ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ

ミズーリ州カンザスシティ出身のウォルト・ディズニーとロイ・O・ディズニーは、ラフ・オー・グラム・スタジオの倒産後、1923年にロサンゼルスにディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオを設立した。彼らは、実写アニメーション映画のジャンルの先駆けとなったサイレント短編映画「アリス・コメディーズ」シリーズの制作からスタートした。 ^{[ 20 ]}「アリス・コメディーズ」は、スタジオの映画の制作と配給を担当したマーガレット・J・ウィンクラーのウィンクラー・ピクチャーズに買収された。 ^{[ 20 ] [ 21 ]}カリフォルニアに移住後、ディズニー兄弟は当初、ロサンゼルスのロス・フェリス地区にあるキングスウェル・アベニュー4406番地の叔父ロバート・ディズニーのガレージで働き始め、その後、1923年10月にキングスウェル・アベニュー4651番地の不動産会社のオフィスの裏にある小さなオフィスで正式にスタジオを立ち上げた。 1924年2月、スタジオは隣のキングスウェル通り4649番地に自社のオフィススペースを構えた。1925年、ディズニーは近隣のシルバーレイク地区にあるハイペリオン通り2719番地の新しい場所に手付金を支払い、スタジオの他の場所と区別するためにハイペリオン・スタジオとして知られるようになった。そして1926年1月、スタジオはそこに移転し、ウォルト・ディズニー・スタジオという名前になった。^{[ 22 ]}

当時、ウォルト・ディズニー・スタジオはアニメーション制作のみを担当し、その他の制作業務はすべてウィンクラー・ピクチャーズが担当していました。ウィンクラーは最終的に配給業務を中止し、ユニバーサル・ピクチャーズを配給会社として見つけました。1927年に始まった全編アニメーションの『オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット』はユニバーサル・ピクチャーズにとって大成功を収め、スタジオの評判を急上昇させました。チャールズ・ミンツはコスト削減策として、ディズニーにオズワルド短編作品ごとの前払い金を減額するよう強要しようとしました。ディズニーはこれを拒否し、オズワルドの権利はディズニーではなくユニバーサルが所有していたため、ミンツはオズワルドのアニメーションを制作するために独自のアニメーションスタジオを設立しました。ディズニーのスタッフのほとんどは、1928年半ばにディズニーのオズワルドの契約が満了すると、ミンツに引き抜かれました。 ^{[ 23 ]}

他のスタッフが契約中の残りのオズワルドの仕事を終える間、ディズニーとチーフアニメーターのウブ・アイワークスは、少数の忠実なスタッフを率いて、ミッキーマウスという新しいキャラクターを主役にしたアニメーションを制作し、その過程で会社名をディズニー・カートゥーンズに変更した。 ^{[ 24 ]}最初の2つのミッキーマウスのアニメーション、『プレーン・クレイジー』と『ギャロッピング・ガウチョ』は、1928年の夏に限定上映でプレビューされた。しかし、3番目のミッキーのアニメーションでは、ディズニーは音楽家のカール・ストーリングとセレブリティ・プロダクションズの実業家パット・パワーズと協力し、サウンドトラックを制作した。パワーズはディズニーに、海賊版の「シネフォン」サウンドオンフィルム方式を提供した。その後、3番目のミッキーマウスのアニメーション『蒸気船ウィリー』は、ディズニー初の同期音声付きアニメーションとなり、1928年11月にニューヨーク市のウェスト57thシアターで初公開された際に大成功を収めた。^{[ 25 ]}セレブリティ・プロダクションズが配給したミッキーマウスの音声付きアニメーションシリーズは、すぐにアメリカで最も人気のあるアニメーションシリーズとなった。^{[ 26 ] [ 27 ]}

ディズニーの2番目のサウンドカートゥーンシリーズである「シリー・シンフォニー」は、1929年に「骸骨の踊り」でデビューした。^{[ 28 ]} 1929年末までに、 「シリー・シンフォニー」シリーズから合計5つの短編が公開された。すべてストーリングが音楽を担当し、アイワークスがアニメーションを手がけた。

1929年、ディズニーとパワーズの間での資金をめぐる争いにより、1929年12月16日にウォルト・ディズニー・プロダクションズとして再設立されたディズニーのアニメーション制作会社は、コロンビア・ピクチャーズと新たな配給契約を結んだ。^{[ 29 ] [ 30 ] [ 31 ]}パワーズは、その見返りとしてウブ・アイワークスのスタジオと契約を結んだが、1940年にはディズニーに復帰することになる。^{[ 32 ]}

コロンビアは、ディズニーが1932年にユナイテッド・アーティスツと新たな配給契約を結ぶまでの2年間、ディズニーの短編映画を配給した。同年、ディズニーはテクニカラーと2年間の独占契約を結び、新しい3ストリップカラーフィルムプロセスを採用した^{[ 33 ]。}これにより、従来のカラーフィルム現像機では不可能だった、よりフルカラーの再現が可能になった^{[ 34 ]} 。その結果生まれたのが、フルテクニカラーで商業的に公開された最初の映画である「シリー・シンフォニー」シリーズの「花と木」である^{[ 34 ] [ 35 ]。}「花と木」は大成功を収め^{[ 34 ] [ 36 ]}、その後、すべてのシリー・シンフォニー作品がテクニカラーで制作された^{[ 37 ] [ 38 ] 。}

1930年代初頭までに、ウォルト・ディズニーはアニメーション映画の成功は観客を惹きつけ、離さないような感情的に心を掴む物語を語ることにかかっていると認識し、^{[ 39 ] [ 40 ]}この認識から、ストーリー開発に専念するストーリーボードアーティストを擁する独立した「ストーリー部門」を設立した。^{[ 41 ]}よく練られたキャラクターと興味深いストーリーにより、1933年のテクニカラーのシリー・シンフォニー・アニメーション『三匹の子ぶた』は興行的にもポップカルチャー的にも大成功を収め、^{[ 34 ] [ 42 ]}その主題歌「誰が大きな悪いオオカミを怖がるの？」は人気チャートヒットとなった。^{[ 43 ]}

1934 年、ウォルト・ディズニーは数名の主要スタッフを集め、初の長編アニメーション映画を制作する計画を発表した。映画業界のほとんどがこの作品を「ディズニーの愚行」と揶揄したが、ディズニーはひるむことなく『白雪姫と七人のこびと』の制作に取り掛かった。^{[ 44 ]}これは英語とテクニカラーによる初の長編アニメーション映画となった。 『白雪姫と七人のこびと』の制作には相当な訓練と開発が費やされ、スタジオは大幅に拡大し、ベテランアニメーター、他分野のアーティスト、そして最近大学を卒業した人々がスタジオに加わり、映画制作に携わった。レス・クラーク、ノーム・ファーガソン、アート・バビットなどの主任アニメーターが監督し、近隣のシュイナード美術研究所の美術教師ドナルド・W・グラハムが教える訓練クラスは、1932 年にスタジオで始まり、オリエンテーション訓練と継続教育クラスに大幅に拡大された。^{[ 12 ] [ 44 ] [ 12 ] [ 44 ]}授業の過程で、グラハムとアニメーターたちは、伝統的なアニメーションの重要な信条や原則となる多くの技術やプロセスを創造したり、体系化したりした。^{[ 12 ]}『春の女神』（1934 年）や『古い水車小屋』 （1937 年）などのシリー・シンフォニーは、リアルな人物像のアニメーション、特殊効果アニメーション、マルチプレーンカメラの使用などの新しい技術の実験場となった。 ^{[ 45 ]}マルチプレーンカメラは、アニメーションのアートワークのレイヤーを複数の平面に分割し、カメラがアニメーションシーンを立体的に移動しているように見せる発明である。^{[ 46 ]}

『白雪姫と七人のこびと』は、ディズニーが当時としては高額な140万ドル（ストーリー開発だけで10万ドルを含む）をかけて完成させ、1937年にユナイテッド・アーティスツからディズニー作品の配給を引き継いだRKOラジオ・ピクチャーズによって1938年2月に公開された際には、前例のない成功を収めた。2年後に『風と共に去りぬ』が前例のない成功を収めるまで、一時的に史上最高の興行収入を記録した映画であり、^{[ 47 ] [ 48 ]}初公開時には800万ドル以上を稼ぎ出し、これは1999年のドル換算で1億8297万8720ドルに相当する。^{[ 48 ]}

『白雪姫』の制作中、ミッキーマウスとシリー・シンフォニーシリーズの短編アニメーションの制作が続けられていた。ミッキーマウスは1935年にテクニカラーに移行し、その頃にはミッキーの愛犬プルートや友人ドナルドダック、グーフィーなど、主要な脇役キャラクターが数人追加されていた。ドナルド、グーフィー、プルートは1940年までにそれぞれ独自のシリーズに登場し、ドナルドダックのアニメーションはミッキーマウスシリーズの人気を凌駕した。^{[ 49 ]}アカデミー賞を7つ受賞したシリー・シンフォニーは1939年に終了したが、その後、再上映や再リリースで劇場に復活した。^{[ 50 ]}

『白雪姫』の成功により、ディズニーはバーバンクのブエナ・ビスタ通りに新しい、より大きなスタジオを建設することができ、ウォルト・ディズニー・カンパニーは現在もそこに本社を置いている。ウォルト・ディズニー・プロダクションズは1940年4月2日に新規株式公開を行い、ウォルト・ディズニーが社長、ロイ・ディズニーがCEOに就任した。^{[ 51 ]}

スタジオは新しいアニメーション映画の製作に着手し、その最初の作品が1940年2月に公開された『ピノキオ』だった。 『ピノキオ』は当初、興行的に成功したわけではなかった。^{[ 52 ]}映画の初公開時の興行収入は、『白雪姫』の比類なき成功とスタジオの期待の両方を下回った。^{[ 52 ] [ 53 ]}映画の製作費228万9000ドル （『白雪姫』 の2倍）のうち、ディズニーは1940年末までに100万ドルを回収したが、スタジオの報告によると、映画の最終的な初興行収入は140万ドルから190万ドルの間で変動した。^{[ 54 ]しかし}、『ピノキオ』^は批評家からは高く評価され、アカデミー歌曲賞と作曲賞を受賞し、スタジオ初^のオスカー受賞作品となった。

レオポルド・ストコフスキー指揮のオーケストラ編曲に合わせて制作された実験映画『ファンタジア』は、1940年11月にディズニー自身によって座席数限定のロードショー上映シリーズで公開された。この映画の制作費は200万ドルで、ロードショー上映で140万ドルの収益を上げたものの^{[ 56 ]} 、ファンタサウンドの設置費用（劇場1つあたり8万5000ドル） ^{[ 56 ]}が高額だったため、 『ファンタジア』は『ピノキオ』よりも大きな損失を出した^{[ 57 ]}。RKOは1941年に『ファンタジア』の配給を引き継ぎ^{[ 58 ]}、その後長年にわたって大幅に編集されたバージョンで再公開した。 ^{[ 59 ] [ 60 ]}興行的には失敗に終わったものの、『ファンタジア』は1942年2月26日に2つのアカデミー名誉賞を受賞した映画の立体サウンドトラックを作成するために使用された革新的なファンタサウンド システムの開発に対して、もう1つはストコフスキーと彼の映画への貢献に対してである。 ^{[ 61 ]}『ファンタジア』は、ロサンゼルスのウォルト・ディズニー・スタジオ（ウォルト・ディズニー・プロダクションズ）のハイペリオン・スタジオで完成した最後のディズニーアニメーション映画である

これらの作品や、1970年代後半までのすべての後続作品のキャラクターアニメーションの大部分は、ウォルト・ディズニーが「ナイン・オールド・メン」と呼んだアニメーターの頭脳集団によって監督されており、その多くはディズニーの長編作品で監督や後にプロデューサーも務めました。フランク・トーマス、オリー・ジョンストン、ウーリー・ライザーマン、レス・クラーク、ウォード・キンボール、エリック・ラーソン、ジョン・ラウンズベリー、ミルト・カール、マーク・デイビスです。^{[ 62 ]}この時期のディズニーの他の主任アニメーターには、ノーム・ファーガソン、ビル・タイトラ、フレッド・ムーアなどがいました。長編アニメーション部門の発展により、ディズニー・スタジオに階級制度が生まれました。下位のアニメーター（および仕事の合間の長編アニメーター）は短編作品の制作に配属され、ナイン・オールド・メンのような地位の高いアニメーターは長編作品の制作に携わりました。ウォルト・ディズニーがアーティストの作品の功績を横取りすることへの懸念や報酬に関する議論から、新人や下位のアニメーターの多くがディズニー・スタジオの組合結成を目指すようになった。 ^{[ 63 ]}

1941 年 5 月に激しい組合ストライキが始まったが、怒ったウォルト・ディズニーの関与なしに同年 7 月と 8 月に解決した。^{[ 63 ]}ウォルト・ディズニー・プロダクションズが組合制の会社として設立される中、^{[ 63 ]}ウォルト・ディズニーと数人のスタジオ従業員は、米国政府から中南米への善隣政策旅行に派遣された。 [ 64 ]^{ディズニーのストライキ}とその後の影響で、アート・バビットやビル・タイトラといったトップレベルのアニメーターから、フランク・タシュリン、モーリス・ノーブル、ウォルト・ケリー、ビル・メレンデス、ジョン・ハブリーなどディズニー・スタジオ以外での仕事でよく知られているアーティストまで、多くのアニメーション専門家がスタジオを去った。^{[ 63 ]}ハブリーは、他の数人のディズニーのストライキ参加者とともに、1950 年代にディズニーの主要なアニメーションのライバルとなったユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカ・スタジオを設立した。 ^{[ 63 ]}

アニメーターのストライキの最中に制作された『ダンボ』は、1941年10月に初公開され、興行的に成功を収めた。この映画の制作費は95万ドルで、 『白雪姫と七人のこびと』の半分、 『ピノキオ』の3分の1以下、 『ファンタジア』の5分の2だった。『ダンボ』は最終的に、初公開時に160万ドルの興行収入を上げた。 ^{[ 65 ]}『ダンボ』は、カリフォルニア州バーバンクにあるウォルト・ディズニー・スタジオ（ウォルト・ディズニー・プロダクションズ）の初代アニメーション・ビルディングで完成した最初のディズニーアニメーション映画だった。1942年8月には『バンビ』が公開されたが、『ピノキオ』や『ファンタジア』と同様に、興行成績は振るわなかった。170万ドルの予算に対し、興行収入は164万ドルだった。 ^{[ 66 ]}

長編アニメーション映画の制作は、『バンビ』の公開後に一時的に中断された。最近の長編映画の興行的失敗と第二次世界大戦による海外映画市場の大部分の遮断を考慮し、バンク・オブ・アメリカの資金提供者は、スタジオが一時的に短編映画の制作に限定する場合にのみ運転資金を貸し出すことに同意した。^{[ 67 ]}そのため、当時制作中だった『ピーター・パン』、『ふしぎの国のアリス』、『わんわん物語』などの長編映画は、終戦まで保留された。^{[ 67 ]}真珠湾攻撃後のアメリカの第二次世界大戦参戦後、スタジオには500人以上のアメリカ陸軍兵士が収容され、彼らは近隣の航空機工場を敵の爆撃機から守る任務を負っていた。さらに、ディズニーのアニメーター数名が徴兵されて戦争に参加し、スタジオはアメリカ軍のあらゆる部門、特に軍事訓練や民間のプロパガンダ映画などの戦時コンテンツを制作する契約を結んだ。1942年から1943年にかけて、スタジオのアニメーション制作の95%は軍事向けだった。^{[ 68 ]}戦争中、ディズニーは実写とアニメーションを組み合わせた軍事プロパガンダ映画『勝利への航空力』（1943年）を製作し、^{[ 69 ]} 1941年の善隣旅行から生まれたラテン文化をテーマにした短編シリーズは、 『サルードス・アミーゴス』（1942年）と『三人の騎士』 （1944年）の2本の映画にまとめられた。^{[ 69 ]}

『Saludos Amigos』と『The Three Caballeros』は、1940年代のディズニーの他のいくつかのアンソロジー映画のテンプレートとなった。これは、アニメーションの短編と、アニメーションまたは実写のつなぎの素材で構成された低予算映画である。^{[ 70 ] [ 71 ]}これらの映画は、 『Make Mine Music』（1946年）、『Fun and Fancy Free』（1947年）、『Melody Time』（1948年）、『The Adventures of Ichabod and Mr. Toad』（1949年）である。スタジオはまた、『Song of the South』（1946年）と『 So Dear to My Heart』（1948年）という2つの長編映画も製作した。これらは、アニメーションのシーケンスや、実写とアニメーションのキャラクターを組み合わせたシーケンスを含む、より広範な実写のストーリーを使用している。『Song of the South』は、人種的ステレオタイプの描写で大きな論争を巻き起こした。この時期にも短編アニメーションの制作は続き、ドナルドダック、グーフィー、プルートのアニメーションが主な作品で、ミッキーマウス、フィガロ、そして1950年代にはチップとデール、ハンフリーベアのアニメーションも制作された。^{[ 72 ]}

さらに、ディズニーは以前の作品の再リリースを開始し、1944年に『白雪姫』^{[ 73 ]} 、1945年に『ピノキオ』、1946年に『ファンタジア』^{[ 74 ]}の再リリースを皮切りに、ディズニー映画を7年ごとに再リリースするという伝統が生まれ、1990年代まで続き、その後スタジオのホームビデオリリースの取り扱いに反映されました。^{[ 73 ]}『南部の歌』は、その物議を醸す遺産のため、ウォルト・ディズニー・スタジオ・モーション・ピクチャーズがウォルト・ディズニー・ピクチャーズのバナーを通じて劇場で再リリースしたり（2007年以降）、ウォルト・ディズニー・テレコミュニケーションズ・アンド・ノンシアトリカル・カンパニー（WDTNT）（1980年から1987年）、ブエナ・ビスタ・ホーム・エンターテイメント（1987年から2024年）、ソニー・ピクチャーズ・ホーム・エンターテイメント（2024年以降）がホームメディアプラットフォームを通じて配信したりすることはありませんでした。^{[ 75 ] [ 76 ]}

1948年、ディズニーはシャルル・ペローの童話に基づいた長編映画『シンデレラ』で長編映画の製作に復帰した。製作費は300万ドル近くで、スタジオの将来はこの映画の成功にかかっていた。^{[ 77 ]} 1950年に公開された『シンデレラ』は興行的に大成功を収め、その収益によりディズニーは1950年代を通してアニメーション映画の製作を続けることができた。^{[ 78 ]}その成功を受けて、製作が中断されていた『不思議の国のアリス』、『ピーター・パン』、『わんわん物語』の製作が再開された。さらに、グリム兄弟の童話『眠れる森の美女』をチャイコフスキーの古典的な音楽に合わせて映画化するという野心的な新プロジェクトが開始されたが、完成までには1950年代の残りの期間のほとんどを要した。^{[ 79 ]}

1951年に公開された『不思議の国のアリス』は、興行収入が振るわず、初公開時には批評家からも酷評された。^{[ 80 ]} 一方、1953年に公開された『ピーター・パン』は商業的に成功し、その年の興行収入第5位となった。1955年に公開された『わんわん物語』は、 『白雪姫と七人のこびと』以来、ディズニーのアニメーション映画の中で最も高い興行収入を記録した。^{[ 81 ]} 1955年の北米の興行収入は推定650万ドルに達した。^{[ 82 ]}『わんわん物語』は、シネマスコープ方式で制作されたディズニー初のワイドスクリーンアニメーション映画であり、^{[ 81 ]}ディズニー自身の配給会社であるブエナ・ビスタ・ディストリビューションから公開された最初のディズニーアニメーション映画でもある。^{[ 83 ]}

1950年代半ばまでに、ウォルト・ディズニーは実写映画、テレビ、ディズニーランド・テーマパークなどの新しい事業に主眼を向けていたため^{[ 62 ]} 、アニメーション映画の制作は主に主任アニメーターと監督からなる「ナイン・オールド・メン」の手に委ねられた。このため、『眠れる森の美女』の制作中に承認が何度か遅れた[ ^{62 ]が、}最終的に1959年に公開された。600万ドル^{[ 84 ]}をかけて制作された本作は、当時ディズニーで最も高額な映画であり、アーティストのアイヴィンド・アール^{[ 84 ]}が考案した高度に様式化されたアートスタイルで制作され、 6トラックのステレオサウンドを備えた大型フォーマットのスーパーテクニラマ70で上映された。 ^{[ 84 ]}しかし、本作は『白雪姫と七人のこびと』以来スタジオで最も興行収入の高いアニメーション映画となったにもかかわらず、巨額の製作費とディズニーの1959年の他の作品の興行成績不振により、スタジオは1960会計年度に10年ぶりの年間損失を計上し、^{[ 85 ]}スタジオ全体で大規模な人員削減につながった。^{[ 86 ]}

1950年代末までに、ディズニーの短編作品は定期的に制作されなくなり、短編部門のスタッフの多くは会社を去るか、ミッキーマウスクラブやディズニーランドなどのディズニーのテレビ番組の制作に異動になった。1930年代にはシリー・シンフォニーの短編がアカデミー短編アニメーション賞を席巻していたが、メトロ・ゴールドウィン・メイヤーのトムとジェリー、ワーナー・ブラザース・カートゥーンズのルーニー・テューンズとメリー・メロディーズ、そしてフラットなアートスタイルと様式化されたアニメーション技術が古いディズニーのスタイルよりも現代的な代替案として称賛されたユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカ（UPA）の作品によって、スタジオの最多受賞記録は途絶えた。[ 87 ] 1950年代^には、様式化されたトゥート、ホイッスル、プランク・アンド・ブームというディズニーの短編作品のみがアカデミー短編アニメーション賞を受賞した。^{[ 88 ]}

ミッキーマウス、プルート、グーフィーの短編はすべて1953年までに定期的な制作を終了し、ドナルドダックとハンフリーは制作を続け、1956年に短編部門が閉鎖される前にワイドスクリーンのシネマスコープに移行した。その後、1969年まで、すべての短編は長編映画部門によって制作された。アメリカアニメーションの黄金時代の最後のディズニー短編は『鳥になるのは大変だ』だった。この時点からディズニー短編は散発的にしか制作されなくなり、^{[ 72 ]}注目すべき後期の短編には^{[ 89 ]} 、 『ランナウェイ・ブレイン』（1995年、ミッキーマウス主演）^{[ 90 ]}、そして『ペーパーマン』 （2012年） ^{[ 91 ]}などがある。

1959年の人員削減や、拡大した実写映画、テレビ、テーマパーク部門からのウォルト・ディズニーの注意をめぐる競争にもかかわらず、長編アニメーション作品の制作は規模を縮小して続けられた。^{[ 79 ]}

1961年、スタジオはアニメーション映画『101匹わんちゃん』を公開した。この作品は、従来のアニメーションセルのインク付けと彩色工程でゼログラフィーの使用を普及させた。^{[ 92 ]}ゼログラフィーを使用することで、アニメーションの絵は紙の絵から最終的なアニメーション制作で使用される透明なアセテートシート（「セル」）にトレースするのではなく、光化学的に転写することができた。^{[ 92 ]}その結果生まれたアートスタイル、つまりアニメーターの絵の構成線が見える、より粗い線は、1980年代までディズニー映画の特徴となった。^{[ 92 ]}この映画は成功を収め、1961年の興行収入ランキングで10位となり、レンタル収入は640万ドルに達した。^{[ 93 ]}  

ディズニーのアニメーション養成プログラムは、1932年にスタジオで始まり、その後『白雪姫』の開発がきっかけで、ウォルト・ディズニーがカリフォルニア芸術大学（CalArts）の設立に協力することになった。^{[ 94 ]}この大学は、シュイナード美術研究所とロサンゼルス音楽院の合併によって設立された。学位取得プログラムの中には、ディズニーが開発したアニメーション学科も含まれていた。CalArtsは、1970年代から現在に至るまで、ディズニーや他のアニメーションスタジオで働く多くのアニメーターの母校となった。^{[ 94 ]}

『王様の剣』は1963年に公開され、北米では推定475万ドルのレンタル収入でその年の興行収入第6位となった。 ^{[ 95 ]} AAミルンの『クマのプーさん』の物語の一つ、『クマのプーさんとハチミツの木』を映画化した短編映画が1966年に公開され、 ^{[ 96 ]}その後数年にわたりプーさんの短編映画がいくつか制作され、 1977年には長編映画『クマのプーさんの冒険』が公開された。 ^{[ 96 ]}

ウォルト・ディズニーは1966年12月に亡くなった。スタジオの次の映画『ジャングル・ブック』が完成して公開される10ヶ月前のことだった。^{[ 97 ]}この映画は成功を収め、^{[ 98 ]} 1967年の興行収入ランキングで4位となった。^{[ 99 ]}

ウォルト・ディズニーの死後、ウォルフガング・ライザーマンはスタジオの長編映画のプロデューサー兼監督を務め続けた。^{[ 100 ] [ 101 ]}ディズニーの悪役が著しく軟化したのはライザーマンの責任である。その後20年間、ディズニーの悪役はほぼすべて、恐ろしいというよりはむしろ滑稽か哀れな存在となった。^{[ 102 ]}ライザーマンの最優先事項はスタジオが利益を上げ続けることを確実にすることであり、そのために家族向けの映画を作ることの重要性を強調した。^{[ 102 ]}アンドレアス・デジャによると、ライザーマンは「子供たちを失ったら、すべてを失う」と言ったという。^{[ 102 ] [ 103 ] [ 104 ]}

スタジオは1970年代をウォルト・ディズニーが承認した最後の映画プロジェクトである『おしゃれキャット』の公開でスタートした。 ^{[ 101 ]} 1971年、スタジオの共同創設者であるロイ・O・ディズニーが死去し、ウォルト・ディズニー・プロダクションズはドン・テイタムとカード・ウォーカーの手に委ねられ、彼らは1978年まで会長とCEOを交互に務めた。^{[ 105 ]}次の長編映画『ロビン・フッド』（1973年）は大幅に予算が削減され、以前の作品からアニメーションが再利用されて制作された。^{[ 100 ]}『おしゃれキャット』と『ロビン・フッド』はどちらも興行的にも批評的にも小規模な成功を収めた。^{[ 100 ] [ 101 ]}

1977年に公開された『ビアンカの大冒険』は、それまでのディズニー長編映画2作の成功を上回る大ヒットとなった。 ^{[ 101 ]}好評を博し、興行収入も好調で、アカデミー賞にもノミネートされた本作は、その年の興行収入第3位となり、 『ジャングル・ブック』以来、最も成功し、最も評価の高いディズニーアニメーション映画となった。 ^{[ 100 ] [ 101 ]}本作は1983年に再公開され、ディズニーの新作短編映画『ミッキーのクリスマス・キャロル』が付属した。 ^{[ 106 ]}

『ビアンカの大冒険』の制作は、ディズニーアニメーションスタジオのスタッフの世代交代の始まりを告げるものでした。^{[ 101 ]}ミルト・カールやレス・クラークといったベテランが引退し、ドン・ブルース、ロン・クレメンツ、ジョン・マスカー、グレン・キーンといった新しい才能が徐々に彼らに取って代わりました。^{[ 101 ] [ 107 ]}カリフォルニア芸術大学のアニメーションプログラムから選抜され、エリック・ラーソン、フランク・トーマス、オリー・ジョンストン、ウーリー・ライザーマンによって訓練された新しいアニメーターたちは、^{[ 101 ] [ 107 ]}ブルースがアニメーションを監督したディズニーの実写とアニメーションのハイブリッド作品『ピートとドラゴン』（1977年）のアニメーションシーケンスで、グループとして初めて自分たちの実力を証明する機会を得ました。^{[ 108 ] [ 100 ]} 1979年9月、ディズニーのアニメーション芸術の発展が停滞していると感じたブルースと他の数人の新世代アニメーターは、ディズニーを辞めて独自のスタジオ、ドン・ブルース・プロダクションズを設立した。^{[ 109} ]この^{スタジオは1980年代}にアニメーション分野でディズニーの主要な競合相手となった。^{[ 107 ]}

ブルース・グループの離脱により半年遅れた^{[ 107 ]}『きつねと猟犬』は、 4年の製作期間を経て1981年に公開された。この映画はスタジオにとって経済的に成功したとみなされ、ロイド・アレクサンダーの小説シリーズ『プライデイン年代記』をスーパーテクニラマ70で映画化した『ブラック・コルドロン』の開発が続けられた^{[ 107 ]}。^{[ 110 ]}

『ブラック・コルドロン』は、ディズニーのアニメーション映画の魅力を年配の観客にも広げ、カリフォルニア芸術大学（CalArts）出身の新世代のディズニーアニメーターの才能を披露することを目的としていました。キーン、マスカー、クレメンツの他に、この新世代のアニメーターには、アンドレアス・デジャ、マイク・ガブリエル、ジョン・ラセター、ブラッド・バード、ティム・バートンといった有望なアニメーターも含まれていました。ラセターは、スタジオにコンピュータアニメーション制作を模索するよう促したため、 1983年にディズニーを解雇されましたが、 ^{[ 111 ] [ 112 ]} 1980年代後半にディズニーと密接な関係を築き始める先駆的なコンピュータアニメーションスタジオであるピクサーのクリエイティブ責任者になりました。^{[ 111 ] [ 113 ] [ 114 ]}同様に、バートンはスタジオによってお蔵入りになった実写短編『フランケンウィニー』を制作した後、1984年に解雇されたが、その後ディズニーや他のスタジオで実写とストップモーションの長編映画の著名なプロデューサー兼監督となった。バートンがディズニーで手掛けた著名なプロジェクトには、ストップモーションの『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』（1993年）、実写版『不思議の国のアリス』（2010年）、ストップモーション長編の『フランケンウィニー』のリメイク（2012年）などがある。^{[ 115 ] [ 116 ]}バードも、ディズニーの上層部が安全策を取り、アニメーションでリスクを取らないと感じて批判したため、同社で数年働いた後に解雇された。その後、ワーナー・ブラザース・アニメーションやピクサーなど他のスタジオでアニメーション監督となった。 ^{[ 117 ]}

ウォルト・ディズニーの義理の息子であるロン・ミラーは、1980年にウォルト・ディズニー・プロダクションズの社長に就任し、1983年にはCEOに就任した。 ^{[ 118 ]}同年、彼は同社の映画およびテレビ制作部門を拡大し、長編アニメーション部門の今後の映画が公開されるウォルト・ディズニー・ピクチャーズというブランドを創設した。^{[ 118 ]}

1984年に一連の企業買収の試みがあった後、ロイ・Oの息子でウォルトの甥であるロイ・E・ディズニーは、同社の取締役会を辞任し、「SaveDisney」と呼ばれるキャンペーンを開始し、取締役会を説得してミラーを解雇することに成功した。ロイ・E・ディズニーは、マイケル・アイズナーをディズニーの新しいCEOに、フランク・ウェルズを社長に迎えた。^{[ 105 ] [ 119 ]}アイズナーは、ジェフリー・カッツェンバーグを映画部門であるウォルト・ディズニー・スタジオの会長に任命した。^{[ 107 ]}アイズナー体制がディズニーを掌握した頃にはほぼ完成していた『ブラック・コルドロン』（1985年）は、後にディズニーアニメーションの「どん底」と呼ばれることになる地点を象徴する作品となった。^{[ 107 ]}当時スタジオで最も高額な4400万ドルを費やした『ブラック・コルドロン』は、批評的にも商業的にも失敗に終わった。^{[ 107 ]}映画の興行収入は2100万ドルで、スタジオは損失を出し、アニメーション部門の将来が危ぶまれた。^{[ 107 ]}

1950年代から1980年代にかけて、ディズニーが実写作品、テレビ、テーマパークへと事業を拡大するにつれ、アニメーションがディズニーの収益に占める重要性は大幅に低下した。^{[ 107 ]}新CEOに就任したマイケル・アイズナーは、長編アニメーションスタジオを閉鎖し、今後のアニメーション制作を外部委託することを真剣に検討した。ロイ・E・ディズニーが介入し、長編アニメーション部門の責任者となって業績を好転させることを申し出た。^{[ 107 ]}一方、アイズナーはテレビ向けの低コストアニメーションを制作するためにウォルト・ディズニー・ピクチャーズ・テレビジョン・アニメーション・グループを設立した。 ^{[ 105 ]}アイズナーによって長編アニメーション部門の会長に任命されたロイ・E・ディズニーは、 1985年にピーター・シュナイダーをアニメーション部門の社長に任命し、日々の業務を運営させた。^{[ 120 ]}

1985年2月1日、ディズニーの幹部たちは、バーバンクのディズニースタジオ敷地内から、カリフォルニア州グレンデール近郊のフラワー通り1420番地にある、東へ約3.2km離れた様々な倉庫、格納庫、トレーラーにアニメーション部門を移転し始めた。^{[ 121 ] [ 122 ]}約1年後、成長を続けるコンピュータグラフィックス（CG）グループもそこに移転した。^{[ 107 ]}  

アニメーション部門が新拠点で最初に制作した長編アニメーションは『名探偵ネズミの大冒険』（1986年）で、ジョン・マスカーとロン・クレメンツが『ブラック・コルドロン』の制作を離れた後、ベイカー街のバジルとして制作を開始した。^{[ 123 ]}この映画は批評的にも商業的にも成功を収め、アニメーションスタジオの経営陣に自信を与えた。^{[ 107 ]}しかし同年後半、ユニバーサル・ピクチャーズとスティーヴン・スピルバーグのアンブリン・エンターテインメントがドン・ブルース監督の『アメリカ物語』を公開し、興行収入で『名探偵ネズミの大冒険』を上回り、当時としては初公開アニメーション映画として最高の興行収入を記録した。^{[ 124 ]}

カッツェンバーグ、シュナイダー、ロイ・ディズニーはスタジオの文化を変え、スタッフと制作を増やして、2〜4年に1本ではなく毎年新しいアニメーション映画を公開することに着手した。^{[ 107 ]}加速された制作スケジュールで最初に公開されたのは『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』 （1988年）で、ビリー・ジョエルやベット・ミドラーなどのオールスターキャストが出演し、現代的なポップサウンドトラックが強調されていた。^{[ 107 ]}『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』は、ブルース/アンブリン/ユニバーサルの別のアニメーション映画『リトルフットの大冒険』と同じ日に劇場公開された。『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』はアメリカで『リトルフットの大冒険』の興行収入を上回り、当時アメリカで最も成功したアニメーション映画となったが、後者の世界興行収入は前者を上回った。^{[ 107 ]}

同じ1988年に、ディズニーはハンナ・バーベラのオーストラリアのスタジオを買収し、ディズニー・アニメーション・オーストラリアを設立することで、オーストラリアの長年のアニメーション産業への参入を開始した。^{[ 125 ]}

『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』と次の長編映画『リトル・マーメイド』が制作されている間、ディズニーはスティーブン・スピルバーグのアンブリン・エンターテインメントと巨匠アニメーターのリチャード・ウィリアムズと協力し、ロバート・ゼメキス監督による画期的な実写とアニメーションのハイブリッド作品『ロジャー・ラビット』を制作した。この作品には、ワーナー・ブラザース、MGM、ユニバーサルなどの他のスタジオからライセンスを受けたアニメーションキャラクターが登場する。^{[ 126 ] [ 127 ]}ディズニーはウィリアムズの監督の下、ロンドンに新しいアニメーションスタジオを設立し、『ロジャー・ラビット』のアニメーションキャラクターを制作した。カリフォルニアのスタジオの多くのアーティストがこの映画の制作のためにイギリスに渡った。^{[ 107 ] [ 128 ]}批評的にも商業的にも大きな成功を収めた『ロジャー・ラビット^』は、技術的功績でアカデミー賞を3つ受賞した。^{[ 129 ]そして、アメリカのアニメーションに対する主流の関心を}再び高める上で重要な役割を果たした。 ^{[ 107 ]}映画自体以外にも、スタジオは1980年代後半から1990年代前半にかけて3本のロジャー・ラビットの短編映画を製作した。 ^{[ 130 ] [ 131 ]}

2番目のサテライトスタジオであるウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション・フロリダは、1989年に40人の従業員でオープンしました。そのオフィスは、フロリダ州ベイ・レイクのウォルト・ディズニー・ワールドにあるディズニー・MGMスタジオ・テーマパーク内にあり、訪問者はスタジオを見学し、アニメーターの仕事ぶりを見ることができました。^{[ 132 ]}同年、スタジオは『リトル・マーメイド』を公開し、これはディズニーの歴史において、数十年来最大の批評的・商業的成功を収めた重要な作品となりました。 『オリビアちゃんの大冒険』で共同監督を務めたジョン・マスカーとロン・クレメンツが監督した『リトル・マーメイド』は、北米の興行収入で8400万ドルを稼ぎ出し、スタジオの記録となりました。この映画は、ブロードウェイの作曲家アラン・メンケンとハワード・アシュマンのスコアを中心に構成されており、アシュマンはこの映画の共同プロデューサー兼ストーリーコンサルタントも務めました。^{[ 107 ]}『リトル・マーメイド』は、アカデミー賞で最優秀オリジナル歌曲賞と最優秀オリジナル作曲賞の2部門を受賞しました。^{[ 133 ]}

『リトル・マーメイド』は、アニメーションとミュージカル映画というジャンルへの新たな関心を力強く再燃させた。^{[ 107 ] [ 134 ]}また、この映画はディズニーのコンピュータアニメーション制作システム（CAPS）を初めて使用した作品でもある。ピクサーがディズニーのために開発したCAPS ^（インク・アンド・ペイント）は、商業用コンピュータアニメーションおよび技術開発会社へと成長し、将来のディズニー映画がコンピュータ生成画像をよりシームレスに統合し、デジタルインク・アンド・ペイントと合成技術でより高い制作価値を実現する上で重要な役割を果たすことになる^。[ 107 ]『リトル・マーメイド^』は、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションがその後10年間に公開する一連の大ヒット作の最初の作品であり、この時期は後にディズニー・ルネッサンスと呼ばれるようになった。^{[ 135 ]}ルネッサンス時代には、スタジオはウォルト・ディズニーが生きていた時代に制作していた映画と同様に、より暗いテーマと恐ろしい悪役が登場する映画を再び制作するようになった。^{[ 102 ]}

ミッキーマウスの短編映画『王子と乞食』と同時上映された『ビアンカの大冒険 ゴールデン・イーグルを救え！ ​​』（1990年）は、ディズニー初の長編アニメーション映画の続編であり、CAPS/インク・アンド・ペイント方式を用いてコンピュータでフルカラー化および合成されたスタジオ初の映画であった。^{[ 107 ]}しかし、この映画は『リトル・マーメイド』ほどの成功を収めることはなかった。^{[ 107 ]}次のディズニー長編アニメーション映画『美女と野獣』はロンドンで制作が開始されたが、ディズニーがロンドン支社を閉鎖し、 『リトル・マーメイド』と同様のミュージカル・コメディ形式に作り直すことを決定したため、バーバンクに戻された。^{[ 107 ]}アラン・メンケンとハワード・アシュマンが楽曲とスコアの作曲を担当したが、アシュマンは制作完了前に亡くなった。^{[ 107 ]}

カーク・ワイズとゲイリー・トルースデールが監督した『美女と野獣』は、1991年のニューヨーク映画祭で試写版が初公開され、同年11月に全国公開されたが、批評的にも商業的にも前例のない成功を収め、後にスタジオの最高傑作の一つとみなされるようになった。^{[ 136 ]}本作はアカデミー賞に6部門ノミネートされ、アニメーション作品としては初めて作品賞にノミネートされたほか、歌曲賞と作曲賞を受賞した。[ ^{137 ]興行}収入1億4500万ドルは新記録を樹立し、玩具、クロスプロモーション、サウンドトラック販売などの映画関連グッズも収益を上げた。^{[ 138 ]}

『リトル・マーメイド』と『美女と野獣』の成功により、1990年代のディズニー作品のテンプレートが確立されました。それは、ブロードウェイ風の歌と大作アクションシーンをフィーチャーしたミュージカルコメディ形式で、クロスプロモーションマーケティングとマーチャンダイジングによって後押しされ、あらゆる年齢層とタイプの観客を劇場に呼び込むように設計されていました。^{[ 138 ]}これらの映画を制作したディズニーの新世代アーティストには、ジョン・マスカー、ロン・クレメンツ、カーク・ワイズ、ゲイリー・トルースデールに加え、ストーリーアーティスト/ディレクターのロジャー・アラーズ、ロブ・ミンコフ、クリス・サンダース、ブレンダ・チャップマン、リードアニメーターのグレン・キーン、アンドレアス・デジャ、エリック・ゴールドバーグ、ニック・ラニエリ、ウィル・フィンなど多数が含まれていました。^{[ 138 ]}

1992年11月に公開された『アラジン』は、ディズニーのアニメーション作品の成功の上昇傾向を継続し、全世界で5億400万ドルの興行収入を上げ^{[ 139 ]}、アカデミー賞で歌曲賞と作曲賞の2部門を^{受賞した[ 140 ]} 。メンケン、アシュマン、ティム・ライス（アシュマンの死後、彼の後任となった）^{の楽曲[ 141 ]}をフィーチャーし、ロビン・ウィリアムズが声優を務め^{た[ 142 ]}『アラジン』は、ディズニーキャラクターの声優に有名俳優や女優を起用するというトレンドを確立した^{[ 142 ]。}これは『ジャングル・ブック』や『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』である程度試みられていたが、今では標準的な手法となっている^{[ 142 ] 。}

1994年6月、ディズニーはロジャー・アラーズとロブ・ミンコフが監督した『ライオン・キング』を公開した。アフリカを舞台にした動物たちの物語である『ライオン・キング』は、ジェームズ・アール・ジョーンズ、マシュー・ブロデリック、ジェレミー・アイアンズといった豪華声優陣を起用し、ティム・ライスとポップスターのエルトン・ジョンが楽曲を手掛けた。『ライオン・キング』は全世界の興行収入で7億6800万ドルを稼ぎ出し^{[ 143 ]} 、現在まで伝統的なアニメーション映画の記録となっている^{[ 144 ]} 。さらに、グッズ販売、プロモーション、サウンドトラックのレコード販売でも数百万ドルの収益を上げた^{[ 138 ] 。}

『アラジン』と『ライオン・キング』は、それぞれの公開年に世界中で最も興行収入の高い映画となった。^{[ 145 ] [ 146 ]}これらの社内制作作品の間に、ディズニーはアニメーションの手法を多様化し、元ディズニーアニメーターのティム・バートンと共に『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』を制作した。ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションは、この映画の2層目の伝統的なアニメーションを提供することで貢献した。^{[ 147 ]}アニメーションがディズニーのビジネスにおいてますます重要かつ収益性の高い部分となったため、同社は事業を拡大し始めた。旗艦カリフォルニアスタジオは 2 つのユニットに分割され拡張され、^{[ 138 ]}バーバンクのメイン ディズニー ロットに隣接する新しいディズニー フィーチャー アニメーション ビルの建設が着工され、1995 年に完成しました。^{[ 107 ] [ 138 ]}また、フランスのパリ郊外モントルイユにあるディズニーのテレビ アニメーション スタジオの 1 つ^{[ 148 ]} ― 旧ブリッツィ ブラザーズスタジオ^{[ 148 ]} ― はウォルト ディズニー フィーチャー アニメーション パリとなり、そこで『グーフィー ムービー』（1995 年）や後のディズニー映画の重要な部分が制作されました。^{[ 107 ]}ディズニーはまた、ディズニームービートゥーンという名前でテレビ アニメーション スタジオのサービスを利用して、成功したアニメーション映画の低コストのビデオ直販続編や前編の制作を開始しました。『アラジン』の続編であり、アラジンテレビ ショーのスピンオフのパイロット版である『ジャファーの逆襲』（1994 年）が、これらの作品の最初のものです。^{[ 149 ]}ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションは、1994年の『美女と野獣』と1997年の『ライオン・キング』のブロードウェイ・ミュージカル化にも深く関わっていた。^{[ 138 ]}  

ジェフリー・カッツェンバーグとディズニーのストーリーチームは、史上初の完全コンピュータアニメーション長編映画である『トイ・ストーリー』の開発と制作に深く関わっていた^。[ 150 ]『^{トイ・ストーリー}』はピクサーがディズニーのために制作し、元ディズニーのアニメーターであるジョン・ラセターが監督を務めた^{。[ 150 ]}ピーター・シュナイダーは、ピクサーの短編作品『ティン・トイ』（1988年）などでの成功後、ラセターを再び雇おうと試みたが、成功しなかっ^た。^{[ 107 ]} 1995年に公開された『トイ・ストーリー』は批評家から絶賛され^{[ 150 ] [ 151 ] [ 152 ]}商業的にも成功を収め^{[ 150 ] [ 153 ]}、ピクサーはディズニーと5作品の契約を結び、『バグズ・ライフ』（1998年）、『トイ・ストーリー2』（1999年）、『モンスターズ・インク』（2001年）、^{[ 154 ]}『ファインディング・ニモ』（2003年）、 『 Mr.インクレディブル』（2004年）などの批評的にも経済的にも成功したコンピュータアニメーション映画を生み出した。

さらに、『アラジン』と『ライオン・キング』の成功により、その後10年間を通してアメリカで制作されるアニメーション映画の数は大幅に増加し、大手映画スタジオは、フォックス・アニメーション・スタジオ、サリバン・ブルース・スタジオ（どちらもドン・ブルースが設立）、アンブリメーション、リッチ・アニメーション・スタジオ、ターナー・フィーチャー・アニメーション、ワーナー・ブラザース・フィーチャー・アニメーションといった新しいアニメーション部門を設立し、『恐竜物語』（1993年）、『親指姫』 （1994年）、 『白鳥の王女』（1994年）、『セントラルパークのトロール』（1994年）、 『小石とペンギン』（1995年）、 『キャッツ・ドント・ダンス』 （1997年）、『アナスタシア』（1997年）、『キャメロットの冒険』（1998年）、『王様と私』 （1999年）などのディズニー風ミュージカル・コメディ形式の映画を制作した。^{[ 155 ] [ 156 ]}これらのディズニー以外のアニメーション作品の中で、興行的に成功したのはアナスタシアだけであり、後に2019年のディズニーによる21世紀フォックスの買収を通じてディズニーに買収された。^{[ 157 ]}

ディズニー・スタジオ内部、特にロイ・E・ディズニーからは、スタジオ責任者のジェフリー・カッツェンバーグが1990年代初頭のディズニー作品の成功を過剰に自分の手柄にしているのではないかという懸念が生じた。^{[ 107 ]}ディズニー・カンパニー社長のフランク・ウェルズが1994年にヘリコプター事故で亡くなり、カッツェンバーグはCEOのマイケル・アイズナーに空席となった社長の座を打診した。しかし、カッツェンバーグ、アイズナー、ディズニーの間で緊張が高まり、カッツェンバーグはその年の8月24日に会社を辞任せざるを得なくなり、^{[ 158 ]}ジョー・ロスが後任となった。^{[ 158 ]} 1994 年 10 月 12 日、カッツェンバーグはドリームワークス SKGの創設者の 1 人となり、そのアニメーション部門は長編アニメーションでディズニーの主要なライバルとなった。^{[ 138 ] [ 159 ]}アンツ(1998 年)のようなコンピュータ アニメーション映画と、プリンスオブ エジプト(1998 年)のような伝統的なアニメーション映画の両方を制作した。^{[ 157 ]} 1994 年 12 月、アニメーション部門のためにバーバンクのアニメーション ビルディングが完成した。^{[ 160 ]}

1990年代初頭の作品とは対照的に、ルネッサンス後半の作品すべてが成功したわけではなかった。 1995年夏に公開された『ポカホンタス』は、批評家から賛否両論の評価を受けたルネッサンス最初の作品だった。それでも観客には人気があり、全世界で3億4600万ドルを稼ぎ出す商業的にも成功した。^{[ 161 ]}この映画は、アラン・メンケンとスティーブン・シュワルツによる音楽でアカデミー賞を2部門受賞した。^{[ 162 ]}

次の映画『ノートルダムの鐘』（1996年）は、パリのスタジオで一部制作された。^{[ 148 ]}ディズニー作品の中で最も暗い映画とされているが、『ノートルダムの鐘』は『ポカホンタス』よりも批評家からの評価が高く、全世界で3億2500万ドルの興行収入を上げた。^{[ 163 ]}

翌年の夏、『ヘラクレス』（1997年）は興行収入で好調で、全世界で2億5200万ドルを稼ぎましたが、ディズニーの以前の作品と比較すると振るいませんでした。^{[ 164 ]}演技は好評でしたが、アニメーションと音楽は賛否両論でした。^{[ 165 ]}『ヘラクレス』は、伝統的なアニメーション映画の衰退の始まりとなりました。興行収入の低迷は、ドリームワークスとの賃金競争によりスタジオの経費が大幅に増加したため、スタジオ内では二重に懸念事項となりました。^{[ 119 ] [ 138 ]}制作費は、1994年の『ライオン・キング』の総費用（制作、マーケティング、経費）7900万ドルから、 3年後の『ヘラクレス』では1億7900万ドルに増加しました。^{[ 159 ]}さらに、ディズニーは、他の部門でマーチャンダイジング、テーマパークのアトラクション、ビデオ直販の続編、テレビ番組を開発するために、新作の人気に依存していました。^{[ 138 ]}制作スケジュールは縮小され^{[ 159 ]}、制作をより綿密に監督するためにより多くのクリエイティブ幹部が雇用されたが、これはアニメーションスタッフの間では不評だった。^{[ 138 ] [ 166 ] [ 167 ]}

フロリダのスタジオで主に製作された最初の映画『ムーラン』（ ^{1998年） [ 168 ]}は、観客と批評家から好意的なレビューを受け、全世界の興行収入で3億500万ドルの成功を収め、スタジオの批評的成功と商業的成功の両方を回復させた。次の映画『ターザン』 （1999年）は、ケビン・リマとクリス・バックが監督し、製作費は1億3000万ドルと高額だったが^{[ 159 ]} 、再び好意的なレビューを受け、興行収入は4億4800万ドルに達した^{[ 169 ]} 。ポップスターのフィル・コリンズによる『ターザン』のサウンドトラックは、大きなレコード売上を記録し、アカデミー歌曲賞を受賞した^{[ 170 ] 。}

1940 年の映画の続編である『ファンタジア 2000』は、1990 年以来ロイ E. ディズニーのお気に入りのプロジェクトであり、 ^{[ 171 ] [ 172 ]} 1999 年 12 月 17 日にニューヨーク市のカーネギー ホールでコンサート ツアーの一環として初公開され、ロンドン、パリ、東京、カリフォルニア州パサデナも訪れた。その後、この映画は 2000 年 1 月 1 日から 4 月 30 日にかけて世界中の 75 のIMAXシアターで公開され、この形式で公開された最初のアニメーション長編映画となった。通常の劇場公開は 2000 年 6 月 16 日に続いた。アーティストが制作の合間に時間があるときに部分的に制作された^{[ 171 ]}『ファンタジア 2000』は、IMAX 形式で制作され公開された最初のアニメーション長編映画となった。 ^{[ 173 ]}映画の全世界興行収入は9000万ドルで、製作費は9000万ドルだったため^{[ 172 ]}、スタジオは1億ドルの損失を出した。 ^{[ 172 ] [ 174 ]}

ピーター・シュナイダーは1999年にウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの社長を辞任し、ジョー・ロスの下でウォルト・ディズニー・スタジオの社長に就任した。^{[ 175 ]} シュナイダーの下で数年間アニメーション担当副社長を務めていたトーマス・シューマッハが、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの新社長となった。 ^{[ 175 ]}この頃には、他のスタジオとの競争によりアニメーターの収入は過去最高に達しており、^{[ 138 ]}従来型のアニメーション映画の制作コストはさらに高くなっていた。^{[ 159 ]}シューマッハはコスト削減を任され、大規模な人員削減が行われ、給与が削減され、 1999年に2,200人に達したスタジオの従業員数は 約1,200人にまで減少した。^{[ 176 ] [ 177 ]}

1999年10月、ウォルト・ディズニー・カンパニーが1996年4月にブエナ・ビスタ・ビジュアル・エフェクツの後継として買収した特殊効果スタジオ、ドリーム・クエスト・イメージズ^{[ 178 ]}は、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションのコンピュータグラフィックス部門と合併し、ザ・シークレット・ラボという部門を設立した^{[ 179 ]}。ザ・シークレット・ラボは、2000年5月に公開された長編映画『ダイナソー』を1本製作した^{[ 180 ]} 。この作品は、実写映像を背景にCGIで描かれた先史時代の生物をフィーチャーしている^{[ 181 ]} 。製作費1億2800万ドルのこの作品は、全世界で3億4900万ドルの興行収入を上げたが、スタジオの予想を下回り^{[ 181 ]}、ザ・シークレット・ラボは2001年に閉鎖された^{[ 182 ]。}

2000 年 12 月には『ラマになった王様』が公開された。当初は『太陽の王国』というミュージカル大作だったが、製作途中で小規模なコメディに改題された。^{[ 183 ] ​​[ 184 ]}この映画は公開時に全世界で 1 億 6900 万ドルを稼ぎ出したが、^{[ 185 ]}批評家からは好評で、ビデオでの売れ行きも好調だった。^{[ 186 ] [ 187 ]}同年、ディズニーの定石を破ってアクションアドベンチャーに挑戦した『アトランティス 失われた帝国』は、賛否両論の評価を受け、製作費 1 億 2000 万ドルに対し全世界で 1 億 8600 万ドルを稼いだ。^{[ 176 ] [ 188 ] [ 189 ]}

2001年から2002年初頭にかけて、ディズニーが配給していたピクサーのコンピュータアニメーション映画、ドリームワークスの『シュレック』、ブルースカイスタジオの『アイス・エイジ』がそれぞれ大きな成功を収めた一方で、ディズニーの『ラマになった王様』と『アトランティス 失われた帝国』の収益はそれほど大きくなかったため、手描きアニメーションは時代遅れになりつつあるという憶測が生まれた。^{[ 138 ] [ 190 ] [ 191 ]}ディズニーはバーバンクのフィーチャーアニメーションスタジオの従業員のほとんどを解雇し、スタジオを1つのユニットに縮小し、完全にコンピュータアニメーション映画に移行する計画を開始した。^{[ 138 ] [ 192 ]}少数の従業員にはコンピュータアニメーションの仕事が提示された。士気は、1985年にスタジオがグレンデールに10年間移転して以来見られなかったほど低下した。^{[ 138 ] [ 193 ]}パリのスタジオも2003年に閉鎖された。^{[ 194 ]}

バーバンク・スタジオの残りの手描きアニメーション作品である『トレジャー・プラネット』と『ホーム・オン・ザ・レンジ』は制作が続けられた。『トレジャー・プラネット』は、ロバート・ルイス・スティーブンソンの『宝島』を未来の宇宙を舞台に翻案した作品で、脚本・監督のロン・クレメンツとジョン・マスカーの思い入れのある企画だった。IMAXで同時公開され、概ね好評を得たものの、2002年11月の公開時には興行的に失敗に終わり、ウォルト・ディズニー・カンパニーは2003会計年度に7400万ドルの減損処理を余儀なくされた。^{[ 193 ] [ 195 ]}

バーバンク・スタジオの2D部門は、以前は「スウェッティング・ブレット」として知られていた長編映画「ホーム・オン・ザ・レンジ」^{[ 138 ] [ 196 ]}の完成後、2002年末に閉鎖された。^{[ 197 ]}一方、手描き長編アニメーションの制作は、低コストで制作できるフィーチャー・アニメーション・フロリダ・スタジオで続けられた。^{[ 192 ]}クリス・サンダースとディーン・デブロワが脚本・監督を務めた風変わりなコメディドラマ「リロ＆スティッチ」^{[ 191 ]}は、2002年夏の公開で「ターザン」以来のスタジオ初の本格的なヒット作となり、 8000万ドルの制作費に対し全世界で2億7300万ドルを稼ぎ出した。^{[ 198 ] [ 199 ]}

この頃までに、1990年代のディズニー作品のほとんどは、ディズニー・テレビジョン・アニメーション部門によって制作されたビデオ直販の続編、テレビシリーズ、またはその両方にスピンオフされていた。2002年2月にピーター・パン（1953年）の続編であるリターン・トゥ・ネバーランドが公開されたのを皮切りに、ディズニーは以前の映画の低予算の続編を公開し始めた。これらの映画はビデオプレミア用に作られたものだったが、劇場で公開された。^{[ 149 ]}このプロセスは、ディズニーのアニメーションスタッフやディズニー映画のファンの一部から嘲笑された。^{[ 138 ] [ 200 ]}

2003年、トム・シューマッハはディズニーの舞台劇およびミュージカル部門であるブエナ・ビスタ・シアトリカル・グループの社長に任命され、当時ウォルト・ディズニー・テレビジョン・アニメーションの社長であったデビッド・ステイントンが後任に任命された。ステイントンは、テレビアニメーション部門の一部であったディズニーのビデオ直販部門であるディズニートゥーン・スタジオの監督を継続したが、この時ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの管理に移管された。^{[ 5 ] [ 201 ]}

ステイントン監督の下、フロリダのスタジオは『ブラザー・ベア』を完成させたが、批評家からの評価は『リロ＆スティッチ』よりも低かったものの、劇場では低予算を回収できた。^{[ 198 ]}ディズニーは2004年1月12日にフロリダのスタジオを閉鎖し、^{[ 138 ] [ 198 ]}当時制作中だった長編映画『マイ・ピープルズ』は、2か月後にスタジオが閉鎖された際に未完成のままとなった。^{[ 166 ] [ 191 ] [ 196 ] [ 202 ]} 2004年4月に公開された『ホーム・オン・ザ・レンジ』も、 『リロ＆スティッチ』ほど批評的にも商業的にも成功しなかった。^{[ 203 ]}ディズニーは、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションを完全CGIスタジオに転換することを正式に発表した 。このプロセスは2年前に開始されており、^{[ 190 ] [ 204 ]} 現在は600人のスタッフがいる。^{[ 190 ]}ディズニーはまた、従来のアニメーション機器をすべて売却し始めた。^{[ 138 ]}

2003年11月に『ブラザー・ベア』が公開された直後、フィーチャー・アニメーション部門の会長ロイ・E・ディズニーがウォルト・ディズニー・カンパニーを辞任した。ロイ・ディズニーとビジネスパートナーのスタンリー・ゴールドは、1984年にロン・ミラーを辞任に追い込んだ時と同様の、2度目の外部からの「SaveDisney」キャンペーンを開始した。今回はマイケル・アイズナーを辞任させようとした。^{[ 200 ]}アイズナーに対する彼らの主張の2つには、フィーチャー・アニメーション部門の運営と、スタジオとピクサーの関係悪化が含まれていた。^{[ 190 ]}同年、スタジオはウォルト・ディズニー・イマジニアリングと共同で、ディズニー・パークスの4D映画『ミッキーのフィルハーマジック』を制作した。スタジオ初のCGアニメーション作品の1つで、グレン・キーンがアリエルを、ニック・ラニエリがルミエールをアニメーション化するなど、数人のアニメーターがこの作品に復帰した。^{[ 205 ]}

ピクサーとディズニーの非常に収益性の高い配給契約の更新条件をめぐるアイズナーとピクサーCEOのスティーブ・ジョブズとの交渉は、2004年1月に決裂した。 ^{[ 190 ] [ 206 ] [ 207 ]}特にジョブズは、当時開発中だった『トイ・ストーリー3』（2010年）のような続編はスタジオの新しい契約で必要とされる映画の数にカウントされないというアイズナーの主張に反対した。^{[ 206 ]}そのため、ディズニーはピクサー映画の続編を制作するフィーチャー・アニメーションの部門であるサークル7アニメーションの立ち上げを発表し、ピクサーは新しい配給契約を探し始めた。^{[ 206 ]}

2005年、ディズニーは初のフルコンピュータアニメーション長編映画『チキン・リトル』を公開した。この映画は興行収入で全世界で3億1500万ドルを稼ぎ出し大成功を収めたが^{[ 208 ]}、批評家からは酷評された^{[ 209 ]} 。その年の初め、ロイ・E・ディズニーの「SaveDisney」キャンペーンが2年間続いた後、アイズナーは辞任を発表し、当時ウォルト・ディズニー・カンパニーの社長だったボブ・アイガーを会長兼CEOの後任に指名した^{[ 200 ] 。}

アイガーは後に、「ディズニー・アニメーションがどれほどひどい状態だったのか、当時はまだ完全には理解していなかった」と語った。彼は1990年代初頭からの歴史を「ヘラクレスやチキン・リトルのような高額な失敗作が散在していた」と表現し、 「ムーラン」や「リロ＆スティッチ」のような「ささやかな成功作」も、ディズニー・ルネッサンス初期の作品と比べると、批評的にも商業的にも成功していなかったと述べた。^{[ 207 ]}

アイガーがCEOに就任した後、ジョブズはディズニーとのピクサー買収交渉を再開した。^{[ 210 ]} 2006年1月24日、ディズニーはピクサーを74億ドルで全株式交換により買収すると発表し、^{[ 211 ]}同年5月に買収が完了した。^{[ 210 ] [ 212 ] [ 213 ]}その結果、トイ・ストーリー3を制作するために設立されたサークル7スタジオは閉鎖された。^{[ 214 ] [ 215 ]}そのスタジオの従業員のほとんどはフィーチャー・アニメーションに戻り、トイ・ストーリー3はピクサーの管理下に戻った。^{[ 216 ]}アイガーは後に、「これは私がどうしても欲しかった取引であり、ディズニーもどうしても必要としていた取引だった」と語った。彼はディズニー・アニメーションには新しいリーダーシップが必要だと考えており^{[ 207 ]}、買収の一環として、エドウィン・キャットムルとジョン・ラセターがそれぞれフィーチャー・アニメーションとピクサーの社長とチーフ・クリエイティブ・オフィサーに任命された。 ^{[ 212 ]}

ディズニーの幹部たちは長編アニメーション部門の閉鎖を不要だと考えていたが、キャットマルとラセターはそれを拒否し、代わりにスタジオの立て直しを図ることにした。^{[ 217 ]}ラセターは「我々の目の前で閉鎖を許すつもりはなかった。ウォルト・ディズニーの素晴らしいスタジオの遺産を守り、本来あるべき創造的なレベルまで引き上げることを決意した。この遺産を守ることは我々の肩にかかっていた」と述べた。^{[ 218 ]}ラセターとキャットマルは長編アニメーション部門のスタッフの士気を回復させ、^{[ 219 ] [ 220 ]}ロン・クレメンツ、ジョン・マスカー、エリック・ゴールドバーグ、^{[ 112 ]}マーク・ヘン、アンドレアス・デジャ、ブルース・W・スミス、クリス・バックなど、スタジオを去った1980年代の「新世代」スターアニメーターの多くを再雇用した。^{[ 221 ]}

ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションとピクサーは、現在では共通の所有者と経営陣のもとで運営されているにもかかわらず、その分離を維持するために、キャットマルとラセターは、各スタジオが独自のプロジェクトに全責任を負い、互いに人員を借りたり、仕事を貸し出したりすることは許されないという「厳格な線引き」をした。キャットマルは、自分とラセターは「スタジオが互いに明確に区別されるようにする。両スタジオが合併することは望んでいない。それは間違いなく間違ったアプローチだ。それぞれが独自の個性を持つべきだ」と述べた。^{[ 222 ] [ 223 ]}

キャットマルとラセターは、ディズニー・フィーチャー・アニメーションに「経営陣主導のスタジオ」ではなく「映画監督主導のスタジオ」というピクサーのモデルを持ち込んだ。彼らは、プロデューサーより上位の開発担当役員からの「必須」の指示に監督が対応しなければならないというディズニーの以前のシステムを廃止し、同僚のプロデューサー、監督、脚本家から主に非必須の指示が出される、ピアレビューにほぼ類似したシステムを採用した。 ^{[ 218 ] [ 224 ] [ 225 ]}「ゲートキーパー」（中間管理職）のほとんどの階層が取り除かれ、ラセターは制作の最終年にすべてのプロジェクトの映画監督と毎週個人的に会い、その場でフィードバックを提供するというルーティンを確立した。^{[ 226 ]}

当時スタジオに在籍していたトップクリエイターのチームは、映画開発において緊密に協力し、ディズニー・ストーリー・トラストとして知られるようになった。ピクサー・ブレイントラストにいくらか似ていたが、^{[ 224 ] [ 227 ]}ピクサーのブレイントラストの会議よりも「より丁寧」だったと言われている。^{[ 228 ]}

2007年、ラセターはウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの名称をウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオに変更し^{[ 229 ]}、同スタジオを、従来型アニメーションとコンピュータアニメーションの両方のプロジェクトを制作するアニメーションハウスとして再配置した。手描き作品のコストを抑えるため、アニメーション、デザイン、レイアウトはディズニー社内で行われ、クリーンアップアニメーションとデジタルインク＆ペイントはベンダーやフリーランサーに委託された^{[ 230 ] 。}

同スタジオは2007年に2作目の全編CGI映画『ルイスと未来泥棒』を公開し、全世界で1億6930万ドルの興行収入を上げた。 ^{[ 231 ]}同年、ディズニートゥーン・スタジオも再編され、ラセターとキャットマルの指揮下で独立した部門として運営されるようになった。^{[ 232 ]}ラセターがスタジオの次の作品『アメリカン・ドッグ』に直接介入した結果、クリス・サンダース監督が退社し、^{[ 233 ]}ドリームワークス・アニメーションの監督となった。^{[ 234 ]}この映画は、バイロン・ハワードとクリス・ウィリアムズという新たな監督によって『ボルト』として作り直された。2008年に公開され、『リロ＆スティッチ』以来のディズニー長編アニメーション映画として最高の批評家の評価を得た。^{[ 235 ]}この映画は興行的にもまずまずの成功を収め、アカデミー賞長編アニメ映画賞にノミネートされた。^{[ 236 ]}

『プリンセスと魔法のキス』は、スタジオにとって5年ぶりの手描きアニメーション映画だった。おとぎ話『カエルの王子様』と2002年の小説『カエルの王女』をゆるやかにベースにしている。監督はロン・クレメンツとジョン・マスカー。1990年代のミュージカルコメディの形式に回帰し、ランディ・ニューマンの楽曲が使用されている[ 237 ^{]この映画}は、2009年に公開され、批評家から好評を得た。また、アカデミー賞に3部門ノミネートされ、うち2部門は歌曲賞だった^{[ 238 ] 。}

『プリンセスと魔法のキス』の興行成績は 、製作費1億500万ドルに対し全世界で2億6700万ドルの収益にとどまり、 『アバター』 との競合により期待外れとみなされた。^{[ 236 ]}また、タイトルに「プリンセス」という言葉が含まれていることも、興行成績の低迷の一因とされた。当時製作中だったプリンセスを題材にしたディズニー映画には、性別にとらわれない象徴的なタイトルが付けられた。 『ラプンツェル』は『塔の上のラプンツェル』に、『雪の女王』は『アナと雪の女王』になった。^{[ 219 ] [ 239 ] [ 240 ] [ 241 ]} 2014年、元ディズニーアニメーターのトム・シトは、 『プリンセスと魔法のキス』の興行成績を、1985年の映画『ブラック・コルドロン』の劇場公開時の成績を上回る『オリビアちゃんの大冒険』（1986年）と比較した。^{[ 242 ]}

2009年には、同スタジオはABCテレビネットワーク向けにコンピュータアニメーションのホリデースペシャル「Prep & Landing」も制作した。^{[ 243 ]}

『プリンセスと魔法のキス』の後、スタジオは2010年にグリム兄弟の童話「ラプンツェル」をCGIで翻案した『塔の上のラプンツェル』を公開した。音楽はアラン・メンケン、歌はグレン・スレイターが担当した。 ²⁰⁰²年からグレン・キーンの下で開発が進められてきた『塔の上のラプンツェル』は、バイロン・ハワードとネイサン・グレノが監督を務め、批評的にも商業的にも大きな成功を収めた^{[ 244 ] [ 245 ] 。}数々の賞にノミネートされた。この映画^は全世界で5億9200万ドルの興行収入を上げ、スタジオ史上3番目に成功した作品となった^{[ 246 ]} 。手描きアニメーション映画『くまのプーさん』は、 AAミルンの同名の物語を基にした新作で、2011年に公開され好評を博した。これはスタジオの最新の手描きアニメーション映画である。^{[ 247 ]}この映画は、手描きの短編映画『ネッシーのバラード』と同時公開された。^{[ 248 ]}

リッチ・ムーア監督の『シュガー・ラッシュ』は、2012年に公開され、批評家から高い評価を受け、商業的にも成功を収めた。この映画は、ビデオゲームの悪役がヒーローとして改心する物語である。アニー賞、クリティクス・チョイス・アワード、キッズ・チョイス・アワードの最優秀アニメーション長編映画賞など、数々の賞を受賞し、ゴールデングローブ賞とアカデミー賞にもノミネートされた。 ^{[ 249 ]}全世界での興行収入は4億7100万ドルに達した。 ^{[ 250 ] [ 251 ] [ 252 ]}

さらに、同スタジオは『シュガー・ラッシュ』と同時公開された短編映画『ペーパーマン』で、 44年ぶりにアカデミー短編映画賞を受賞した。^{[ 253 ] [ 254 ]}ジョン・カーズ監督の『ペーパーマン』では、スタジオ内で開発された「ミーアンダー」と呼ばれる新しいソフトウェアが使用され、手描きとコンピュータアニメーションの技術を同じキャラクター内で融合させて、ユニークな「ハイブリッド」を作り出した。プロデューサーのクリスティーナ・リードによると、スタジオは当時、将来のプロジェクトのためにこの技術の開発を続けており、^{[ 254 ]}長編アニメーション映画も含まれる。^{[ 247 ]}

2013年、スタジオはニック・ラニエリやルーベン・A・アキーノを含む9人の手描きアニメーターを解雇した^{[ 255 ]。}これにより、アニメーションブログではスタジオが伝統的なアニメーションを放棄するのではないかという憶測が飛び交ったが、スタジオはこの考えを否定した^{[ 256 ]} 。同年11月、ハンス・クリスチャン・アンデルセンの童話「雪の女王」にインスパイアされたCGIミュージカル映画「アナと雪の女王」が公開され、広く称賛され、大ヒットとなった。クリス・バックとジェニファー・リーが監督を務め、ブロードウェイのロバート・ロペスとクリステン・アンダーソン＝ロペスのチームが楽曲を担当した^{[ 257 ]}この作品は、全世界の興行収入が10億ドルを超えた最初のディズニーアニメーション映画となった。^{[ 249 ] [ 257 ] [ 258 ]}『アナと雪の女王』は、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの作品として初めてア​​カデミー長編アニメ映画賞（2001年に創設された部門）を受賞しただけでなく、同スタジオの長編映画としては『ターザン』以来、アカデミー賞を受賞した初の作品となり、 『ポカホンタス』以来、複数のアカデミー賞を受賞した初の作品となった。^{[ 259 ]}本作は、白黒の手描きアニメーションとフルカラーのCGIアニメーションを組み合わせたミッキーマウスの新作アニメーション『ゲット・ア・ホース！』と同時上映された。 ^{[ 260 ]}

同スタジオの次の作品である、マーベル・コミックの同名シリーズにインスパイアされたコメディ・アドベンチャー映画『ベイマックス』は、2014年11月に公開された。^{[ 261 ]}この映画のために、スタジオはHyperionと呼ばれる新しいライトレンダリングソフトウェアを開発し、その後のすべての映画で引き続き使用した。^{[ 262 ]}『ベイマックス』は批評家から絶賛され、2014年のアニメーション映画興行収入第1位となり、アカデミー長編アニメ映画賞も受賞した。^{[ 263 ] [ 264 ] [ 265 ] [ 266 ]}この映画は、アカデミー短編アニメ映画賞を受賞した短編アニメーション『フィースト』と劇場で同時上映された。 ^{[ 267 ] [ 268 ]}『ベイマックス』が公開されたのと同じ月に、ゼネラルマネージャーのアンドリュー・ミルスタインがウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの社長に昇進したことが発表された。^{[ 213 ] [ 269 ] [ 270 ] [ 271 ]}

2016年3月、スタジオは擬人化された動物たちが住む現代世界を舞台にしたバディコメディ映画『ズートピア』を公開した。^{[ 272 ]}この映画は批評的にも商業的にも成功を収め、全世界で10億ドル以上の興行収入を上げ、アカデミー長編アニメ映画賞を受賞した。^{[ 273 ] [ 274 ] [ 275 ] [ 276 ]}

ファンタジーアドベンチャーミュージカル映画『モアナ』は2016年11月に公開された。 ^{[ 277 ]}この映画は劇場で短編アニメーション『インナー・ワーキングス』と同時上映された。 ^{[ 278 ]}『モアナ』はスタジオにとって商業的にも批評的にも大成功を収め、全世界で6億ドル以上の興行収入を上げ、アカデミー賞に2部門ノミネートされた。 ^{[ 279 ] [ 280 ]}

2017年11月、ジョン・ラセターは、従業員へのメモで、従業員に対する自身の行動における「過ち」を認めた後、6ヶ月間の休職を取ると発表した。様々な報道機関によると、ラセターには従業員に対する性的不正行為の疑いの経歴があった。^{[ 281 ] [ 282 ] [ 283 ]} 2018年6月8日、ディズニーとピクサーがラセターとの契約を更新しないことを決定したため、ラセターが年末に退社することが発表された。彼は代わりに、契約満了までコンサルタントの役割を担うことになった。^{[ 284 ] [ 285 ]} 2018年6月19日、ジェニファー・リーがディズニー・アニメーションのチーフ・クリエイティブ・オフィサーとしてラセターの後任に就任することが発表された。 ^{[ 285 ] [ 286 ]}

2018年6月28日、スタジオの部門であるディズニートゥーン・スタジオが閉鎖され、75人のアニメーターとスタッフが解雇された。^{[ 287 ]} 2018年10月23日、エド・キャットムルが年末に引退し、2019年7月まで顧問として残ることが発表された。^{[ 288 ]}

2018年11月、スタジオは『シュガー・ラッシュ』の続編『シュガー・ラッシュ：オンライン』を公開した。^{[ 289 ]}この映画は全世界で5億2900万ドル以上の興行収入を上げ、ゴールデングローブ賞とアカデミー賞の両方で長編アニメ映画賞にノミネートされた。^{[ 290 ] [ 291 ] [ 292 ] [ 293 ]}

2019年8月、アンドリュー・ミルスタインが社長の職を辞任し、ロバート・ベアードと共にブルースカイ・スタジオの共同社長に就任することが発表された。一方、クラーク・スペンサーはディズニー・アニメーションの社長に任命され、ウォルト・ディズニー・スタジオ会長のアラン・バーグマンに報告し、チーフ・クリエイティブ・オフィサーのジェニファー・リーと共に働くことになった。^{[ 3 ] [ 4 ]}

続編の『アナと雪の女王2』は2019年11月に公開された。^{[ 294 ]}この映画は全世界で10億ドル以上の興行収入を上げ、アカデミー賞最優秀オリジナル歌曲賞にノミネートされた。^{[ 295 ] [ 296 ]}

2020年から2022年にかけて、ディズニー・アニメーションはDisney+ストリーミングサービス向けに「ショート・サーキット」と呼ばれる一連の実験的な短編を制作した。最初の短編パックは2020年1月にリリースされ^{[ 297 ] [ 298 ] [ 299 ]}、2番目のパックは2021年8月にリリースされた^{[ 300 ] [ 301 ]}。この期間中、ディズニー・アニメーションは手描きアニメーションの制作に再び取り組み、手描きのウェブ短編「アイス」^{[ 302 ]} 、 Disney+向けの手描きアニメーションのグーフィー短編3本^{[ 303 ] 、手描きアニメーションの「ショート・サーキット」の「ダイナソー・バーバリアン」 [ 304 ]}をリリースした。2022年4月、エリック・ゴールドバーグはスタジオ内で手描きアニメーション映画やシリーズを開発する計画があることを確認した。^{[ 305 ]}その年には、ディズニー+ のドキュメンタリー「ミッキー：マウスの物語」の一部として公開された手描きの短編「ミッキー・イン・ア・ミニット」と、ディズニーが 2006 年にキャラクターの権利を取得して以来、ディズニー アニメーションが制作した初のタイトル キャラクターの短編アニメーションである「オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット」が公開された。 ^{[ 306 ] [ 307 ]}

2020年12月、同スタジオはテレビシリーズの制作に進出することを発表した。これは通常、ディズニー・テレビジョン・アニメーション部門が担当する事業である。開発中のプロジェクトのほとんどはDisney+向けだった。^{[ 308 ]}制作されたCGシリーズには、ベイマックス! （ベイマックスのスピンオフ）、ズートピア+ （ズートピアの世界を舞台にしたアンソロジーシリーズ）、イワジュ（英国を拠点とする汎アフリカのエンターテイメント会社Kugali Mediaと共同制作したオリジナル長編SFアンソロジーシリーズ）などがある。 ^{[ 309 ]}さらに、ディズニー・アニメーションの従業員は、ピクサーのモンスターズ・インクのフランチャイズに基づいたディズニー・テレビジョン・アニメーションのシリーズ「モンスターズ・アット・ワーク」にも関わっていた。^{[ 310 ]}

ファンタジーアドベンチャー映画『ラーヤと最後の龍』は、2021年3月に公開されました。COVID -19パンデミックの影響で、劇場とDisney+のプレミアアクセスで同時公開されました。 ^{[ 311 ]}劇場では、短編アニメーション『 Us Again』が同時上映されました。 ^{[ 312 ]}『ラーヤと最後の龍』は興行収入1億3000万ドルを超え^{[ 313 ]}、Disney+のプレミアアクセス料金が期限切れになった後、ストリーミングチャートでヒットしました。この映画は、2021年に3番目に多くストリーミングされた映画となりました。 ^{[ 314 ] [ 315 ] [ 316 ]}また、アカデミー長編アニメ映画賞にもノミネートされました。 ^{[ 317 ]}

2021年8月、ディズニー・アニメーションがバンクーバーに新しいアニメーションスタジオを開設すると報じられた。^{[ 318 ]}バンクーバースタジオの運営は2022年に開始され、元ディズニー・アニメーションの財務責任者であるアミール・ナスラバディがスタジオの責任者を務めた。^{[ 318 ]}バンクーバースタジオはDisney+独占の長編シリーズと今後のDisney+スペシャルのアニメーションを制作し、短編シリーズはバーバンクスタジオでアニメーション制作されている。^{[ 318 ]}長編シリーズとスペシャルのプリプロダクションとストーリーボードもバーバンクスタジオで行われている。^{[ 318 ]}

2021年11月、スタジオはミュージカルファンタジー映画『エンカント』を公開した。 ^{[ 319 ]} COVID-19パンデミックのため、この映画は劇場で30日間限定で上映され、2021年12月24日にDisney+で配信された。^{[ 320 ]}劇場では2D/CGハイブリッド短編『ファー・フロム・ザ・ツリー』と同時公開された。^{[ 321 ]}『エンカント』は1億2000万～1億5000万ドルの予算に対し、興行収入は2億5600万ドルにとどまり損益分岐点には達しなかったものの、 ^{[ 322 ] [ 323 ] [ 324 ] [ 325 ] [ 326 ]} 2021年のホリデーシーズンに話題となり、Disney+でのデジタル配信後にはより広い商業的成功を収めた。^{[ 327 ] [ 328 ] [ 329 ]}この映画はアカデミー長編アニメ映画賞を受賞し、アカデミー作曲賞と歌曲賞にもノミネートされた。^{[ 330 ]}

2022年11月、同スタジオはアクションアドベンチャー映画『ストレンジ・ワールド』を公開した。^{[ 331 ]}この映画は好評を得たものの、興行的には失敗に終わり、1億3500万ドルから1億8000万ドルの予算に対し、全世界での興行収入は7300万ドルにとどまり、1億ドルから1億4700万ドルの損失が見込まれた。^{[ 332 ] [ 333 ]}

2023年までに、スタジオは手描きアニメーターのための新しい見習いプログラムを開設した。^{[ 334 ]}同年、ディズニー創立100周年（2023年10月）を記念して、実写とアニメーションを組み合わせた短編映画『ワンス・アポン・ア・スタジオ』が公開された。^{[ 335 ]}この作品は、第3回子供・ファミリー・エミー賞で優秀短編アニメーション番組賞を受賞した。^{[ 336 ]}

2D/CGハイブリッドのミュージカルファンタジー映画『ウィッシュ』は2023年11月に公開された。この映画のテーマはディズニーの100周年にちなんだものである。^{[ 337 ] [ 338 ]}批評家からは賛否両論の評価を受け、製作費1億7500万ドルから2億ドルに対し、全世界で約2億5500万ドルの興行収入を記録し、推定1億3100万ドルの損失となった。^{[ 339 ] [ 340 ] [ 341 ]}この映画は、ゴールデングローブ賞長編アニメ映画賞を含むいくつかの賞にノミネートされた。^{[ 342 ] [ 343 ]}

同スタジオは、2024年にオープンしたディズニーパークのアトラクション「ティアナのバイユー・アドベンチャー」のために、CGと手描きアニメーションの両方を提供した。このアトラクションは『プリンセスと魔法のキス』にインスパイアされている。^{[ 344 ]}

2024年9月、リーはディズニー・アニメーションのチーフ・クリエイティブ・オフィサーの職を辞任し、スタジオでのフルタイムの映画製作に復帰すると発表した。具体的には、『アナと雪の女王3』の監督と脚本、そして『アナと雪の女王4』の脚本と製作総指揮を務めるためである。^{[ 345 ]}ジャレッド・ブッシュが後任に指名された。^{[ 345 ]}

スタジオは2024年11月に続編『モアナ2』を公開した。このプロジェクトは当初Disney+向けのシリーズとして開発されていたが、後に劇場用長編映画として作り直された。^{[ 346 ]}この映画は賛否両論の評価を受けたが、全世界で10億ドル以上の興行収入を上げ、商業的に成功を収めた。^{[ 347 ]}

2025年11月、続編のズートピア2が公開された。^{[ 348 ]}この映画は商業的に成功し、興行収入10億ドルを記録し、英国アカデミー賞最優秀アニメーション映画賞を受賞した。^{[ 349 ]}また、第98回アカデミー賞最優秀アニメ映画賞、第83回ゴールデングローブ賞最優秀アニメーション映画賞、興行収入賞にもノミネートされた。^{[ 350 ] [ 351 ] [ 352 ]} 2025年12月31日、ズートピア2はアナと雪の女王2を抜き、スタジオ史上最高の興行収入を記録した映画となった。^{[ 353 ]}翌月、ピクサーのインサイド・ヘッド2を抜き、ハリウッド史上最高の興行収入を記録したアニメーション映画となった。^{[ 354 ]}

1995年以来、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは、カリフォルニア州バーバンクのロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルディングに本社を置いており、リバーサイド・ドライブを挟んでウォルト・ディズニー・スタジオの向かいに位置し、元のアニメーション・ビルディング（現在は本社オフィスが入居）がある。ディズニー・アニメーション・ビルディングのロビーには、映画『ファンタジア』（1940年）の「魔法使いの弟子」の場面に登場する魔法使いの帽子の大きなレプリカが飾られており、そのためこの建物は非公式に「帽子の建物」と呼ばれている。^{[ 367 ]}

1990年代半ばまで、ディズニー・アニメーションは、グレンデール市の東約3.2km（2マイル）にある旧グランド・セントラル空港跡地の工業団地、グランド・セントラル・ビジネス・センター内のエア・ウェイ複合施設（古い格納庫、オフィスビル、トレーラーの集まり）[107]で運営されていました^。ディズニー^{トゥーン・スタジオ部門は}グレンデールに拠点を置いていました。ディズニー・アニメーションのアーカイブは、以前は「モルグ」（遺体安置所のファイルになぞらえて）として知られ、現在はアニメーション・リサーチ・ライブラリー^{[ 369 ]}として知られていますが、これもグレンデールにあります。^{[ 370 ]}バーバンクの建物とは異なり、ARLはディズニーのグランド・セントラル・クリエイティブ・キャンパス近くの目立たないオフィスビルにあります。12,000平方フィートのARLには、1924年に遡る6,400万点以上のアニメーション作品が収蔵されています。会社にとって重要なため、訪問者はグレンデール内の正確な場所を明かさないことに同意する必要があります。 ^{[ 370 ]} 

以前は、長編アニメーションのサテライトスタジオは、フランスのセーヌ＝サン＝ドニ県モントルイユ（パリ郊外）^{[ 148 ]}とフロリダ州ベイ・レイク（オーランド近郊、ディズニー・ハリウッド・スタジオ・テーマパーク内） ^{[ 191} ]に世界各地にありました。パリのスタジオは2002年に閉鎖され^{[ 202 ]} 、フロリダのスタジオは2004年に閉鎖されました^{[ 202 ] 。}フロリダのアニメーションビルはオフィスビルとして残っており、かつてマジック・オブ・ディズニー・アニメーションがあった建物の部分はスター・ウォーズ・ローンチ・ベイになっています^{[ 371 ]}。

2009年にロイ・E・ディズニーが亡くなった後、バーバンクの本社は2010年5月にロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルとして再献堂された。^{[ 372 ] [ 373 ]}

2014 年 11 月、ディズニー アニメーションは、当時のスタジオ社長エドウィン キャットムルが「地下牢のような」と評した内部を改修するため、ロイ E. ディズニー アニメーション ビルディングの 16 か月にわたる改修工事を開始しました^。[ 374 ^{][375]例えば、内部は非常に}狭く、全従業員が出席する「タウン ホール」ミーティングを容易に開催することができませんでした。^{[ 375 ]}改修のため、スタジオの従業員は一時的にバーバンクから、ディズニーが管理する最も近いスタジオ スペース、つまりグレンデールの工業団地にあるディズニートゥーン スタジオ ビルディングと、ボブ ホープ空港の西側アプローチの下にあるノース ハリウッドの旧イマジニアリング倉庫（トゥジュンガ ビルディング）に移転しました。^{[ 227 ] [ 377 ]}改修は 2016 年 10 月に完了しました。^{[ 377 ]} 

ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは、伝統的なアニメーション、コンピュータアニメーション、両者の組み合わせ、実写シーンと組み合わせたアニメーションなど、さまざまなアニメーション技法を用いて長編アニメーション映画を制作してきました。スタジオ初の作品である『白雪姫と七人のこびと』は1937年12月21日に公開され^{[ 378 ]}、最新作の『ズートピア2』は2025年11月26日に公開されました^{[ 379 ]。}

『チキン・リトル』（2005年）以降、彼らの映画のほとんどは1億5000万ドルから1億7500万ドルの費用がかかっている。『塔の上のラプンツェル』（2010年）は、2億6000万ドルの予算で、スタジオ史上最も高額な映画である。^{[ 380 ] [ 381 ] [ 382 ]}

1920年代のアリス・コメディーズ以来、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは、ミッキーマウスのカートゥーンやシリー・シンフォニー・シリーズなど、数々の著名な短編映画を制作し、1956年にアニメーション・スタジオ部門が閉鎖されるまで活動を続けました。これらの短編の多くは、スタジオが映画制作プロセスで使用する新しい技術を実験するための媒体となりました。例えば、『蒸気船ウィリー』（1928年）の音声同期^{[ 25 ]} 、 『花と木』（1932年）の3ストリップ・テクニカラー・プロセスの統合^{[ 34 ]} 、 『古い水車小屋』 （1937年）のマルチプレーン・カメラ[ ⁴⁶ ] 、『ゴライアスII』（1960年）のゼログラフィー・プロセス^{[ 386 ]} 、そして『オフ・ヒズ・ロッカーズ』 （1992年） ^{[ 387 ]}、『ペーパーマン』 （2012年） ^{[ 254 ]}、『ゲット・ア・ホース! ^』の手描き/CGIハイブリッド・アニメーションなどが挙げられ^ます。 (2013)、^{[ 260 ]}およびFeast (2014)。^{[ 388 ]}

ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは2020年にテレビ番組制作への進出を発表し、Disney+向けにオリジナル番組を制作した。^{[ 389 ]}しかし、2025年3月、同スタジオは、ストリーミング向けの長編コンテンツから方向転換し、劇場用長編映画に再び注力する方針に転換したため、制作中および開発中のすべてのテレビシリーズを棚上げしたと発表した。^{[ 390 ]}

このリストには、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオが制作した劇場用映画、短編映画、テレビシリーズ、あるいはディズニー・テレビジョン・アニメーションやディズニートゥーン・スタジオといったディズニーのビデオ／テレビ向け部門が長年にわたって制作したそれらの続編を含む映画シリーズやフランチャイズ、実写映画、書籍やビデオゲームなどのその他のメディア、そしてテーマパークのアトラクションが含まれます。

†は、  2026年7月17日の週に劇場で上映される映画を示します。

• ウォルト・ディズニー・スタジオを巡る旅（1937年、短編）
• 『気乗りしないドラゴン』（1941年、演出された「モキュメンタリー」）
• フランクとオリー（1995年）
• 夢を見続けろ、おバカな夢想家よ(2005)
• 眠れる森の美女の目覚め（2009年）
• ウォルト＆エル・グルポ（2009）
• ハワード（2018）