり、典型的には海戦、空戦、陸戦を扱い、戦闘シーンがドラマの中心となる。20世紀と深く結び付けられている。^{[1] [2]}戦闘シーンの運命的な性質のため、戦争映画は戦闘シーンで終わることが多い。扱われるテーマには、戦闘、生存と脱出、兵士同士の友情、犠牲、戦闘の無益さと非人道性、戦争が社会に及ぼす影響、戦争によって引き起こされる道徳的および人間的問題などがある。戦争映画は、朝鮮戦争など、その環境によって分類されることが多く、最も人気のある主題は第二次世界大戦とアメリカ南北戦争である。語られる物語は、フィクション、歴史ドラマ、伝記の場合がある。批評家は西部劇と戦争映画の類似点を指摘している。

中国、インドネシア、日本、ロシアなどの国には、それぞれの革命戦争を題材にした独自の戦争映画の伝統があり、アクションや歴史ドラマから戦時ロマンスまで、さまざまな形態をとっています。

サブジャンルは必ずしも明確に区別できるものではないが、反戦、コメディ、プロパガンダ、ドキュメンタリーなどがある。同様に、第二次世界大戦の北アフリカ西部砂漠や太平洋、ベトナム戦争、ソビエト・アフガニスタン戦争などの特定の戦場での戦争映画のサブジャンルや、歩兵、空中、海上、潜水艦、捕虜収容所など特定の戦争領域を舞台にした映画にもサブジャンルがある。

戦争映画のジャンルは必ずしも厳密に定義されているわけではない。たとえば、アメリカ映画協会は「第一次世界大戦に取り組む映画」について語っているが、これを分類しようとはしていない。[ ^3]しかし、一部の監督や批評家は少なくとも暫定的な定義を提示している。監督のサム・フラーは「戦争映画の目的は、どれほど個人的または感情的なものであろうと、視聴者に戦争を感じさせることである」と述べてこのジャンルを定義した。 ^[4] ジョン・ベルトンは、ハリウッド製作の文脈における戦争映画の物語的要素を 4 つ特定した。a) 戦時中の民間人の道徳の停止、b) 個人の動機よりも集団の目標の優先、c) 主に男性グループにおける男性同士の対立、および女性の疎外と客体化、d) 退役軍人の社会復帰の描写。^[5]戦闘シーンの運命的な性質により、戦争映画は戦闘シーンで終わることが多い。^[6]

映画評論家のスティーブン・ニールは、戦争映画は20世紀に繰り広げられた戦争を描いたもので、戦闘シーンがドラマの中心となっているため、このジャンルは大部分において明確に定義され、異論はない、と述べている。しかし、ニールは、 19世紀のアメリカ南北戦争やアメリカインディアン戦争を舞台にした映画は、第一次世界大戦以前は戦争映画と呼ばれていたと指摘している。^[1]評論家のジュリアン・スミスは、逆に、戦争映画には西部劇のようなジャンルの正式な境界はないが、実際には「成功し影響力のある」戦争映画は現代の戦争、特に第二次世界大戦を題材にしており、機動部隊と大量殺戮が組み合わされている、と主張している。^[2]映画学者のキャサリン・ケイン^[7]は、戦争映画のジャンルと西部劇の類似点を指摘している。どちらのジャンルも、戦争と平和、文明と野蛮さといった対立する概念を使用している。戦争映画では通常、第二次世界大戦を連合国軍とナチスドイツに代表される「善」と「悪」の対立として描くが、西部劇では文明化された開拓者と野蛮な先住民の対立を描いている。^[8]ジェームズ・クラークは、サム・ペキンパーの『ワイルドバンチ』のような西部劇と『ダーティ・ダズン』のような「戦争映画の冒険」との類似点を指摘している。^[9]

映画史家のジャニーン・ベイシンジャーは、戦争映画のジャンルがどのようなものになるかについて、次のような先入観を持っていたと述べています。

私が事前に知っていたことは、第二次世界大戦の戦闘映画について、おそらく私たちの文化のあらゆる構成員が知っているであろうこと、つまり、映画には英雄、さまざまなタイプの人々の集団、そして何らかの軍事目標が含まれているということだった。映画は第二次世界大戦の実際の戦闘地帯で、地上、海上、空中で、確立された敵と戦っている。映画には郵便配達などの多くの繰り返しの出来事が含まれており、それらはすべて適切な制服、装備、戦闘の図像とともに視覚的に表現されている。^[10]

さらに、ベイシンジャーは『バターン』が「第二次世界大戦の戦闘映画」の典型例であると考えている。それは、多様で明らかに不釣り合いな「急遽集められた志願兵」の集団が、はるかに大きな敵の集団を「勇敢さと粘り強さ」で食い止めるというものだ。^[11]彼女は、戦闘映画はサブジャンルではなく、唯一の真の戦争映画であると主張する。彼女は、第二次世界大戦中に実際に作られた真の戦闘映画はわずか5本だったと指摘しており、彼女の見解では、このジャンルの中心となるこれらの数本の映画は、単なる戦争映画である他の多くの映画よりも重要ではない。^[12]しかし、ラッセル・アール・シェインなどの批評家は、戦争映画をはるかに広く定義し、「戦争のあらゆる側面（すなわち、準備、原因、予防、行動、日常生活、および結果または余波）における民間人、スパイ、兵士の役割」を扱った映画を含めることを提案している。^[13]ニールは、ジャンルが重複しており、他の種類の映画では戦闘シーンの目的が異なることを指摘し、戦争映画は「主要な登場人物の運命を決定する」戦闘が特徴であると示唆している。これにより、戦闘シーンは戦争映画のクライマックスに押し上げられる。^[6]また、すべての批評家が、戦争映画は20世紀の戦争についてでなければならないことに同意しているわけではない。ジェームズ・クラークは、エドワード・ズウィックのアカデミー賞受賞映画「グローリー」（1990年）を、彼が詳細に論じている戦争映画の中に含めている。これはアメリカ南北戦争を舞台にしており、彼はその戦争を描いた「注目すべき」映画として他に6本を挙げている。^{[14] [a]}脚本家で学者のエリック・R・ウィリアムズは、脚本家の分類法において戦争映画を11のスーパージャンルの1つと位置づけ、すべての長編物語映画はそのうちの1つに分類できると主張している。^{[b] [16]}

英国の軍事史家アントニー・ビーバーは、米国と英国の映画製作者が「事実をいい加減に扱い」ながらも「自分たちのバージョンが真実と同じくらい良い」とほのめかしていることに「絶望」している。^[17]例えば、彼は2000年の米国映画『U-571』を、米国が参戦する7か月前に米国の軍艦が大西洋の戦いの勝利に貢献したと偽った「恥知らずな欺瞞」と呼んでいる。^[17]彼は、非史実的な無人の海岸、海上での低空空中戦闘、主に「小型船」による救助を描いたクリストファー・ノーランの2017年の映画『ダンケルク』^{にも同様に批判的である。 [17]}しかし、ビーバーは、大陸ヨーロッパの映画製作者はしばしば「はるかに慎重」であると感じている。例えば、2004年のドイツ映画『ダウンフォール』は、ヒトラーがベルリンの地下壕で過ごした最後の日々の歴史的出来事を正確に描写していると彼の見解は述べており、^[17]また、ベトナムを舞台にした1965年のフランス映画『第317小隊』は「史上最高の戦争映画」であると考えている。1966年の映画『アルジェの戦い』は、それに僅差で次ぐ作品だと彼は主張している。^[17]

アメリカの歴史上、アメリカ人の生活にとって最も犠牲の大きい戦争であるこの戦争は、数多くの映画、ドキュメンタリー、ミニシリーズの題材、または背景となってきた。南北戦争を題材にした最も古い映画の1つは、D・W・グリフィスの1910年の無声映画『逃亡者』である。^[18]戦争を主な題材、または戦争の特定の側面を扱った映画には、1989年の映画『グローリー』がある。これは、南北戦争中に北軍で初めて黒人志願兵のみで構成された正式な部隊を描いたものである。^{[19] 『}ゲティスバーグ』などの一部の映画は、戦争中の1つの戦闘に焦点を当てており^[20] 、フランスの短編映画『アウルクリーク橋での出来事』^[21]やディズニーの『蒸気機関車大追跡』(1956年)のように1つの事件に焦点を当てているものもある。^[22] 1993年のミニシリーズ「北と南」は戦争の全容を描いた。映画の中には戦争の人間的側面を扱ったものもあり、例えば「赤い勇敢な勲章」（1951年）^[23]や「シェナンドー」（1965年）では戦争が民間人に与えた悲劇を描いている。^[24]ケン・バーンズの「南北戦争」はPBS史上最も視聴されたドキュメンタリーである。^[25]

最初の戦争映画は1898年の米西戦争から生まれた。短い「実録」ドキュメンタリー映画には、メイン州の犠牲者の埋葬、新兵に毛布を投げる、兵士が皿を洗うなどがある。これらの非戦闘映画には、米国で上演されたセオドア・ルーズベルトの「ラフ・ライダーズ」がスペインと戦う様子などの戦闘の「再現」が添えられていた。^[26]

第一次世界大戦中、戦時中の生活を描いた映画が多数製作された。題材には捕虜、秘密作戦、軍事訓練などがあった。中央同盟国と連合国はともに戦争ドキュメンタリーを製作した。これらの映画はアメリカなどの中立国でもプロパガンダとして使われた。その中には、中央同盟国の公式戦場カメラマン、アルバート・K・ドーソンが東部戦線で撮影した映画『プシェミシルの戦いと陥落』（1915年）があり、オーストリア軍にとって悲惨なプシェミシル包囲戦を描いており、兵士をエキストラにして事件を再現している。^{[27] [28]}

1915年にフランク・ハーヴェイが監督したオーストラリア映画『ウィズイン・アワ・ゲイツ』 （『ガリポリを勝ち取った戦績』としても知られる）は、モーション・ピクチャー・ニュース誌で「非常に優れた戦争物語であり、並外れた作品」と評された。[ ^29]

1916年のイギリス映​​画『ソンムの戦い』は、2人の公式撮影監督、ジェフリー・マリンズとジョン・マクドウェルが手掛けたもので、ドキュメンタリーとプロパガンダを融合させ、塹壕戦がどのようなものであったかを大衆に印象づけようとした。映画の大部分はフランスの西部戦線で撮影され、強烈な感情的影響を与えた。6週間の公開期間中にイギリスで約2000万人が鑑賞し、批評家のフランシーヌ・ストックはこれを「史上最も成功した映画の一つ」と呼んだ。^{[30] [31]}

1925年のアメリカ映画『大パレード』は、主人公が片足を失い、友人が殺されるなど、戦争のつまらない部分を描いている。^[32] ウィリアム・A・ウェルマンの『Wings』（1927年）は、陸軍航空隊と共同で製作され、戦争中の空中戦を描いている。これは強力な募集ツールであることが証明された。^[33]この映画は（あらゆるジャンルで）アカデミー作品賞を受賞した最初の映画となった。^[34]その後、さまざまなジャンルで第一次世界大戦を扱った映画には、戦争映画であり伝記映画でもあるデヴィッド・リーンの「壮大な叙事詩」がある。 ^[35] アラビアのロレンス（1962年）は、当時は馴染みがなく刺激的な70mm テクニカラーで撮影され、^[36]スティーブン・スピルバーグによって「おそらく映画という媒体のために書かれた最高の脚本」と評された。 ^[35] リチャード・アッテンボロー監督の風刺的な反戦ミュージカルコメディ。ジョーン・リトルウッドの同名戯曲『ああ、なんて素敵な戦争』（1969年）を基にしている。^[37]スピルバーグ監督の2011年の戦争ドラマ『戦火の馬』はマイケル・モーパーゴの同名児童小説に基づいている。^[38]

「ドキュメンタリー」として宣伝された映画の多くは、重大な出来事を演出することで本物の戦場のシーンに文脈を加え、真実味を犠牲にして興奮を高めるためにエピソードやセリフを創作した。^[39]

1918年に白軍と赤軍の間で起こったフィンランド内戦は、 1世紀後のフィンランドでも議論の的となっているが^{[40] [41]}、多くのフィンランド映画製作者がこのテーマを取り上げており、その多くは書籍を原作としている。1957年には、ヤール・ヘマーの戯曲と小説に基づいたトイヴォ・サルッカの『1918』が第7回ベルリン国際映画祭で上映された^[42]。最近の作品には、ラウリ・トーホネンの2007年の『国境』 [ ^{43] [44]}や、レーナ・ランダーの小説に基づいたアク・ロウヒミエスの2008年の『四月の涙』^{などがある。 [45]}フィンランド内戦を描いた最も有名な映画は、おそらくエドヴィン・ライネ監督の1968年の『北極星の下で』だろう。これはヴァイノ・リンナの『北極星の下で』三部作の最初の2冊に基づいており、内戦を敗戦側であるフィンランドの赤衛軍の視点から描いている。^[46]

スペイン内戦は様々な国の監督の興味を引いた。サム・ウッド監督の『誰がために鐘は鳴る』 (1943)は、アーネスト・ヘミングウェイの同名小説を基にしており、内戦を背景に、ゲイリー・クーパー演じるアメリカ人とイングリッド・バーグマン演じるパルチザンの運命的な恋愛を描いている。168分の壮大な映画は、テクニカラーで撮影された風景と「美しい」オーケストラの音楽で、観客と批評家の両方に好評だった。^[47] アラン・レネ監督の『ゲルニカ』 (1950)は、ピカソの1937年の同名の絵画を使って戦争に抗議している。^[47] カルロス・サウラ監督の『ラ・カーザ』(1966)は、狩りの比喩を使ってスペインのファシズムの攻撃性を批判している。^[48] 1966年の第16回ベルリン国際映画祭で最優秀監督賞の銀熊賞を受賞した。 ^[49]ケン・ローチ監督の『大地と自由』（ 1995年）は、ジョージ・オーウェルの『カタロニア讃歌』を大まかに基にしており、戦争中のイギリスの共産主義者を追いながら、反ファシズムの共和党側内の痛ましい矛盾を明らかにしている。^[47]

サミュエル・フラーの『鉄のヘルメット』（1951年）は朝鮮戦争（1950年 - 1953年）中に作られた。評論家のガイ・ウェストウェルは、この映画は戦争のやり方に疑問を投げかけており、後の『トコリの橋』（1954年）や『ポーク・チョップ・ヒル』（1959年）も同様だと指摘している。^[50]フラーも彼の映画はすべて反戦映画だったことに同意している。朝鮮戦争を描いたハリウッド映画はどれも興行的に成功しなかった。歴史家のラリー・メイは2001年に、それらの映画はアメリカの観客に「我々が負けた唯一の戦争」を思い出させるものだと述べた。^[51]

1955年の戦闘後、 左翼ゲリラの残虐行為を描いた韓国のアクション映画「ピアゴル」がヒットし、他の映画製作者たちを勇気づけた。1960年代の軍事政権は親共産主義の映画製作者を処罰し、最も反共産主義のメッセージを強く打ち出した映画に大鐘賞を授与した。 「太白山脈」（1994年）は共産主義のために戦った南の左翼を扱い、「銀の種馬」（1991年）と「故郷の春」（1998年）はアメリカ軍の存在が村の生活に及ぼす破壊的な影響を描いた。暴力的なアクション映画「シュリ」（1999年）と「共同警備区域」（2000年）は北朝鮮を好意的に描いた。^[52]

北朝鮮の映画は政府の映画スタジオによって制作され、明確な政治的メッセージを持っていた。最初の作品は、日本からの朝鮮解放を描いた『わが故郷』 （1949年）で、アメリカの助けを借りずに金日成が成し遂げたと紹介された。同様に、朝鮮戦争に関する同国の映画は、中国の助けを借りずに勝利を描いている。映画学者のヨハネス・シェーンヘルは、これらの映画の目的は「北朝鮮を包囲された国として描くこと」であり、米国とその「傀儡」である韓国は一度北朝鮮を侵略したので、また侵略するだろうと結論付けている。^[53]

ジッロ・ポンテコルヴォ監督のドラマティック映画『アルジェの戦い』（イタリア語：La battaglia di Algeri、アラビア語：معركة الجزائر、フランス語：La Bataille d'Alger）は、1966年に公開されたアルジェリア戦争（1954年 - 1956年）を題材にした作品である。イタリアとアルジェリアの合作としてロケ撮影された。イタリアのネオレアリズムの白黒ニュース映画スタイルで、双方の暴力を公平に描いている。ヴェネツィア映画祭で金獅子賞など様々な賞を受賞した。^{[54]フランスの批評家から酷評され、フランスでは}『アルジェリア人ジャミラ』（1958年）同様5年間上映禁止となった。 ^[55]

1970年代後半以前のベトナム戦争に関する映画で実際に戦闘を描いたものはほとんどなかった。 ^{[56]例外としては}『グリーンベレー』（1968年）がある。 ^[56]ベイシンガーなどの批評家は、アメリカのベトナム戦争介入に反対していたためハリウッドがこのテーマを避け、議論を呼ぶテーマになったと説明している。さらに、映画産業は危機に瀕しており、軍は反戦映画の製作に協力したくなかった。^{[56] [57]}

1970年代後半から、独立系で資金を調達し製作された映画がハリウッドにベトナム戦争を映画で扱えることを示した。アメリカが敗北した戦争を描いた、成功したが非常に異なった作品には、マイケル・チミノの『ディア・ハンター』（1978年）やフランシス・フォード・コッポラの『地獄の黙示録』（1979年）などがある。^[56] 1980年代にアメリカの政治が右傾化すると、オリバー・ストーンの『プラトーン』（1986年）、スタンリー・キューブリックの『フルメタル・ジャケット』（1987年）、ジョン・アーヴィンの『ハンバーガー・ヒル』（1987年）などの映画で、軍事的成功が再び描かれるようになった。^[56]

ベトナム人監督グエン・ホン・セン [vi]の『放棄された戦場：自由射撃地帯』（ 1979年）は、ベトナム戦争中のメコンデルタでのヘリコプター攻撃下の生活を「不安をかき立てる、そして迫力のある…主観的なカメラの視点」で描いている。この映画は、（アメリカの）「ヘリコプターの視点」に切り替わり、先に見た人間の優しさとは痛々しいほど対照的である。^[58]

ズラトコ・トプチッチが脚本を手掛けたディノ・ムスタフィッチのリメイク（2003年）は、第二次世界大戦中にサラエボに住んでいた父親とボスニア戦争中のサラエボ包囲戦を生き抜いた息子の成長物語を並行して描いている。トプチッチによると、この物語は彼自身の人生における出来事に基づいているという。^{[59] [60]}

イラク戦争は、2008年の『ハート・ロッカー』 、 2010年の『グリーンゾーン』 ^[61]、 2014年の『アメリカン・スナイパー』などのアメリカ映画の背景ストーリーとなった。

2001年以降のアフガニスタン戦争は、 2010年の『レストレポ』や2013年の『ローン・サバイバー』など、様々な映画で描かれている。^[61]

第二次世界大戦中に作られた最初の人気連合軍戦争映画はイギリスから来たもので、ドキュメンタリーとプロパガンダの機能を併せ持っていた。 『ライオンは翼を持っている』や『今夜の標的』などの映画は情報省映画局の管理下で作られた。イギリスの映画産業は、ノエル・カワードとデヴィッド・リーンの『我らの戦場』（1942年）（「戦時中最も成功したイギリス映​​画」^[62]）や『百万人の奴隷』 （1943年）、『未来への道』（1944年）などの映画でドキュメンタリーの手法とフィクションのストーリーを組み合わせ始めた。^[63]

アメリカでは、ドキュメンタリーは様々な方法で製作された。マーシャル将軍はフランク・キャプラにプロパガンダシリーズ「なぜ我々は戦うのか」を制作するよう依頼した。陸軍省の情報教育部は、米空軍と米海軍の訓練用映画の製作を開始した。陸軍は米通信部隊を通じて、ジョン・ヒューストンの「サンピエトロの戦い」など独自のドキュメンタリーを製作した。^[64] ハリウッドは、アメリカの同盟国についてのプロパガンダメッセージを込めた映画を製作した。例えば「ミニヴァー夫人」（1942年）は、国内戦線の英国人家族を描いた。^[65] 「闇の淵」（1943年）はノルウェーのレジスタンス戦士を描いた。^[66] 「北極星」（1943年）はソ連と共産党を描いた。^[67]戦争の終わりごろには、大衆向けの本がより質の高い、よりシリアスなストーリーを映画に提供した。例えば『ガダルカナル・ダイアリー』（1943年）、^[68] マーヴィン・ルロイの『東京上空三十秒』 （1944年）、^[69]ジョン・フォードの『彼らは消耗品だった』 （1945年）などである。[ ^70]

ソ連もまた、勝利とドイツの残虐行為の両方を宣伝する映画の宣伝価値を評価した。イリヤ・コパーリンのドキュメンタリー『モスクワの逆襲』（ロシア語：Разгром немецких войск под Москвой、文字通り「モスクワ近郊でのドイツ軍の敗走」）は、 1941年10月から1942年1月までのモスクワの戦いの間に制作された。この映画は、都市防衛に協力する民間人、赤の広場でのパレード、ロシア国民を戦闘に駆り立てるスターリンの演説、実際の戦闘、降伏したドイツ軍と死亡したドイツ軍、殺害された子供や絞首刑にされた民間人などの残虐行為を描いている。1943年にアカデミー賞最優秀ドキュメンタリー賞を受賞した。^{[71] [72]}同様に、ニュース映画のカメラが1943年初頭にスターリングラードに急行し、「ロシア兵を迎えた光景」、すなわちスターリングラードの戦いで敗北したドイツ第6軍によるヴォロポヴォノ収容所のロシア人捕虜の飢餓を記録することとなった。^[73]

戦時中に西側諸国で製作された長編映画は検閲の対象となり、必ずしも現実的なものではなかった。暴力を描写しようとした最初の作品の 1 つで、当時「リアルな描写」と賞賛されたのが、テイ・ガーネットの『バターン』（1943 年）である。実際のところ、その描写は様式化されたままだった。ジャニーン・ベイシンジャーは、日本兵がアメリカ人の首を切る場面を「残酷な暴力の最悪のイメージ」として挙げている。犠牲者は苦痛を示し、悲鳴を上げて唇が凍りつくが、血は噴出せず、首は落ちない。ベイシンジャーは、これは物理的には非現実的だが、心理的にはそうではなかったかもしれないと指摘する。戦時中の観客は、友人や親戚が殺されたり、負傷して帰国したりしたことをよく知っていたと彼女は指摘する。^[74]

枢軸国も第二次世界大戦中、プロパガンダやその他の目的で同様に映画を製作した。ドイツでは、陸軍最高司令部が「西部戦線（Sieg im Westen ）」（1941年）を公開した。 ^[75]その他のナチスのプロパガンダ映画には様々な主題があった。例えば「コルベルク（ Kolberg ）」（1945年）は、ナポレオン率いるフランス軍の侵攻に対するプロイセン軍の頑強な抵抗（1807年）を描いている。^[76]宣伝大臣ヨーゼフ・ゲッベルスは、 1943年10月から1944年8月にかけて撮影された際、ナチス・ドイツが直面していた悪化する状況にふさわしい歴史的な主題を選んだ。800万マルク以上を費やし、数千人の兵士をエキストラとして使い、雪を模した塩を貨車100台分使用したこの映画は、戦時中に製作されたドイツ映画の中で最も製作費がかかったものだった。実際の包囲は町の降伏で終わった。映画では、フランスの将軍たちは包囲を放棄する。^[77]

日本にとって、戦争は1937年の宣戦布告なしの戦争と中国侵攻から始まった。日本政府はこれを「支那事変」と呼んだ。政府は「人道的価値観」をもって中国での行動を脚本・撮影するため「ペン部隊」を派遣した。例えば、中国でロケ撮影された田坂具隆の『泥と兵隊』 （1939年）、吉村公三郎の『西住戦車長伝』、佐藤健の『チョコレートと兵隊』（1938年）では、一般の日本兵が個人として、また家族思いの男として描かれ、敵国の中国兵でさえも個人として描かれ、時には勇敢に戦っている。^[78]米国との戦争が宣言されると、日本の紛争は太平洋戦争として知られるようになった。日本の映画評論家は、西洋の映画技術をもってしても、日本の映画作品が日本固有の価値観を表現できていないことを懸念した。^[79]歴史家のジョン・ダワーは、日本の戦時映画は「敗者は再放送されない」ためほとんど忘れ去られていたが、フランク・キャプラがチョコレートとソルジャーズに勝てると考えたほど巧妙で巧妙だったことを発見した。ヒーローは典型的には下級将校で、侍ではなく、部下と祖国に静かに献身していた。^[80]これらの映画は敵を個人化せず、したがって憎しみが欠けていたが、イギリスは「文化的敵」として描かれていた。日本の映画製作者にとって、戦争は原因ではなくむしろ自然災害のようなもので、「重要なのは誰と戦うかではなく、いかにうまく戦うかだった」。アジアの敵、特に中国人は、しばしば救いようがあり、結婚相手になる可能性さえあるように描かれた。日本の戦時映画は戦争を美化せず、日本国家を一つの大家族として、そして日本国民を「罪のない、苦しむ、自己犠牲的な人々」として描いている。ダワーは、このイメージの倒錯性は「明白である。あらゆるレベルで、日本人も他者を犠牲にしていたという認識が欠如している」とコメントしている。^[81]

ガーディアン紙のアンドリュー・パルバーによれば、戦争映画に対する大衆の関心は「強迫観念」となり、1950年代から1960年代にかけては10年ごとに200本以上の戦争映画が製作された。^[82]英国と米国における戦争映画の製作は、1950年代半ばに頂点に達した。[83] 英国における戦争映画の人気は、 チャールズ・フレンドの『残酷な海』（1953年）が批評的にも商業的にも成功したことによる。^[83]当時の他の映画と同様、『残酷な海』はベストセラー小説、この場合は元海軍司令官ニコラス・モンサラットの大西洋の戦いの物語に基づいている。^{[84] [85]発明家}バーンズ・ウォリスの型破りな跳ねる爆弾のエキサイティングな物語と独特のテーマ音楽を備えた『ダム・バスターズ』（1954年）などの他の映画は実話である。『ダム・バスターズ』は1955年にイギリスで最も人気のある映画となり^{[86] 、2015年現在も}Rotten Tomatoesで100%のスコアを獲得し人気を維持しているが^[87]、「もっぱらイギリスの[勝利]」を祝った作品だったこともあり、アメリカ市場では失敗した。^[88]特に1955年から1958年にかけては、多数の戦争映画が製作された。1957年だけでも、 『ビター・ヴィクトリー』 、『五つ数えて』、 『死より深き敵』、『月光の下で』 、 『戦争の男』、『逃亡者』、『七雷』、そして大成功を収め批評家からも絶賛された『戦場にかける橋』（同年アカデミー作品賞受賞^[89]）や『突撃』が公開された。^[90] 『ビター・ビクトリー』などの映画は、戦争中の出来事よりも、将校とエゴイズムの間の心理的な戦いに焦点を当てている。^[91] 『戦場にかける橋』は、戦争を取り巻く道徳的不確実性という感覚で、戦争映画に新たな複雑さをもたらした。パルヴァーによると、10年の終わりまでに、戦争映画で一般的だった「共通の達成感」は「消え去り始めた」という。^[82]

1950年代と1960年代のハリウッド映画は、ジョン・ウェイン主演の人気映画『硫黄島の砂』（1949年）のように、壮観な英雄的行為や自己犠牲を描写することがあった。米海兵隊は『硫黄島の砂』を視覚的に本物らしく考えたが、兵士たちの生活に注目したルイス・マイルストンの『バトル・クライ』 ^{（1955年）の方がより現実的な映画だと考えた。 [92]}ローレンス・スイドによると、成功する戦争映画の公式は、民族的に多様な少人数の男性、理不尽な上級将校、臆病者が英雄になるか死ぬことだった。^[92]ジャニーン・ベイシンジャーは、伝統的な戦争映画には主人公、グループ、目的が必要であり、グループには「イタリア人、ユダヤ人、ブルックリン出身の皮肉屋、山岳地帯出身の狙撃手、中西部出身者（アイオワ州やダコタ州にちなんであだ名がつけられている）、そして何らかの方法で入門させられるキャラクター」が含まれているべきだと示唆している。^{[74]実際の}特殊部隊の任務に基づいた映画、例えばサン・ナゼール襲撃に基づいた『ギフト・ホース』（1952年）やクレタ島のドイツ軍司令官の捕獲に基づいた『月光に照らされて』 （1956年）は、 『ナバロンの要塞』（1961年）、 『新造機動隊』（ 1964年）、『鷲の眼差し』（1968年）などの架空の冒険映画に影響を与えた。これらの映画では、戦争を壮大なアクションの背景として使った。^[82]

ダリル・F・ザナックは、ノルマンディー上陸作戦の初日を題材にした178分のドキュメンタリードラマ『史上最大の作戦』 （1962年）を制作し、商業的に成功し、アカデミー賞も受賞した。^[94]その後、アンドレイ・タルコフスキーの『イワンの幼年時代』（1962年）のような大規模だが思慮深い映画や、ヨーロッパで撮影された準ドキュメンタリー風のオールスター大作『バルジの戦い』（1965年）、 『バトル・オブ・ブリテン』（1969年）、『ネレトヴァの戦い』（1969年）、『ミッドウェー』（1976年）、『遠すぎた橋』（1977年）などが続いた。ローレンス・スイドの見解では、『史上最大の作戦』は「その後のすべての戦闘スペクタクルのモデルとなった」。^[95]しかし、製作費の高騰により、この映画は伝統的な戦争映画の最後を飾るものとなり、アメリカ陸軍の支援をめぐる論争やザナックの「ペンタゴンとの関係無視」により、ハリウッドと陸軍の協力関係が変化した。^[95]

当時20世紀フォックスの重役だったザナックは、リチャード・フライシャーの『トラ・トラ・トラ』（1970年）のアメリカと日本の合作映画を企画し、真珠湾奇襲攻撃で「1941年12月7日に実際に何が起こったか」を描いた。^{[96] [97]}この映画は、ロジャー・イーバート^[98]とニューヨーク・タイムズ^[99]に酷評されたが、日本で大ヒットとなった。^{[96]そのリアルな攻撃映像は、後の}『ミッドウェー』（1976年）、『ファイナル・カウントダウン』（1980年）、『オーストラリア』（2008年）などの映画でも再利用された。 ^{[100]この物語は}パールハーバー（2001年）で再演され、ニューヨークタイムズ紙は「騒々しく、高価で、非常に長い新しい超大作」と評し、「その壮大な主張にもかかわらず（まるで壮大なのは上映時間、盛り上がる音楽、真剣なナレーションの問題であるかのように）、この映画はドカンとドカンのアクション映画として最もうまく機能している」とコメントした。^[101]

スティーブン・スピルバーグ監督の『プライベート・ライアン』（1998年）は、手持ちカメラ、音響デザイン、舞台設定、視聴覚ディテールの強化により、従来の戦闘映画に慣れた観客を異質なものにし、描写が本当により現実的であるかどうかは別として、映画史家スチュアート・ベンダーが「報告されたリアリズム」と呼ぶものを作り出している。^[102]ジャニーン・ベイシンジャーは、批評家がこの映画を「画期的で反一般性」と感じたと指摘し、ジェームズ・ウォルコットの言葉を借りれば、「ジョン・ウェインの陳腐な新兵募集ポスター伝説を葬り去り、今度こそ正しくやりたいという願望」があったとしている。また、戦闘映画は常に「観客が戦争を理解し受け入れるのを助ける必要性に基づいている」としている。^[74]この映画が成功したことで、第二次世界大戦の映画への関心が再燃した。^[103]ジョセフ・ヴィルスマイアー監督の『スターリングラード』（1993年）のように戦争の現実を描こうとした 映画もあり、ニューヨーク・タイムズ紙は「現代の戦争を胃が痛くなるような大量虐殺として描くという点で、映画としては限界まで到達している」と評した。^[104]

多くの戦争映画は、国の軍隊の協力を得て製作されている。第二次世界大戦以来、アメリカ海軍は『トップガン』などの映画に艦船や技術指導を提供してきた。アメリカ空軍は『ビッグ・リフト』、『戦略空軍』、『鷲の集い』の製作を支援した。これらの映画は空軍基地で撮影され、空軍関係者が多くの役で出演した。^[105]批評家は、映画『パール・ハーバー』の米国偏向的な出来事の描写は、米国軍から受けた技術支援に対する補償であると主張し、プレミア上映が米海軍空母で行われたことを指摘している。^{[106]別のケースでは、米海軍が}『クリムゾン・タイド』の要素、特に米海軍艦艇での反乱に反対したため、この映画は海軍の支援なしに製作された。^[107]映画史家のジョナサン・レイナーは、このような映画は「また、重要な宣伝、募集、広報機能を果たすことを明らかに意図していた」と述べている。^[106]

中国で最初の戦争映画は、武漢の戦い（1911年）や上海の戦い（1913年）のようなニュース映画だった。それでも、徐新甫の戦闘功績（1925年）などの映画では、戦争は主に背景として描かれていた。1937年以降の日中戦争以降、石東山の守国論映画（1938年）などによって、戦争映画は中国で本格的なジャンルとなった。中国内戦でも、程銀の勝鬨（1952年）などの映画が作られた。同時代を舞台にしたよりヒューマニズム的な映画には謝進の揺りかご（1979年）があり、より最近の大規模な商業映画には呂川の生死城（2009年）がある。^{[108]中国の映画監督たちは、}南京大虐殺（1937年 - 1938年）の間に日本軍が犯した残虐行為を、政治メロドラマ『南京大虐殺』、牟屯飛のドキュメンタリー 『黒い太陽 南京大虐殺』、そして「作り物の日中ロマンス」『泣くな南京』などの映画で繰り返し取り上げようとしてきた。^[109] チャン・イーモウの壮大な中国映画『戦火の花』 （2011年）は、ヤン・ゲリンの小説に基づいており、13歳の少女の目を通して暴力的な出来事を描いている。^[110]

多くのインドネシア映画は、第二次世界大戦中の日本軍によるインドネシア諸島の占領を扱っている。テグ・カルヤ監督の『メメントス』（1985年）は、1930年代のオランダ植民地支配に対する限定的な民族主義者の抵抗を扱っている。^{[111] [112]} 3番目のグループの映画である『ジョグジャカルタでの6時間』（1951年）や『夜明けの攻撃』（1983年）は、インドネシア独立戦争（1945年 - 1949年）を扱っている。同時期の他の2つの映画は、中国の長征に相当するインドネシアを描いている。ウスマル・イスマイル監督の『長征』（1950年）と『彼らの帰還』 （ 1975年）である。これらの映画はそれぞれ、その時代の視点から過去を解釈している。^[112]

より最近のムルデカ（自由）三部作（2009年 - 2011年）は、メラ・プティ（「赤と白」、新インドネシアの国旗の色）から始まり、ゲリラとなった多様な士官候補生の人生を通して独立運動を再考している。^[113]

カリヤ監督の『1828年11月』（1979年）は、植民地の敵は同じオランダであったものの、ジャワ戦争（1825年 - 1830年）を題材にした歴史ドラマを通じてインドネシアの独立闘争を描いている。ディーン・シュルツは、この作品を「インドネシアの人気映画の最高峰を体現した」インドネシア史の「価値ある解釈」と評価した。この作品は、国際的によく知られるようになった最初のインドネシア映画となった。^[114]

戦争はソ連映画の主要ジャンルであり、まさに「映画戦線」として知られるようになった。その戦争映画は、残虐行為の陰惨な描写から感傷的で静かに反逆的な描写まで多岐にわたる。^[115] レオニード・ルコフの人気が高く「美しい」^{[116]映画『} 二人の戦士』（1943年）は、物静かなロシア人とオデッサ出身の外向的な南部人という典型的なソ連兵2人が塹壕で歌う様子を描いている。^[117]

第二次世界大戦を描いたソ連の映画は数多く、ユーリー・オゼロフ監督の『モスクワ攻防戦』（1985年）のような大規模な叙事詩や、戦争の残酷な影響を描いたミハイル・カラトゾフ監督のより心理的な『鶴は翔んでゆく』（1957年）などがあり、後者は1958年にカンヌでパルムドールを受賞した。^[118]

日本の監督は、日本の視点から『伊57潜水艦不降伏』（1959年）、『沖縄戦』（1971年）、『日本のいちばん長い日』 （1967年）などの人気映画を制作した。 ^[119]これらの映画は「一般的に戦争の原因を説明していない」。^[120]第二次世界大戦直後の数十年間、日本映画は『ビルマの竪琴』（1956年）や『野火』（1959年）など、戦闘よりも人間の悲劇に焦点を当てることが多かった。^[120] 1990年代後半から、映画は戦争と日本の行動を肯定的に捉え始めた。『プライド』（1998年）、『独立17805』（2001年）、『南京の真実』（2007年）などのこれらの国家主義的な映画は、日本軍の肯定的な特徴を強調し、日本人は戦後の復讐心と残忍さの犠牲者であると主張してきた。しかしながら、こうした映画は修正主義的であるとの抗議の対象にもなってきた。^{[120] [121] [122 ]} 『永遠の0』 （2013年）は、戦友から臆病者とみなされている零戦パイロットが任務から生還する物語である。この映画は日本の実写映画の興行成績記録を破り、^[123]ウーディネ極東映画祭で金マルベリー賞を受賞したが、^[124]神風特攻隊員に対する国家主義的な同情を批判された。^[125]

イギリスとアメリカの戦時当局は、多種多様なドキュメンタリー映画を製作した。その目的は、軍事訓練、民間人への助言、治安維持の激励などであった。これらの映画はしばしばメッセージを帯びていたため、プロパガンダに分類される。同様に、商業的に製作された映画は、情報、戦争への支援、ある程度のプロパガンダを組み合わせることが多かった。^{[63] [64]} ニュース映画は、表面上は単なる情報提供のため、連合国と枢軸国の両方で製作され、しばしばドラマ化された。^{[126] [127] [128]}もっと最近では、イラン・イラク戦争において、モルテザ・アヴィニのテレビシリーズ「Ravayat-e Fath（勝利の記録）」は、前線の映像と解説を組み合わせた。^[129]

セルゲイ・エイゼンシュテインの1938年の歴史ドラマ「アレクサンドル・ネフスキー」は、ロシアの都市ノヴゴロドへのドイツ騎士団の侵攻をアレクサンドル公が撃退する様子を描いている。^[130] 1939年4月までに、この映画は2300万人が鑑賞した。^{[131] 1941年、監督と他の3人は、その貢献により}スターリン賞を受賞した。この映画には、クラシック作曲家セルゲイ・プロコフィエフの音楽が使われており、作曲家アンドレ・プレヴィンなどのアーティストは、この映画のために書かれた最高の作品だと考えている。^{[132] [133]}ラッセル・メリットは、Film Quarterly誌に寄稿し、この映画を「戦争プロパガンダ映画」と表現している。^[134] 1978年のモンダドーリの世論調査では、 「アレクサンドル・ネフスキー」が世界のベスト100映画に選ばれた。 ^[135]

第二次世界大戦中、映画によるプロパガンダが広く利用された。ケネス・クラークは英国政府に「娯楽そのものへの関心を放棄すれば、プロパガンダを伝えるための貴重な武器を失うことになるかもしれない」と助言し、戦争と戦争努力に関するドキュメンタリー、英国らしさの賞賛、英国の生活と性格に関する映画の使用を提案した。マイケル・パウエルとクラークは、残忍なナチスの思想に染まったUボートの乗組員の生存者がカナダ中を旅し、親切で寛容で知的なカナダ人に出会い、アメリカを戦争に駆り立てるというストーリーで合意した。その結果生まれた映画「49th Parallel」（1941年）は、その年、英国のオフィスで最も人気のある映画となった。^{[137]娯楽映画は、「} Went the Day Well?」 （1942年）のように警戒の必要性や、 「 The Next of Kin」 （1942年）のように「不注意な話」を避けることに関するメッセージを伝えることもできる。^[63]

アメリカでは、チャーリー・チャップリンの『独裁者』（1940年）が明らかにファシズムを風刺していた。^[138] マイケル・カーティスの『カサブランカ』 （1943年）は、ハンフリー・ボガートとイングリッド・バーグマンが演じる登場人物の単なるロマンスではなく、ナチスを中傷し、ナチスへの抵抗を称賛していた。^[138]フランク・キャプラの『なぜ我々は戦うのか』シリーズ（1942年 - 1945年）は、1942年のアカデミー賞最優秀ドキュメンタリー賞を受賞したが、これは「米軍の世論に影響を与える」ために作られたものだった。^{[64] [139]}

冷戦中、「プロパガンダは、兵器に費やされた数十億ドルと同じくらい、ソ連との闘争において重要な役割を果たした。」^[140] 『共産主義との対峙』（1951年）は、想像上のアメリカ侵略をドラマ化した作品であり、他の映画では共産主義の教化などの脅威を描いた。^[140]

潜水艦映画には、潜水艦戦の効果を特に表現することに重点を置いた、独自の意味と慣習がある。このサブジャンルの特徴的な要素はサウンドトラックであり、海中での戦闘の感情的かつドラマチックな性質を実感させようとするものである。例えば、ヴォルフガング・ペーターゼン監督の1981年の映画「潜水艦」では、サウンドデザインが何時間もの映画形式と相まって、爆雷、ソナーの音、敵駆逐艦のプロペラや魚雷などの脅威的な音を伴う長時間の追跡を描写している。[ 141 ]このジャンルの古典的^な映画には、「敵潜水艦」 (1957年) ^[142]や「黙って深海に」 (1958年) があり、どちらも海軍司令官の小説に基づいている。「黙って深海に」は、敵との緊張感と、クラーク・ゲーブルとバート・ランカスター演じる潜水艦司令官と中尉の対照的な性格の両方に満ちた映画である。^[143]

1950年代から60年代にかけて、戦争映画の人気サブジャンルは捕虜映画だった。^[144]このジャンルは、ガイ・ハミルトンの『コルディッツ物語』（1955年）やジョン・スタージェスのアメリカ映画『大脱走』 （1963年）などの大作映画によってイギリスで人気を博した。^{[144]これらの映画は、第二次世界大戦中の}ルフト3号捕虜収容所などのドイツ軍捕虜収容所からの実際の脱出を物語る。危険や悲劇的な人間的エピソードがあるにもかかわらず、これらの映画は少年のような脱出ゲームと創意工夫の連続を楽しみ、捕虜の勇気と反抗的な精神を称え、戦争を娯楽として扱っている。^{[144] [145] [146]}デヴィッド・リーンの『戦場にかける橋』（1957年）はアカデミー賞で最優秀作品賞に選ばれた。この映画は、このジャンルをドイツの極寒の刑務所からタイの収容所の暑さへと導いた。また、この作品は、アレック・ギネスが演じたイギリス人の頑固な大佐を、豊かな色彩で表現した最初の作品でもあり、ギネスはオスカー賞を受賞している。^[144]捕虜を描いた映画としては「決定版」のオスカー受賞作は、ビリー・ワイルダーの『第17捕虜収容所』（1953年）であり、『ディア・ハンター』（1978年）の短いが迫力のある捕虜収容所のシーンは、映画全体に悲劇的な雰囲気を与えている。^[144]

チャーリー・チャップリンの『ショルダー・アームズ』（1918年）は、その後の戦争映画のスタイルを確立し、映画史上初の戦争を題材にしたコメディとなった。^{[147] [148]}

第二次世界大戦中のイギリス映​​画は、ロンドンからの子供たちの疎開を社会派コメディで表現した。例えば『町から来た子供たち』（1942年）では疎開者たちが伯爵の家に身を寄せる。一方、『貸別荘』（1941年）や『一日うまくいったか』 （1942年）ではイギリスの田舎にスパイがうようよいる。^[149] 『ガスバッグ』 （1941年）は「おかしくて、不遜で、ドタバタした」コメディで、防空砲から強制収容所まであらゆるものを茶化している。^[150] アボットとコステロの『二等兵』（1941年）はアメリカでヒットし、^[151]その後も多くの戦時コメディが作られることになった。^[152]

ウィンザー・マッケイの『ルシタニア号の沈没』（1918年）は、第一次世界大戦を舞台にした無声映画である。上映時間は12分で、当時製作されたアニメ映画としては最長だった。おそらく最初に製作されたアニメプロパガンダ映画であり、現存する最古のシリアスアニメドラマである。 ^{[153] [154] [155]}第二次世界大戦中も、アニメプロパガンダ短編はアメリカ映画界に影響を与え続けた。ウォルト・ディズニー・カンパニーはアメリカ軍と協力し、1942年から1945年の間に40万フィートの戦争プロパガンダ映画を製作した。 ^{[156]その中には}『総統の顔』（1943年）や『死への教育』 （1943年）などがある。^[157]

1960年代以降の日本のアニメ映画は、戦争の国民的記憶を扱った。 『AKIRA』 （1988年）は、広島と長崎の原爆による破壊から世界的紛争の終末論的なビジョンへと移り、 『火垂るの墓』（1988年）は、戦争が子供たちに与える影響について哀歌的に描いている。^{[158] [159]} 『はだしのゲン』（1983年）は、子供の目を通して広島への原爆投下を描いているが、^{[160]批評家は、この映画を}『火垂るの墓』ほどよくできていないと評価している。奇妙なことに、この作品は「胃がひっくり返るようなディテール」と粗雑なアートワークが組み合わさって、「土曜の朝のワーナーブラザースのアニメ」のような見た目になっている。^[161]

反戦映画のジャンルは、第一次世界大戦を題材にした映画から始まった。このジャンルの映画は典型的には修正主義的で、過去の出来事を反映し、多くの場合、ジャンルが混在している。ルイス・マイルストンの『西部戦線異状なし』（1930年）は、ドイツの視点を描いた、間違いなく力強い初期の反戦映画であり、最優秀作品賞と最優秀監督賞の2つのアカデミー賞を受賞した最初の映画となった（あらゆるジャンルの中で）。^[148] 『西部戦線異状なし』を分析したアンドリュー・ケリーは、このジャンルを、戦争の残酷さ、人間の苦しみの大きさ、無能な将校による人々の信頼の裏切りを示すものと定義した。戦争映画と反戦映画は、多くの一般的な曖昧さを含んでいるため、分類が難しいことがよくある。^{[1]多くの反戦映画が、過去の戦争での残酷な戦闘を描写することで直接戦争を批判している一方で、ペンの}『アリスのレストラン』などの一部の映画は、徴兵局などを揶揄することで、間接的に戦争を批判している。^[162]アメリカで製作される反戦映画の数は、マッカーシズムとハリウッドのブラックリストのために、1950年代に急激に減少した。^[163]ブラックリストの廃止とMPAAのレイティングシステムの導入は、アメリカで反戦映画を含むあらゆる種類の映画の復活の時代を告げた。ロバート・エバーウェインは、2つの映画を反戦の古典として挙げている。^[164] 1つ目は、ジャン・ルノワールの捕虜の傑作である^[148] 大いなる幻影（ 1937年）。ルノワールの現代政治とイデオロギー批判は、国家や人種の境界や過激なナショナリズムを超越する普遍的な人間性を称賛し、人類の共通の経験が政治的分裂とその延長である戦争に勝つべきだと示唆している。^[165] 2つ目は、スタンリー・キューブリックの「突撃」（1957年）である。批評家のデイヴィッド・エアレンシュタインは、 『突撃』によってキューブリックは「同世代を代表する商業映画監督」であり、世界クラスの才能を持つ人物として確立されたと書いている。エアレンシュタインはこの映画を「フランス軍の悲惨な演習とその結果開かれた軍法会議を描いた、外見はクールだが内面は情熱的な抗議ドラマ」と表現し、「戦争の恐怖に動揺した」無実の人物を描いた「古典」の『西部戦線異状なし』と対比させている。^[166]

コメディは風刺の余地を与え、戦後の映画製作者たちは、スタラグ17（1953年）や博士の異常な愛情（1964年）など、様々な映画でコメディと反戦感情を融合させた。^[167] ジョセフ・ヘラーの第二次世界大戦に関する風刺小説に基づいたマイク・ニコルズのキャッチ22 （1970年）や、朝鮮半島を舞台にしたロバート・アルトマンのマッシュ（1970年）などのブラックコメディは、ベトナム戦争中にますます懐疑的になる大衆の態度を反映していた。^[168]

フランクリン・J・シャフナー監督の『パットン』（1970年）では、実在のジョージ・S・パットン将軍を題材に、他のジャンルが融合され、戦闘シーンの合間にパットン将軍の戦争のやり方についての解説が挿入され、指揮官の良い面と悪い面が示された。『パットン』と『MASH』は、当時制作された戦争/反戦映画の中で最も収益性の高い2作品となり、^[169]『パットン』はアカデミー賞を7部門受賞した。^[170]

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• 2015-06-27にWayback Machineにアーカイブされました
• マイケル・ウィルミントン & ダン・ガイア: 戦争に関する世界: 映画ディスカッション
• 英国映画協会: 戦艦と海戦を題材にした素晴らしい映画 10 選