フレデリック・デリウス

デリウスはヨークシャーのブラッドフォードで生まれた。彼はフリッツ・テオドール・アルベルト・デリウスとして洗礼を受け^{[ 1 ]}、40歳頃までフリッツという名前を使っていた^{[ 2 ]。}彼はユリウス・デリウス（1822年-1901年）と妻のエリーゼ・ポーリーネ（旧姓クローニヒ、1838年-1929年）の4人の息子のうち2番目の息子で、他に10人の娘がいた^{[ 3 ]} 。デリウスの両親はヴェストファーレンのビーレフェルトで生まれ^{[ n 1 ]}、ユリウスの家族は元々オランダ人で、すでに数世代にわたってライン川近くのドイツ領に住んでいた^{[ n 2 ]} 。ユリウスの父エルンスト・フリードリヒ・デリウスはナポレオン戦争でブリュッヒャーの下で従軍した。^{[ 5 ]}ジュリアスは羊毛商人としてのキャリアをさらに発展させるためにイギリスに移住し、1850年にイギリスの市民権を取得しました。彼は1856年にエリーズと結婚しました。^{[ 2 ]}

デリウス家は音楽一家で、ヨーゼフ・ヨアヒムやカルロ・アルフレード・ピアッティといった著名な音楽家が客として訪れ、家族のために演奏した。^{[ 2 ]}ドイツ人の両親を持つにもかかわらず、若いフリッツはモーツァルトやベートーヴェンのオーストリア・ドイツ音楽よりもショパンやグリーグの音楽に惹かれ、その好みは生涯続いた。^{[ 3 ]}若いデリウスは最初にハレ管弦楽団のルドルフ・バウアーケラーからヴァイオリンを教わり、リーズのジョージ・ハドックのもとでより高度な研鑽を積んだ。^{[ 6 ]}

デリウスはヴァイオリニストとして十分な腕前を身につけ、後にヴァイオリン教師として開業したが、彼の最大の音楽的喜びはピアノでの即興演奏であり、ショパンのワルツというピアノ曲が、彼に音楽との初めての恍惚とした出会いをもたらした。^{[ 5 ] [注3 ]} 1874年から1878年まで、彼はブラッドフォード・グラマー・スクールで教育を受け、そこでは歌手のジョン・コーツが彼より少し年上の同級生だった。^{[ 7 ]}その後、デリウスは1878年から1880年までアイルワース（ロンドンのすぐ西）のインターナショナル・カレッジに通った。生徒として彼は特に頭の回転が速くも勤勉でもなかったが、^{[ 5 ]}カレッジはデリウスがコンサートやオペラを鑑賞するのに都合の良いほど街に近かった。^{[ 8 ]}

ユリウス・デリウスは息子が家業の羊毛事業に携わるだろうと考え、その後3年間、息子を説得しようと懸命に努力した。デリウスの最初の仕事はグロスターシャー州ストラウドの会社の代表で、そこで彼はまずまずの成果を上げた。その後、同様の役職でケムニッツに派遣されたが、ドイツの主要な音楽の中心地への旅行やハンス・シットとの音楽の勉強を優先し、職務を怠った。^{[ 8 ]}父親は彼をスウェーデンに送ったが、そこでも彼は商業よりも芸術的関心を優先し、ノルウェーの劇作家ヘンリック・イプセンとグンナー・ヘイベルクの影響を受けた。イプセンの社会慣習への非難は、デリウスを商業的背景からさらに遠ざけた。^{[ 2 ]}その後、デリウスは会社の代表としてフランスに派遣されたが、彼は頻繁に仕事を休んでフレンチ・リビエラに旅行した。^{[ 8 ]}その後、ジュリアス・デリウスは息子が家業を継ぐ見込みがないことを悟ったが、音楽を職業とすることには反対し続け、代わりに息子をアメリカに送り、オレンジ農園の経営をさせた。^{[ 8 ]}

アメリカへの移住がジュリアスの発案だったのか、息子の発案だったのかは不明である。^{[ n 4 ]}フロリダの大手不動産会社はブラッドフォードを含むイギリスのいくつかの都市に支店を持っていた。ウィリアム・ランデルは、デリウスのフロリダ滞在に関する記事の中で、ジュリアス・デリウスがブラッドフォードの事務所を訪れ、手に負えない息子をフロリダに送ってオレンジを栽培するというアイデアを思いついたか、あるいはフリッツ自身が嫌悪していた家族の羊毛事業から逃れる方法としてそれを考え、父親にそのアイデアを提案したかのどちらかだろうと推測している。^{[ 10 ]}デリウスは1884年の春から1885年の秋までフロリダに滞在し、ジャクソンビルの南約25マイル（40キロメートル）にあるセントジョンズ川沿いのソラノ・グローブの農園で暮らして^いた。^{[ n 5 ]彼は音楽に没頭し続け、ジャクソンビルでトーマス・ウォードと}出会い、彼から対位法と作曲を教わった。デリウスは後に、ウォードの教えが自分が受けた唯一の有益な音楽指導だったと述べている。^{[ 12 ]}

デリウスは後にソラノ・グローブの家を「掘っ立て小屋」と表現することを好んだが、それは4部屋もある立派なコテージで、デリウスが客をもてなすのに十分な広さがあった。^{[ n 6 ]}ウォードやブラッドフォードの旧友チャールズ・ダグラス、デリウスの弟アーネストも時折そこに滞在した。川からのそよ風と樫の木の天蓋によって夏の猛暑から守られたその家は、住み心地の良い場所だった。デリウスはオレンジ栽培の仕事にはほとんど関心を払わず、音楽への興味を追求し続けた。ジャクソンビルには、ヨーロッパ人にとっては型破りではあったが、豊かな音楽生活があった。ランデルは、地元のホテルではアフリカ系アメリカ人のウェイターが歌手も兼ねており、客や通行人のために毎日歌のコンサートを開いていたため、デリウスはスピリチュアルに出会ったと述べている。さらに、船主は甲板員に働きながら歌うことを奨励していた。 「デリウスは、蒸気船が通り過ぎるたびに、昼夜を問わず、水面を越えてソラノ・グローブのベランダまで甘く澄んだ歌声が聞こえてくるのを決して忘れなかった。オレンジの栽培にこれほど不向きな環境は想像しがたいが、作曲にはこれ以上にふさわしい環境は想像しがたい。」^{[ 10 ]}

フロリダ滞在中、デリウスは最初の作品となるピアノのためのポルカ「Zum Carnival」を出版した。^{[ 10 ]} 1885年後半、彼はソラノ・グローブの管理人を後見人に任せ、バージニア州ダンビルに移住した。その後、彼は音楽家としてのキャリアに専念した。地元の新聞に掲載された広告には、「フリッツ・デリウスはピアノ、ヴァイオリン、音楽理論、作曲の指導を直ちに開始します。生徒の自宅でレッスンを行います。料金は妥当です。」と書かれていた。^{[ 10 ]}デリウスはフランス語とドイツ語のレッスンも提供していた。ダンビルは音楽が盛んな街で、彼の初期の作品はそこで公開演奏された。^{[ 10 ]}

フロリダ滞在中、デリウスはクロエという名の地元のアフリカ系アメリカ人女性との間に息子をもうけたとされている。^{[ 14 ]}数年後、デリウスが農園を売却するためにフロリダに戻った際、クロエは彼が息子を連れ去りに来たと恐れ、子供を連れて逃げて姿を消したとされている。^{[ 15 ]} 1990年代、ヴァイオリニストのタスミン・リトルは、デリウスの隠し子とされる子供の子孫を探し始めた。^{[ 16 ]}リトルは、息子を見つけられなかったことが、その後の彼の作品のトーンに大きな影響を与えたと考えている。^{[ 17 ]}

1886年、ジュリアス・デリウスはついに息子が音楽の道を志すことを許し、正式に音楽を学ぶための費用を負担した。デリウスはダンビルを離れ、ニューヨークを経由してヨーロッパに戻った。ニューヨークでは、少しの間滞在して数回のレッスンを行った。^{[ 2 ]}ヨーロッパに戻った彼は、ドイツのライプツィヒ音楽院に入学した。ライプツィヒは主要な音楽の中心地であり、アルトゥール・ニキシュとグスタフ・マーラーがオペラハウスで指揮者を務め、ブラームスとチャイコフスキーがゲヴァントハウスで自らの作品を指揮していた。^{[ 5 ]}音楽院では、デリウスはカール・ライネッケの下でピアノの勉強にほとんど進歩が見られなかったが、サロモン・ヤダッゾーンは彼の勤勉さと対位法の理解を称賛した。デリウスはまた、ハンス・シットの下で勉強を再開した。^{[ 2 ]}デリウスの初期の伝記作家である作曲家のパトリック・ハドリーは、デリウスの成熟した音楽には「いくつかの弱いパッセージを除いて」、彼の学術的な指導の痕跡は見られないと述べています。^{[ 3 ]}デリウスの成長にとって、ライプツィヒで作曲家のエドヴァルド・グリーグに出会ったことははるかに重要でした。グリーグは、彼以前のウォードと同様に、デリウスの才能を認めました。1888年の春、シットはグリーグ、クリスティアン・シンディング、そして作曲家本人の3人の聴衆の前で、デリウスのフロリダ組曲を指揮しました。 ^{[ n 7 ]}グリーグとシンディングは熱狂し、デリウスの熱心な支持者となりました。1888年4月にロンドンで開かれた晩餐会で、グリーグはついにジュリアス・デリウスに、息子の将来は音楽にあると確信させました。^{[ 3 ]}

1888年にライプツィヒを離れた後、デリウスはパリに移り住み、叔父のテオドールが彼を庇護し、社会的にも経済的にも面倒を見てくれた。^{[ 2 ]}その後の8年間、デリウスはオーガスト・ストリンドベリ、エドヴァルド・ムンク、ポール・ゴーギャンなど多くの作家や芸術家と親交を結んだ。フランスの音楽家とはほとんど交流がなかったが、 ^{[ 2 ]}フローラン・シュミットがデリウスの最初の2つのオペラ『イルメリン』と『魔の泉』のピアノ譜を編曲した（後にラヴェルがヴェリズモ・オペラ『赤いマルゴ』で同じことをした）。^{[ 5 ]}その結果、彼の音楽はフランスで広く知られることはなかった。^{[ n 8 ]}デリウスの伝記作家ダイアナ・マクヴェーは、この時期のデリウスについて「魅力的で、温厚で、自然体で、愛情深い人物だった」と述べている。この時期に彼は梅毒に感染し、それが後の健康状態の悪化につながったと一般的に考えられている。^{[ 2 ] [ 20 ]}

デリウスのパリ時代は音楽的に実り多いものだった。彼の交響詩「パー・ヴィッデルネ」は1891年にクリスチャニアで、1894年にモンテカルロで上演された。グンナー・ハイベルクは1897年に自身の戯曲「フォルケラーデット」の付随音楽をデリウスに依頼した。また、デリウスの2作目のオペラ「魔法の泉」はプラハでの上演が決定したが、理由は不明ながら計画は頓挫した。^{[ 21 ]}この時期の他の作品には幻想序曲「丘を越えて遥か彼方へ」（1895～1897年）や管弦楽変奏曲「アパラチア：古い奴隷の歌による変奏曲」（1896年、1904年に声楽と管弦楽のために書き直された）などがある。^{[ 8 ]}

1897年、デリウスは後に妻となるドイツ人画家イェルカ・ローゼンと出会った。彼女はプロの画家で、オーギュスト・ロダンの友人であり、アンデパンダン展の常連出品者だった。^{[ 2 ]}イェルカはすぐに若い作曲家の音楽への賞賛を表明し、^{[ 22 ]}二人はドイツの哲学者フリードリヒ・ニーチェの著作とグリーグの音楽への共通の情熱によってさらに親密になった。^{[ 2 ]}イェルカはパリ郊外40マイル（64km ）のフォンテーヌブローの端にあるグレ＝シュル＝ロワン村に家を購入した。^{[ 2 ]}デリウスは彼女を訪ね、フロリダに短期間戻った後、彼女と同居するようになった。 

1903年に二人は結婚し、第一次世界大戦中にドイツ軍の進攻によってこの地域が脅かされた短い期間を除いて、デリウスは残りの人生をグレで過ごした。^{[ 2 ]}結婚は型破りなものだった。当初はイェルカが主な稼ぎ手であり、子供はおらず、デリウスは貞淑な夫ではなかった。イェルカは彼の浮気にしばしば心を痛めたが、彼女の献身は揺るがなかった。^{[ 2 ]}

同年、デリウスは、エルバーフェルトの指揮者ハンス・ハイム、フリッツ・カッシーラー、アルフレート・ヘルツ、デュッセルドルフの指揮者ユリウス・ブースといった、彼の音楽を支持するドイツ人指揮者たちとの実りある交流を始めた。^{[ 3 ]}ハイムは、1897年11月13日にドイツ語のタイトル「 Über die Berge in die Ferne」^{[ n 9 ]}で演奏した「Over the Hills and Far Away 」を指揮したが、これはデリウスの音楽がドイツで初めて演奏されたと考えられている。^{[ 23 ]} 1899年、ヘルツはロンドンのセント・ジェームズ・ホールでデリウスのコンサートを開催し、 「Over the Hills and Far Away」、合唱曲「Mitternachtslied」、オペラ「Koanga」からの抜粋を演奏した。当時、ロンドンではオーケストラのコンサートは珍しい出来事であったため、無名の作曲家にとってこれは異例の機会であった。^{[ 24 ]}好意的な批評にもかかわらず、デリウスの管弦楽曲は1907年までイギリスのコンサートホールで再び演奏されることはなかった。^{[ 23 ]}

管弦楽曲「パリ：大都市の歌」は1899年に作曲され、ハイムに献呈された。ハイムは1901年12月14日にエルバーフェルトで初演を行った。この曲は地元紙から批判的なコメントを招き、作曲家は聴衆をバスに乗せてパリのナイトスポットからナイトスポットへと連れ回しているが、「大通りのカフェで流れる心地よいジプシーのメロディーを聴かせてくれず、いつもシンバルとタンバリンだけで、しかもほとんどが2つのキャバレーから同時に流れてくる」と不満を述べた。^{[ 23 ]}この作品は1年足らず後にベルリンでブゾーニの指揮のもと上演された。 ^{[ 23 ]}

この時期のデリウスの初演作品のほとんどは、ハイムと彼の同僚のドイツ人指揮者によって行われた。1904年にカッシーラーがコアンガを初演し、同年にはエルバーフェルトでピアノ協奏曲、デュッセルドルフでレーベンスタンツが演奏された。 1905年にはアパラチア（フロリダに触発された古い奴隷歌に基づく合唱管弦楽変奏曲）が同地で演奏された。1906年にはエッセンでシー・ドリフト（ウォルト・ホイットマンの詩から歌詞を取ったカンタータ）が初演され、1907年にはベルリンでオペラ「村のロメオとジ​​ュリエット」が初演された。 ^{[ 2 ]}デリウスのドイツでの評価は第一次世界大戦まで高く、1910年には彼の狂詩曲ブリッグ・フェアが36の異なるドイツのオーケストラによって演奏された。^{[ 3 ] [ 25 ]}

1907年までに、多くのドイツの都市で彼の作品が上演されたおかげで、トーマス・ビーチャムが言うように、デリウスは「年が進むにつれて増大する繁栄の波に安全に浮かんでいた」。^{[ 26 ]}ヘンリー・ウッドはその年にデリウスのピアノ協奏曲の改訂版を初演した。また1907年には、カッシーラーがロンドンでいくつかのコンサートを指揮し、そのうちの1つでは、ビーチャムのニュー・シンフォニー・オーケストラと共にアパラチアを演奏した。それまでデリウスの音楽を1音も聴いたことがなかったビーチャムは「驚き」を表明し、作曲家の作品の生涯の信奉者となった。^{[ 27 ]} 1908年1月、彼はパリ：偉大な都市の歌の英国初演を指揮した。^{[ 28 ]}その年の後半、ビーチャムはブリッグ・フェアをロンドンの聴衆に紹介し、^{[ 29 ]}エンリケ・フェルナンデス・アルボスはレーベンスタンツを演奏した。^{[ 30 ]}

1909年、ビーチャムは、4人のソリスト、2人合唱団、大編成オーケストラのために書かれた、デリウスのコンサート作品の中で最大かつ最も野心的な作品である「生命のミサ」の初全曲演奏を指揮した。 ^{[ 2 ]}この作品はリヒャルト・シュトラウスの「ツァラトゥストラはこう語った」と同じニーチェの作品に基づいていたが、デリウスはシュトラウスの作品とは距離を置き、それを完全な失敗作とみなした。^{[ 23 ]}また、シュトラウスはエルガーを高く評価していたようにデリウスを高く評価していなかった。彼はデリウスに「交響曲の展開があまりにも乏しく、しかもシャルパンティエの模倣のように思える」として、パリでの指揮は望まないと告げた。^{[ 31 ]}

20 世紀初頭、デリウスは最も人気のある作品のいくつかを作曲しました。その中には、ブリッグ・フェア(1907 年)、夏の庭にて(1908 年、1911 年改訂)、川辺の夏の夜(1911 年)、春に最初のカッコウの鳴き声を聞いて(1912 年) などがあります。マクヴェイは、これらの作品について「作曲家がドイツ系でフランスに住んでいたにもかかわらず、これらの絶妙な牧歌は、ほとんどの聴衆にとって『イングランド』を意味する」と述べています。^{[ 2 ]} 1910 年、ビーチャムはロンドンのロイヤル・オペラ・ハウスでオペラ・シーズンを開催しました。ビーチャム家の莫大な財産を利用できた彼は、商業的な考慮を無視し、興行収入が限られている作品をいくつかプログラムしました。その中には、村のロミオとジュリエットも含まれています。^{[ n 10 ]}批評は丁寧だったが、タイムズ紙は楽譜のオーケストラ的な側面を称賛しつつ、「デリウス氏は声楽のための劇的な作曲感覚が著しく乏しいようだ」とコメントした。^{[ 33 ]}他の批評家も、楽譜には非常に美しい部分が含まれているが、劇としては効果的ではないという点で同意した。^{[ 34 ]}

第一次世界大戦中、デリウスとイェルカは戦火を避けるためグレツを離れた。彼らはイングランド南部に一時的に居を構え、デリウスはそこで作曲を続けた。1915年、『ミュージカル・タイムズ』誌は、デリウスの崇拝者であり作曲家でもあるフィリップ・ヘーゼルタイン（「ピーター・ウォーロック」として知られる）による彼の人物評を掲載し、ヘーゼルタインは次のようにコメントしている。

彼はこの国（つまりイギリス）の音楽界で公式な地位には就いておらず、どのアカデミーでも教えておらず、名誉教授や音楽博士号さえ持っていません。コンサートを開いたり、自分の音楽を宣伝したりすることもなく、オーケストラを指揮したり、人前で楽器を演奏したりすることもありません（ベルリオーズでさえタンバリンを演奏しました！）。^{[ 9 ]}

ヘーゼルタインは、デリウスを自身の音楽に妥協なく集中した作曲家として描写した。「デリウスの音楽を表面的に捉えることはできない。それは、存在の奥底で感じるか、全く感じないかのどちらかだ。これが、ビーチャム氏以外では、デリウスの作品の真に一流の演奏を聴く機会がめったにない理由の一つかもしれない。」^{[ 35 ] [ n11 ]}

デリウスの戦時中の主要な作品の 1 つは、彼のレクイエムで、「戦争で亡くなったすべての若い芸術家の記憶に捧げる」とされています。この作品は伝統的なキリスト教の典礼とは全く関係がなく、死後の世界の概念を避け、代わりに自然の汎神論的な再生を称えています。1922年にアルバート コーツがロンドンでこの作品を発表したとき、その無神論は一部の信者を不快にさせました。この態度はデリウスの死後も長く続き、レクイエムは1965 年までイギリスで再び上演されることはなく、1980 年になっても世界中で 7 回しか上演されていませんでした。ドイツでは、戦争の勃発とともにデリウスの作品の定期的な上演が中止され、再開されることはありませんでした。^{[ 37 ]}それにもかかわらず、大陸の音楽家たちの間での彼の評価は影響を受けませんでした。ビーチャムは、バルトークとコダーイがデリウスの崇拝者であったことを記録しており、バルトークは自分の作品をデリウスに送って意見を求める習慣がつき、ハンガリーとルーマニアのポピュラー音楽の両方にデリウスの関心を引こうとした。^{[ 38 ]}

戦争が終わる頃には、デリウスとイェルカはグレに戻っていた。デリウスは1880年代に感染したと思われる梅毒の症状が出始めていた。彼はヨーロッパ各地の診療所で治療を受けたが、1922年には杖を2本使って歩くようになり、1928年には麻痺と失明に陥った。戦前の繁栄を取り戻すことはできなかった。デリウスの治療費は追加費用となり、失明のため作曲はできず、大陸での演奏機会の減少により印税収入も減った。ビーチャムはさりげなく経済的援助を行い、作曲家で音楽後援者のH・バルフォア・ガーディナーはグレの家を購入し、デリウスとイェルカに家賃無料で住まわせた。^{[ 2 ]}

ビーチャムは1920年から1923年の間、コンサートホールやオペラハウスから一時的に姿を消していたが、コーツは1920年に「高地の歌」を初演し、ヘンリー・ウッドとハミルトン・ハーティはクイーンズ・ホール管弦楽団とハレ管弦楽団でデリウスの音楽をプログラムした。^{[ 3 ]}ウッドは1920年にヴァイオリンとチェロのための二重協奏曲を、1923年には「日の出前の歌」と「舞踏狂詩曲第2番」をイギリス初演した。 ^{[ 39 ]}デリウスはジェームズ・エルロイ・フレッカーの戯曲「ハッサン」 （1923年）の付随音楽で、ヒズ・マジェスティーズ・シアターで281回上演され、経済的にも芸術的にも成功を収めた。^{[ 8 ]}ビーチャムの復帰により、作曲家はハドリーの言葉を借りれば、「最も熱心な崇拝者でさえ想像もしなかった、真の大衆的成功」を収めた。ハドリーは特に、1929年にクイーンズ・ホールでビーチャムが総指揮を務め、作曲家本人がバスチェアに座って出席した6日間のデリウス音楽祭を挙げている。「ソリストや合唱の有無にかかわらず、彼のオーケストラ作品の精髄が盛り込まれ」、ホールは満員だった。^{[ 3 ]}音楽祭の企画では、6つのコンサートのうち3つの詳細なプログラムノートを書いたフィリップ・ヘーゼルタインがビーチャムを補佐した。^{[ 36 ] [ 40 ]}音楽祭には室内楽や歌曲、「村のロミオとジュリエット」からの抜粋、ピアノ協奏曲とヴァイオリン協奏曲、そして「シナラ」と「遅いひばり」の初演が含まれ、「生命のミサ」で締めくくられた。^{[ 8 ]} マンチェスター・ガーディアンの音楽評論家ネヴィル・カーダスは、音楽祭中にデリウスと会った。彼は作曲家の肉体の衰弱ぶりを描写しているが、「彼には哀れみを覚えるようなところは何もなかった …彼の顔は力強く、軽蔑的で、そのすべての皺は勇敢な人生によって刻まれていた」。カルダスによれば、デリウスはヨークシャー訛りが顕著で、ほとんどのイギリス音楽を「感情を恐れる人々」によって書かれた、決して聴かれるべきではない紙の音楽だと切り捨てたという。^{[ 41 ]}

若いイギリス人の崇拝者、エリック・フェンビーは、デリウスがイェルカに口述筆記させながら作曲しようとしていることを知り、無償の筆記者として自ら申し出た。1928年から5年間、彼はデリウスと協力し、口述筆記させた彼の新作を書き留めたり、以前の作品の改訂を手伝ったりした。二人は共同で『シナラ』（アーネスト・ドーソンの詩による曲）、 『遅いひばり』（ W・E・ヘンリーの詩による曲）、『夏の歌』、ヴァイオリン・ソナタ第3番、『イルメリン前奏曲』 、そしてデリウスが30年前に作曲した短編オペラ『赤いマルゴ』の音楽を再利用した『牧歌』 （1932年）を制作した。マクヴェイは、二人の共同制作作品の中で最も優れたものとして、ホイットマンの詩に曲をつけた合唱と管弦楽のための『別れの歌』を挙げている。この作品はイェルカに献呈されたものである。^{[ 2 ]}この時期に制作された他の作品には、チェリストのベアトリス・ハリソンのために書かれたチェロとオーケストラのためのカプリスとエレジー、そしてデリウスがフェンビーに献呈した短いオーケストラ作品「ファンタスティック・ダンス」がある。^{[ 42 ]}ヴァイオリン・ソナタには、二人のやり方が確立される前にデリウスがフェンビーに口述しようとした最初の、理解不能なメロディーが組み込まれている。フェンビーが最初にそのメロディーを習得できなかったことから、デリウスは「この少年は役に立たない…簡単なメロディーさえ書き留めることができない」という見解に至った。^{[ 43 ] [ n 12 ]}フェンビーは後に、デリウスとの仕事の経験について本を書いた。フェンビーは、他の詳細の中でも、デリウスのクリケットへの愛を明らかにしている。二人は1930年のイングランドとオーストラリアのテストシリーズを大いに興味を持って見守り、困惑したイェルカに、少年時代のクリケットでの活躍について話を聞かせた。^{[ 44 ]} 1932年、デリウスはブラッドフォード市の名誉市民の称号を授与された。^{[ 45 ]} 

1933年、両作曲家が亡くなる前年、ヴァイオリン協奏曲の演奏会で指揮をするためにパリに飛んだエルガーは、グレでデリウスを訪ねた。デリウスはエルガーの音楽を概して高く評価していたわけではなかったが^{[注13 ]}、二人は意気投合し、1934年2月にエルガーが亡くなるまで、温かい文通が続いた^{[ 8 ]。}エルガーはデリウスを「詩人であり、先見の明のある人物」と評した^{[ 46 ] 。}

デリウスは1934年6月10日、72歳でグレで亡くなった。彼は自分の庭に埋葬されることを望んでいたが、フランス当局はそれを禁じた。無神論者であったにもかかわらず、彼のもう一つの希望は「イングランド南部の田舎の教会墓地に埋葬され、人々が野の花を供えることができるようにしてほしい」というものだった。^{[ 8 ]}この時、イェルカは病気でドーバー海峡を渡ることができず、デリウスは一時的にグレの地元の墓地に埋葬された。^{[ 47 ]}

1935年5月までに、イェルカはイギリスでの再埋葬に出席するために渡航するだけの体力が回復したと感じた。彼女はサリー州リンプスフィールドの聖ペテロ教会を埋葬地として選んだ。^{[ n 14 ]}彼女は式典のためにイギリスへ船で向かったが、途中で体調を崩し、到着後ドーバーの病院、その後ロンドンのケンジントンの病院に運ばれ、5月26日の再埋葬には出席できなかった。^{[ 49 ]}式典は真夜中に行われ、サンデー・ディスパッチ紙の見出しは「サリー州の教会墓地でちらつく灯りの下、60人が参列」だった。^{[ 50 ]}牧師は「神の慈悲によって、亡くなった人々の魂が安らかに眠らんことを」と祈りを捧げた。^{[ 51 ]}イェルカは2日後の5月28日に亡くなった。彼女はデリウスと同じ墓に埋葬された。^{[ 2 ]}

1929年のロンドン音楽祭の後、タイムズ紙の音楽評論家は、デリウスは「どの流派にも属さず、どの伝統にも従わず、音楽の形式、内容、スタイルにおいて他の作曲家と似ていない」と書いた。^{[ 52 ]}しかし、この「極めて個性的で個人的な語法」^{[ 53 ]}は、作曲家が多くの影響を吸収した長い音楽修業の産物であった。デリウスは後に、芸術的発展における最初の重要な経験は、ソラノ・グローブで川を下って彼のもとに運ばれてきた農園の歌の音から来たと主張した。フェンビーに語ったところによると、この歌が最初に音楽で自己表現したいという衝動を彼に与えたのだという。^{[ 54 ]}そのため、フェンビーは、デリウスの初期の作品の多くは「黒人の賛美歌や民謡の香りが漂う」ものであり、「オーケストラではそれまで聴かれたことがなく、その後もほとんど聴かれたことがない」音だと書いている。^{[ 55 ]}デリウスの「黒人」音楽への親しみは、おそらく彼のアメリカでの冒険よりも前からあったのだろう。 1870年代には、テネシー州ナッシュビル出身の人気歌唱グループ、フィスク・ジュビリー・シンガーズがイギリスとヨーロッパをツアーし、ブラッドフォードで何度か好評を博したコンサートを行った。デリウスが1933年にエルガーに宛てた手紙の中で、黒人農園労働者の「美しい4部合唱」について触れた時、彼は無意識のうちにフィスク・グループが歌ったスピリチュアルを暗示していたのかもしれない。^{[ 56 ]}

ライプツィヒで、デリウスはワーグナーの熱心な弟子となり、ワーグナーの連続音楽の技法を習得しようと努めた。デリウス研究者のクリストファー・パーマーによれば、長い楽節を構成する能力は、デリウスがワーグナーから受け継いだ永続的な恩恵であり、ワーグナーからは「音の限りなく増殖する官能性」である半音階的和声技法の知識も得た。^{[ 57 ]}しかし、おそらく他の誰よりもデリウスに影響を与えた作曲家はグリーグであろう。ノルウェーの作曲家であるグリーグは、デリウスと同様に、自然や民謡から主なインスピレーションを得ており、デリウスの初期の音楽の多くを特徴づけるノルウェー風の風味の刺激となった。^{[ 58 ]}音楽評論家のアンソニー・ペインは、グリーグの「軽やかなテクスチャーと展開しない半音階の使用は、ワーグナー的な重荷を軽くする方法をデリウスに示した」と述べている。^{[ 8 ]}デリウスはキャリアの初期にはショパンから、後には同時代のラヴェルやリヒャルト・シュトラウスから、そしてはるかに若いパーシー・グレインジャーからインスピレーションを得ており、グレインジャーは最初にブリッグ・フェアのメロディーを^デリウスに紹介した人物^{である。 [ 60 ]}

パーマーによれば、デリウスが作曲家としての方向性をフランスの同時代人クロード・ドビュッシーから得た可能性は否定できない。^{[ 61 ]}パーマーは二人の間に美的類似点を見出し、いくつかの共通する特徴や熱意を指摘している。二人ともキャリアの初期にグリーグから影響を受け、ショパンを敬愛していた。また、海の音楽的描写や無言歌の使用においても共通点がある。パーマーは『ブリッグ・フェア』の冒頭を「デリウスの作品の中で最もドビュッシーらしい瞬間」と評している。^{[ 62 ]}ドビュッシーは1901年3月16日のコンサートで演奏されたデリウスのソプラノと管弦楽のための『 2つのデンマークの歌』のレビューで、「とても甘美で、とても淡い、裕福な地域で療養中の人々を癒す音楽だ」と書いている。^{[ 63 ]}デリウスはフランスの作曲家のオーケストレーションを賞賛したが、彼の作品には旋律が欠けていると考えていた^{[ 62 ]} ― 後者はデリウス自身の音楽に対してもしばしば向けられたコメントである。^{[ 64 ] [ 65 ]}しかしフェンビーはデリウスの「旋律的な詩的散文の飛翔」に注目し^{[ 66 ]}、作曲家が大衆の趣味、つまり美しい旋律という形で「大衆が望むものを与える」ことを軽蔑していたことを認めている。^{[ 67 ]}

初期の音楽の慣習的な形式から、デリウスは創作活動の過程で、容易に認識でき、「他の誰の作品とも似ていない」スタイルを発展させたとペインは述べている。^{[ 8 ]}徐々に自分の声を見つけるにつれて、デリウスは創作活動の初期に開発された手法を、より成熟したスタイルに置き換えた。ペインは、そのスタイルには「独自の微妙な対比と展開の手段を伴う、ますます豊かになる和音構造」があると指摘している。^{[ 64 ]} 1920年代と1930年代にオックスフォード大学出版局の音楽編集者であったヒューバート・フォスは、デリウスは楽器の既知の可能性から音楽を作るのではなく、「まず音を考え」、次にその特定の音を生み出す手段を求めたと書いている。^{[ 68 ]}デリウスのスタイルの完全な成熟は、彼が主な名声の基盤となる一連の作品を書き始めた1907年頃に始まる。^{[ 64 ]}フォスは、より成熟した作品において、デリウスがソナタや協奏曲といった従来の形式をますます拒否するようになったことを指摘している。デリウスの音楽は「確かに建築的ではなく、絵画、特に点描画の様式に近い」とフォスは述べている。^{[ 68 ]}絵画との類似性はカルダスによっても繰り返されている。^{[ 65 ]}

認知に向けて

クリストファー・パーマーの言葉を借りれば、デリウスの最初の管弦楽曲は「味気ないが魅力的な水彩画家」の作品であった。^{[ 69 ]}フロリダ組曲（1887年、1889年改訂）は「グリーグとネグロイド・アメリカーナの巧みな融合」^{[ 70 ]}である一方、デリウスの最初のオペラ『イルメリン』（1890～1892年）には、デリウス特有のパッセージは見当たらない。和声と転調は慣習的で、ワーグナーとグリーグの影響がはっきりと見て取れる。ペインは、1895年以前の作品はどれも永続的な興味の対象にはならないと主張している。最初の顕著な様式的進歩は『コアンガ』（1895～1897年）に見られ、より豊かな和音とより速い和声のリズムが特徴的である。ここでデリウスは「すぐに確実に掘り当てることになる鉱脈を探っている」のである。^{[ 64 ]}パリ（1899年）のオーケストレーションはリヒャルト・シュトラウスの影響を受けているが、ペインによれば、その静かな美しさの部分は、後の作品に見られるような深い個人的な関わりを欠いている。デリウスの修業時代の最後の作品であるパリは、フォスによって「デリウスの音楽的絵画の中で最も完成度の高いものの一つ、あるいは最高傑作」と評されている。^{[ 68 ]}

パリ以降に書かれた主要作品のそれぞれにおいて、デリウスは管弦楽と声楽を組み合わせた。これらの作品の最初のものは『村のロミオとジュリエット』で、通常のオペラの幕と場面の構成から外れ、悲劇的な愛の物語を一連のタブローで語る音楽劇である。音楽的には、見習い時代の初期のオペラからスタイルがかなり進歩している。「楽園の庭への散歩」として知られる間奏曲は、ヘーゼルタインによって「死すべき運命のあらゆる悲劇的な美しさが 、圧倒的でほとんど耐え難いほどの痛切さの音楽に凝縮され、注ぎ込まれている」と評されている。^{[ 9 ]}この作品で、デリウスは後のすべての作品を特徴づける音のテクスチャーを達成し始めている。^{[ 64 ]}デリウスの音楽はしばしば旋律と形式に欠けていると見なされる。カルダスは、メロディーは主要な要素ではないものの、豊富に存在し、「移り変わるハーモニーのテクスチャーの中に漂い、織り込まれている」と主張している。カルダスは、この特徴はドビュッシーにしか見られないと考えている。^{[ 65 ]}

デリウスの次の作品である『アパラチア』では、後の作品にも繰り返し登場する特徴、つまり言葉のない歌唱で声を楽器のように使う手法が導入され、この場合はソラノ・グローブでデリウスにインスピレーションを与えた遠く離れたプランテーションの歌が描かれている。^{[ 64 ]}ペインは『アパラチア』は技術面での進歩が限定的であると主張しているが、フェンビーはオーケストラの一節を、デリウスの「自然界に反映されたすべての死すべきものの儚さ」という考え方の最初の表現であると指摘している。その後、短い一節ではなく、作品全体がこの考え方に影響を受けることになる。^{[ 71 ]}作曲家のキャリアの過渡期は、さらに3つの声楽曲、 『海の漂流』（1903年）、『生命のミサ』（1904～05年）、『日没の歌』（1906～07年）で締めくくられる。ペインはこれらをそれぞれ傑作と称賛し、デリウスのスタイルが完全に成熟した形で現れようと奮闘していると述べている。^{[ 64 ]}フェンビーは『生命のミサ』をデリウスの作品の一般的な流れから外れた「広大な括弧」であり、彼が書いた他のどの作品とも異なるが、それでも彼の発展に不可欠な要素であると述べている。^{[ 72 ]}

デリウスの評価は遅れて訪れた。1899年、彼がすでに37歳になる前は、彼の作品はほとんど出版されておらず、一般には知られていなかった。 1894年2月25日にモンテカルロでイギリスの作曲家による作品のプログラムで交響詩「Paa Vidderne」が演奏されたとき、ミュージカル・タイムズは作曲家を「…バルフェ、マッケンジー、オークリー、サリバン…そしてデリウス、彼が誰であろうと」と挙げた。^{[ 81 ]}この作品はモンテカルロで好評を博し、作曲家はモナコのアリス王女から祝辞の手紙を受け取ったが、これによってこの作品や他のデリウス作品のさらなる演奏の要求にはつながらなかった。^{[ 82 ]}彼が書いた歌曲（60曲以上）のいくつかは、時折声楽リサイタルで演奏された。 「フリッツ・デリウスの奇妙な歌」について、タイムズ紙の批評家は「作曲家が間違いなく持っている才能が、それを訓練できる有能な音楽家の手によって、より良い形で活用されたり、適切に発展したりしないことを残念に思う」と述べた。^{[ 83 ]}  

1899 年 5 月にロンドンのセント ジェームズ ホールで行われたコンサートについて、ミュージカル タイムズの評論家は、音楽の一部に粗削りな部分があると指摘しつつも、「大胆な構想と力強い表現力で聴衆の注意を引きつけ、維持する」と称賛した。^{[ 84 ]}しかし、ビーチャムは、この「かなりの称賛」にもかかわらず、デリウスの作品の今後の演奏にどれほどの勢いを与えたとしても、このイベントは実現しなかったかもしれないと記録している。というのも、この音楽はその後何年もイギリスでは演奏されなかったからである。^{[ 85 ]}デリウスはドイツでははるかに好評で、彼の作品の一連の成功した演奏により、ビーチャムが「リヒャルト シュトラウスに次ぐ」デリウス ブームと表現する現象が起こった。^{[ 86 ]}

イギリスでは、 1907年10月22日にクイーンズ・ホールで行われたピアノ協奏曲の演奏が、ソリストのテオドール・サントーの素晴らしさと音楽そのものの力強さで称賛された。^{[ 87 ]}それ以降、デリウスの作品の演奏が増加するにつれて、彼の音楽はイギリスとヨーロッパの聴衆にますます馴染み深いものとなった。1909年6月にクイーンズ・ホールで行われたビーチャムによる「生命のミサ」の演奏は、コンサートのためにエルバーフェルトから来たハンス・ハイムを感動させることはなかったが、^{[ 23 ]}ビーチャムによれば、多くのプロとアマチュアの音楽家はそれを「過去50年間に書かれた同ジャンルの最も印象的で独創的な成果」と考えていたという。^{[ 26 ]}一部の評論家はデリウスの音楽の大衆的な魅力に疑問を持ち続け、また、より具体的に敵対的な評論家もいた。^{[ n 15 ]}

1910年から、デリウスの作品はアメリカで演奏されるようになった。 1910年から1911年にかけて、ウォルター・ダムロッシュ指揮のニューヨーク・フィルハーモニック管弦楽団によって「ブリッグ・フェア」と「夏の庭で」が演奏された。1915年11月、グレンジャーは再びニューヨーク・フィルハーモニック管弦楽団と共演し、ピアノ協奏曲のアメリカ初演を行った。ニューヨーク・タイムズの批評家はこの作品を不均一だと評し、豊かなハーモニーを持ちながらも、色彩と美しさに「ほとんど粗雑な未熟さと醜さ」の効果が混ざり合っていると評した。^{[ 90 ]}

デリウスの生涯を通じて、彼のより人気のある作品はイギリス国内外で演奏され、多くの場合、1929 年 10 月と 11 月にデリウス音楽祭を主催したビーチャムの後援のもとで行われた。タイムズ紙の批評家は、音楽祭を振り返って、満席で「これまで特別な流行を享受したことのない音楽」に対する明らかな熱狂があったと書いたが、この新たな受容が確固たる基盤に基づいているかどうか疑問を呈した。^{[ 52 ]}デリウスの死後、ビーチャムは彼の作品の普及を続け、1946 年に 2 回目の音楽祭が開催され、3 回目は (ビーチャムの死後) 1962 年にブラッドフォードでデリウス生誕 100 年を記念して開催された。これらの機会は、音楽に対する一般的な無関心に直面してのことであった。^{[ 91 ]}生誕100周年の年に執筆した音楽学者のデリック・クックは、当時「自分が確固たるデロス派であると宣言することは、コカインやマリファナ中毒であることを認めるのとほとんど変わらないほど自己中傷的である」と意見を述べた。^{[ 92 ]}

ビーチャムは1961年に亡くなり、フェンビーは「当時、多くの人々にとって、デリウスの音楽を絶滅から救うものは何もないように思われた」と記している。それほどまでに、指揮者の音楽に対する比類なき熟練ぶりは際立っていたのだ。^{[ 13 ]}しかし、他の指揮者たちはデリウスを擁護し続け、生誕100周年以来、デリウス協会は「デリウスの生涯と作品についてのより深い知識を発展させる」ことを目指してきた。^{[ 93 ]}デリウスの音楽は決して流行することはなく、その事実はプロモーターや批評家によってしばしば認められている。^{[ n 16 ]}デリウスの音楽は「後天的に好きになるもの」だという意見に対し、フェンビーは次のように答えている。「デリウスの音楽は後天的に好きになるものではありません。初めて聴いた瞬間に好きになるか、あるいはその音が永遠に嫌いになるかのどちらかです。それは決して多くの人に受け入れられることのない芸術ですが、少数の人々に常に愛され、深く愛される芸術なのです。」^{[ 96 ]} 2004年にデリウスの没後70周年を記念してガーディアン紙の記者マーティン・ケトルは、1934年にカルダスが、作曲家としてのデリウスは、その技法と感情表現の両面において独特であると主張したことを回想している。カルダスは、デリウスは古典的な形式主義を避けていたものの、彼を単なる「音画家、印象派、あるいは標題音楽の作曲家」とみなすのは間違いだと考えていた。カルダスは、デリウスの音楽の不変の特徴は、「静寂の中で感情を想起させる 」ことだと書いている。「デリウスは常に、美は出来事の後の熟考によって生まれることを私たちに思い出させてくれる」。^{[ 97 ]}