日本の音楽

日本の伝統音楽の最も古い形態は以下の通りです。

• 声明(または聲明)、または仏教の読経
• 雅楽、またはオーケストラの宮廷音楽

どちらも奈良時代(710 ～ 794 年) と平安時代 (794 ～ 1185 年) のものです。^{[ 4 ]}雅楽は平安時代から宮廷で演奏されてきました。^{[ 5 ]}神楽歌、東遊び、大和歌は土着のレパートリーである。唐楽は、中国の唐時代(618 ～ 907 年) のスタイルに似ていると言われています。駒楽は朝鮮半島から来たのかもしれない。 さらに、雅楽は管弦（器楽）と舞楽（雅楽に伴う踊り）に細分されます。

侍たちは、生活を豊かにし理解を深めるための実践として、これらの音楽活動を聴いたり演奏したりした。^{[ 6 ]}

琵琶（びわ- 中国語: pipa ）は、短頸のリュートの一種で、旅芸人（琵琶法師）の一団によって演奏されていました。琵琶音楽の起源は『平家物語』にあります。^{[ 7 ]}琵琶法師はギルドのような組織を結成しました。琵琶は日本の伝統楽器です。

ラフカディオ・ハーンは著書『怪談：奇妙なものの物語と研究』（1903年）の中で、「耳なし芳一」という、盲目の琵琶法師が「平家物語」を演じる日本の怪談を紹介している。^{[ 7 ]}

盲目の女性たち、いわゆる瞽女は、中世から旅芸をしながら歌を歌い、膝太鼓で伴奏をしていた。17世紀以降は箏や三味線を演奏することも多くなった。瞽女の団体は各地に生まれ、新潟県では21世紀まで存続していた。

和太鼓は日本の太鼓で、さまざまなサイズがあり、さまざまな音楽ジャンルで使用されています。近年では、過去のさまざまな民謡や祭りの音楽を基にしたレパートリーを持つ打楽器アンサンブルの中心楽器として特に人気が高まっています。このような太鼓音楽は、組太鼓と呼ばれる大きな太鼓アンサンブルによって演奏されます。その起源は不明ですが、太鼓奏者の粘土像がその存在を記録した7世紀にまで遡ることができます。中国の影響が続きましたが、楽器とその音楽は独自に日本的でした。^{[ 8 ]}この時代の太鼓は、敵を威嚇したり命令を伝えたりするために戦闘で使用されました。太鼓は、仏教や神道の宗教音楽で引き続き使用されています。かつては、演奏者は特別な機会に小グループでのみ演奏する聖職者でしたが、時が経つにつれて、盆踊りなどの半宗教的な祭りで世俗の男性（まれに女性）も太鼓を演奏するようになりました。

現代のアンサンブル太鼓は、1951年に大口大八によって発明されました。 ^{[ 9 ]}ジャズドラマーである大口は、自身の音楽的背景を、自ら設計した大規模なアンサンブルに取り入れました。彼のエネルギッシュなスタイルは、彼のグループを日本中で人気にし、北陸地方を太鼓音楽の中心地にしました。この人気の波から生まれた音楽グループには、小林誠道が創設した大江戸助六太鼓などがあります。1969年には、座おでこ座というグループが登場しました。座おでこ座は、共同生活の生活様式として用いられる新しいルーツ復興太鼓を革新する若い演奏家を集めました。1970年代には、日本政府が日本文化の保存に資金を投入し、多くのコミュニティ太鼓グループが結成されました。世紀後半には、太鼓グループは世界中に、特にアメリカ合衆国に広がりました。ビデオゲーム「太鼓の達人」は太鼓を題材にしています。

日本の民謡は様々な方法で分類できますが、一般的には5つの主要なカテゴリーに分けられます。

• 漁師の労働歌、農夫の労働歌
• 子守唄
• 宗教歌（例えば、神道音楽の一種である里神楽など）
• 結婚式、葬儀、祭り（特にお盆）などの集まりで使われる歌
• 童謡（わらべ歌）

民謡では、三味線と呼ばれる3弦のリュート、太鼓、尺八と呼ばれる竹笛が歌い手の伴奏として用いられるのが一般的である。^{[ 10 ]}その他伴奏楽器としては、篠笛と呼ばれる横笛、鐘と呼ばれる鐘、鼓と呼ばれる手太鼓、そして/または箏と呼ばれる13弦の琴などが挙げられる。沖縄では、三線が主な楽器である。これらは日本の伝統楽器であるが、演歌歌手が伝統的な民謡（演歌はそれ自体が日本の音楽ジャンルである）をカバーする際には、エレキギターやシンセサイザーなどの現代的な楽器も現代では使用されている。 ^{[ 11 ]}

音頭とは、一般的に、独特の揺れがあり、2/4拍子のリズムで聴こえる民謡全般を指します（ただし、演​​奏者は通常、拍子をグループ化しません）。お盆の踊りでよく聴かれる民謡は、典型的には音頭です。 部氏（「メロディー」または「リズム」）とは、独特のメロディーを持つ歌のことです。この言葉は単独で使われることはほとんどなく、職業、場所、人名などを表す語句が接頭辞として付けられます。 盆歌は、死者の灯籠祭りであるお盆のための歌です。小森歌は子守唄です。 民謡の歌名には、通常、語尾に説明的な語句が含まれることがよくあります。 例えば、東京音頭、串本部氏、北海盆歌、五月の小森歌などです。

これらの歌の多くは、特定の音節にアクセントを置いたり、掛け声（かけ声）を加えたりしています。掛け声は一般的に応援の掛け声ですが、民謡ではコーラスの一部として使われることが多いです。掛け声は地域によって様々ですが、多くの種類があります。例えば、沖縄民謡では「はやあささ！」がよく使われます。一方、日本本土では「あよいしょう！」「さて！」「あそれ！」などが一般的です。その他にも「あどと恋！」「どこいしょう！」などがあります。

近年、民謡の一部において、家元制度と呼ばれるギルド制が採用されている。この制度はもともと長唄、尺八、箏といった古典音楽の伝承のために発展したものだが、師範にとって有益であることが証明され、技能証明書の取得を希望する生徒からも支持されたことから、民謡、津軽三味線など、従来はより非公式に伝承されてきた音楽にも広がりを見せている。今日では、こうした準家族的な組織で民謡が継承され、長期の徒弟制度が一般的となっている。

ウムイ（宗教歌）、シマウタ（舞曲）、そして特にカチャーシー（陽気な祝祭音楽）は、いずれも島で人気がありました。沖縄の民謡は、日本の本土の民謡とはいくつかの点で異なります。

沖縄の民俗音楽は三線が伴奏として用いられることが多いが、日本本土では三味線が伴奏として用いられる。その他の沖縄の楽器には、サンバ（カスタネットに似たカチカチという音を出す）、太鼓、指笛（ゆびぶえ）と呼ばれる鋭い音を出す指笛などがある。

日本の主要な島々の民謡では、ペンタトニックスケールがよく使われます。このペンタトニックスケールでは、下属音と導音（西洋の長音階の4度と7度）が省略されているため、各音の間に半音がない音階となります（ソルフェージュではド、レ、ミ、ソ、ラ、音階の1度、2度、3度、5度、6度）。しかし、沖縄の民謡では、西洋音楽の学問で分析すると、前述のペンタトニックスケールで省略されている半音を含む音階が使われます。実際、沖縄の民謡で最もよく使われる音階は、音階の1度、2度、3度、4度、5度、6度、7度を含んでいます。

明治維新で西洋音楽教育が導入された後、伊沢修司は「蛍の光」などの歌を公教育用に編纂した。^{[ 12 ]}この時期に発展した音楽の主要な形式は、西洋音楽を学校に導入するために作曲された歌歌と軍歌である。^{[ 13 ]}

19世紀後半、日本が代議制民主主義へと移行するにつれ、指導者たちは自らが公の場で発言することを禁じられていたため、自らのメッセージを伝える歌を歌手に歌わせて販売するようになった。

1947年に笠木静子が歌った ヒット曲「東京ブギウギ」は、終戦後の新たな楽観主義を象徴しており、^{[ 14 ]}歌謡曲は、かつて「ベビー笠木」と呼ばれたスーパースター、雲空美空が登場してからは特に一大産業となった。 ^{[ 15 ]} 1950年代には、タンゴやその他のラテン音楽、特にキューバ音楽が非常に人気になった。^{[ 16 ] [ 17 ]} 1960年代には、ドドンパと呼ばれる独特の日本的なチャチャチャが登場した。 ^{[ 18 ] [ 19 ]}歌謡曲は演歌の影響を受けた伝統的な日本の構造と結びついた。有名な演歌歌手には、雲空美空、北島三郎、吉郁三、南春雄などがいる。

J-popはJapanese popの略で、1990年代に日本の音楽の主流となった、定義が曖昧な音楽ジャンルです。J-popは、ビートルズなどの1960年代のポップやロック音楽にルーツを持ち、70年代のロックバンドがロックと日本の音楽を融合させました。^{[ 27 ]} J-popは、 1970年代後半にサザンオールスターズやイエローマジックオーケストラなどの日本のニューウェーブバンドによってさらに定義されました。 ^{[ 28 ]}最終的に、J-popは日本の音楽シーンで歌謡曲（1920年代から1980年代までの日本のポップ音楽を指す用語）に取って代わりました。^{[ 29 ]}この用語は、日本の音楽を外国の音楽と区別するために日本のメディアによって作られました。

テクノ音楽（シンセポップまたはテクノポップとも呼ばれる）は、1978年にイエロー・マジック・オーケストラ（YMO）によって開拓されました。彼らはシンセサイザー、サンプラー、シーケンサー、ドラムマシン、コンピューター、デジタル録音技術の使用の先駆者であり、^{[ 38 ] [ 39 ] [ 40 ]} 1980年代のエレクトロポップブームを効果的に予見しました。^{[ 41 ]}彼らはシンセポップ、エレクトロ、テクノなど、いくつかの電子音楽ジャンルの発展に重要な役割を果たしたとされています。^{[ 42 ]}

YMOの成功に続き、1970年代後半にはP-Model、 The Plastics、Hikashuといった他の人気ニューウェーブやシンセポップバンドが登場した。ポップミュージックで知られていた多くのミュージシャンが、1970年代後半から1980年代にかけて、CCBや矢野あきこなどテクノ作品へと転向した。1990年代には、電気グルーヴが結成され、日本のエレクトロニカシーンの主力となった。Polysicsなどのアーティストは、この時代への明確なオマージュを捧げている。Capsuleの中田ヤスタカは、国内外で成功を収めた人気エレクトロポップグループPerfumeやきゃりーぱみゅぱみゅの裏方として関わっており、特にきゃりーぱみゅぱみゅは「かわいい原宿大使」と呼ばれた。

映画、アニメ、特撮、ドラマのテーマ音楽は、独立した音楽ジャンルとみなされている。あらゆるジャンルのミュージシャンやバンドが日本のテレビや映画のためにレコーディングを行ってきたが、多くのアーティストやグループは、そのキャリアのほとんどを映像メディアのテーマソングの演奏やサウンドトラックの作曲に費やしてきた。そのようなアーティストには、下門正人（「およげ!たい焼きくん」で日本で最も成功したシングルの世界記録保持者）、 ^{[ 44 ]}水樹一郎、 JAM Projectのメンバー全員（電撃戦隊チェンジマンやドラゴンボールZのオープニングを歌った影山弘信など）、櫛田明、Project.Rのメンバー、佐々木功、堀江光子などがいる。日本のテーマ音楽の著名な作曲家には、久石譲、大島ミチル、菅野よう子、佐橋俊彦、梶浦由記、中川幸太郎、菊池俊介、林由紀などがいる。

ゲーム音楽

最初の電子ゲームが販売されたとき、音楽を生成するための基本的なサウンドチップが搭載されていました。技術が進歩するにつれて、品質は劇的に向上しました。音楽で評価された最初のゲームはゼビウスで、当時としては深く構築されたストーリーでも注目されました。ビデオゲーム音楽の歴史において最も重要なゲームの一つはドラゴンクエストです。サイボーグ009やゴジラVSビオランテの劇場版など、さまざまなアニメやテレビ番組の作曲を手がけた杉山浩一は、好奇心からこのプロジェクトに参加し、ゲームにも本格的なサウンドトラックが作れることを証明しました。彼が参加するまで、ビデオゲームの開発において音楽や効果音はしばしば軽視され、音楽の知識がほとんどないプログラマーがサウンドトラックも作曲せざるを得ませんでした。杉山は技術的な制約にひるむことなく、8声ポリフォニーのみを使用して、何時間もプレイしてもプレイヤーを飽きさせないサウンドトラックを作り上げました。

ゲーム音楽の著名な作曲家は植松伸夫です。植松の初期の作品は、ファミコン（アメリカではNintendo Entertainment System）のゲームシリーズ「ファイナルファンタジー」のフルオーケストラスコアに編曲されています。2003年、彼はロックベースの曲をオリジナルのMIDIフォーマットから取り出し、ブラックメイジを結成しました。 光田康典は、ゼノギアス、ゼノサーガ エピソードI、クロノクロス、クロノトリガーなどのゲームの音楽の作曲家です。任天堂のサウンドマネージャーである近藤浩治は、ゼルダとマリオのテーマを作曲しました。瀬上淳はソニック・ザ・ヘッジホッグの作曲家です。彼はまた、ソニックアドベンチャー、ソニックアドベンチャー2、ソニックヒーローズ、シャドウ・ザ・ヘッジホッグ、ソニックと暗黒の騎士、その他のソニックゲームのテーマソングを制作したことで知られるCrush 40のメインギタリストでもあります。桜庭統は、 『テイルズ』シリーズ、『ダークソウル』、『エターナルソナタ』、 『スターオーシャン』 、『ヴァルキリープロファイル』、『ゴールデンサン』、『バテン・カイトス』シリーズ、そして数多くのマリオスポーツゲームの音楽を作曲した。古代祐三は、『リベンジ・オブ・シノビ』や『ベア・ナックル』シリーズなどのゲームで、エレクトロニックミュージックの影響を受けたサウンドトラックを作曲した。

宇多田ヒカル、水樹奈々、BoAといったポップシンガーは、ゲームのために歌を歌うことがある。

1960年代、日本の多くのロックバンドは、西洋のロック、アパラチア民謡、サイケデリックロック、モッズなどのジャンルの影響を受け、グループサウンズ（GS）と呼ばれる現象が起こりました。ジョン・レノンは日本で最も人気のある西洋ミュージシャンの1人になりました。^{[ 45 ]} 1960年代後半には、テンプターズ、タイガース、ゴールデンカップス、スパイダーズ、ジャガーズ、オックス、ヴィレッジシンガーズ、カーナビーツ、ワイルドワンズ、モップス^{[ 46 ]}などのグループサウンズバンドが人気を博しました。^{[ 47 ]}グループサウンズのブームの後には、フォークシンガーソングライターが登場しました。タイガースは、その時代の最も人気のあるグループサウンズバンドでした。後に、タイガース、テンプターズ、スパイダーズのメンバーの一部が、日本初のスーパーグループであるピッグを結成しました。

沢田健二と萩原健一は、パワーハウス、ブルース・クリエイションなどのロックバンドや、ムラサキ、コンディション・グリーン、バウ・ワウなどの70年代後半のハードロックバンドと共に、1970年代初頭にソロ活動を開始した。キャロル（矢沢栄吉率いる）、RCサクセッション、ファニー・カンパニーはロックサウンドの確立に貢献した。70年代後半には、クリエイションとチャーがジェフ・ベック風のロックを演奏した。60年代後半から始まったが、主に70年代には、ミュージシャンはロックにアメリカンスタイルのフォークやポップの要素をミックスし、アコースティックギターを頻繁に使用していたため、フォークロックと呼ばれるようになった。これには、チューリップ、バンバン、ガロなどのバンドが含まれる。ロックアーティストには、初期のサザン・オールスターズが含まれる。

日本のミュージシャンは1970年代にエレクトロニック・ロックの実験を始めた。最も有名なのは冨田勲で、1972年のアルバム『エレクトリック・サムライ：スイッチド・オン・ロック』では、当時のロックやポップソングを電子シンセサイザーで演奏した。^{[ 48 ]}エレクトロニック・ロックの初期の例としては、井上洋水のフォーク・ロックとポップ・ロックのアルバム『アイス・ワールド』（1973年）や、北島修のプログレッシブ・サイケデリック・ロックのアルバム『弁財天』（1974年）があり、どちらも細野晴臣が参加している。^{[ 49 ] [ 50 ]}細野は後に1977年にエレクトロニック・ミュージック・グループ「イエロー・マジック・バンド」（後にイエロー・マジック・オーケストラとして知られる）を結成した。 ^{[ 51 ]}

1980年代、尾崎豊は若いロックファンに人気があった。CCB、Tokyo JAP、Red Warriorsなどのポップロックグループはヒット曲を生み出した。Boøwyは少年ナイフ、The Pillows、Tama & Little Creaturesなどのオルタナティブロックバンドや、Boredomsなどの実験的なバンド、 Glayなどのメインストリームバンドに影響を与えた。1980年、Huruomaとアメリカ人ミュージシャンのRy Cooderは、前述の沖縄バンドChamplooseの原動力である木名翔吉とロックアルバムでコラボレーションした。彼らに続いて、日本の音楽と沖縄の音楽の影響をさらに融合させたSandii & the Sunsetzが登場した。また、1980年代には、日本のメタルバンドやロックバンドがヴィジュアル系と呼ばれるムーブメントを生み出し、 X JAPAN、BUCK-Tick、LUNA SEA、MALICE MIZERなどのバンドがその歴史を代表し、近年では国内および国際的な成功を収めたバンドもある。

1990年代には、B'z、Mr. Children、L'Arc-en-Ciel、Glay、 Southern All Stars 、Judy and Mary、Tube、Spitz、Wands、T-Bolan、Field of View、Deen、Lindberg、Sharam Q、The Yellow Monkey、The Brilliant Green、Dragon Ashといった日本のロックミュージシャンが商業的に大きな成功を収めた。オリコンが集計を開始して以来、B'zは日本の音楽界で最も売れたアーティストであり、 Mr. Childrenがそれに続いている。1990年代には、ポップソングが映画、アニメ、テレビCM 、ドラマ番組などで頻繁に使用され、日本のベストセラーとなった。使い捨てポップの台頭はカラオケの人気と結びついており、消費主義的だという批判につながっている。The Boomの宮沢和史は「買って、聴いて、捨てて、カラオケバーで歌うというメンタリティが嫌いだ」と述べている。ヴィジュアル系バンドの中では、ステージ衣装を控えめにすることで成功を収めたLuna Seaが非常に人気を博したほか、 Malice Mizer、La'cryma Christi、Shazna、Janne Da Arc、Fanatic Crisisも1990年代後半に商業的な成功を収めた。

「21世紀の日本のインディーロックの基礎となる重要性を持つ」と評されたロックバンドSupercar ^{[ 52 ]}は、 1998年に影響力のあるファーストアルバムをリリースした^{[ 53 ]}。彼らは2005年まで活動を続け、後期のアルバムにはエレクトロニックロックの要素がより多く含まれていた^{[ 53 ] 。}

1997年に第1回フジロックフェスティバルが開催された。 1999年にはライジングサンロックフェスティバルが開催された。 2000年にはサマーソニックフェスティバルとロックインジャパンフェスティバルが開催された。2000年代のロックシーンはそれほど活発ではなかったものの、 Bump of Chicken、Asia Kung-Fu Generation、ONE OK ROCK、Flow、Orange Range、RADWIMPS、Sambomaster、Remioromen、Uverworld、Aqua Timezなどのバンドが成功を収めた。Orange Rangeはヒップホップにも進出した。B'z、Mr. Children、Glay、L'Arc-en-Cielなどの確立されたバンドは引き続きチャートのトップに立ったが、長年にわたって高い売上を維持したのはB'zとMr. Childrenだけだった。

日本のロックシーンは活気に満ちており、国際的にはBoredomsやMelt Bananaといったノイズロックバンド、Borisのようなストーナーロックバンド、 Acid Mothers Templeのようなサイケデリックロックバンド、そして少年ナイフ（カート・コバーンが欧米で支持したバンド）、ピチカート・ファイヴ、ピロウズ（1999年に映画『フリクリ』のサウンドトラックで国際的な注目を集めたバンド）といったオルタナティブバンドで知られている。Eastern Youth、The Band Apart、Number Girlといったよりオーソドックスなインディーロックアーティストは日本では一定の成功を収めたものの、国外ではほとんど認知されていない。その他、国際的にツアーを行っている注目すべきインディーロックバンドとしては、Monoや二千年問屋台などが挙げられる。

日本はメタルバンドにとって成功している市場である。その代表的な例としては、ジューダス・プリーストの『アンリーシュド・イン・ザ・イースト』 、ディープ・パープルの『メイド・イン・ジャパン』、アイアン・メイデンの『メイデン・ジャパン』、マイケル・シェンカー・グループの『ワン・ナイト・アット・ブドーカン』、ドリーム・シアターの『ライブ・アット・ブドーカン』などが挙げられる。

日本のメタルは1970年代後半に登場し、1975年にギタリストの山本恭司が結成したBow Wowや、1981年にギタリストの高崎明が結成したLoudnessなどのバンドが先駆者となった。Earthshaker 、Anthem、44 Magnumなどの同時代のバンドは、 80年代半ばになってようやくデビューアルバムをリリースした。初の海外ライブパフォーマンスは、1978年の香港、モントルー・ジャズ・フェスティバル、1982年のイギリスのレディング・フェスティバルでのBow Wowによるものだった。 ^{[ 54 ]} 1983年、Loudnessはアメリカとヨーロッパをツアーした。1985年、日本のメタルバンドとして初めてア​​メリカの大手レーベルと契約した。1985年と1986年にリリースされたアルバム『Thunder in the East』と『Lightning Strikes』は、それぞれオリコンチャートで74位（日本国内では4位）、ビルボード200チャートで64位を記録した。^{[ 55 ] [ 56 ]} 80年代末まで、アメリカでアルバムをリリースしたバンドは他にEzoとDead Endの2つだけだった。80年代には、寺田恵子がフロントを務める女性だけのバンドShow-Yaや、赤尾和恵がボーカルを務めるTerra Rosaのように、女性メンバーがいるバンドは少なかった。1989年9月、Show-YaのアルバムOuterlimitsがリリースされ、オリコンアルバムチャートで3位を獲得した。^{[ 57 ]}ヘヴィメタルバンドは1980年代後半にピークを迎え、その後1990年代半ばまで多くのバンドが解散した。

1982年には、歌舞伎風メイクの聖機IIや、日本のヴィジュアル系ムーブメントの先駆けとなり、ベストセラーメタルバンドとなったX JAPANなど、初期の日本のグラムメタルバンドがいくつか結成された。^{[ 58 ]} 1985年には、聖機IIのアルバム『聖機II - 悪魔がやってヘヴィメタル』がリリースされ、オリコンアルバムチャートで48位にとどまったものの、日本のメタルバンドとしては初めて10万枚を売り上げた。彼らのアルバムは1990年代半ばまで定期的にトップ10にランクインした。1989年4月には、X JAPANのセカンドアルバム『Blue Blood』がリリースされ、6位にランクインし、チャートイン108週で71万2000枚を売り上げた。^{[ 59 ]}彼らの3枚目でベストセラーとなったアルバム『Jealousy』は1991年7月にリリースされた。チャートのトップに立ち、111万枚を売り上げた。^{[ 59 ]}スタジオアルバム『Art of Life』と『Dahlia』の2枚がナンバーワンとなり、シングル集『X Singles』も50万枚以上を売り上げた。^{[ 60 ]} 1997年に解散するまでに、トップ5シングルを13曲も出した。^{[ 61 ]}

日本のメタルは、2014年に「カワイイメタル」バンドBABYMETALの成功により世界的に注目を集めた。BABYMETALは「ギミチョコ!! 」などのYouTubeで大ヒットした曲をレコーディングしたほか、メタリカやスレイヤーなどと共に、イギリスのソニスフィア・フェスティバル2014やカナダのヘヴィ・モントリオールなどの国際的なパフォーマンスを行った。BABYMETALは、レディー・ガガのArtRave: The Artpop Ball 2014ツアーの5公演でオープニングアクトを務めた。^{[ 62 ] [ 63 ]} BABYMETALは、Kerrang!のThe Spirit of Independence AwardやMetal HammerのBreakthrough Band Awardなど、数々の賞を受賞した。^{[ 64 ]}

ヒップホップを実験的に取り入れた最初の日本のグループとして知られているのは、 1981年のアルバム『BGM』をリリースしたイエロー・マジック・オーケストラ（YMO）である。このアルバムは、特にローランドTR-808ドラムマシンの導入により、ヒップホップの初期の歴史において重要な作品となった。アンダーメイン・マガジンは、収録曲「Music Plans」を「ヒップホップ・ビートのファンキーでエレクトロニックなブームバップの雰囲気が芽生え始めた曲」、収録曲「Rap Phenomenon」を「エレクトロニック・ラップ・ミュージックの聴覚的アウストラロピテクス」と評している。アメリカのヒップホップのパイオニアであるアフリカ・バンバータは、YMOの初期作品や坂本龍一の1980年のソロ・エレクトロ・トラック『 B-2 Unit』収録の「Riot in Lagos」とともに、アルバム『BGM』を影響を受けた作品として挙げている。^{[ 65 ] [ 66 ]} YMOと坂本龍一は、マントロニックス、^{[ 67 ]}デューク・ブーティー、フーディーニ、トーマス・ドルビー、トワイライト22など、初期のアメリカのヒップホップの主要人物にも大きな影響を与えた。^{[ 68 ]}

アメリカのヒップホップは1980年代後半に日本で人気を博し、その後も繁栄を続けている。それまで音楽界では「日本語の文章ではアメリカのラッパーの曲に含まれるような韻の効果を生み出すことはできない」と考えられていた。^{[ 69 ]}

場場、つまりナイトクラブのステージでは、さまざまな「ファミリー」のラッパーたちがパフォーマンスを披露する。ファミリーとは基本的に、東京で有名なアーティストが率いるラップグループの集まりで、そのグループには弟子も含まれる。^{[ 70 ]}ファミリーは「グループ間のスタイルの違いを理解する鍵」であるため重要である。^{[ 70 ]}観客席のヒップホップファンがクラブを仕切っている。彼らはステージ上のラップコンテストの勝者を決定する。その一例として、メジャーレーベル所属のラッパー、DaboとインディーズアーティストのKanのバトルが挙げられる。KanはDaboがパフォーマンスの最中に挑戦した。この出来事は「シーンの開放性とクラブにおける境界線の流動性」を示している。^{[ 71 ]}

グライムは、 2000年代初頭にイギリスのガレージやジャングルから派生して生まれたイギリスのエレクトロニック・ミュージックのジャンルです^{[ 72 ] [ 73 ][74]。ダンスホール、ラガ、ヒップホップの影響を受けています[ 75 ]}。このスタイルは、一般^的に140bpm前後の速くシンコペーションされたブレイクビーツが特徴で^{[ 74 ] [ 76 ]}、攻撃的またはギザギザしたエレクトロニック・サウンドが特徴であることが多いです^{[ 77 ]} 。ラップは重要な要素であり、歌詞はしばしば都市生活の生々しい描写を中心に展開されます^{[ 78 ] 。}

1982年に坂本龍一とデヴィッド・シルヴィアンが発表した「竹の家」は、グライムの要素を予見していた。Fact誌によれば、この曲は「偶然にも」グライムを予見しており、「きらびやかなシンセリード、シンコペーションの効いたドラム、そして後にワイリーとジャマーの初期作品の多くを特徴づけることになる漠然としたアジア風のモチーフ」といった要素を備えた「プロト・グライムの最初期の例」と評している。この曲はKode9のDJセットで使用され、Boxedの創設者であるSlackkによってリミックスされ、 Fact誌によれば「グライムの試金石」となった。^{[ 79 ]}

2004年、日本のDJがグライムをプレイし始めた。^{[ 80 ]} 2008年には、主に大阪出身のMCが登場し始めた。MCたちは、イギリスのグライムクルーRoll DeepとそのミックステープRules And Regulationsに影響を受けた。大阪のMCは、MC Dekishi、MC Duff、MC Tacquilacciの先駆者で構成されていた。^{[ 81 ] [ 82 ]} MC Dekishiは2009年に、日本初のグライムミックステープ「Grime City Volume 1」をリリースした。^{[ 80 ]}大阪のMCは非常に速いラップで知られている。^{[ 83 ]}東京の渋谷では、Carpainter、Double Clapperz、MC ONJUICY、PAKIN、Sakana Lavendaが率いる別のシーンが生まれた。^{[ 81 ]}

1980年代後半、シャンシャンタイフーンやザ・ブームといったルーツバンドが人気を博した。ネネスやキナといった沖縄ルーツバンドも商業的にも批評的にも成功を収めた。これがきっかけとなり、リンケンバンドの突然の成功を筆頭に、沖縄音楽の第二波が到来した。川内屋菊水丸率いるチャンプルースやキナの復活など、多くのバンドが続いた。川内音頭に非常によく似ているのが、桜川忠丸のゴシュ音頭である。

Jカントリーは、1960年代に西部劇が国際的に人気を博した時期に生まれたJポップの一形態である。^{[ 84 ]}任天堂やソニーなどの大手企業は、日本国内でカントリー＆ウェスタン音楽を制作し続けている。^{[ 85 ] [ 86 ]}

インドネシア、ジャマイカ、その他の音楽が同化されました。オルケスタ・デ・ラ・ルス（オルケスタ・デ・ラ・ルス）のようなアフリカのスークースやラテン音楽は、マイス・ティース、ミュート・ビート、ラ・ピッシュ、ホーム・グロウン・アンド・スカ・フレイムス、デターミネーションズ、東京スカパラダイスオーケストラに代表されるジャマイカのレゲエやスカと同様に人気がありました。

日本で認知されている音楽形式の一つにノイズミュージックがあり、日本人アーティストによるノイズミュージックを指す場合はジャパノイズとも呼ばれます。この形式の代表的なアーティストには、メルツバウ、マソンナ、ハナタラシュ、ゲロゲリゲゲなどが挙げられます。この音楽の挑戦的な性質にふさわしく、ノイズミュージックのパフォーマーの中には、ステージ上での過激なパフォーマンスで悪名高い者もおり、その中には、身体を傷つけたり、楽器を破壊したり、演奏会場を損傷したりする行為が含まれます（ただし、これらに限定されません）。