アラン・レネ

アーティストたちがスタジオで制作する様子を捉えた一連の短編ドキュメンタリー映画や、いくつかの商業作品の制作を経て、レネは1948年、パリで開催される展覧会に合わせてゴッホの絵画に関する映画を制作するよう依頼された。当初は16mmフィルムで撮影したが、プロデューサーのピエール・ブラウンベルガーが完成版を見て、35mmフィルムでの撮り直しを依頼された。 ゴッホは1948年にヴェネツィア・ビエンナーレで賞を受賞し、1949年にはアカデミー賞最優秀2巻短編映画賞も受賞した。^{[ 16 ]}（ブラウンベルガーはその後10年間、レネのいくつかの映画のプロデューサーを務めた。）レネは『ゴーギャン』（1950年）と『ゲルニカ』（1950年）で芸術的主題に取り組み続け、後者では1937年の町の爆撃に基づいたピカソの絵画を検証し、ポール・エリュアールが書いたテキストを添えて提示した。^{[ 17 ]}芸術に対する政治的な視点は、彼の次のプロジェクト（クリス・マルケルと共同監督）『彫像もまた死ぬ』（1953年）の根底にもあり、これはフランスの文化植民地主義によるアフリカ美術の破壊についての論争的な作品である。^{[ 18 ]}

『夜と霧』（Nuit et Brouillard、1956年）はナチスの強制収容所に関する最初のドキュメンタリーの1つですが、収容所の実際の過去の存在よりも、収容所の記憶を扱っています。^{[ 19 ]}標準的なドキュメンタリーの手法では、その恐怖の巨大さに立ち向かうことができない（そしてそれを人間的に描く危険性さえある）と認識したレネは、収容所の歴史的な白黒画像と、現場の現代のカラー映像を長いトラッキングショットで交互に映し出すことで、距離を置く手法を選択しました。付随するナレーション（収容所の生存者であるジャン・カイロールが執筆）は、距離を置く効果を高めるために意図的に控えめにされています。この映画はフランス政府による検閲の問題に直面しましたが、その影響は大きく、監督の最も高く評価されている作品の1つとなっています。^{[ 3 ] [ 20 ]}

『世界の記憶のすべて』（1956年）では、また別の種類の集合的記憶が考察され、国立図書館の果てしなく広がる空間と膨大な蔵書が、長回しの撮影による別の作品集で探求された。この映画は、W・G・ゼーバルトの小説『アウステルリッツ』で言及され、図書館は「無数の言葉を与えられなければならず、それによって無数の言葉を自ら生み出す、極めて複雑で絶えず進化する生き物」として描かれている。^{[ 21 ]}

1958年、レネはペシネー社から依頼を受け、プラスチックの利点を称えるカラーワイドスクリーンの短編映画『スチレンの歌』を制作した。このプロジェクトに文字通り詩をもたらしたのはレイモン・クノーで、彼は映画のナレーションを韻を踏んだ二行連句で書いた。^{[ 22 ]}

ドキュメンタリー短編映画を制作した10年間で、レネは他の芸術分野の第一人者たちとのコラボレーションへの関心と才能を確立した。初期作品の題材となった画家たち、作家たち（『ゲルニカ』のエリュアール、『夜と霧』のカイロル、『スチレンの歌』のクノー）、音楽家たち（ 『ゴーギャン』のダリウス・ミヨー、『夜と霧』のハンス・アイスラー、『スチレンの歌』のピエール・バルボー）、そして他の映画監督たち（レネはアニエス・ヴァルダの最初の映画『ラ・ポワント・クルト』の編集を担当し、クリス・マルケルと共同監督した『彫像もまた死ぬ』）などである。同様のコラボレーションは、彼の後の長編映画作品の基盤となった。^{[ 23 ]}

レネの最初の長編映画は『ヒロシマ・モナムール』（1959年）である。これは『夜と嵐』の製作者（アナトール・ドーマンとアルゴス・フィルムズ）からの依頼で、原爆に関するドキュメンタリーを制作することから始まったが、レネは当初、強制収容所に関する以前の映画^{[ 24 ]}と似すぎていると考え、理解不能な苦しみをどのように撮影するかという同じ問題を抱えていると考え、断った[25]。^{しかし、小説}家のマルグリット・デュラスとの議論の中で、広島について語ることの不可能性を認めるフィクションとドキュメンタリーの融合が発展し、広島について語ることの不可能性についてのみ語ることができるようになった^{[ 26 ]} 。この映画では、記憶と忘却のテーマが、映像とナレーションテキストのバランスを取り、従来のプロットやストーリー展開の概念を無視する新しい物語技法によって探求されている。^{[ 27 ]}この映画は1959年のカンヌ国際映画祭でトリュフォーの『大人は判ってくれない』と並んで上映され、その成功はフランス・ヌーヴェルヴァーグの台頭と結びついた。^{[ 28 ]}

レネの次の作品は、小説家アラン・ロブ＝グリエと共同制作した『去年マリエンバートで』（ 1961年）である。断片的で変化に富んだ物語は、豪華なヨーロッパのホテルやシャトーを舞台に、女性1人と男性2人の3人の主要人物を描き、1年前の出会いの可能性が繰り返し主張され、疑問視され、否定される。ヴェネツィア国際映画祭で金獅子賞を受賞した後、この映画は大きな注目を集め、どのように理解すべきかについて多くの異なる解釈を引き起こした。ロブ＝グリエとレネ自身がこの映画について矛盾する説明をしているように見えるインタビューも、その解釈を後押しした。しかし、この映画が映画における物語構成の伝統的な概念に大きな挑戦をもたらしたことは疑いの余地がなかった。^{[ 29 ]}

1960年代初頭、フランスはアルジェリア戦争によって深く分裂しており、1960年にはアルジェリアにおけるフランスの軍事政策に抗議する「121人の宣言」が、レネを含む著名な知識人や芸術家グループによって署名された。戦争、そしてその惨禍と向き合うことの難しさは、彼の次の映画『ミュリエル』（1963年）の中心テーマであり、断片的な物語を用いて登場人物の精神状態を探求した。これは、間接的であってもアルジェリアの経験について言及した最初のフランス映画の一つである。^{[ 30 ]}

『戦争は終わった』 （ 1966年）も、現代の政治問題が背景となっている。今回は、スペインのフランコ政権に対する左翼反対派の秘密活動である。この映画の脚本は、スペインの作家ホルヘ・センプルンが担当した。センプルン自身もスペイン共産党の元党員で、現在はフランスに自主亡命している。^{[ 31 ]}両者とも、この映画がスペインを題材にしていることを否定したが、1966年のカンヌ国際映画祭の公式コンペティションに出品された際、スペイン政府の反対により出品が取り下げられ、コンペティション外で上映された。^{[ 32 ]} 1967年、レネはクリス・マルケルやジャン＝リュック・ゴダールを含む他の6人の監督と共に、ベトナム戦争を題材にした共同作品『ベトナムから遠く離れて』（Loin du Vietnam）に参加した。

1968年以降、レネの映画は、少なくとも直接的には、以前の作品のいくつかがそうであったように、大きな政治的問題を取り上げることはなくなった^{[ 33 ]}。そして、彼の次のプロジェクトは方向転換を示すものとなった。『ジュテーム、ジュテーム』（1968年）は、過去に送り返された男の物語のためにSFの伝統^{[ 34 ]}を取り入れ、レネは再び断片的な時間の物語を提示することができた。この映画の脚本家は、作家のジャック・スタンバーグであった。この映画は公開時に不運に見舞われ（1968年5月の政治的出来事の中でカンヌでの上映が中止された）、レネが次の映画を監督できるまでにはほぼ5年を要した^{[ 35 ] 。}

1960年代を通して、レネはジャン・レイの物語を原作とした国際共同製作映画『ハリー・ディクソンの冒険』の監督を務める予定で、プロデューサーはアナトール・ドーマンだった。この企画では、主人公の探偵役にダーク・ボガードかローレンス・オリヴィエのどちらかを起用し、美術監督にアンドレ・デルヴォー、音楽にカールハインツ・シュトックハウゼンを起用する予定だった。レネとドーマンは10年間この企画に取り組んだが、最終的に断念した。^{[ 36 ]}フレデリック・ド・トワルニッキによるこの映画の脚本は2007年に出版された。^{[ 37 ]}

レネはアメリカでマルキ・ド・サドに関するものなど、未完成の様々なプロジェクトに取り組んでいた時期があった。また、 1948年から1971年にかけてロンドン、スコットランド、パリ、ヌヴェール、リヨン、ニューヨーク、広島で撮影した写真集『Repérages』を出版した。序文はホルヘ・センプルンが執筆した。^{[ 38 ]}写真の中には、未完成のハリー・ディクソン映画に関連するものもある。

ジャック・ドワイヨンが企画したコレクティブ映画『L'An 01 (The Year 01)』 （1973年）にエピソードを提供した後、レネはホルヘ・センプルンと再びコラボレーションし、『スタヴィスキー』（1974年）を制作した。この作品は、1934年に死去し政治スキャンダルを引き起こした悪名高き金融家で横領犯の生涯に基づいている。華やかな衣装とセット、スティーブン・ソンドハイムの音楽、そしてタイトルロールを演じるジャン＝ポール・ベルモンドを擁するこの作品は、レネの当時としては最も商業的な映画と見なされたが、その複雑な物語構造は、彼の初期の作品の形式的な関心事と明確な関連性を示していた。^{[ 39 ]}

レネは『プロビデンス』 （1977年）で初めて英語の映画を製作し、脚本はデヴィッド・マーサー、出演者にはジョン・ギールグッド、ダーク・ボガード、エレン・バースティンらが名を連ねた。物語は、老いて死期が近い小説家が、自身の過去の別のバージョンと格闘しながら、それを小説に翻案していく​​様子を描いている。レネは、暗いテーマをユーモラスに表現することに熱心で、それを「不気味な娯楽」と表現した。^{[ 40 ]}形式的な革新性は『アメリカのおじさん』 （ 1980年）の特徴であり、神経生物学者アンリ・ラボリの動物行動に関する理論が、3つの絡み合った架空の物語と並置されている。また、架空の登場人物に対するさらなる対比として、彼らが同一視する古典的なフランス映画俳優の映画抜粋が挿入されている。^{[ 41 ]}この映画はカンヌ国際映画祭のグランプリを含む数々の国際的な賞を受賞し、またレネ監督の作品の中でも特に大衆に受け入れられた作品の一つとなった。^{[ 42 ]}

1980年代以降、レネは特に音楽や演劇など、他の大衆文化の素材を映画に取り入れることに強い関心を示した。^{[ 1 ] [ 43 ]}残りの作品のほぼすべてにおいて、彼はサビーヌ・アゼマ、ピエール・アルディティ、アンドレ・デュソリエを中心とした俳優陣と繰り返し仕事をし、時にはファニー・アルダンやランベール・ウィルソンも加わった。このうち最初の4人は、ユートピアの夢を描いた喜劇ファンタジー『人生はバラ色のベッド』（1983年）の大勢の出演者の中に含まれており、異なる時代、異なるスタイルで語られる3つの物語が共通の舞台設定の中で織り交ぜられている。物語は歌のエピソードによって区切られ、終盤にはオペラのようなシーンへと発展する。レネは、対話と歌が交互に展開する映画を作りたいという願望が出発点だったと語っている。^{[ 44 ]}

音楽は、全く異なる形で用いられ、 1984 年の『死に至る愛』の主要な要素となった。4 人の主要俳優 (アゼマ、アルディティ、アルダン、デュソリエ) によるこの緊迫した室内劇のために、レネはハンス・ヴェルナー・ヘンツェに、伴奏ではなく、俳優のセリフと相互作用するドラマの完全に統合された要素である「第 5 の登場人物」として機能する音楽エピソードの作曲を依頼した。^{[ 45 ]}その後、レネはよりポピュラーなスタイルの音楽に注目した。彼は、アメリカの作曲家の生涯と作品を演奏家や映画製作者の証言を通して振り返り、ギー・ペラールトに依頼した絵画と並置した革新的なテレビ ドキュメンタリー『ガーシュウィン』（1992 年）を制作した。 1997年の『同じ古い歌』では、デニス・ポッターのテレビ作品へのオマージュとして、登場人物たちが劇的な状況を中断することなく、よく知られた（録音された）ポピュラーソングの断片を突然歌い出すことで、主要な感情や内なる考えを表現している。^{[ 46 ]} 1920年代の長らく忘れ去られていたオペレッタが、レネの次の映画『口にしないで』の意外な基となった。この作品で彼は、時代遅れの娯楽形式を活性化させようと、その演劇性をカメラの前で再現し、ミュージカルナンバーのほとんどを訓練された歌手ではなく俳優に任せた。^{[ 47 ]}

レネの映画製作には劇場への言及が数多く見られる（『マリエンバート』、『ミュリエル』、『スタヴィスキー』、『アメリカのおじさん』など）が、彼が初めて舞台作品全体を映画化するという挑戦に取り組んだのは、アンリ・ベルンシュタインの1929年の同名戯曲を映画化した『メロ』（1986年）だった。レネは（短縮した点を除けば）戯曲に完全に忠実であり、明らかに人工的なデザインの大きなセットで長回しで撮影したり、幕が下りることで劇の幕を区切ったりすることで、その演劇性を強調した。^{[ 48 ]} 『家に帰りたい』 （1989年）でコミックや漫画の世界に足を踏み入れた後、野心的な舞台化作品として『喫煙／禁煙』 （1993年）の二部作が続いた。長年アラン・エイクボーンの戯曲を高く評価していたレネは、その中でも最も難解に思えた『親密な交換』を映画化することにした。これは、何気ない選択の結果、16通りの結末に至る8つの連作戯曲である。レネは、順列の結末の数を少し減らし、戯曲を2本の映画に圧縮した。それぞれの映画は共通の出発点を持ち、どの順番で見てもよい。サビーヌ・アゼマとピエール・アルディティがすべての役を演じ、架空のイギリスの村のスタジオセットのデザインによって、この作品の演劇性が再び強調された。^{[ 49 ]}レネは、次の10年でエイクボーンの『公共の場所での私的恐怖』を映画化し、『クール』（2006年）というタイトルを付けた。この作品の「陽気な荒涼感」の雰囲気に貢献している舞台/映画効果の一つは、セットの窓から絶えず見える人工雪で、最終的にはスタジオの内部にも降り注ぐ。^{[ 50 ]}

1986年にレネは、映画と演劇を切り離して考えておらず、両者を敵視するつもりもないと語った。^{[ 51 ]}彼は「演劇関係者」と仕事をすることを好み、小説を映画化することは決して望まないと述べた。^{[ 52 ]}そのため、クリスチャン・ガイリーの小説『L'Incident』を『Les Herbes folles』（ワイルド・グラス、2009年）の原作に選んだことは、ある意味で異例のことだった。しかし、彼は、最初にこの本に惹かれたのはその対話の質の高さであり、映画でもそれをほぼそのまま残したと説明した。『Les Herbes folles』がカンヌ国際映画祭で上映された際、レネは「映画史への卓越した貢献」に対して特別審査員賞を受賞した。^{[ 53 ]}

レネ監督は最後の2作品でも再び演劇から題材を得た。『まだ何も見ていない!』 （2012年）はジャン・アヌイの2つの戯曲を原作とし、13人の俳優（その多くはレネ監督の初期作品の常連俳優）が、作家の臨終の願いにより、彼の戯曲の1つで自分たちの役を演じる新たな公演を目撃するために集められた。^{[ 54 ] [ 55 ]}この映画は2012年のカンヌ国際映画祭でパルム・ドールを競うコンペティション部門で上映された。^{[ 56 ] [ 57 ]}『愛し、飲み、歌う』 （2014年）は、レネ監督がアラン・エイクボーンの戯曲『ライフ・オブ・ライリー』を原作とした3作目の映画で、共通の友人が末期症状であるという知らせによって3組のカップルが混乱に陥る。レネの死の3週間前、この映画は2014年2月に開催された第64回ベルリン国際映画祭のコンペティション部門で初上映され、「新たな視点を開く長編映画」として銀熊賞を受賞した。^{[ 58 ] [ 59 ]}レネは死去当時、2013年の戯曲『到着と出発』を基にしたエイクボーンの別のプロジェクトを準備していた。^{[ 60 ] [ 61 ]}