ヘア（ミュージカル）

髪
アメリカン・トライバル・ラブ・ロック・ミュージカル
オリジナルブロードウェイポスター
音楽	ガルト・マクダーモット
歌詞	ジェローム・ラグニ ジェームズ・ラド
本	ジェローム・ラグニ ジェームズ・ラド
プロダクション	1967オフブロードウェイ 1968ブロードウェイ 1968ウエストエンド 1977年ブロードウェイ再演 2009年ブロードウェイ再演 2010年ウエストエンド再演 2019 イギリスツアー
受賞歴	トニー賞 ミュージカルリバイバル部門

ヘアー：アメリカン・トライバル・ラブ・ロック・ミュージカルは、ジェローム・ラグニとジェームズ・ラドが脚本と作詞、ガルト・マクダーモットが作曲したロックミュージカルである。この作品は、1960年代後半のヒッピー・カウンターカルチャーと性革命に対するクリエイターの観察を反映しており、その曲のいくつかはベトナム戦争反対平和運動のアンセムとなった。ミュージカルの冒涜的な表現、違法薬物の使用の描写、性の扱い、アメリカ国旗への不敬、ヌードシーンは、多くのコメントと論争を引き起こした。 ^[1]この作品は、 「ロックミュージカル」というジャンルを定義し、人種的に統合されたキャストを使用し、観客を舞台に招いて「ビー・イン」フィナーレを開催することで、ミュージカル劇場に新境地を開いた。 ^[2]

ヘアーは、ニューヨークでボヘミアンな生活を送り、ベトナム戦争への徴兵に反対する「水瓶座の時代」の政治的に活動的な長髪のヒッピー集団「部族」の物語です。クロード、彼の良き友人バーガー、彼らのルームメイトのシーラ、そして彼らの友人たちは、若い生活、恋愛、性革命と、戦争や保守的な両親や社会に対する反抗との間でバランスを取ろうと奮闘します。最終的に、クロードは、友人たちがしたように徴兵に抵抗するか、平和主義の原則を妥協し、命を危険にさらして ベトナムに従軍するかを決めなければなりません。

1967年10月17日にジョセフ・パップのパブリックシアターでオフブロードウェイデビューを果たし、 1967年12月から1968年1月にかけてチーターナイトクラブで上演された後、1968年4月にブロードウェイで開幕し、1,750回上演された。その後まもなく、米国とヨーロッパの各都市で同時上演され、ロンドンでは1,997回上演された成功を収めた。それ以来、世界中で数多くのプロダクションが上演され、300万枚を売り上げたオリジナルのブロードウェイキャストレコーディングを含め、このミュージカルのレコーディングが数十本も生まれた。スコアの曲のいくつかはトップ10ヒットとなり、 1979年には長編映画化もされた。2009年にはブロードウェイでリバイバル公演が行われ、高い評価を得て、トニー賞とドラマデスクアワードのベストリバイバルミュージカル賞を受賞した。 2008年、リチャード・ゾグリンはタイム誌に「今日のヘアスタイルは、これまで以上に大胆になっているようだ」と書いた。^[3]

ヘアーは俳優のジェームズ・ラドとジェローム・ラグニによって考案された。2人は1964年にオフブロードウェイの失敗作『Hang Down Your Head and Die』で共演した際に出会い、^[4] 1964年後半に一緒にヘアーの執筆を始めた。 ^{[5] [6]} 主な登場人物は自伝的であり、ラドの演じるクロードは物思いにふけるロマンチストで、ラグニの演じるベルガーは外向的である。彼らの親密な関係は、その不安定さも含めてミュージカルに反映されている。ラドは「私たちは親友だった。それは創造性、執筆、この作品の創作に向けた情熱的な関係だった。私たちは舞台上で私たちの間のドラマを描いた」と説明した。^[7]

ラドは『ヘアー』の着想について「街で出会った人物、知り合い、そして自分たちの想像力の組み合わせです。イーストビレッジで学校を中退して徴兵を逃れている子供たちのグループを知っていて、髪を長く伸ばしたせいで学校から追い出される子供たちに関する新聞記事もたくさんありました」と述べている。^[2] 彼は「街や公園、ヒッピー地区では興奮が渦巻いていて、この興奮を舞台に伝えることができたら素晴らしいだろうと思いました。... 彼らとつるんで、彼らのビーインズに行き、髪を伸ばしました」と回想している。^[8] 多くのキャストメンバー（特にシェリー・プリンプトン）は街頭ですぐに採用された。^[2]ラドは「これは歴史的に非常に重要なことで、もし私たちが書いていなければ、例もなかったでしょう。本を読んだり、映画のクリップを見たりすることはできたでしょうが、実際に体験することはなかったでしょう。私たちは『これは路上で起こっている』と考え、それを舞台にしたいと考えました」と語っている。^[4]ニューヨークタイムズ紙のラドの死亡記事によると、タイトルは「1965年半ばの美術館散歩で、彼とラグニがポップアーティストの ジム・ダインの髪の毛の束の絵を見たときに思いついたものです。そのタイトルは『髪』でした」。^[9]

ラドとラグニは異なる芸術的背景を持っていた。大学時代、ラドはミュージカル・レビューを書き、ロジャース＆ハマースタインの伝統を受け継ぐブロードウェイの作曲家を目指していた。その後、リー・ストラスバーグに師事して演技を学んだ。一方、ラグニは、実験的な演劇技法を開発していたオフオフブロードウェイを中心とするいくつかのグループのうちの1つ、オープンシアターの活動的なメンバーだった。^[10] 彼はラドに、オープンシアターで開発されていた現代の演劇スタイルと手法を紹介した。^[11] 2人がヘアーを開発していた1966年、ラグニはオープンシアター制作のメーガン・テリーの演劇ベト・ロックに出演した。これはベトナム戦争に派遣された若者たちの物語である。 ^[12]ベト・ロックでは、戦争というテーマに加え、実験的な演劇シーンで使用されていた即興演習が採用され、後にヘアーの開発にも使用された。^{[6] [13]}

ラドとラグニはショーの草稿をプロデューサーのエリック・ブラウに持ち込み、ブラウは共通の友人ナット・シャピロを通じて二人をカナダの作曲家ガルト・マクダーモットに紹介した。^[14]マクダーモットは1961年に「アフリカン・ワルツ」（キャノンボール・アダレイが録音）でグラミー賞を受賞した。 ^[15] 作曲家のライフスタイルは共同制作者とは著しく対照的だった。「私は髪が短く、妻がいて、その時点では子供が4人いて、スタテン島に住んでいました。」^[8] 「ラドとラグニに会ったとき、ヒッピーという言葉さえ聞いたことがありませんでした。」^[4] しかし、彼はロックンロールショーをやるという彼らの熱意を共有していた。^[4] 「私たちは独立して仕事をしています」とマクダーモットは1968年5月に説明した。「私はその方が好みです。彼らが私に素材を渡します。私はそれを音楽に付けます。」^[16] マクダーモットは3週間で最初のスコアを書き、^[7]「I Got Life」、「Ain't Got No」、「Where Do I Go」、そしてタイトル曲から始めた。^[2] 彼は最初「Aquarius」を型破りな芸術作品として書いたが、後にそれを高揚感のある賛歌に書き直した。^[7]

クリエイターたちはこのミュージカルをブロードウェイのプロデューサーに売り込んだが、多くの拒否反応を受け取った。最終的に、ニューヨーク・シェイクスピア・フェスティバルを運営していたジョー・パップは、ニューヨーク市イーストビレッジの新しいパブリックシアター（まだ建設中）のオープニング作品として『ヘアー』を上演したいと決めた。このミュージカルは、パップがプロデュースした存命の作家による最初の作品となった。^[17]劇場の副芸術監督である演出家のジェラルド・フリードマンは、35歳のラドーはクロード役には年を取りすぎていると判断したが、32歳のラグニをバーガー役に起用することに同意した。^[9]制作は順調に進まなかった。「リハーサルとキャスティングのプロセスは混乱しており、素材自体も劇場のスタッフの多くには理解できないものだった。[フリードマンは]リハーサルの最終週に不満を抱き辞​​職を申し出た。パップはそれを受け入れ、振付師のアンナ・ソコロウがショーを引き継いだ。…悲惨な最終リハーサルの後、パップは逃げていたワシントンのフリードマン氏に電報を送った。『戻ってきてください』。フリードマン氏は戻ってきた。」^[18]

ヘアーは1967年10月17日にオフブロードウェイのパブリックで初演され、6週間の限定公演となった。主役は、クロード役のウォーカー・ダニエルズ、バーガー役のラグニ、シーラ役のジル・オハラ、ウーフ役のスティーブ・ディーン、ハッド役のアーノルド・ウィルカーソン、ジーニー役のサリー・イートン、クリシー役のシェリー・プリンプトンであった。^[19]舞台美術はミン・チョー・リー、衣装デザインはセオニ・アルドリッジ、アンナ・ソコロウがリハーサルを開始したが、振付師としてのクレジットはフリードマンが受け取った。^[20]この作品は「批評家からの評価はいまいち」であったが、観客には好評であった。^[18]キャストアルバムは1967年にリリースされた。^[21]

シカゴのビジネスマン、マイケル・バトラーは、反戦政策を掲げて米国上院議員選挙に立候補する予定だった。ニューヨーク・タイムズ紙に掲載された『ヘアー』の広告を見て、このショーがネイティブ・アメリカンに関するものだと思い込んだバトラーは、パブリック劇場の公演を何度も鑑賞し^[8]、パブリック劇場での公演終了後、ジョー・パップと協力してニューヨークの別の会場でこのショーを再演した。パップとバトラーは、まずショーを53丁目とブロードウェイにあるディスコ、ザ・チーターに移した。ショーは1967年12月22日にそこで開幕し^{[22] 、45回の公演が行われた[2} ] 。パブリック劇場とチーター劇場の公演のどちらにもヌードシーンはなかった^{[1] 。}

ヘアーは、1968年1月にチーター劇場で閉幕してから3か月後にブロードウェイで初演されるまでの間に、徹底的な改訂が行われた。オフブロードウェイの脚本は、もともと筋書きが薄かったが、さらに緩められ^[23]、より現実的なものとなった。^{[24]エンディングをより高揚させるため、「Let the Sun Shine In」を含む} 13曲の新曲が追加された^[23]。^[7]

ブロードウェイに移る前に、クリエイティブチームはラ・ママ実験劇場クラブで実験演劇の演出家として名声を築いていたトム・オホーガンを監督として雇った。彼はパブリックシアターの制作の監督として作者の第一候補だったが、当時はヨーロッパにいた。^[25]ニューズウィーク誌はオホーガンの演出スタイルを「官能的で野性的、そして徹底的に音楽的... [彼は] 言葉の構造を崩壊させ、物語や登場人物さえも分解してさまざまな俳優に分配することが多い... 彼は感覚の衝撃を楽しんでいる」と評した。^{[26]リハーサルでは、オホーガンは}ヴィオラ・スポリンとポール・シルズ から受け継いだロールプレイングや即興「ゲーム」のテクニックを使った。この過程で試みられた即興の多くはブロードウェイの脚本に取り入れられた。^[27]オホーガンと新しい振付師ジュリー・アレナルは俳優たちの自由と自発性を奨励し、ブロードウェイではこれまで見られなかった「有機的で拡張性のある演出スタイル」を導入した。^[4] ヌードを取り入れようという発想は、セントラルパークでの反戦デモで2人の男性が反抗と自由の表現として裸になったのを見て、そのアイデアをショーに取り入れることにした。^[4] オホーガンは自身が演出した多くの劇でヌードを使用しており、そのアイデアをショーの構造に統合するのに貢献した。^[2]

パップはブロードウェイ公演を断ったため、バトラーが自らプロデュースした。一時は、シュバート家、ネダーランダー家、その他の劇場経営者が、この題材があまりにも物議を醸すと判断したため、バトラーはブロードウェイ劇場を確保できないと思われた。しかし、バトラーは家族のつながりがあり、重要な人物を知っていたため、ビルトモア劇場のオーナーであるデイビッド・コーガンを説得して、劇場を開放してもらった。^[28]

クロードはステージの中央に座り、"部族" は観客と交流する。部族のメンバーで、ニューヨーク大学の学生で、断固たる政治活動家でもあるシーラと、不遜な自由人であるバーガーは、クロードの髪の毛を一房切り、容器に入れて燃やす。部族がスローモーションでステージに向かって集結し、観客の間を通り抜けると、彼らは水瓶座の時代の子供として祝賀を始める ("水瓶座")。バーガーはズボンを脱いで腰巻を見せる。観客と交流しながら、彼は自分を "サイケデリックなテディベア" と紹介し、"ドナを探している" ("ドナ") と明かす。

部族は、合法および違法の医薬品のリストを暗唱する (「ハシシ」)。心優しいウーフは、いくつかの性行為を称賛し (「ソドミー」)、「私は植物を育てる」と言う。彼は植物、家族、そして観客を愛しており、「私たちはみんなひとつだ」と観客に語る。戦闘的なアフリカ系アメリカ人のハドは、ポールに逆さまに乗せられて運ばれてくる。彼は「愛の合衆国の大統領」と宣言する (「カラード スペード」)。偽のイギリス訛りで、クロードは自分が「森で最も美しい獣」であり、「イングランド、マンチェスター」出身であると言う。部族の一人が、彼が本当はニューヨーク州フラッシング出身であることを思い出させる(「イングランド、マンチェスター」)。ハド、ウーフ、バーガーは、自分たちの肌の色を宣言する (「私は黒人だ」)。一方、クロードは、自分は「透明人間」であると言う。部族は、自分たちに欠けているもののリストを暗唱する (「何もない」)。 4 人のアフリカ系アメリカ人の部族のメンバーが象徴的な順序で道路標識を暗唱します (「Dead End」)。

シーラはステージに担ぎ上げられ (「I Believe in Love」)、部族を率いて抗議のスローガンを唱える。風変わりな若い女性のジーニーがガスマスクを着けて登場し、公害を風刺する (「Air」)。彼女は妊娠しており、クロードに恋をしている。クロードの子供だったらいいのにと思うが、彼女は「狂ったスピード狂に妊娠させられた」のである。部族は LBJ (リンドン B. ジョンソン大統領)、FBI (連邦捜査局)、CIA (中央情報局)、LSD (「Initials」) を結び付けている。部族の 6 人のメンバーがクロードの両親に扮して登場し、クロードのさまざまな違法行為を叱責する。クロードには仕事がなく、「山のような」紙の切り抜きやメモを集めている。彼らはクロードにこれ以上の金は与えず、「軍隊がお前を男にしてやる」と言い、徴兵通知書を渡す。クロードは反抗して、部族を率いて彼らの生命力を祝う（「I Got Life」）。

バーガーは、リチャード・ニクソン、ローマ教皇、そして「アラバマ・ウォレス」のような有名人のための薬だと言って、部族の人々に架空の薬を配った後、自分が高校を追放されたときのことを語る。部族の3人がヒトラーの口ひげとスワスティカの腕章をつけて校長に扮し、アメリカの教育制度を嘲笑する。バーガーと部族は「ゴーイング・ダウン」を歌いながら彼らに反抗する。クロードは徴兵委員会の身体検査から戻り、合格する。彼はベトナム戦争の徴兵カードを燃やすふりをするが、バーガーはそれが図書館カードだと明かす。クロードは徴兵されたらどうしたらよいかと苦悩する。

観光客に扮した部族の2人が通路を歩いてきて、部族の人々になぜそんなに長い髪をしているのかと尋ねます。答えとして、クロードとバーガーは部族を率いて彼らの髪の意味を説明します（「髪」）。女性は、子供は「自由で、罪悪感を抱く必要はない」し、「誰も傷つけない限り、何でも好きなことをしていい」と言います。彼女は、長い髪は、雄の鳥の「優雅な羽毛」のように自然であると指摘します（「私の信念」）。彼女はコートを開けて、自分が女装した男性であることを明らかにします。カップルが去るとき、部族は彼女をマーガレット・ミードと呼びます。

シーラはバーガーに黄色いシャツをあげる。バーガーはふざけてシャツを二つに裂いてしまう。シーラはバーガーが自分よりも「血を流す群衆」のことを気にしているようだと苦悩を口にする（「Easy to Be Hard」）。ジーニーはみんなの恋愛関係をまとめる。「私はクロードに夢中、シーラはバーガーに夢中、バーガーはどこにでも夢中。クロードはシーラとバーガーに固執している」。バーガー、ウーフ、そしてもう一人の部族のメンバーはアメリカ国旗を折り畳み、風刺的な賛辞を捧げる（「Don't Put it Down」）。部族は観客のところへ走り出て、ビーインに招待する。若くて純真なクリッシーが「フランク・ミルズ」という自分が探している少年について語った後、部族は「ビーイン」に参加する。部族の男たちは徴兵カードを燃やす。クロードは自分のカードを火の中に入れ、気が変わって引き抜く。彼は「私がなぜ生き、なぜ死ぬのかを教えてくれる何か、誰かがどこにいるのか？」と尋ねる（「私はどこへ行くのか」）。部族は裸で現れ、「ビーズ、花、自由、幸福」と唱える。

部族の4人が「エレクトリック ブルース」を歌う。停電後、部族はクロードを呼び出そうと礼拝を始める（「ああ、偉大なる力の神よ」）。クロードが徴兵センターから戻り、部族のメンバーはクロードの徴兵面接での会話を想像して演じる。ハドは「徴兵は白人が黒人を派遣して、赤人種から奪った土地を守るために黄色人種と戦争をさせることだ」と言う。クロードはウーフにミック ジャガーのポスターを渡し、ウーフはジャガーにこだわっていると言っていたので、贈り物に興奮する。部族の白人女性3人が「ブラック ボーイズ」が好きな理由を語り（「黒人の男の子は素敵だ...」）、シュープリームスのような格好をした黒人女性3人が「ホワイト ボーイズ」が好きな理由を語る（「白人の男の子はすごくかわいい...」）。

バーガーはクロードに幻覚剤入りのジョイントを渡す。クロードは、部族が彼の幻覚を演じているのを見てトリップし始める（「Walking in Space」）。彼は、ベトナムのジャングルに飛行機からスカイダイビングしているという幻覚を見る。バーガーはジョージ・ワシントン将軍として現れ、インディアンの攻撃のため撤退するよう告げられる。インディアンはワシントンの部下全員を射殺する。ユリシーズ・S・グラント将軍が現れ、点呼を始める：エイブラハム・リンカーン（部族の黒人女性メンバーが演じる）、ジョン・ウィルクス・ブース、カルビン・クーリッジ、クラーク・ゲーブル、スカーレット・オハラ、アレサ・フランクリン、ジョージ・カスター大佐。クロード・ブコウスキーも点呼に呼ばれるが、クラーク・ゲーブルは「来られなかった」と言う。彼らは全員、 3人のアフリカの呪術師に殺されるまで、メヌエットを踊る。エイブラハム・リンカーンだけは「私はあなたたちの一人だ」と言う。リンカーンは、3人のアフリカ人がリンカーンを称賛した後、ゲティスバーグ演説の別のバージョン（「アビー・ベイビー」）を朗読する。ブースはリンカーンを撃つが、リンカーンはブースに「ちくしょう！私は白人のために死ぬつもりはない」と言う。

幻覚が続く中、4人の仏教僧侶が登場する。1人の僧侶が別の僧侶にガソリンを注ぐと、僧侶は火をつけられ（ティック・クアン・ドックの焼身自殺を彷彿とさせる）、叫びながら逃げ出す。3人のカトリックの修道女が残りの3人の仏教僧侶を絞殺する。3人の宇宙飛行士が修道女たちを光線銃で撃つ。3人の中国人がナイフで宇宙飛行士を刺す。3人のネイティブ・アメリカンが弓とトマホークで中国人を殺害する。3人のグリーンベレーがマシンガンでネイティブ・アメリカンを殺害し、その後互いを殺害する。軍曹と2人の親がハンガーに掛けたスーツを掲げて現れる。両親はスーツにまるで自分の息子であるかのように話しかけ、とても誇りに思っている。死体は起き上がり、子供のように遊ぶ。遊びは暴力へとエスカレートし、全員が再び死亡する。彼らは再び立ち上がり、ベトナムでの犠牲者について「これは汚い小さな戦争だ」と語る（「35000」）。旅のシーンの最後に、部族の2人が死体を見ながら、人間の高貴さについて語るシェークスピアの演説を音楽にのせて歌う（「人間とは一体何なのか」）。

旅のあと、クロードは「路上で暮らしながら、この瞬間瞬間を過ごすことはできない。…自分がなりたいものはわかっている…透明人間になること」と言う。「月を眺めながら」シーラと他の人たちは楽しいひとときを楽しむ（「おはようスターシャイン」）。部族は古いマットレスに敬意を表す（「ベッド」）。クロードは疑問を抱えたまま一人取り残される。吹雪の中、毛布にくるまった部族が入ってくると、彼は立ち去る。彼らは抗議のスローガンを唱え始め、クロードはどこに行ったのかと不思議に思う。バーガーは「クロード！ クロード！」と叫ぶ。クロードは軍服を着て髪を短く切って入ってくるが、目に見えない霊なので見えなくなる。クロードは「好むと好まざるとにかかわらず、彼らは私を捕まえた」と言う。

クロードと全員が「Flesh Failures」を歌う。シーラとディオンヌが歌詞を歌うと、部族はクロードの前に移動する。部族全員が「Let the Sun Shine In」を歌い始め、退場すると、クロードが中央のステージで黒い布の上に横たわっているのが見える。カーテンコールの間、部族は「Let the Sun Shine In」を再び歌い、観客をステージに呼んで踊らせる。

(注:このあらすじはオリジナルのブロードウェイの脚本に基づいています。脚本はその後の公演では変更されています。 )

ヘアーは1968年4月29日、ビルトモア劇場でブロードウェイ初演となった。トム・オホーガンが演出、ジュリー・アレナルが振付、ロビン・ワグナーが舞台美術、ナンシー・ポッツが衣装デザイン、ジュールズ・フィッシャーが照明デザインを担当した。当初のブロードウェイ「一団」（キャスト）には、クロードとバーガーの主役をそれぞれ演じる作家のラドーとラグニ、シーラ役のケロッグ、ハド役のワシントン、オフブロードウェイでの役であるジーニーとクリッシー役を再演するイートンとプリンプトン、ディオンヌ役のメルバ・ムーア、ウーフ役のカリー、ロニー・ダイソン（「アクエリアス」と「What a Piece of Work is Man」を歌った）、ポール・ジャバラ、ダイアン・キートン（ムーアとキートンは後にシーラ役を演じた）がいた。^[29]ブロードウェイ初演時に『ヘアー』に出演したパフォーマーには、ベン・ヴェリーン、キース・キャラダイン、バリー・マグワイア、テッド・ラング、ミートローフ、ララ・ブルックス、メアリー・シーモア（ミュージック）、ジョー・バトラー、ペッピー・カストロ（ブルース・マグース）、ロビン・マクナマラ、ヘザー・マクレー（ゴードン・マクレーとシーラ・マクレーの娘）、エディ・ランボー、ヴィッキー・スー・ロビンソン、ビバリー・ブレマーズ、バート・ソマー、デール・ソウルズ、キム・ミルフォードがいた。^[29]これは通常チケット価格が50ドルとなった最初のブロードウェイショーであり、1968年7月から大企業向けに12席がこの価格で販売された。初演時の最高価格は11ドルだった。^[31]

ヘアーのチームはすぐにトニー賞の主催者との訴訟に巻き込まれた。ニューヨーク・シアター・リーグはプロデューサーのマイケル・バトラーに、1968年4月3日までにプレビューを開始すれば1968年のトニー賞の選考対象となることを保証したが、ヘアーは不適格と裁定し、締め切りを3月19日に変更した。プロデューサーらは訴訟を起こしたが^[32]、リーグに再考を強制することはできなかった。^[33] 1969年のトニー賞では、ヘアーは最優秀ミュージカル作品賞と最優秀監督賞にノミネートされたが、両部門で1776に敗れた。 ^[34] この作品は4年間で1750回上演され、1972年7月1日に閉幕した。^[29]

西海岸版は、ブロードウェイ初演の約6か月後にロサンゼルスのアクエリアス劇場で上演され、前例のない2年間の上演となった。ロサンゼルスの出演者には、ラド、ラグニ、ベン・ヴェリーン（最初はハド役でラグニと交代）、ウィリー・ウェザリー（バーガーとクロード役）、テッド・ニーリー（ラドと交代）、ミート・ローフ、グロリア・ジョーンズ、タタ・ベガ、ジョブライアス、ジェニファー・ウォーンズ、ドビー・グレイがいた。^[5]

すぐにアメリカの9都市で同時上演され、続いて全国ツアーが行われた。^{[5] [35]} これらの出演者には、ジョー・マンテーニャ、アンドレ・デシールズ、シャーロット・クロスリー、アライナ・リード（シカゴ）、^[36] デヴィッド・ラズリー、デヴィッド・パトリック・ケリー、ミートローフ、ショーン・マーフィー（デトロイト）^[37] ケニー・オルテガ、アーノルド・マッカラー（ツアー）^[38] ボブ・ビンガム（シアトル）^[39]フィリップ・マイケル・トーマス（サンフランシスコ）などがいた。^[40] ブロードウェイのクリエイティブ・チームはロサンゼルス、シカゴ、サンフランシスコで『ヘアー』の制作に携わった。ブロードウェイの舞台は、これらや他の初期の地方公演の大まかなテンプレートとなったからである。ロサンゼルスのチームに加わった注目すべき人物は、共同プロデューサーを務めたトム・スマザーズである。 ^[41]地方のキャストは主に地元の俳優で構成されていたが、 [ ⁴² ] オホーガンやその作者たちは、時には地方のショーから新しいアイデアや即興を取り上げ、それをニューヨークに持ち帰ることもありました。例えば、ロサンゼルスの舞台に生きた鶏が投げ込まれたときなどです。^[42]

ブロードウェイでの最初の公演中に、これほど多くの作品が同時に上演されるのは珍しいことだった。『ヘアー』を「これまで書かれた中で最も強力な反戦声明」と宣言したプロデューサーのマイケル・バトラーは、これほど多くの作品を上演した理由は、ベトナム戦争に反対する世論に影響を与え、できるだけ早く戦争を終わらせるためだと語った。^[43]

ヘアーは1968年9月27日にロンドンのシャフツベリー劇場で開幕し、ブロードウェイ版と同じ制作チームが率いた。初演は、1968年劇場法に基づいてイギリスの劇場検閲が廃止されるまで延期され、ショーにヌードや冒涜的な表現を含めることができるようになった。^[44]他の初期の作品と同様に、ロンドン公演では地元のほのめかしが散りばめられ、ブロードウェイ版から若干の変更が加えられた。^[45]

オリジナルのロンドン・トライブには、ソニア・クリスティーナ、ピーター・ストレーカー、ポール・ニコラス、メルバ・ムーア、アナベル・レヴェントン、エレイン・ペイジ、ポール・コルダ、マーシャ・ハント、フロエラ・ベンジャミン、アレックス・ハーヴェイ、オリバー・トビアス、リチャード・オブライエン、ティム・カリーが含まれていた。これはカリーの最初のフルタイムの演劇役であり、彼はここで将来のロッキー・ホラー・ショーの協力者となるオブライエンと出会った。^[46] ヘアのロンドンでの出演はブロードウェイのプロダクションを超え、1,997回の公演が行われ^[45]、 1973年7月に劇場の屋根が崩壊したために閉幕を余儀なくされた。^[47]

ヘアーの外国語版プロダクションの指揮は、バトラーのパートナーでブロードウェイショーのエグゼクティブプロデューサーであるベルトラン・カステッリに任された。 ^{[48]カステッリは作家兼プロデューサーで、パリの芸術界を旅し、}パブロ・ピカソやジャン・コクトー と親交があった。バトラーは彼を「クレイジーなショーマン...ビジネススーツとビーズの男」と評した。^[49] ブロードウェイショーが常に英語で行われていた当時、カステッリは各国の現地語でショーを行うことを決めた。^[48] 翻訳は元の脚本に忠実に従い、ブロードウェイの舞台が使用された。各脚本には通りの名前や地元の政治家や有名人の名前や描写など、地元の言及が含まれていた。カステッリはフランス、ドイツ、メキシコなどの国のカンパニーをプロデュースし、時にはプロダクションの監督も務めた。^[48]ヨーロッパでの最初の公演は1968年9月20日にスウェーデンのストックホルムで開幕し、ウルフ・ブルンベルグやビル・オールストロームが出演し、[ 50 ]ピエール^・フランケルが演出・プロデュースし、 ^[51]ジュリー・アレナルが振付を担当し、^[52] 1969年3月まで134回の公演が行われた。^[53]

カステッリ演出によるドイツ公演^[48]は、 1ヵ月後にミュンヘンで開幕した。[54] 部族にはドナ・サマー、リズ・ミッチェル、ドナ・ワイアントが出演した。パリ公演は1969年6月1日に開幕し成功を^収めた。[ 55 ]オーストラリアでの^{オリジナル} 公演は、ハリー・M・ミラー製作、ジム・シャーマン演出で、デザインも手掛けた。部族には、キース・グラス、次いでバーガー役のレッグ・リバモア、クロード役のジョン・ウォーターズ、マジシャン役のシャロン・レッドが出演した。レッドは、人種的に統合された部族を提供するためにオーストラリアに連れてこられた6人のアフリカ系アメリカ人の1人だった。 ^{[56] [57]}この作品は地元の興行記録を破り、2年間上演されたが、これはボストン生まれのオーストラリア人歌手マーシャ・ハインズの舞台デビュー作となった。^[57] メキシコではアカプルコでの一夜の公演の後、政府により上演禁止となった。^[58] 1969年のブラジル公演には18歳のソニア・ブラガが出演した。 ^[59]

もう一つの注目すべき作品は、1969年にユーゴスラビアのベオグラードで上演された作品である。これは共産主義国で上演された最初のヘアーであった。 ^[60]セルビア語に翻訳されたこのショーは、女性プロデューサー兼ディレクターのミラ・トライロヴィッチがアテリェ212劇場で演出した。 ^{[61] [62]}出演者はドラガン・ニコリッチ、ブランコ・ミリチェヴィッチ、セカ・サブリッチ、ドゥシャン・プレレヴィッチであった。^[63] 4年間で250回の公演が行われ、チトー大統領も来場した。^{[61]脚本には、}毛沢東やユーゴスラビアの伝統的なライバルであるアルバニアに対する辛辣な言及が含​​まれていた。^[48]

1970年までに『ヘアー』は大成功を収め、北米以外でも19の公演が上演された。上記に加え、スカンジナビア、南米、イタリア、イスラエル、日本、カナダ、オランダ、スイス、オーストリアでも上演された。^[35]ビルボード誌 によると、このショーの様々な公演は10日ごとにほぼ100万ドルの収益を上げ、ショーの曲の300種類の録音に対して著作権料が徴収され、「史上最も成功したスコアであると同時に、ブロードウェイの舞台のために書かれたスコアの中で最も演奏されたスコア」となった。^[64]

「ヘアー」は、 1960 年代のヒッピー運動の多くのテーマを探求しています。演劇作家のスコット・ミラーは、これらを次のように説明しています。

[1960 年代の若者の抗議運動は] 人種差別、環境破壊、貧困、性差別と性的抑圧、家庭内暴力とベトナム戦争、新しいテクノロジーによる非人格化、政治の腐敗などに関するものでした。... [ヒッピーはアメリカを非常に尊敬し、自分たちこそが真の愛国者であると信じていました。... [長い] 髪はヒッピーの旗であり、彼らの... 反抗の象徴であるだけでなく、新しい可能性の象徴でもあり、差別と制限的な性別役割の拒絶の象徴でもありました (この哲学は「My Conviction」という歌で称賛されています)。... 地味な作業服 (ジーンズ、作業シャツ、ピーコート) は物質主義の拒絶でした。... 第三世界とネイティブ アメリカンの衣服は、グローバル コミュニティへの意識と、米国の帝国主義と利己主義の拒絶を表していました。... [天然] 生地は合成繊維の拒絶であり、自然のものとよりシンプルな時代への回帰でした。 ...古い第二次世界大戦や南北戦争のジャケットは、戦争のシンボルを新たな非暴力の哲学に取り入れた。^[65]

『ショウボート』（1927年）や『ポーギーとベス』（1935年）に続く前例となった『ヘアー』は、ブロードウェイミュージカルに人種的統合の扉を開いた。キャストの3分の1がアフリカ系アメリカ人だったのだ。 ^[66] 風刺的な寸劇を除いて、部族の黒人メンバーの役柄は、奴隷や召使といった娯楽における黒人の伝統的な役割を打ち破り、彼らを平等な存在として描いた。^[67]エボニー誌の記事は、このショーが米国舞台史上最大の黒人俳優の舞台だったと評した。^[66]

番組のいくつかの歌やシーンは人種問題を取り上げている。^[65]戦闘的な黒人男性のハドというキャラクターを紹介する「Colored Spade」は、人種差別的な言葉の長いリスト（「ジャングル・バニー...小さな黒人のサンボ」）で、ハドは「愛の合衆国の大統領」であると宣言して締めくくられている。^[68]歌の最後に、ハドは部族が怯えているふりをすると、「ブギーマン」が彼らを捕まえるだろうと告げる。^[67]黒人部族のメンバーによって歌われた「Dead End」は、黒人のフラストレーションと疎外感を象徴する道路標識のリストである。部族の抗議のスローガンの1つは、「私たちが本当に素晴らしいと思うことは何ですか？爆撃、リンチ、隔離することです！」である。^[67] 「Black Boys/White Boys」は、異人種間の性的魅力を熱烈に認めている。^[69]アメリカ合衆国最高裁判所は1967年に異人種間の結婚を禁止する法律を無効にした。 ^[70] 部族のもう一つの抗議スローガンは「黒人、白人、黄色人、赤人。キングサイズのベッドで交尾せよ。」である。^[67]

「アビー・ベイビー」は第2幕の「トリップ」シーンの一部である。4人のアフリカ人呪術師が、アメリカの様々な歴史上、文化的、架空の人物たちを殺したばかりで、部族の黒人女性によって演じられるエイブラハム・リンカーンを讃える歌を歌うが、彼らはリンカーンを殺さないことにしている。^[71]歌の最初の部分には、昔の映画で黒人の登場人物が使う「みんなの鶏の羽をむしるのはもう終わりだ」や「リンカーン先生、みんなのおかげで自由になった」といった定型的な言葉が含まれている。その後、リンカーンの登場人物はゲティスバーグ演説の現代版を暗唱し、その間に白人女性部族メンバーが金髪でリンカーンの靴を磨いている。^[67]

脚本全体を通してネイティブアメリカンに言及する箇所が多いのは、ヒッピー運動と『ヘアー』の反消費主義、自然主義の焦点の一部である。ショーの登場人物はネイティブアメリカンのコミュニティーを表す用語を借りて「部族」と呼ばれている。 ^[65] 各作品のキャストは部族名を選ぶ。「この慣習は単なる表面的なものではない。キャスト全員が協力し、お互いを好きになり、ショーの中では一つの有機体として働かなければならない。『部族』という言葉に内在する家族、帰属意識、責任感、忠誠心をすべてキャストが感じなければならない。」^[65]この感覚を高めるために、オホーガンはキャストに信頼、触れ合い、傾聴、徹底的な検査に基づく感受性訓練を受けさせ、キャストとスタッフの間の壁を取り払い、絆を深めた。これらの訓練はエサレン研究所とポーランド・ラボ・シアターで開発された技術に基づいていた。^{[27]クロード、バーガー、シーラが一緒に暮らすという考えは、1960年代の}部族 の概念のもう一つの側面である。^[72]

第1幕の終わりの短いヌードシーンは、物議を醸し、悪評を呼んだ。^{[1] [73]} ミラーは、「ヌードはヒッピー文化の大きな部分を占めていた。両親の性的抑圧を拒否するとともに、自然主義、精神性、正直さ、開放性、自由についての表明でもあった。裸の体は美しく、軽蔑され隠されるべきものではなく、祝福され評価されるべきものだった。彼らは自分の体とセクシュアリティを『汚い』ものではなく、贈り物だと考えていた」と書いている。^[65]

髪は様々な方法で性的自由を讃える。異人種間の魅力の受容に加えて、登場人物のライフスタイルは、性的かつ政治的に刺激された『ラ・ボエーム』の現代版として機能している。ラドが説明したように、「平和運動の愛の要素は明白だった」。^[4] 「ソドミー」という歌の中で、ウーフは皆に「神聖な乱交カーマ・スートラに参加しよう」と勧めている。^[74] 第2幕の終盤で、部族のメンバーは、その晩誰が誰と寝るかをあれこれと冗談を言い合い、自由恋愛の傾向を明らかにしている。 ^[75]ウーフはミック・ジャガーに恋をしており、クロード、バーガー、シーラの3人での抱擁は、クロードとバーガーのキスに変わる。^[67]

登場人物が摂取した違法薬物には、トリップシーンで摂取した幻覚剤も含まれる。^[65]このシーンは「Walking in Space」という曲で始まり、「この美しさを終わらせようとするなんて、なんて大胆なんだろう…このダイビングで私たちは感覚を再発見する…私たちの目は大きく、大きく、大きく開かれている」と宣言する。同様に、「Donna」という曲では、バーガーは「あなたが置いたドラッグで私は進化している」と歌う。 ^[76] 別の場面では、ジーニーはマリファナを吸い、「ポット」に対する批判を退ける。^[67] 一般的に、部族はLSDやマリファナなどの幻覚剤や「精神を拡張する」ドラッグを好むが、^[77]スピードや鎮静剤などの他のドラッグは認めない。例えば、ジーニーは「スピード狂」の子供を妊娠したことを明かした後、「メタンフェタミンは悪いシーンだ」と言う。 ^[67]歌「ハシシ」には、コカイン、アルコール、LSD、アヘン、抗精神病薬 ソラジンなど、違法と合法の両方の医薬品のリストが掲載されている。^[77]

ショー全体に広がる戦争反対のテーマは、原作を通して展開される筋書き、すなわち徴兵カードを燃やすべきかどうかというクロードの道徳的ジレンマによって統一されている。^[65]平和主義は、第2幕の長い旅のシーン全体を通して探求されている。そのシーンで歌われる「Three-Five-Zero-Zero」の歌詞は、戦争の恐ろしさ（「金属の爆発で引き裂かれた」）を想起させる。^{[78]この歌は、}アレン・ギンズバーグの1966年の詩「ウィチタ・ボルテックス・スートラ」 に基づいている。詩の中で、マクスウェル・テイラー将軍は、効果を上げるために「Three-Five-Zero-Zero」と数字を一つずつ繰り返し、1か月で殺された敵兵の数を誇らしげに報道陣に報告している。この歌は死と死にゆく人々のイメージで始まり、敵の死傷者を報告したマクスウェルの歓喜を反映する狂気的なダンスナンバーに変わり、部族は「武器を取って殺しを始めろ」と唱える。^[65] この歌には「ニガータウンの囚人/それは汚い小さな戦争だ」というフレーズが繰り返される。^[67]

「Don't Put It Down」は、「アメリカ国旗に夢中」な人々の無批判な愛国心を風刺している。^{[79] 「Be In (Hare Krishna)」は、}サンフランシスコやセントラルパークのビーイン などの平和運動やイベントを称賛している。^[80] ショーの間中、部族は「私たちは何が欲しいのか？平和だ！いつ欲しいのか？今だ！」や「徴兵センターに入るな！」など、人気の抗議スローガンを唱えている。^[67] アップビートな曲「Let the Sun Shine In」は、戦争の闇を拒絶し、世界をより良い方向に変えるための行動への呼びかけである。^[65]

ヘアーは文明が引き起こす汚染にも風刺を向けている。^[65]ジーニーはガスマスクを着けて舞台の落とし戸から現れ、「ようこそ、二酸化硫黄。こんにちは、一酸化炭素。空気は…どこにでもある」と歌っている。^[81] 彼女は汚染が最終的に彼女を殺すだろうと示唆し、「私の墓石に向かって蒸気と煙が立ち込め、陰気な香水のように呼吸している」と述べている。^[67] ウーフが自己紹介をする際、コミカルで環境保護主義者の雰囲気を漂わせながら、彼は「ビートやトウモロコシ…スイートピー」のような「植物を育てている」ことや、「花や毛や木々が大好きだ」と説明している。^[67]

宗教、特にカトリックは、作品全体を通して明白かつ象徴的に登場し、しばしばジョークの的となっている。^[65]バーガーは「私のドナ」を探していると歌っており、彼が探している女性とマドンナの二重の意味を与えている。^[82]セックスの「汚い」ものすべてに対する賛美歌のような「ソドミー」の間、キャストはピエタと十字架上のキリストという刺激的な宗教的な姿勢をとる。^[82]歌の前に、ウーフは修正されたロザリオを暗唱する。第2幕で、バーガーがさまざまな有名人に空想の薬を渡すとき、彼は「教皇のための薬」を差し出す。^[67]「ゴーイング・ダウン」では、学校を追い出された後、バーガーは自分自身をルシファーに例える。「堕落した天使のように / 永遠に地獄に追放された / 今日、私は高校の天国から追放された」。^[83]クロードは脚本のさまざまな場面で 典型的なキリストの人物像を演じる。 ^[84] 第1幕でクロードは「私は神の子だ。私は消え去り忘れ去られるだろう」と言いながら登場し、部族と観客に祝福を与える。クロードは優柔不断に悩み、第1幕の終わりのゲッセマネで「私はどこへ行けばいいのだろう」と尋ねる。クロードが十字架にかけられているという暗示がテキストに見られ、最後には他の人々のために命を捧げるよう選ばれる。^[84]バーガーはクロードのために道を整える洗礼者ヨハネの人物 像とみなされてきた。 ^[65]

「グッドモーニング、スターシャイン」や「アクエリアス」などの曲は、1960年代の占星術や宇宙の概念に対する文化的関心を反映している。^{[85] 「アクエリアス」は、ラドーが}自身の 星座 を研究した結果である。^[86] 劇団の占星術師、マリア・クルミアは配役について相談を受けた。^{[87]シーラは通常、}天秤座か山羊座が演じ、バーガーは獅子座が演じた。^[86]クルミアは、ブロードウェイや他の都市での公演日を決める際にも相談を受けた。^[58] 1971年のブロードウェイ・プレイビルには、彼女がブロードウェイでの初演に1968年4月29日を選んだと報じられている。 「29日は縁起が良かった。月が高く、大勢の人が集まることを示していたからだ。『歴史を作るものたち』（冥王星、天王星、木星）が10番目のハウスにあったため、このショーはユニークで、力強く、金儲けのできるものになった。そして海王星が上昇していたことから、 『ヘアー』はセックスに関係する評判を築くだろうと予言されていた。」^[88]

メキシコでは、クラメアが開幕日を決めていなかったため、ショーは一夜で政府によって中止された。^{[58]彼女は}ボストン での開幕日（そこではプロデューサーがショーの内容をめぐって訴えられた）に満足していなかった。 ^{[89] [90] 「木星がいたずら好きな}土星と対立し、ショーは日食の日に開幕する。ひどい」と彼女は言った。しかし、近い将来に占星術的に安全な時期はなかった。^[91]

ヘアーはシェイクスピアの戯曲に多く言及しており、時にはシェイクスピアから直接歌詞の題材を取っている。^[65]例えば、「What a Piece of Work Is Man」という歌の歌詞はハムレット（II: scene 2）から取られており、「Flesh Failures」（「the rest is quiet」）の一部はハムレットの最後のセリフから取られている。「Flesh Failures/Let The Sun Shine In」の歌詞「Eyes look your last!/ Arms, take your last hug! And lips, O you/ The door of the Breathe, closed with the right kiss」はロミオとジュリエット（V: iii, 111–14）から取られている。^[92]ミラーによると、ロミオの自殺のイメージは、戦争に加担することで、私たちが自ら命を絶っていることを示している。^[65]

クロードの優柔不断さ、特に徴兵カードを燃やすことへの抵抗は、最終的に彼の死の原因となったが、ハムレットの「憂鬱なヒッピー」と類似していると考えられてきた。^[93]この象徴性は最後の場面にも引き継がれ、クロードは軍服を着た友人たちの間で幽霊のような霊として現れ、皮肉にも以前の場面で「私は自分がなりたいものを知っている...透明人間になりたい」と言っているのを反響させている。パブリックシアターの芸術監督オスカー・ユースティスは、「[ヘアーとハムレット]はどちらも、戦争、暴力、貪欲な政治で傷つけられた世界で自分の居場所を見つけようと奮闘する理想主義的な優秀な男性に焦点を当てています。彼らは人間であることの輝かしい可能性と最も厳しい現実の両方を見ています。最後には、周囲の悪と効果的に戦うことができず、悲劇的に屈服します。」と述べた。^[94]

その他の文学的な言及としては、ギンズバーグの詩「ウィチタ・ボルテックス・スートラ」に基づいた歌「スリー・ファイブ・ゼロ・ゼロ」^[95]や、サイケデリックなドラッグ・トリップのシーンでの『風と共に去りぬ』のスカーレット・オハラや活動家アフリカ系アメリカ人詩人リロイ・ジョーンズの描写などがある。^[67]

リチャード・シェクナーは、ベト・ロックの出版された脚本の序文で、 「パフォーマンス、アクション、イベントは、私たちの演劇のキーワードであり、これらの用語は文学的なものではない」と述べている。^[96] 1950年代、オフ・オフ・ブロードウェイの劇場は、非伝統的な演劇の役割を実験し始め、劇作家、監督、俳優の境界を曖昧にしました。劇作家の仕事は、単にページに言葉を書くだけでなく、中心となるアイデアに基づいて演劇体験を創造することでした。1967年までに、リビング・シアター、ラ・ママETC、オープン・シアターなどの劇場は、伝統的な脚本に従うのではなく、リハーサルスペースで作られた即興シーンから積極的に演劇を考案していました。^[97]

メーガン・テリーの『ベト・ロック』は、この即興的なプロセスを使って作られた。^[97] 『ベト・ロック』 のシーンは「前論理的な方法」でつながっていた。つまり、シーンは前のシーンからの接線から構築されることもあれば、心理的につながっていることもあれば、前のシーンと対位法でつながっていることもある。^[97] 俳優はショーの途中で、そして頻繁にシーンの途中で役割を切り替えるよう求められた。『ベト・ロック』の上院公聴会シーンの舞台指示で、テリーは「俳優は交代で上院議員と証人になるべきである。変身は突然で完全なものであるべきである。俳優が1つの役を演じ終えると、彼は別の役、またはただの俳優になる。」と書いた。^[97]

ヘアーもほぼ同じようにデザインされた。ショーのブロードウェイディレクターであるトム・オホーガンは、実験的な演劇運動に深く関わっていた。^[65] ブロードウェイへの移行において、オホーガンと脚本家は、ショーの実験的な側面を増やすためにシーンを再編成した。^[97] ヘアーでは、俳優は作品全体を通していくつかの異なるキャラクターを演じるように求められ、第2幕のクロードのサイケデリックトリップのように、時には同じシーンでそうするように求められる。ヘアーとベトナムロックの両方に、マスメディアから大きく借用したロック音楽が含まれており、観客と交流するために目に見えない「第四の壁」を頻繁に破る。たとえば、オープニングナンバーでは、部族が観客と交流し、ショーの最後には観客がステージに招待される。^[97]

オリジナルのブロードウェイ公演では、舞台は完全にオープンで、カーテンはなく、フライエリアとグリッドが観客にむき出しになっていた。プロセニアムアーチの輪郭は、登りやすいように足場が組まれていた。ワーグナーの簡素なセットは、舞台にストリートグラフィティがステンシルで描かれた灰色に塗られていた。舞台は傾斜しており、舞台後方の抽象的な足場の塔には、ネイティブアメリカンのトーテムポールと十字架の形をした木の現代彫刻が組み合わされていた。この足場は、キャストがニューヨークの路上で集めた拾い物で飾られていた。その中には、等身大の張り子のバス運転手、イエスの首、グリニッチビレッジのウェイバリー映画館のネオン看板などがあった。^[98] ポッツの衣装はヒッピーのストリートウェアをベースに、色彩と質感を強調してより演劇的なものにしていた。これらの中には、軍服のミックスパーツ、ウクライナの刺繍が施されたベルボトムジーンズ、タイダイ染めのTシャツ、赤、白、青のフリンジ付きコートなどが含まれていました。^[98] 初期の作品は主にこの基本デザインの複製でした。

「そのシーンについては多くのことが書かれてきたが、ほとんどが馬鹿げている」とジーン・リースは『ハイ・フィデリティ』で書いている。^[99]このシーンは、非公式の反戦集会の最中に警察に対抗するために服を脱いだ2人の男に触発されたものである。^[7] 「Where Do I Go?」の間、舞台は巨大な幕で覆われ、その下でシーンに参加することを選んだ人々は服を脱いだ。音楽の合図で、「彼らは裸で動かず、フィッシャーが投影した花柄の光に体を浸した。彼らは『ビーズ、花、自由、幸福』と唱えた。」^[100] それはわずか20秒続いた。^[101]実際、このシーンはあまりにも素早く、あまりにも薄暗いため、ロンドンでのプレビューの休憩中にジャック・ベニーが「彼らの中にユダヤ人がいたかどうか気付きましたか?」と冗談を言うほどだった。^[102]それにもかかわらず、このシーンは検閲の脅威や、一部の地域では暴力的な反応さえも引き起こした。^[8]また、ポップカルチャーのジョークのネタにもなった。グルーチョ・マルクスは「見に行くつもりで、映画館に電話したんだ。…チケットは1枚11ドルだって言われた。折り返し電話すると言って、バスルームに行き、服を全部脱いで、全身鏡で自分を見た。それから映画館に電話して『忘れて』と言ったんだ」と皮肉った。 ^[103 ]

出演者にとってヌードはオプションだった。フランス人キャストは外国のグループの中で「最もヌード」だったが、ロンドンのキャストは「ヌードを実現するのが最も難しかった」。^[62]スウェーデン人キャストは服を脱ぐことに消極的だったが、コペンハーゲンでは、彼らはヌードは控えめすぎると考え、ショーの前座で裸で通路を行ったり来たりすることにした。^[48]初期の公演では、ドイツ人は「検閲済み」と書かれた大きなシートの後ろでシーンを演じた。^{[48] [62]}オリジナルのブロードウェイキャストメンバーであるナタリー・モスコは、「最初はヌードシーンに断固反対だったが、演技の先生が演技の一部は公衆の面前でプライベートでいることだと言っていたのを思い出した。それでやった」と語った。^[104] メルバ・ムーアによると、「それは自分がそうさせたいこと以外何も意味しない。私たちは衣服にとても価値を置いている。...人々が神経質になる他の多くのことと同じだ」。^[105]ドイツ版に出演したドナ・サマーは「性的な意図はなかった。…私たちは社会が殺人よりも裸を重視しているという事実についてコメントするために裸で立っていた」と語った。 ^[7]ラドーは「観客の前で裸になることは、魂をさらけ出すことです。魂だけでなく、体全体をさらけ出すのです。それは非常に適切で、非常に正直で、ほとんど必要不可欠なことでした」と語った。^[7]

ケープタウン大学でバントゥー族の音楽を学んだ後、^{[65]マクダーモットはアフリカのリズムを}ヘアーのスコアに取り入れた。^[10] 彼は「[バントゥー族が]クワイラと呼んでいるもの…[これは]非常に特徴的なビートを持ち、ロックに非常に似ている。しかし、もっと深い。…ヘアーはとてもアフリカ的だ。[その]リズムの多くは、曲調はそれほどではない」と聞いた。^[10]クワイラは予想外の音節でビートを強調しており、この影響は「What a Piece of Work Is Man」や「Ain't Got No Grass」などの曲に聞くことができる。^[106] マクダーモットは「私のアイデアは、完全にファンクなショーを作ることだった。彼らはロックンロールが欲しいと言ったが、私にとってはそれは「ファンク」と解釈された」と語った。 [107]そのファンクはスコア全体に現れており、特に「Colored Spade」や「Walking in Space」などの曲に顕著である。 [ ^{107 ]}

マクダーモットは、曲は「全部同じにはできない。違うスタイルにしないといけない。…全部少しずつ違うと思うのが好きなんだ」と主張している。^{[4]そのため、}ヘアー の音楽はロックの全範囲を網羅している。「ドント・プット・イット・ダウン」のロカビリー感覚から「フランク・ミルズ」や「ホワット・ア・ピース・オブ・ワーク・イズ・マン」のフォークロックのリズムまで。「イージー・トゥ・ビー・ハード」は純粋なリズム・アンド・ブルースで、「エイント・ゴット・ノー」や「ザ・フレッシュ・フェイラーズ」といったプロテスト・ロックのアンセムが溢れている。「ウォーキング・イン・スペース」や「アクエリアス」のアシッド・ロックは「グッド・モーニング・スターシャイン」のメインストリーム・ポップとバランスが取れている。^{[108]スコット・ミラーは、}ヘアー の音楽をヒッピーの政治的テーマと結び付けている。「ヒッピーは...人民の芸術を創造しようと決意しており、彼らが選んだ芸術形式であるロック/フォーク音楽は、その定義からして大衆的なものだった。...ヒッピーの音楽はしばしば非常に怒りに満ちており、その怒りは憲法を軽視する者、アメリカを裏切る者、アメリカの理念を裏切る者に向けられていた。言い換えれば、彼らの両親と政府に向けられていたのだ。」^[65] 演劇史家のジョン・ケンリックは、ロック音楽が舞台という媒体に応用された理由を次のように説明している。

ポピュラー音楽の世界を征服したのと同じハードロックサウンドが、2つの同時ヒット作「Your Own Thing」と「Hair」でミュージカルの舞台にも登場した。...革命的な宣言、冒涜的な言葉、ハードロックの爆発は、ミュージカル劇場を根底から揺るがした。...劇場業界のほとんどの人々やトニー賞の投票者は「Hair」の重要性を無視し、栄誉から締め出そうとした。しかし、今こそ変化の時だと主張する者もいた。 ニューヨークタイムズの評論家クライヴ・バーンズは、「Hair」は「一昨日ではなく今日の本物の声を持つ、久しぶりのブロードウェイミュージカルだ」と絶賛した。^[109]

この曲はすべての人に受け入れられたわけではない。レナード・バーンスタインは「曲は単なる洗濯物リストだ」と述べ^[110]、制作現場から退場した^{[111] 。}リチャード・ロジャースはビートしか聞こえず、「3分の1の音楽」と呼んだ[110]。ジョン・フォガティは「ヘアーは実際に起こっていることの薄められたバージョンなので、まったく共感できない」と述べた^[112]。ハイ・フィデリティのジーン・リースは、ジョン・レノンが「退屈」だと思ったと述べ、「これを良いと思うミュージシャンを私は知らない」と書いた^{[99] 。}

このスコアには、当時の典型的なブロードウェイのショーよりも多くの曲が含まれていました。^[5]ほとんどは1幕あたり6曲から10曲でしたが、ヘアーの合計は30曲でした。^[113]このリストは、オリジナルのブロードウェイ公演で最も頻繁に含まれていた曲を反映しています。^[114]

ショーはほぼ絶え間なく書き直しが続けられ、パブリックシアターとブロードウェイでの上演の間に13曲が追加された。^[114]他の曲はカットされた。シェイクスピアの「人間とはなんという作品か」と「ハシシ」は元々台詞だったがブロードウェイではミュージカル化された。^[114]その後の上演では他の曲も追加されたりカットされたりした。^{[114] [115] [116]}

『ヘアー』の最初のレコーディングは1967年にオフブロードウェイのキャストをフィーチャーして行われた。オリジナルのブロードウェイキャストレコーディングは1969年にオリジナルキャストショーアルバムの最優秀スコアでグラミー賞を受賞し^[117]、1969年12月までに米国で約300万枚を売り上げた。^{[58]このアルバムは}ビルボード200で第1位を獲得し、ブロードウェイキャストアルバムとしては最後の1位となった（2016年現在）。 1969年には13週間1位を維持した。^[118]このアルバムは1970年にオーストラリアでも最高2位を記録した。 ^[119] ニューヨークタイムズは2007年に「ヘアーのキャストアルバムは...中流階級の必需品だった。そのエキゾチックなオレンジとグリーンのカバーアートは即座にそして消えることのない印象を心に刻み込んだ... [それは]すべての優れたポップと同様に、ジャンルや時代の特定の好みを超えた魅力を持つポップロックの古典となった」と評した。^[18] 2019年、議会図書館はオリジナルのブロードウェイキャストアルバムを国立録音登録簿に追加した。^[120]

1993年のロンドン再演キャストアルバムには、通常のレンタル版に組み込まれた新曲が収録されている。^[65] 1969年のスタジオアルバム「DisinHAIRited」（RCA Victor LSO-1163）には、このショーのために書かれたが、舞台で演奏された時間はさまざまだった19曲が収録されている。パブリックプロダクションとブロードウェイプロダクションの間でカットされた曲や、スペースの都合でオリジナルのキャストアルバムから除外された曲、舞台で演奏されなかった曲もある。^[114]

『ヘアー』の曲は数多くのアーティストによって録音されており、^[121]ニーナ・シモン、シャーリー・バッシー、バーブラ・ストライサンド、ダイアナ・ロスなどが含まれる。^[122] 「グッドモーニング・スターシャイン」は1969年のセサミストリートのエピソードで出演者のボブ・マクグラスによって歌われ、^[123]サラ・ブライトマン、ペトゥラ・クラーク、ストロベリー・アラーム・クロックなどのアーティストによるバージョンが録音されている。^[124]ライザ・ミネリやレモンヘッズなど様々なアーティストが「フランク・ミルズ」を録音しており、^[125]アンドレア・マクアードル、ジェニファー・ウォーンズ、セルジオ・メンデスがそれぞれ「イージー・トゥ・ビー・ハード」のバージョンを提供している。^[126] ヘアーはまた、ミート・ローフ、ドビー・グレイ、ジェニファー・ウォーンズ、ジョブライアス、バート・ソマー、ロニー・ダイソン、ドナ・サマー、メルバ・ムーアなど、他のアーティストのレコーディング・キャリアの立ち上げにも貢献した。^[64]

ヘアーのスコアもチャートで成功を収めた。フィフス・ディメンションは1969年に「アクエリアス/レット・ザ・サンシャイン・イン」をリリースし、 1970年にレコード・オブ・ザ・イヤーを受賞し^[127]、6週間チャートのトップを飾った。カウシルズのタイトル曲「ヘアー」はビルボードホット100で第2位にまで上り詰めた。^[128]一方、オリバーの「グッド・モーニング・スターシャイン」は第3位にまで上り詰めた。^[129] スリー・ドッグ・ナイトの「イージー・トゥ・ビー・ハード」は第4位にまで上り詰めた。^[130] ニーナ・シモンの1968年の「エイント・ゴット・ノー、アイ・ガット・ライフ」のメドレーはイギリスのチャートでトップ5にまで上り詰めた。^[131] 1970年、ASCAPは「アクエリアス」がその年アメリカのラジオやテレビで最も頻繁に放送された曲であると発表した。^[132]

イギリス、ドイツ、フランス、スウェーデン、日本、イスラエル、オランダ、オーストラリアなどのプロダクションでキャストアルバムがリリースされ、^[133]ヘアーの各曲のボーカルや楽器演奏が1,000回以上録音されている。^[35]ヘアー の録音は非常に注目を集め、前例のない入札合戦の末、ABCレコードはマクダーモットの次のブロードウェイ版であるヴェローナの二紳士に記録的な金額を支払う用意があった。^[134] 2009年の復活録音は6月23日にリリースされ、ビルボードの「トップキャストアルバム」チャートで1位、トップ200で63位にデビューし、ゴーストライトレコードの歴史上最高のデビューアルバムとなった。^[135]

ブロードウェイ初演のヘアーに対する反応は、例外はあるものの、圧倒的に好意的だった。クライブ・バーンズはニューヨーク・タイムズ紙に「ヘアーの何がそんなに好感を持たれるのか ...？それは単に、とても好感を持てるからだと思う。とても新しく、とても新鮮で、その気取りの中にも控えめなところがある。」と書いた。 ^[75]ウォール・ストリート・ジャーナル紙 のジョン・J・オコナーは、このショーは「非常に反抗的で、その演出はビルトモア劇場の隅々まで爆発的に広がっている。」と述べた。^[136]ニューヨーク・ポスト紙のリチャード・ワッツ・ジュニアは「おそらく意図的でないとしても、驚くべき魅力があり、その高揚感は伝染し、その若々しい活気は抵抗しがたい。」と書いた。^[137]

テレビの批評はさらに熱狂的だった。ABCのアラン・ジェフリーズは俳優陣を「今まで見た中で最も才能のあるヒッピーたち...トム・オホーガンの素晴らしくワイルドな演出」と評した。^[138] NBC のレナード・プロブストは「ヘアーはここ数年のブロードウェイミュージカルで唯一の新しいコンセプトで、今シーズンのどのミュージカルよりも楽しい」と述べた。 [ ^139] WOR TV のジョン・ウィンゲートはマクダーモットの「爆発して舞い上がる」ダイナミックなスコアを称賛し、^[140] CBSのレン・ハリスは「ブロードウェイシーズンの最高のミュージカルをついに見つけた...それはあのずさんで下品で素晴らしいトライバル・ラブ・ロック・ミュージカル『ヘアー』だ」と述べた。^[141]

一方、バラエティ誌の評論家は、このショーを「おかしな」もので「ストーリー、形式、音楽、ダンス、美しさ、芸術性がない。… 出演者に才能があるかどうかは分からない。この新しいタイプのショービジネスでは才能は関係ないのかもしれない」と評した。 ^[142] ニュース週刊誌の評論は賛否両論で、ニューズウィーク誌のジャック・クロールは「この新しいヘアーの純粋な運動力は否定できない… オホーガンの技巧には、バスビー・バークレーが意地悪になった ような、何か硬くて、強引で、少し堕落したところがある」と書いた。^{[143]しかし、}タイム誌 の評論家は、このショーは「活気に満ちているが、本のないミュージカルであるために不自由で、骨のない魚のように、泳ぐべきときに漂っている」と書いた。^[144]

ロンドンで『ヘアー』が初演されたとき、批評は賛否両論だった。タイムズ紙のアーヴィング・ウォードルは「この作品の誠実さと情熱は、真の演劇の祝典の質を与えている。人々が自分たちの感じていることを正確に世界に伝える喜びに満ちた音だ」と書いた。フィナンシャル・タイムズ紙では、BAヤングが『ヘアー』は「非常に楽しい夜であるだけでなく、徹底的に道徳的な夜でもある」と同意した。しかし、デイリー・テレグラフ紙の78歳のWAダーリントンは、48年間のキャリアに幕を閉じる前の最後の批評で、「一生懸命に演じた」が「まったく退屈で、うるさくて、醜くて、かなりひどくおかしかった」と書いた。^[145]

ショーの批評家たちを認めて、スコット・ミラーは2001年に「混沌と無秩序の外見を超えて、その下にある素晴らしい構成と洗練されたイメージを見ることができない人もいる」と書いた。^[65] ミラーは「多くの歌詞が韻を踏んでいないだけでなく、多くの曲にはエンディングがなく、ただ遅くなったり止まったりするだけで、観客はいつ拍手をすればいいのかわからなかった。...ショーはブロードウェイ、一般的な伝統的な演劇、特にアメリカのミュージカルのあらゆる慣習を拒否した。そしてそれは素晴らしかった」と指摘している。^[65]

1968年、髪は西洋社会が抱いていた多くの規範に挑戦した。その名前自体は、櫛と数本の髪の毛を描いたジム・ダインの絵画の名前に触発されたもので、 ^{[5] [146]}文明と消費主義の制約と自然主義への好みに対する反応だった。^[147] ラドーは、長い髪は「意識の拡大における目に見える形の認識だった。髪が長ければ長いほど、心はより拡大していた。長い髪は衝撃的で、長い髪を生やすことは革命的な行為だった。それは実際には一種の旗のようなものだった。」と回想している。^[146]

このミュージカルは初演時に論争を巻き起こした。第1幕のフィナーレではブロードウェイのショーで初めて全裸の俳優や女優が登場し^{[1] 、アメリカ国旗の冒涜と}卑猥な言葉の使用で非難された。^{[8] [148]} これらの論争は、ベトナム戦争反対のテーマに加えて、ショーの初期の頃には時折脅迫や暴力行為を引き起こし、ショーが他の都市で開幕したときやツアー中の両方で訴訟の根拠となった。最終的に2つの訴訟が米国最高裁判所にまで持ち込まれた。^[149]

ヘアーの巡業団はアメリカ全土で抵抗に遭った。インディアナ州サウスベンドではモリス公会堂が上演を拒否し^[150]、インディアナ州エバンズビルではいくつかの教会グループがピケを張った^{[151] 。}インディアナ州インディアナポリス では、プロデューサーが劇場の確保に苦労し、市当局は市の条例による公共の場での裸の露出を禁じる妥協策として、キャストにボディストッキングを着用するよう提案した[150]。テキサス州グレイドウォーターのように、プロダクションは消防署長による劇場閉鎖に頻繁に直面した^{[152 ] 。}チャタヌーガ市が1972年に市所有のメモリアル公会堂での劇の上演を拒否したこと^{[153] [154]}は、後に米国最高裁判所によって違法な事前抑制であると判断された^[155]。

ボストン公演に対する法的異議申し立ては、米国最高裁判所に上訴された。ライセンス局長は、作品におけるアメリカ国旗の描写に異議を唱え、^[156]「国旗を冒涜する者はボストンコモンで鞭打たれるべきだ」と述べた。^[89] シーンは開演前に削除されたが、地方検事局は「わいせつで好色な」行為が舞台上で行われているとして、ショーの中止を計画し始めた。ヘアーの弁護団は上級裁判所から刑事訴追の差し止め命令を取得し、 ^[157]地方検事はマサチューセッツ州最高裁判所に上訴した。双方の要請により、数人の判事が作品を見て、「キャストは全員、適度な範囲で服を着用しなければならない」という判決を下した。キャストはその夜遅く、判決がいつ発効するかは曖昧であるとして、反抗的に裸でシーンを演じた。^[89] 翌日の1970年4月10日、上演は中止となり、映画館はヌードに関する判決を恐れ、上映作品からシーンを削除し始めた。連邦控訴裁判所がマサチューセッツ州裁判所の判決を覆した後、地方検事は米国最高裁判所に上訴した。最高裁は4対4の判決で下級裁判所の判決を支持し、ヘアーは5月22日に再開された。 ^[90]

1971年4月、オハイオ州クリーブランドの劇場で上演されていた劇場の外壁に爆弾が投げ込まれ、大看板に跳ね返り、建物の窓や近くの店の窓が割れた。 ^[158] 同月、出演者のジョナサン・ジョンソンと舞台監督のラスティ・カールソンの家族が、ショーの一座33人が宿泊していたクリーブランドのホテルで火災に遭い亡くなった。^{[159] [160]} オーストラリアのシドニーでの公演初日は、1969年6月の爆弾騒ぎで中断された。^[161]

物議を醸したこの題材に対する地元の反応は大きく異なっていた。サンフランシスコのヒッピー人口は多く、彼らはこのショーを街頭活動の延長とみなし、出演者と瞑想したり、ショーの最中に舞台に立つことが多かったりして、芸術と生活の境界を曖昧にしていた。^[42]ロンドンでは 18歳のアン王女が舞台で踊っているのが見られ、^[162]ワシントンDCではヘンリー・キッシンジャーが観劇した。ミネソタ州セントポールでは、抗議する牧師が観客を怖がらせようとロビーに18匹の白いネズミを放った。^[42] ジム・ラヴェルとジャック・スワイガートは、この歌にちなんでアポロ13号の月着陸船を「アクエリアス」と名付けた後、反米主義と国旗への不敬と見なされたとしてビルトモアでの公演から退場した。^[163]

メキシコのアカプルコで、カステリ監督による『ヘアー^』[48]が1969年に一夜限り上演された。上演後、地元の人気売春宿の向かいにあった劇場は政府によって施錠された。政府はこの作品が「青少年の道徳に有害」だと述べた。^[88] 出演者は上演後すぐに逮捕され、移民局に連行された。そこで彼らは国外退去に同意したが、法的な問題から身を潜めざるを得なくなった。^[164]数日後、彼らはメキシコから追放された。^{[165] [166]}

ヘアーは、事実上、イギリスにおける舞台検閲の終焉を告げた。^[145] ロンドンの舞台検閲官であるチェンバレン卿は当初、このミュージカルの公演許可を拒否し、議会が彼の許可権を剥奪する法案を可決するまで、上演は延期された。^[145] ミュンヘンでは、当局はヌードシーンが残っていれば公演を中止すると脅したが、地元のヘアーのスポークスマンが、親族がアウシュビッツに裸で連行されたと発言した後、当局は態度を軟化させた。^{[48]ノルウェーの}ベルゲン では、地元住民が人間のバリケードを形成して公演を阻止しようとした。^[48]

パリ公演はほとんど論争を呼ばず、カステッリによれば、出演者はヌードシーンのために「ほとんど宗教的に」服を脱いだ。パリの舞台ではヌードは一般的だったからだ。^[167] しかし、パリでも時折反対意見が出され、例えば地元の救世軍のメンバーがポータブル拡声器を使って観客に上演を中止するよう呼びかけた。^{[48] [168]}

最初の大学公演は1970年にテネシー州のメンフィス州立大学（現メンフィス大学）で、演劇学部長キース・ケネディの指揮のもと行われた。^{[169] [170]}キャストは1970年にアトランタ国際ポップフェスティバルにも参加した。 ^[171] WMC-TVは1971年にこの作品の記録ドキュメンタリーを制作した。^[172]

1977年、ブロードウェイで『ヘアー』が復活し、43回上演された。バトラーがプロデュースし、オホーガンが演出し、オリジナルのブロードウェイ作品が上演されたビルトモア劇場で上演された。キャストには、エレン・フォーリー、アニー・ゴールデン、ロレッタ・ディヴァイン、クリーヴァント・デリックス、クリステン・ヴィガードがいた。^[173] 新人のピーター・ギャラガーは、プレビュー中にアンサンブルを離れ、 『グリース』のツアーでダニー・ズーコ役を演じた。^[174] レビューは概して否定的で、批評家はプロダクションが「白髪が目立つ」と非難した。^[175]

1985年にモントリオールで上演された『ヘアー』は、このミュージカルの70回目のプロダクションと伝えられている。^[35] 1988年11月、マイケル・バトラーは、ショーの20周年を記念して、シカゴのヴィック劇場でヘアーをプロデュースした。この作品は好評を博し、1989年2月まで上演された。^[176] 1988年5月、エイズに感染した子供たちを支援するため、国連総会で20周年記念コンサートが開催された。 ^{[177]このイベントは}ナンシー・レーガン大統領夫人がスポンサーとなり、バーバラ・ウォルターズが当夜のオープニング・イントロダクションを行なった。^[176]ラドー、ラグニ、マクダーモットはコンサートのために9曲の新曲を書くために再会した。163人の俳優のキャストには、世界中の様々なプロダクションで元スターだったムーア、ヴェリーン、ウィリアムズ、サマー、そしてゲスト出演者のビア・アーサー、フランク・スタローン、ルース・ウェストハイマー博士が含まれていた。チケットの価格は250ドルから5,000ドルで、収益は米国ユニセフ協会とクレオ協会のエイズ児童基金に寄付された。^[176]

1990年から1991年にかけて、ピンク・レース・プロダクションは、サウスカロライナ州、ジョージア州、テネシー州、ケンタッキー州を含む、アメリカ国内での『ヘアー』ツアーを行った。^[176] 1990年に小規模な「バスとトラック」による『ヘアー』の制作は、3年以上ヨーロッパをツアーした。^[178] 1991年にラグニが亡くなった後、マクダーモットとラドは1990年代を通して再演のために新しい曲を書き続けた。『ヘアー・サラエボ、AD 1992』は、サラエボ包囲中に平和を訴えて上演された。 ^{[35]ラドは、1994年に俳優}ルーサー・クリークをフィーチャーした11都市で100万ドルのアメリカ国内ツアーを指揮した。マクダーモットが音楽監督に復帰し、ラドのツアーはショーの25周年を祝うものとなった。^[178]ラドーは1995年から1999年にかけてヨーロッパの様々な作品を監督した。^[115]

1992年にオーストラリアで上演され^[179] 、 1993年にはロンドンのオールド・ヴィック劇場でマイケル・ボグダノフ監督、ジョン・バロウマンとポール・ヒップ主演で短期間再演された。^{[180] [181]}ロンドンでのプロダクションはオリジナルに忠実だったが、プロダクションスタッフの一人は、それが「失敗した」理由は、部族が「サッチャーの子供たちで、本当に理解していなかった」ためだと語った。^[182]他のプロダクションは世界中で上演され、南アフリカではアパルトヘイトが撤廃されるまで上演が禁止されていた。^{[183]​​ 1996年、バトラーは}カリフォルニア州立大学フラートン校 に常駐するプロの劇団、パシフィック・ミュージカル・シアターを雇って、1か月にわたるプロダクションをシカゴに持ち込んだ。バトラーは1996年の民主党全国大会と並行してショーを運営し、民主党全国大会が最後にシカゴで開催された1968年を彷彿とさせた。^[184]オフ・オフ・ブロードウェイ 30周年記念作品がサード・アイ・レパートリーで上演された。演出はショーン・ロザが担当した。^[185]

2001年、ロサンゼルスの劇団リプライズ！がワズワース劇場で『ヘアー』を上演し、スティーヴン・ウェバーがバーガー役、サム・ハリスがクロード役、ジェニファー・リー・ウォーレンがシーラ役を演じた。^[186]同年、アンコールズ！グレート・アメリカン・ミュージカル・イン・コンサートが2001年のシティセンター・シーズンを『ヘアー』のプロダクションで締めくくった。出演はルーサー・クリーク、イディナ・メンゼル、トム・プロトキンで、 『ヘアー』の作曲家ガルト・マクダーモットがキーボードを演奏した。^[187] 2004年にニューヨーク市のニューアムステルダム劇場で俳優基金の慈善公演が一夜限りで行われた。ザ・トライブにはショシャナ・ビーン、ラウル・エスパルサ、ジム・J・ブロック、リズ・キャラウェイ、ギャビン・クリール、エデン・エスピノーサ、ハーヴェイ・ファイアスタイン、アナ・ガスティエ、アニー・ゴールデン、ジェニファー・ハドソン、ジュリア・マーニー、ジャイ・ロドリゲス、ルポール、マイケル・マッキーン、ローラ・ベナンティ、アダム・パスカルが出演した。^[188]

2005年、ゲート劇場でダニエル・クレイマー演出によるロンドン公演が開幕した。ジェームズ・ラドはミュージカルの脚本をベトナム戦争ではなくイラク戦争の文脈に置き換えるよう改訂することを承認した。 ^{[189]クレイマーの現代版にはタイムズスクエアで拡声器で歌う「アクエリアス」や}アブグレイブ刑務所の画像を思い起こさせるヌードなどが含まれていた。^[190] 2006年3月、ラドはトロントでキャンステージ制作の『ヘアー』で演出家ロバート・プライアーとコラボレーションし、^[191]ピーター・トゥーリエンがプロデュースしたリバイバル公演が2007年に南アフリカを巡回した。ポール・ワーウィック・グリフィンが演出し、ティモシー・ルルーが振付を担当したこのショーはヨハネスブルグのモンテカジノ劇場とケープタウンのシアター・オン・ザ・ベイで上演された。^[192] 2010年3月、プエルトリコのオールドサンファンにあるテアトロタピアでイノエレ・コロンの演出により2週間上演された。 ^[193]

マイケル・バトラーは、2007年9月14日から12月30日までロサンゼルスのMETシアターで『ヘアー』をプロデュースした。このショーはボー・クロウェルが演出・振付し、クリスチャン・ネスミスが音楽監督を務めた。^{[194] [195]}バトラーの『ヘアー』プロデュースは、LAウィークリーシアターアワードのミュージカルオブザイヤーを受賞した。^[196]

2007年9月の3夜にわたり、ジョーズ・パブとパブリック・シアターはセントラル・パークのデラコート劇場で『ヘアー』の40周年記念公演を行った。ダイアン・パウルスが演出したこのコンサート版では、ジョナサン・グロフがクロード役、ガルト・マクダーモットがキーボードで舞台に立った。キャストにはシーラ役のカレン・オリヴォ、バーガー役のウィル・スウェンソンもいた。 ^[197] ブロードウェイ版のオリジナル・プロダクションの俳優たちが『レット・ザ・サン・シャイン・イン』のアンコールでキャストに加わった。このショーの需要は圧倒的で、チケットを求める長い列と一晩中待つ時間は、メリル・ストリープとケヴィン・クラインが主演した『マザー・カレッジとその子供たち』など、他のデラコート・プロダクションのそれをはるかに上回った。^[198]

9ヵ月後、パブリックシアターはデラコート劇場で2008年7月22日から9月14日までの限定公演で『ヘアー』の完全舞台化を上演した。 ^{[199]パウルスが再び演出し、}カロル・アーミテージ が振付を担当した。グロフとスウェンソンがコンサートキャストの他メンバーと共にクロードとバーガー役で復帰した。^[200] カレン・リン・マニュエルがシーラ役、8月17日にはクロード役のグロフに代わりクリストファー・J・ハンケが出演した。 ^[201]レビューは概ね好評で、『ニューヨークタイムズ』のベン・ブラントリーは「この作品は、このショーを単なる生き生きとした時代劇以上のものとして確立している。『ヘアー』は、誰も覚えていないほど深いルーツを持っているようだ」と書いた。^[202]タイム誌は「『ヘアー』は…ミュージカル劇場の歴史における偉大なマイルストーンの一つとして再び活気づけられ、取り戻された…今日の『ヘアー』は、むしろこれまで以上に大胆であるように思える」と書いた。^[3]

パブリックシアターの作品はブロードウェイのアル・ハーシュフェルド劇場に移り、2009年3月6日にプレビュー公演が始まり、2009年3月31日に公式開幕となった。パウルスとアーミティッジが再び演出と振付を担当し、キャストの大半は公園での公演から戻った。毎晩、25ドルのボックス席チケットの公演前抽選が行われた。^[203] オープニングキャストには、クロード役のギャビン・クリール、バーガー役のウィル・スウェンソン、シーラ役のケイシー・レヴィ、母親役のミーガン・ローレンス、ディオンヌ役のサッシャ・アレンがいた。^[204] デザイナーにはスコット・パスク（装置）、マイケル・マクドナルド（衣装）、ケビン・アダムス（照明）がいた。^[205]

批評家の反応はほぼ一様に好意的だった。^[206] ニューヨーク・デイリー・ニュースの見出しは「ヘア・リバイバルは最高に楽しい」と宣言した。レビューは、大胆な演出、「色彩豊かな躍動感」のある振り付け、特に照明などのショーの技術的成果を称賛し、「笑顔を誘う人生と自由の祝典として、[ヘア]は非常に伝染性が高い」とコメントした。しかし、「通路側に座っている場合は、[キャスト]があなたの顔や膝の上にいたり、...あなたの髪を編んだりすることを期待してください」と警告した。 ^[207] ニューヨーク・ポストは、この作品は「勝利を収めた...最近、国民は戦争よりも経済に執着している。その結果、最も共感を呼ぶシーンは、子供たちが意気揚々と競争社会を拒否するシーンである」と書いた。^[208] バラエティ誌は「ダイアン・パウルス監督と彼女の並外れた才能を持つキャストは、1967年のロックミュージカルの核心に迫る方法で素材とつながり、天井まで放射される途方もないエネルギーを生み出している。…単なる懐かしさだったかもしれないものが、代わりに完全に没入する出来事になる。…この爆発的な作品があなたの中で何かを揺さぶらないなら、あなたの脈拍をチェックするときかもしれない」と熱狂的に評価した。^[209] ボストン・グローブ紙は反対意見を述べ、この作品は「缶詰のように感じられ」、「誇張されている」と述べ、復活は「耐えられないほどナイーブで許せないほど軽薄に感じられる」と述べた。^{[210]しかし、}ニューヨーク・タイムズ紙 のベン・ブラントリーは大多数の意見を反映し、熱烈なレビューを送った。

この感情豊かなリバイバルは、ブロードウェイが今シーズン感じられなかったもの、つまり青春と呼ばれる二極化した状態の強烈で純粋な喜びと苦悩を伝えている。... カロル・アーミテージの楽しいヒッピーの振り付けは、集団で手探りしたり、大勢で身もだえしたりと、その場で考案されたかのようだ。しかし、一見無形のように見えるものの中に、知的な形がある。... [パウルスは] 未来が自分たちをどう変えてしまうのかと恐れる子供たちを描いた 1968 年のショーに、キャラクターと感情の奥深さを見出した。... アンサンブルのメンバー全員が、一人一人の個性として浮かび上がってくる。... ショーの後、私は [登場人物] に何が起こるのか考えずにはいられなかった。マクダーモット氏の音楽は、常にアシッドよりもポップなものだったが、舞台上のバンドとキャストの味わい深くブレンドされた声によって、伝染力のある生命力を与えられ、美しく保たれている。^[211]

パブリックシアターは、 2008年後半の深刻な経済不況のため、ブロードウェイ移転の予算550万ドルを集めるのに苦労したが、新しい制作パートナーを加えることで目標を達成した。ディレクターのダイアン・パウルスは安価なセットを使用してコストを抑えるのに貢献した。ショーは2週目に822,889ドルという健全な収益を上げました。^{[212] [213] 2009年4月30日、}デイヴィッド・レターマンとのレイトショーで、キャストはエド・サリバン劇場の同じステージでオリジナルの部族によるパフォーマンスを再現しました。^[214]このプロダクションは、最優秀ミュージカルリバイバル賞のトニー賞、^[215]ミュージカルデスク賞の傑出したリバイバルミュージカル賞^[216]、ドラマリーグ賞の傑出したリバイバルミュージカル賞を受賞した。^[217] 2009年8月までに、この復活公演は576万ドルの投資をすべて回収し、ブロードウェイ史上最も早く投資を回収したミュージカルの一つとなった。^[218]キャストアルバムは2010年のグラミー賞最優秀ミュージカルショーアルバムにノミネートされた。^[219]

2010年のウエストエンド再演のためブロードウェイのキャストがロンドンに移ったとき、2010年3月9日にブロードウェイのキャストはほぼ新メンバーで引き継がれ、元アメリカンアイドルのファイナリストであるエース・ヤングがバーガー役、ダイアナ・デガーモがシーラ役を務めた。カイル・リアブコがクロード役、アナリー・アシュフォードがジーニー役、ヴァネッサ・レイがクリシー役を引き継いだ。レイチェル・ベイ・ジョーンズは後に母親役やその他の役を演じた。^[220]オリジナルキャストがロンドンに移った後、売り上げは減少し、再演は29回のプレビューと519回の通常公演の後、2010年6月27日に閉幕した。^{[221] [222]}

2010年10月21日、全米ツアーが始まった。主役はバーガー役のスティール・バークハート、クロード役のパリス・レミラード、シーラ役のカレン・リン・タケット。 ^[223] ツアーは概ね好評だった。^{[219] 2011年7月5日から9月10日まで、}セント・ジェームズ劇場 でブロードウェイ公演が行われた。その後ツアーが再開された。^[224] ツアーは2012年1月29日に終了した。^[225]

2009年のブロードウェイ公演はロンドンのウエストエンドにあるギールグッド劇場で再現された。プレビューは2010年4月1日に始まり、公式開幕は4月14日だった。プロデューサーはパブリックシアター、キャメロン・マッキントッシュ、ブロードウェイ・アクロス・アメリカ。ニューヨークのキャストのほぼ全員がロンドンに移ったが、ルーサー・クリークがウーフを演じた。^{[226] [227]} ロンドンでのリバイバル公演は2010年9月4日に閉幕した。^[228]

この作品は、ほとんどが熱狂的な批評を受けた。ガーディアン紙のマイケル・ビリントンは、この作品を「生き生きとした、喜びにあふれた生きた演劇」と評し、「人生の喜びが、不寛容の力と軍産複合体の死をもたらす力と対立していた時代を祝福している。シェイクスピアがかつて言ったように、『まだ樹液は出ていない』」と書いている。 ^[229]デイリー・テレグラフ紙のチャールズ・スペンサーも同意し、「これは、ロック・ミュージカルの最高傑作のタイムリーで魅力的な復活だ。…劇団の活気とエネルギーは…抗えない」と書いている。^[230]インディペンデント紙のマイケル・コーヴニーは、ヘアーは「史上最高のミュージカルの1つであり、時代劇として成り立っていることを発見してほっとした現象だ」と書いている。 ^[231]タイムズ紙でベネディクト・ナイチンゲールは「波打つカフタンからルリタニアの軍服まで、あらゆる衣装をまとった多彩なキャストが舞台下へと駆け下りながら、いまだ夜明けを拒む水瓶座の時代への美しい賛辞を捧げる様子は爽快であると同時に奇妙に感動的だ」とコメントした。^[232]

2014年8月、2009年のブロードウェイ版がハリウッド・ボウルで3夜公演として再演された。アダム・シャンクマンが演出し、クリステン・ベルがシーラ役、ハンター・パリッシュがクロード役、ベンジャミン・ウォーカーがバーガー役、アンバー・ライリーがディオンヌ役、ジェナ・アシュコウィッツがジーニー役、サラ・ハイランドがクリッシー役、マリオがハド役、ビバリー・ダンジェロとケヴィン・チェンバレンがクロードの両親役で出演した。^[233]

2016年にイギリスのマンチェスターのホープ・ミル劇場で上演された作品は、ジョナサン・オボイル演出、ウィリアム・ウェルトン振付、ロバート・メットソンがクロード役、ローラ・ジョンソンがシーラ役、ライアン・アンダーソンがバーガー役で出演し、好評を博した。^[234] 2017年、ミュージカル50周年記念として、オフ・ウエスト・エンドでロンドンのザ・ヴォールツ劇場で再演され、メットソンとジョンソンが再演、アンディ・コクソンがバーガー役を演じた。^[235]この作品は、 WhatsOnStage Awardのベスト・オフ・ウエスト・エンド作品賞を受賞した。^[236] この作品のイギリス全国ツアーは2019年3月に始まり、ジェイク・クイックンデンがバーガー役、デイジー・ウッド＝デイヴィスがシーラ役、ポール・ウィルキンスがクロード役、マーカス・コリンズがハド役で出演した。^[237]

『ヘアー』は世界のほとんどの国で上演されている。^[183]​​ ベルリンの壁崩壊 後、このショーは初めてポーランド、レバノン、チェコ共和国、サラエボを巡回した（ABCの『ナイトライン・ウィズ・テッド・コッペル』で特集された。フィル・アルデン・ロビンソンが1996年にこの都市を訪れ、戦争の最中に『ヘアー』が上演されているのを発見した）。 ^[183] ​​ 1999年、マイケル・バトラーと演出家のボー・クロウェルは、モスクワのゴーリキー公園にあるスタス・ナミン劇場でロシアでの『ヘアー』の制作に協力した。当時ロシア兵がチェチェンで戦っていたため、モスクワでの制作は30年前のオリジナルと同様の反響を呼んだ。^{[238] [239]}

ラドーは2003年に、このショーが上演されていないのは「中国、インド、ベトナム、北極大陸、南極大陸、そしてほとんどのアフリカ諸国」だけだと書いている。^[183] ​​ それ以来、インドでの公演が行われている。^[240]

1979年には同名のミュージカル 映画が公開された。 ミロシュ・フォアマン監督、トワイラ・サープ振付、マイケル・ウェラー脚本で、ジョン・サヴェージ、トリート・ウィリアムズ、ビヴァリー・ダンジェロが主演し、ゴールデン、ムーア、ダイソン、フォーリー、ドーシー・ライト、ドン・デイカス、ネル・カーター、シェリル・バーンズらが出演している。ゴールデングローブ賞ではミュージカル・コメディ部門作品賞と新人賞（ウィリアムズ）の2部門にノミネートされ、フォアマンはセザール賞にノミネートされた。^[241]

いくつかの歌が削除され、映画のストーリーはミュージカルから大きく逸脱している。クロードのキャラクターは、軍隊に入隊するためにニューヨークに来たばかりのオクラホマ出身の無実の徴兵兵として書き直され、シーラは彼の目に留まる上流社会の新人女性である。おそらく最大の逸脱として、バーガーはミスによりクロードの身代わりにベトナムに行くことになり、そこでクロードは殺される。 ^[242]この映画は概ね好評だったが、ラグニとラドは、ヒッピーを平和運動とは何の関係もない「変わり者」として描くことで『ヘアー』の本質を捉えることができなかったと述べた。^[241]

ニューヨーク・タイムズ紙は2007年に「ヘアーは、黄金時代のショーが定期的に文化に浸透したように、ブロードウェイミュージカルの中で最後の作品の一つだった」と記した。 ^[18]このショーの曲は、今でも有名アーティストによってレコーディングされている。^[243] 1990年代には、エヴァン・ダンドーのグループ、ザ・レモンヘッズが1992年のアルバム『イッツ・ア・シェイム・アバウト・レイ』で「フランク・ミルズ」をレコーディングし、ラン・DMCは1993年のシングル『ダウン・ウィズ・ザ・キング』で「ホエア・ドゥ・アイ・ゴー」をサンプリングした。この曲はビルボードのラップチャートで1位になり、ビルボードホット100チャートのトップ25にランクインした。 ^{[244] [245] 2004年には、} 1979年の映画版の「アクエリアス」が、 AFIの100年...100曲で33位に輝いた。^[246]

ミュージカルの曲は映画やテレビ番組にも採用されている。例えば、2005年の映画『チャーリーとチョコレート工場』では、登場人物のウィリー・ウォンカが「グッドモーニング・スターシャイン」の歌詞で子供たちを出迎えた。^{[247] 「アクエリアス」は1983年の}『ラバーン＆シャーリー』の最終回で、登場人物のカーマインがニューヨークに移り住み、ヘアー・ミュージックのオーディションを受ける場面で演奏された。^{[248] 「アクエリアス/レット・ザ・サンシャイン・イン」は映画}『40歳の童貞男』の最終シーンでも演奏され、^[243]スリー・ドッグ・ナイトの「イージー・トゥ・ビー・ハード」はビルボードホット100で第4位に達し、 ^{[249]デヴィッド・フィンチャーの映画}『ゾディアック』の前半で使用された。^[250]シンプソンズのエピソード「スプリングフィールドの事件メモ」では、町の人々が「グッドモーニング・スターシャイン」を歌っている。^[251]テレビ番組「Glee 」のエピソード「Hairography 」には、ビヨンセの曲「Hair」と「 Crazy in Love 」のマッシュアップが含まれています。^[252] Head of the Classは1990年に「Hair to Eternity」と題された2部構成のエピソードを特集し、英語学部の学部長が学校での「Hair」のパフォーマンスを妨害しようと決意しています。^[253]

平和主義のテーマが普遍的であるため、ヘアーは高校や大学の公演で人気の選択肢であり続けています。^[35]アマチュアによるヘアーの公演も世界中で人気があります。^[254] 2002年、ピーター・ジェニングスはABCのドキュメンタリーシリーズ「In Search of America 」で、コロラド州ボルダーの高校で上演されたヘアーを取り上げました。^{[255] 2006年に}ニュージャージー州レッドバンクの2,000席のカウント・ベイシー劇場で行われたコミュニティシアターの公演は、オリジナルのプロデューサーであるマイケル・バトラーによって「長い間見た中で最高のヘアーの1つ」と評されました。 ^[256] 2007年には、カリフォルニア州ミルバレーのマウント・タマルパイス州立公園にある4,000席のクッシング・メモリアル・アンフィシアターでマウンテン・プレイによる公演が行われました。 ^[257]

『ヘアー』はブロードウェイの「初めて完全に実現した」コンセプトミュージカルであり、 ^[258]カンパニー、フォリーズ、太平洋序曲、コーラスラインなどのショーを含む70年代のミュージカル劇場を支配した形式であった。^[258]コンセプトミュージカルの発展はヘアーのブロードウェイでの在籍期間の予期せぬ結果であったが、ブロードウェイで期待されていたロック音楽革命は不完全なものとなった。^[258]

マクダーモットは『ヘアー』に続いて、ロック音楽の作曲を3作連続で手掛けた。『ヴェローナの二紳士』（1971年）、『デュード』 （1972年）はラグニとの2度目のコラボレーション作品、『ヴィア・ギャラクティカ』 （1972年）である。『ヴェローナの二紳士』は観客に受け入れられ、トニー賞最優秀ミュージカル賞を受賞したが、『デュード』はわずか16回の公演で失敗し、『ヴィア・ギャラクティカ』は1ヶ月で失敗に終わった。^[259]ホーンによれば、これらやその他の「失敗は、プロデューサーが単に『ロックミュージカル』というラベルに頼って、提示された素材の質に関係なく観客を引き付けようとした結果かもしれない」という。^{[259]宗教をテーマにしたこのジャンルの成功作は} 『ジーザス・クライスト・スーパースター』（1970年）と『ゴッドスペル』（1971年）の2本である。『グリース』（1971年）は1950年代のロックサウンドに戻り、『ウィズ』（1975年）のような黒人をテーマにしたミュージカルはゴスペル、R&B、ソウルミュージックの影響を強く受けた。1970年代後半までには、このジャンルは終焉を迎えた。^[259] 『ドリームガールズ』（1981年）や『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』 （1982年）のような少数のロック作品を除いて、1980年代の観客の嗜好は『レ・ミゼラブル』（1985年）や『オペラ座の怪人』 （1986年）のようなポップ音楽のメガミュージカルに移った。^[260] 『レント』（1996年）や『春のめざめ』 （2006年）などの後発のロックミュージカルや、 『ウィ・ウィル・ロック・ユー』（2002年）や『ロック・オブ・エイジズ』（2009年）のようなロック音楽をフィーチャーしたジュークボックスミュージカルも成功を収めている。しかし、ロックミュージカルは『ヘアー』以降すぐにミュージカル劇場の舞台を独占するようになったわけではない。評論家のクライヴ・バーンズは「ロックミュージカルなんて本当になかった。有名ロックミュージシャンがブロードウェイでロックの曲を作曲したことなんてない。ミュージカル『トミー』を思い浮かべるかもしれないが、あれはブロードウェイのショーとして構想されたことはなかった。理由はわかる。レコードやロックコンサートの方がはるかに儲かる。フィラデルフィアで閉幕するかもしれないミュージカルで苦労する必要はない」とコメントしている。^{[259] [261] 21世紀になっても}『ヘアー』の人気が続いていることは、2006年のBBCラジオ2のリスナー投票で「[イギリス]ナンバーワンの必須ミュージカル」で10位にランクインしたことからもわかる。^[262]

一方、『ヘアー』はブロードウェイで何が受け入れられるかということに大きな影響を与えただけでなく、同作が称賛する社会運動そのものにも影響を与えた。例えば1970年、バトラー、カステッリ、そして『ヘアー』の出演者たちは、国連創設25周年を記念して結成された国連後援の組織、世界青年会議の資金調達に貢献した。 [ 263 ^]この会議では、1970年7月に世界中から750人の若者の代表がニューヨークに集まり、社会問題について議論した。^{[264] [265]}約1週間、世界中の出演者たちは公演のたびに基金のために寄付金を集めた。 『ヘアー』は約25万ドルを集め、最終的に会議の主要な資金提供者となった。^[266]出演者とスタッフも1日分の給料を寄付し、バトラーはこれらの作品の1日分の利益を寄付した。^{[263] [264]}さらに、ラ・ママETCの創設者である エレン・スチュワートは次のように述べています。

ヘアはブルージーンズ、着心地のよい服、色彩、美しい色彩、音、動きとともに登場した。…そして[今では誰もが]ブルージーンズをはいている。…ヘアがしたことは、どこへでも行きたいところに行くことだった。…一種の解放、精神的な解放は[オホーガンの]演出から生まれた。…ヘアは今日まで、あなたが目にするあらゆるものに影響を与えてきた…世界中のどこにいても、ヘアがブロードウェイだけでなく全世界にもたらした実験的なテクニックの要素を見ることができるだろう。^[267]

• 反戦をテーマにした演劇のリスト
• 反戦歌リスト

注記

Bibliography

• Davis, Lorrie and Rachel Gallagher. Letting Down My Hair: Two Years with the Love Rock Tribe (1973) A. Fields Books ISBN 0-525-63005-8
• Horn, Barbara Lee. The Age of Hair: Evolution and the Impact of Broadway's First Rock Musical (New York, 1991) ISBN 0-313-27564-5
• Johnson, Jonathon. Good Hair Days: A Personal Journey with the American Tribal Love-Rock Musical Hair (iUniverse, 2004) ISBN 0-595-31297-7
• Miller, Scott. Let the Sun Shine In: The Genius of Hair (Heinemann, 2003) ISBN 0-325-00556-7
• Wollman, Elizabeth Lara, The Theatre Will Rock: A History of the Rock Musical from Hair to Hedwig (University of Michigan Press, 2006) ISBN 0-472-11576-6

• Official website
• ​Hair​ at the Internet Broadway Database
• ​Hair​ at the Playbill Vault
• The HAIR Archives at Michael Butler.com, curator Nina Machlin Dayton, containing numerous historical documents about the musical
• Official HAIR blog from Michael Butler, the musical's original producer
• Links to discographies and listings of original cast albums and recordings of songs in Hair compiled by John Holleman
• Galt MacDermot Hair website
• HAIR Pages (1995–2009 archive)