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| ファンク | |
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 ファンクのパイオニアであるジェームス・ブラウンは、1973年に亡くなりました。彼の多くのニックネームの1つは「ニュー・スーパー・ヘビー・ファンクの大臣」でした。 | |
| 様式的な起源 | |
| 文化的起源 | 1960年代半ば、[ 1 ]アメリカ合衆国 |
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| その他のトピック | |
ファンクは、 1960年代半ばにアフリカ系アメリカ人のコミュニティで生まれた音楽ジャンルで、ミュージシャンたちが20世紀半ばにアフリカ系アメリカ人の間で人気だった様々な音楽ジャンルを融合させて、リズミカルで踊れる新しい音楽を作り出したものです。メロディーやコード進行は重視されず、エレクトリックベーシストが演奏するベースラインとパーカッショニストが演奏するドラムパートの力強いリズミカルなグルーヴに重点が置かれ、他のポピュラー音楽よりもテンポが遅いことが多いです。ファンクは通常、複雑なパーカッシブなグルーヴで構成され、リズム楽器が絡み合うグルーヴを演奏することで、「催眠的」で「踊れる」感覚を生み出します。[ 3 ]初期のファンク、特にジェームス・ブラウンは、ジャズとブルースを融合させ、シンコペーションの効いたドラムグルーヴを加えました。
ファンクは1960年代半ばにジェームス・ブラウンがダウンビートを強調する独自のグルーヴを開発したことから始まった。これは、すべての小節の最初の拍（「ザ・ワン」）を強く強調し、すべてのベースライン、ドラムパターン、ギターリフにスウィングした16分音符 とシンコペーションを適用したものである。 [ 4 ]ロックやサイケデリアの影響を受けたミュージシャン、スライ＆ザ・ファミリー・ストーンとパーラメント・ファンカデリックは、 1960年代後半からこのジャンルのより折衷的な例を生み出した。[ 5 ] 1970年代と1980年代には、クール・アンド・ザ・ギャング、[ 6 ]オハイオ・プレイヤーズ、ファットバック・バンド、ジミー・キャスター・バンチ、ブーツィー・コリンズ、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、BTエクスプレス、ハミルトン・ボハノン、[ 7 ]ワン・ウェイ、レイクサイド、ダズ・バンド、ザ・ギャップ・バンド、スレイヴ、オーラ、ロジャー・トラウトマン＆ザップ、コン・ファンク・シャン、キャメオ、バーケイズ、シックなど、他の音楽グループがブラウンの革新を発展させた。[ 8 ]
ファンクの派生ジャンルには、アバンギャルドなファンクであるアバンファンク、エレクトロニックミュージックとファンクのハイブリッドであるブギー、ファンクメタル、ギャングスタラップとサイケデリックファンクのミックスであるGファンク、ファンキーなキューバのダンスミュージックの一種であるティンバ、そしてファンクジャムなどがあります。また、ファンクのサブジャンルであるワシントンゴーゴーの主な影響源でもあります。[ 9 ]ファンクのサンプルとブレイクビーツは、ヒップホップやエレクトロニックダンスミュージックで広く使用されています。
「ファンク」という言葉は、元々は強い臭いを指していました（そして今も指しています）。元々はラテン語のfumigare（「煙を出す」という意味）から古フランス語のfungiereを経て派生したもので、この意味で英語に初めて登場したのは 1620 年です。1784 年に「カビ臭い」という意味のfunky が初めて記録され、それが「土っぽい」という意味につながり、1900 年頃には初期のジャズのスラングで「深く強く感じる」という意味で使われるようになりました。[ 10 ] [ 11 ]白人文化では、「ファンク」という言葉は臭いや不機嫌（不機嫌）といった否定的な意味合いを持つことがありますが、アフリカのコミュニティでは、 「ファンク」という言葉は体臭と結びついているものの、ミュージシャンの勤勉で誠実な努力が汗につながり、その「肉体的な努力」から「絶妙な」「最高の」演奏が生まれるという肯定的な意味合いを持っていました。[ 12 ]
初期のジャムセッションでは、ミュージシャンたちは「さあ、もっと熱くやろう！」と互いに言い合って「盛り上がろう」と励まし合っていた。少なくとも1907年には、ジャズの曲には「Funky」などのタイトルが付けられていた。最初の例は、バディ・ボールデンの未録音の曲で、「Funky Butt」または「Buddy Bolden's Blues」として記憶されている。ドナルド・M・マーキスによれば、即興の歌詞は「コミカルで軽妙」か「下品で露骨にわいせつ」のどちらかだったが、いずれにせよ、ボールデンのバンドが演奏するダンスの汗臭い雰囲気を指していた。[ 13 ] [ 14 ] 1950年代から1960年代初頭にかけて、ファンクやファンキーがジャズ音楽の文脈でますます使われるようになった頃でも、これらの用語は依然として上品さに欠け、上品な場で使うには不適切だと考えられていた。ある情報源によると、ニューオーリンズ生まれのドラマー、アール・パーマーは「他のミュージシャンに、自分たちの音楽をもっとシンコペーションを効かせて踊れるようにすべきだと説明するために『ファンキー』という言葉を初めて使った人物」だという。[ 15 ]このスタイルは後に、より肉感的な性質を暗示する、かなり力強く執拗なリズムへと発展した。この初期の音楽の形態は、後のミュージシャンのパターンを決定づけた。[ 16 ]この音楽は、スローでセクシー、ルーズでリフ中心で踊れるものとして認識された。
ファンクの意味は、黒人音楽、感情、知識のジャンルを魅了し続けている。黒人研究における最近の学術研究は、ファンクという用語をその多様な形態で取り上げ、黒人の運動と文化の範囲を考察している。特に、LH Stallingsの『Funk the Erotic: Transaesthetics and Black Sexual Cultures』は、ファンクの多様な意味を探求し、ファンクの多くの場所、すなわち「ストリートパーティー、演劇、ストリッパーとストリップクラブ、ポルノグラフィー、自主出版の小説」の中で、セクシュアリティ、文化、西洋の覇権を理論化する方法としている。[ 17 ]
ソウルと同様に、ファンクもダンスミュージックをベースとしているため、強い「リズム的役割」を担っています。[ 18 ]ファンクのサウンドは、演奏される音符だけでなく、「音符間の空間」にも大きく依存しており、そのため音符間の休符が重要になります。[ 19 ]ファンクとディスコにはリズム的な類似点がありますが、ファンクには「ディスコよりも遅く、セクシーで、シンコペーションの効いた中心となるダンスビート」があり、ファンクのリズムセクションのミュージシャンは、プログラミングされたシンセベースのディスコアンサンブルよりも、メインビートに「サブテクスチャ」、複雑さ、そして「個性」を加えています。[ 20 ]
ファンク以前のポップミュージックのほとんどは、テンポが速かったため、ビートをさらに細かく分割することが不可能だったため、8分音符のシーケンスに基づいていました。[ 3 ]ファンクの革新は、より遅いテンポ（1960年代初頭のブルースの復活の影響を受けていることは間違いない）を使用することで、「リズムをさらに細かく分割する余地が生まれ、4 /4拍子の小節に16分音符を配置することが可能になった」ことです。[ 3 ] 具体的には、ギターとドラムが「モーターのような」16分音符のリズムで演奏することで、他の楽器が「よりシンコペーションされた、断片的なスタイル」で演奏する機会が生まれ、より「自由な」ベースラインへの移行が容易になりました。これらの「相互に絡み合う部分」が一体となって「催眠的」で「踊れる感覚」を生み出しました。[ 3 ]
ファンクの多くは、サハラ以南のアフリカの音楽の伝統に由来する、オンビートとオフビートの2つのセル構造をリズム的に基盤としている。ニューオーリンズは1940年代後半にアフロキューバンのマンボとコンガからこの2つのセル構造を取り入れ、独自のものにした。[ 21 ]ニューオーリンズ・ファンクと呼ばれるこの音楽は、ジェームス・ブラウンのリズムセクションがそれを効果的に使用したことで、国際的に高い評価を得た。[ 22 ]
ファンクでは、ビバップジャズに見られるような、豊かな色彩を持つ拡張コードが使用されます。例えば、7th と 11th を加えたマイナー コードや、9th を変化させたドミナント セブンス コードなどです。ファンクで使用されるコードの例としては、マイナー 11th コード (例: F マイナー 11th)、シャープ 9th とサス 4th を加えたドミナント セブンス (例: C7 (#9) sus 4)、ドミナント ナインス コード (例: F9)、マイナー シックス コード (例: C マイナー 6) などがあります。[ 19 ]ファンクでは、6th と 9th を加えたメジャー コードである 6-9th コード (例: F 6/9) が使用されます。[ 19 ]ファンクでは、マイナー トライアドは音が薄すぎると判断されたため、マイナー セブンス コードの方がマイナー トライアドよりもよく使用されます。[ 23 ]ファンクで最も有名で熟練したソロイストの中には、ジャズのバックグラウンドを持つ人もいます。トロンボーン奏者のフレッド・ウェズリー、サックス奏者のピー・ウィー・エリスとメイシオ・パーカーは、ジェームス・ブラウン、ジョージ・クリントン、プリンスと共演したファンク音楽ジャンルで最も注目すべきミュージシャンです。
複雑で素早いコードチェンジが特徴のビバップジャズとは異なり、ファンクでは曲全体または一部で、メロディーハーモニックな動きと複雑で力強いリズム感を伴い、静的な単一コードまたは2コードの反復（多くの場合、マイナーセブンスコードとそれに関連するドミナントセブンスコードを交互に使用、例えばAマイナーからD7まで）がよく使われます。ファンクの曲の中には、主に1コードの反復で構成されているものもありますが、リズムセクションのミュージシャンは、半音または全音を上下させて半音階的経過コードを作ることで、このコードを装飾することがあります。例えば、ワイルドチェリーの「 Play That Funky Music」のヴァースセクションでは、主にEナインスコードが使われていますが、F#9とF9も使われています。[ 24 ]
ファンクの楽曲で使用されるコードは、一般的にドリア旋法またはミクソリディア旋法を暗示しており、これはほとんどのポピュラー音楽の長調や自然短調とは対照的である。メロディーの内容は、これらの旋法とブルーススケールを組み合わせることによって生み出された。1970年代には、ジャズ音楽がファンクから影響を受け、ジャズ・ファンクという新しいサブジャンルが生まれた。これは、マイルス・デイヴィス（『Live-Evil』、『On the Corner』）やハービー・ハンコック（『Head Hunters 』）の録音で聴くことができる。
ファンクは、アフリカの音楽の伝統である即興演奏を受け継いでおり、ファンクバンドでは、グループは通常、スタジオ録音の段階であっても、曲の骨組みだけに基づいている場合であっても、「ジャム」や「グルーヴ」を通して、いつ変化すべきかを「感じ取る」。[ 25 ]ファンクは「集団即興演奏」を採用しており、リハーサル中のミュージシャンは比喩的に音楽的な「会話」を交わし、このアプローチはステージ上でのパフォーマンスにも及んだ。[ 26 ]
ファンクは、力強いギターリフとエレクトリックベースで演奏されるベースラインを使って、強烈なグルーヴを生み出します。モータウンのレコーディングと同様に、ファンクの曲ではベースラインが曲の中心となっています。実際、ファンクはベースラインが曲の中で最も目立つスタイルと呼ばれており、[ 27 ]ベースが曲の「フック」を演奏します。[ 28 ]初期のファンクのベースラインはシンコペーション（通常はシンコペーションされた8分音符）を使用していましたが、ニューオーリンズファンクよりも「ドライビングフィール」が加わり、ルートの長3度上の音とともにブルーススケールの音を使用していました。 [ 29 ]後期のファンクのベースラインは、16分音符のシンコペーション、ブルーススケール、反復パターンを使用し、しばしば1オクターブまたはそれ以上の音程の跳躍を伴います。[ 28 ]
ファンクのベースラインは、反復的なパターン、固定されたグルーヴ、連続的な演奏、スラップとポッピングのベースを強調します。スラップとポッピングは、親指で叩く低音（「サンプ」とも呼ばれる）と指で「ポップ」する（またはピッキングする）高音の組み合わせを使用し、ベースがドラムのようなリズムの役割を果たすことを可能にし、ファンクの特徴的な要素となりました。スラップとファンキーなプレイヤーとして有名なのは、バーナード・エドワーズ（シック）、ロバート・“クール”・ベル、マーク・アダムス（スレイヴ）、ジョニー・フリッピン（ファットバック）[ 30 ]、ブーツィー・コリンズ[ 31 ]です。スラップとファンキーは重要ですが、タワー・オブ・パワーのロッコ・プレスティアなど、ファンクを演奏する影響力のあるベーシストの中には、このアプローチを使用せず、ジェームス・ジェマーソンのモータウンの演奏スタイルに基づいた典型的なフィンガースタイルメソッドを使用した人もいます。 [ 31 ]スライ＆ザ・ファミリー・ストーンのラリー・グラハムは影響力のあるベーシストです。[ 32 ]
ファンクベースは、ミュートされたリズミカルなゴーストノート[ 32 ]（「デッドノート」とも呼ばれる）の使用により、「土っぽく、パーカッシブな感じ」を特徴としている[ 31 ] 。ファンクベース奏者の中には、楽器の音色を変えるために電子エフェクトユニットを使用する者もいる。例えば、「エンベロープフィルター」（ 「ねっとりとした、ズルズルとした、クワックのような、シロップのような」音を作り出すオートワウエフェクト） [ 33 ]や、キーボードシンセサイザーのベーストーンを模倣する[ 34 ]（例えば、Mutronエンベロープフィルター）[ 28 ]、そして「オールドスクールファンクレコードのようなクラシックなファズトーン」を作り出すために使われるオーバードライブファズベースエフェクト[ 35 ]などである。その他に使われるエフェクトには、フランジャーやベースコーラスなどがある。[ 28 ]コリンズはまた、ヘンドリックスが普及させたオクタヴィアペダルと同様に、音を1オクターブ上と下に重ねて「未来的で太い低音サウンド」を作り出すことができるオクターブペダルであるミュートロン・オクターブディバイダーも使用した。[ 36 ]
ファンクほどドラマーの存在感を際立たせる音楽ジャンルはないと言っても過言ではないでしょう。重厚なグルーヴ、ダーティなバックビート、タイトなスネアの鋭い響き、素晴らしいホーンセクションによるシンコペーション、滑らかなベースラインに支えられた深いグルーヴ…想像するだけで思わず体が揺れてしまうはずです。ファンクミュージックはまさにビートがすべてであり、多くの著名なドラマーがこのスタイルで名を馳せてきたのも決して偶然ではありません。
ファンクのドラミングは、ドラマーの「フィーリングと感情」を強調することでグルーヴを生み出します。これには、「時折のテンポの変動」、一部の曲でのスウィング感の使用（例えば、ザ・メーターズの「Cissy Strut」やザ・ステイプル・シンガーズの「I'll Take You There」はハーフスウィング感がある）、フィルの使用の少なさ（フィルはグルーヴを弱める可能性があるため）などが含まれます。[ 37 ]ドラムフィルは「少なく、経済的」で、ドラミングが一定のテンポとグルーヴで「ポケット」に留まるようにします。[ 38 ]これらの演奏テクニックは、ミュートされたバスドラムとタム、タイトにチューニングされたスネアドラムを含むドラムキットのセットアップによって補完されます。 [ 37 ]ダブルベースドラムのサウンドは、ファンクドラマーがシングルペダルで行うことが多く、このアプローチは「2番目の音を強調し…[そして]ドラムヘッドの共鳴を減衰させ」、短くミュートされたバスドラムのサウンドを生み出します。[ 37 ]
ジェームス・ブラウンはレコーディングやソウルショーでクライド・スタブルフィールドやジョン・「ジャボ」・スタークスといった2人のドラマーを起用した。[ 39 ] 2人のドラマーを起用することで、JBバンドは「しっかりとしたシンコペーション」のリズムサウンドを維持することができ、それがバンド独特の「ファンキー・ドラマー」リズムに貢献した。[ 39 ]
タワー・オブ・パワーのドラマー、デイヴィッド・ガリバルディの演奏には、ゴーストノートやリムショットが数多く使われている。[ 37 ]ファンク・ドラミング・スタイルの重要な要素はハイハットの使用であり、演奏中にハイハットを開閉して「スプラッシュ」アクセント効果を生み出すことが重要なアプローチとなっている。[ 40 ]ファンクでは、両手でハイハットを16分音符で叩くことがあり、時にはスイング感を加えることもある。[ 37 ]
ジム・ペインは、ファンク・ドラミングはラテン音楽のリズムのアイデアであるオスティナートを中心に即興演奏を行う「非常に自由な」アプローチを採用しており、オスティナートは「わずかな変化のみで」繰り返され、このアプローチがファンクの「魅惑的な」性質を生み出していると述べている。[ 41 ]ペインは、ファンクは「よりシンコペーションされた方法で演奏されるロック」と考えることができると述べており、特にバスドラムは、ドラマーのクライヴ・ウィリアムズ（ジョー・テックスと）、ジョージ・ブラウン（クール＆ザ・ギャングと）、ジェームズ・“ダイアモンド”・ウィリアムズ（オハイオ・プレイヤーズと）によって革新された、シンコペーションされた8分音符と16分音符のパターンを演奏する。[ 42 ]ロックと同様に、スネアはほとんどのファンクでバックビートを提供する（ただし、ソフトなゴーストノートが追加される）。[ 41 ]
ファンクでは、ギタリストは短い持続時間のコード（「スタブ」と呼ばれる）を演奏しながら、より速いリズムやリフを演奏することが多い。[ 18 ]リズムパートを演奏するギタリストは、パーカッシブなゴーストノートを含め、16分音符を演奏することが多い。[ 18 ] 9thコードなどのコード拡張が好まれる。[ 18 ]ファンクでは、通常、リズムギタリストと単音を演奏する「テナーギタリスト」による「2つの絡み合う[エレキ]ギターパート」が使用される。2人のギタリストは自分のパートを交代で演奏し、「コールアンドレスポンスの絡み合ったポケット」を作り出す。[ 43 ]バンドにギタリストが1人しかいない場合は、スタジオでオーバーダビングするか、ライブショーで可能な限り1人のギタリストに両方のパートを演奏させることで、この効果を再現できる。[ 43 ]
ファンクバンドでは、ギタリストは通常パーカッシブなスタイルで演奏し、「チャンク」または「チキンスクラッチ」と呼ばれるピッキングスタイルを使用します。これは、ギターの弦を指板に軽く押し当て、ブリッジ付近で反対側の手を素早くリズミカルにストロークすることで、ミュートされた「スクラッチ」音が出る程度に素早く離すものです。[ 44 ]このテクニックがリズム・アンド・ブルースで使用された初期の例は、1957年のジョニー・オーティスの曲「ウィリー・アンド・ザ・ハンド・ジャイブ」で聴くことができ、後にジェームス・ブラウン・バンドのギタリストとなるジミー・ノーレンが参加しています。このテクニックは、「チカ」、「チャンク」、「チョーク」の3つのアプローチに分けられます。「チカ」では、弦が指板に当たってミュートされた音がします。「チャンク」は、コードをストロークした後、フレットを押さえている手でコードを離すことでスタッカート奏法になります。「チョーク」では、一般的にすべての弦をストロークして強くミュートします。[ 19 ]
これらの要因の結果、エレクトリックベースの低音の響きとスネアとハイハットの鋭いトーンの中間あたりに漂うようなリズムギターのサウンドが生まれ、リズミカルでメロディックな感覚が深くポケットに収まった。ジェームス・ブラウンの長年のギタリストであるギタリストのジミー・ノーレンがこのテクニックを開発した。しかし、ブラウンの「Give It Up or Turnit a Loose」（1969年）では、ジミー・ノーレンのギターパートは骨組みだけの音色構造になっている。強調されているのはピッチのパターンではなく、アタックポイントのパターンである。ギターはアフリカのドラムや体鳴楽器のように使われている。ノーレンは「シングルコイルP-90ピックアップを搭載したホロウボディのジャズギター」をフェンダー・ツインリバーブアンプに接続し、ミッドを低く、トレブルを高く設定することで「クリーンで高音域のトーン」を作り出した。[ 45 ]
ファンクのリズムギターを演奏するギタリストは、一般的にディストーションエフェクトやアンプのオーバードライブを避け、クリーンなサウンドを得ようとします。また、クリアで高音域のサウンドが重要なため、フェンダー・ストラトキャスターやテレキャスターは、その切れ味の良い高音域のトーンのために広く使用されました。[ 45 ]ギタリストは、ギターのサウンドをホーンセクション、キーボード、その他の楽器と区別するために、中音域をカットすることがよくあります。[ 45 ]リズミカルなグルーヴを提供することに重点が置かれ、インストゥルメンタルなギターメロディーやギターソロが重視されないため、ファンクのリズムギター奏者はサステインを求めません。[ 45 ]ファンクのリズムギター奏者は、ミュートされた音を強調するためにコンプレッサーのボリュームコントロールエフェクトを使用し、「カチカチ」という音を増幅し、「ファンクのリズムにパーカッシブな興奮」を加えます（ナイル・ロジャースが使用した手法）。[ 46 ]
ファンカデリックのギタリスト、エディ・ヘイゼルは、ソロ即興演奏（特に「 Maggot Brain 」のソロ）とギターリフで有名で、その音色はMaestro FZ-1 Fuzz-Toneペダルで形作られていました。[ 36 ]ヘイゼルは、アイズレー・ブラザーズのギタリスト、アーニー・アイズレーと共に、ジミ・ヘンドリックスの即興演奏でワウワウを多用したソロに影響を受けました。アーニー・アイズレーは、ヘンドリックスがアイズレー・ブラザーズのバックバンドの一員で、一時的にアイズレー家の家に住んでいた頃、幼い頃にヘンドリックスから指導を受けました。ファンク・ギタリストは、ワウワウのサウンドエフェクトと音をミュートして、ギターリフにパーカッシブなサウンドを作り出します。フェイザーエフェクトは、フィルタースイープのサウンドエフェクトのためにファンクやR&Bのギター演奏でよく使用され、アイズレー・ブラザーズの曲「Who's That Lady 」はその例です。[ 47 ] Pファンクのもう一人のギタリスト、マイケル・ハンプトンは、弦のベンドやヘンドリックス風のフィードバックを加えたソロアプローチを使って、「Maggot Brain」でのヘイゼルの技巧的なソロを演奏することができた。[ 36 ]
ファンクではさまざまな鍵盤楽器が使われています。アコースティックピアノは、アース・ウィンド＆ファイアーの「September」やビリー・プレストンの「Will It Go Round in Circles 」などで使われています。エレクトリックピアノは、ハービー・ハンコックの「Chameleon」（フェンダー・ローズ）やジョー・ザヴィヌルの「Mercy, Mercy, Mercy」（ウーリッツァー）などの曲で使われています。クラビネットはパーカッシブな音色で使われ、スティーヴィー・ワンダーの「Superstition」や「Higher Ground」、ビル・ウィザーズの「Use Me 」などの曲で聴くことができます。ハモンドB-3オルガンは、ザ・メーターズの「Cissy Strut」や「Love the One You're With」（アレサ・フランクリンが歌い、ビリー・プレストンがキーボードを担当）などの曲で使われています。
バーニー・ウォーレルがパーラメント・ファンカデリックとのレコーディングで使用したキーボードは、ファンクで使用されるキーボードの多様性を示しており、ハモンドオルガン（「Funky Woman」、「Hit It and Quit It」、「Wars of Armageddon」）、RMIエレクトリックピアノ（「I Wanna Know If It's Good to You?」、「Free Your Mind」、「Loose Booty」）、アコースティックピアノ（「Funky Dollar Bill」、「Jimmy's Got a Little Bit of Bitch in Him」）、クラビネット（「Joyful Process」、「Up for the Down Stroke」、「Red Hot Mama」）、ミニモーグシンセサイザー（「Atmosphere」、「Flash Light」、「Aqua Boogie」、「Knee Deep」、「Let's Take It to the Stage」）、ARPストリングアンサンブルシンセ（「Chocolate City」、「Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker)」、「Undisco Kidd」）などが含まれる。
ファンクでは、シンセサイザーはエレクトリックベースの重厚なサウンドを補強するため、あるいは曲によってはエレクトリックベースを完全に置き換えるためにも使われた。[ 48 ]ファンクのシンセサイザーベース、特にミニモーグは、エレクトリックベースでは実現不可能なレイヤードサウンドや新しい電子音色を作り出すことができたため使われた。[ 48 ]
1970年代のファンクは、ブルース、ゴスペル、ジャズ、ドゥーワップの歌唱の影響を含め、1960年代のアフリカ系アメリカ人音楽で使われていたのと同じボーカルスタイルを多く使用しました。[ 39 ]これらの他のアフリカ系アメリカ人スタイルと同様に、ファンクは「叫び声、怒鳴り声、うめき声、ハミング、メロディックなリフ」を使用し、コールアンドレスポンスや物語のナレーション（アフリカの口承伝統のアプローチと同様）などのスタイルも使用しました。[ 49 ]ファンクのコールアンドレスポンスは、リードシンガーとバックボーカルを務めるバンドメンバーの間で行われることがあります。[ 50 ]
ファンクはソウルから派生したため、ファンクのボーカルはソウルのアプローチを共有していますが、ファンクのボーカルは装飾音が少なく、より強調され、エネルギッシュで、リズミカルなパーカッシブさがあり、ボーカルラインはホーンパートに似ており、「押し出す」リズムを持っています。[ 51 ]アース・ウィンド・アンド・ファイアーなどのファンクバンドにはハーモニーボーカルパートがあります。[ 20 ]ジェームス・ブラウンの「スーパー・バッド」のような曲には、「叫び声、怒鳴り声、絶叫」とともに「ダブルボイス」が含まれています。[ 52 ]ファンクシンガーは、「カラフルで活気のあるジェスチャー、表情、体の姿勢、ボーカルフレーズのやり取り」を利用して魅力的なパフォーマンスを作り出す「黒人美学」を使用してパフォーマンスを行いました。[ 53 ]
ファンク音楽の歌詞は、1970年代にアメリカのアフリカ系アメリカ人コミュニティが直面した問題を取り上げており、それは産業中心の労働者階級経済から情報経済への移行によって生じたもので、黒人労働者階級に悪影響を与えた。[ 54 ]オハイオ・プレイヤーズ、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、ジェームス・ブラウンなどのファンクソングは、歌詞の中で低所得の黒人が直面した問題、例えば「黒人コミュニティにおける貧困な経済状況や都市部の貧困生活」といった問題を取り上げている。[ 55 ]
ファンカデリックの「One Nation Under A Groove」（1978年）は、1960年代の公民権運動で黒人が克服した困難について歌っており、1970年代に利用可能になった新しい「社会的および政治的機会」を活用するよう1970年代の黒人に呼びかけている。[ 56 ]アイズレー・ブラザーズの「Fight the Power」（1975年）は政治的なメッセージを持っている。[ 57 ]パーラメントの「Chocolate City」（1975年）は、比喩的にワシントンDCや、主に黒人人口を抱える他の米国の都市を指しており、黒人有権者が持つ潜在的な力に注目し、将来的に黒人大統領が検討されるべきであることを示唆している。[ 58 ]
ファンクソングの政治的なテーマと、黒人聴衆に向けたメッセージは、ブラックスプロイテーション映画で作られた黒人の新しいイメージを反映しており、そこでは「アフリカ系アメリカ人の男女が自らの立場を守り、正しいことのために戦う」様子が描かれていた。[ 59 ]ファンクとブラックスプロイテーション映画はどちらも、黒人が直面する問題を取り上げ、黒人の視点から物語を語っていた。[ 59 ] 1970年代のファンクとブラックスプロイテーション映画のもう1つの共通点は、これらの映画の多くがファンクのサウンドトラックを使用していたことである（例：カーティス・メイフィールドの『スーパーフライ』 、ジェームス・ブラウンとフレッド・ウェズリーの『ブラック・シーザー』と『ウォー・フォー・ヤングブラッド』）。[ 60 ]
ファンクソングには、黒人の美学や方言に精通したリスナーが最もよく理解できる比喩的な言葉が含まれていた。[ 61 ]例えば、ファンクソングには「shake your money maker」、「funk yourself right out」、「move your boogie body」といった表現が含まれていた。[ 62 ]また、別の例として、1970年の楽曲「Super Bad」で使用されている「bad」は、黒人リスナーにとっては「良い」または「素晴らしい」という意味だと理解されていた。[ 50 ]
1970年代、ラジオのわいせつ規制を回避するため、ファンク・アーティストは禁止語に似た言葉や二重の意味を持つ言葉を使ってこれらの規制を回避した。[ 63 ]例えば、オハイオ・プレイヤーズの「Fopp」という曲には、「Fopp me right, don't you fopp me wrong/We'll be foppin' all night long...」という歌詞がある。[ 63 ]ファンクの曲の中には、「マリファナの煙の絶え間ない靄の中で歌詞を書いている」ことを示唆する造語を使ったものもあり、パーラメントの「Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop)」には「bioaquadoloop」などの言葉が含まれている。[ 63 ]主流の白人リスナー層はファンクの歌詞のメッセージを理解できないことが多く、それが1970年代にファンクが白人聴衆の間で人気音楽チャートで成功しなかった一因となった。[ 64 ]
金管楽器のグループによるホーンセクションのアレンジは、ファンクソングでよく使われます。 [ 20 ]ファンクのホーンセクションには、サックス（多くの場合テナーサックス）、トランペット、トロンボーンが含まれ、クインテットやセクステットなどの大規模なホーンセクションにはバリトンサックスも含まれます。[ 3 ]ホーンセクションは「リズミカルでシンコペーションされた」パートを演奏し、しばしば「リズミカルなずれ」を強調する「オフビートのフレーズ」を用います。[ 3 ]ファンクソングのイントロは、ホーンアレンジにとって重要な場所です。[ 3 ]
ファンクのホーンセクションは、ファンクのリズムギタリストが用いる手法を模倣した「リズミカルなパーカッシブスタイル」で演奏した。[ 65 ]ホーンセクションは、ボーカルの間のスペースで「短いスタッカートのリズミカルなブラスト」を用いて演奏することで、歌詞を「強調」した。[ 65 ]著名なファンクホーン奏者には、アルフレッド・“ピーウィー”・エリス、トロンボーン奏者のフレッド・ウェズリー、アルトサックス奏者のマセオ・パーカーなどがいる。[ 65 ]著名なファンクホーンセクションには、フェニックス・ホーンズ（アース・ウィンド・アンド・ファイアーと共演）、ホーニー・ホーンズ（パーラメントと共演）、メンフィス・ホーンズ（アイザック・ヘイズと共演）、MFSB（カーティス・メイフィールドと共演）などがある。[ 65 ]
ファンクのホーンセクションの楽器は様々だった。ホーン奏者が2人いる場合は、トランペットとサックス、トランペットとトロンボーン、またはサックス2本だった。[ 3 ] 標準的なホーントリオはトランペット、サックス、トロンボーンで構成されていたが、トランペット1本とサックス2本、またはトランペット2本とサックス1本のトリオもかなり一般的だった。[ 3 ]カルテットは標準的なホーントリオと同じ構成だが、トランペット、サックス、または（頻度は低いが）トロンボーン奏者が1人追加される。クインテットは、サックス3本（通常はアルト/テナー/バリトン、またはテナー/テナー/バリトン）とトランペットとトロンボーン、またはトランペットとサックスがそれぞれ2本ずつとトロンボーン1本で構成されていた。 6つの楽器で構成されるホーンセクションは、通常、トランペット2本、サックス3本、トロンボーン1本で構成される。[ 3 ]
ファンク調のホーンセクションが特徴的な楽曲には以下のようなものがある。
ホーンセクションを雇うことが現実的でないバンドやショーでは、キーボーディストがブラスパッチを備えたシンセサイザーでホーンパートを演奏することができます。ただし、本格的なサウンドのシンセサイザーとブラスパッチを選択することが重要です。[ 3 ] 2010年代には、マイクロMIDIシンセサイザーの登場により、別の楽器奏者がキーボードのブラスパートを演奏し、キーボーディストが曲全体を通して伴奏を続けることが可能になったかもしれません。[ 3 ]
1970年代のファンクバンドは、「ベルボトムパンツ、プラットフォームシューズ、フープピアス、アフロヘア、レザーベスト、ビーズネックレス」[66]、ダシキシャツ、ジャンプスーツ、ブーツ[67]など、アフリカ系アメリカ人のファッションとスタイルを取り入れた。白人の主流の聴衆にアピールするために「お揃いのスーツ」や「きちんとしたヘアカット」を着ていたテンプテーションズなどの初期のバンドとは対照的に、ファンクバンドは衣装やスタイルに「アフリカの精神」を取り入れた[ 61 ] 。ジョージ・クリントンとパーラメントは、ローブやケープとしてベッドシーツを使うなど、想像力豊かな衣装と「服装の自由」で知られている[ 68 ] 。
ファンクは、20世紀半ばにアフリカ系アメリカ人の間で人気だったさまざまな音楽ジャンルが混ざり合って形成された。音楽学者のアン・ダニエルセンは、ファンクはリズム・アンド・ブルース、ジャズ、ソウルの系譜に位置づけられるかもしれないと書いている。[ 69 ]社会学者のダービー・E・サウスゲートは、ファンクは「ゴスペル、ソウル、ジャズ・フュージョン、リズム・アンド・ブルース、ブラック・ロックの融合」だと書いている。[ 1 ]
アフリカ系アメリカ人の音楽表現の特徴は、サハラ以南のアフリカの音楽の伝統に根ざしており、スピリチュアル、労働歌、賛美の叫び、ゴスペル、ブルース、そして「身体のリズム」（ハムボーン、パッティング・ジュバ、リングシャウトの手拍子や足踏みのパターン）にその初期の表現が見られる。
ジャズ、ソウルミュージック、R&Bなど、他のアフリカ系アメリカ人の音楽表現スタイルと同様に、ファンクミュージックは公民権運動中および運動後の多くの抗議運動を支えた。
ゲルハルト・クビクは、ニューオーリンズを除いて、初期のブルースには複雑なポリリズムがなく、 20世紀初頭のアフリカ系アメリカ人の音楽のほぼすべてにおいて、非対称なタイムラインパターン（キーパターン ）が非常に明確に欠如していたと指摘している。ニューオーリンズのいくつかのジャンルにおいてのみ、一時的ないわゆる「ストンプ」パターンやストップタイムコーラスの形で、単純なタイムラインパターンの兆候が時折現れる。これらはアフリカのタイムラインと同じようには機能しない。[ 70 ]
1940年代後半、ニューオーリンズ・ブルースに2セル・タイムライン構造が導入されたことで、この状況はいくらか変化した。ニューオーリンズのミュージシャンは、R&Bが最初に形成されたまさにその時期に、アフロ・キューバの影響を特に受け入れていた。 [ 71 ]デイヴ・バーソロミューとプロフェッサー・ロングヘア（ヘンリー・ローランド・バード）は、「Carnival Day」（バーソロミュー 1949）や「Mardi Gras In New Orleans」（ロングヘア 1949）などの曲で、アフロ・キューバの楽器やクラーベ・パターン、関連する2セル・フィギュアを取り入れた。ロバート・パーマーは、1940年代にプロフェッサー・ロングヘアが島出身のミュージシャンの演奏を聴き、一緒に演奏し、「ペレス・プラードのマンボ・レコードの魅力に取り憑かれた」と報告している。[ 21 ]プロフェッサー・ロングヘアの独特なスタイルは、地元ではルンバ・ブギーとして知られていた。[ 22 ]
ロングヘアの偉大な功績の一つは、ニューオーリンズのリズム・アンド・ブルース（R&B）に2つのセルからなるクラーベベースのパターンを取り入れた独自のアプローチだった。ロングヘアのリズミカルなアプローチはファンクの基本的なテンプレートとなった。ドクター・ジョン（マルコム・ジョン「マック」レベナック・ジュニア）によれば、教授は「音楽にファンクを取り入れた …ロングヘアのやり方は、ニューオーリンズで発展したファンク音楽の大部分に直接的な影響を与えたと言えるだろう」[ 72 ] 。彼の「ニューオーリンズのマルディグラ」では、ピアニストはルンバ・ブギーの「グアヘオ」で2-3クラーベのオンビート/オフビートのモチーフを使用している[ 73 ] 。
シンコペーションを多用しつつもストレートなキューバ音楽のリズム感（スウィング感のあるリズムとは対照的）は、この時期にニューオーリンズのR&Bに根付いた。アレクサンダー・スチュワートは次のように述べている。「やがて、ニューオーリンズ以外のミュージシャンも（クレセントシティの）リズムの慣習を学び始めた。その中でも最も重要なのはジェームス・ブラウンと、彼が雇ったドラマーやアレンジャーたちだった。ブラウンの初期のレパートリーは主にシャッフル・リズムを使用しており、彼の最も成功した曲のいくつかは12拍子のバラードだった（例：「Please, Please, Please」（1956年）、「Bewildered」（1961年）、「I Don't Mind」（1961年））。ブラウンがよりファンキーなソウルへと方向転換するには、4拍子と異なるスタイルのドラミングが必要だった。」[ 74 ]スチュワートは次のように述べている。「第二次世界大戦後、ニューオーリンズから生まれた独特のリズム・アンド・ブルースのスタイルは、ファンクの発展に重要な役割を果たした。関連する発展として、アメリカのポピュラー音楽の根底にあるリズムは、三連符やシャッフル感から均等な八分音符へと、基本的ではあるが一般には認識されていない変化を遂げた。」[ 75 ]
ジェームス・ブラウンは、リトル・リチャードの1950年代のR&Bツアーバンド、ニューオーリンズ出身のアップセッターズを、ロックンロールの「リズムにファンクを取り入れた最初のバンド」と評した。[ 76 ] 1957年に世俗音楽から一時的に離れ伝道師になった後、リトル・リチャードのバンドメンバーの一部がブラウンとフェイマス・フレイムズに加わり、1958年から彼らのヒット曲が続いた。1960年代半ばまでに、ジェームス・ブラウンは、アフリカ系アメリカ人の音楽を特徴づけるバックビートではなく、各小節の最初のビートを強調して独特のサウンドを刻むダウンビートを強調した独自のグルーヴを開発した。[ 77 ]ブラウンはよく「On the one!」というコマンドでバンドに合図を送り、パーカッションの強調/アクセントを伝統的なソウルミュージックの1-2-3-4バックビートから1-2-3-4ダウンビートに変えたが、 2拍目と4拍目の四分音符でシンコペーションされたギターのリズムは、力強く反復的なブラス風のスイングを特徴としていた。この1-3拍子は、1964年のヒットシングル「Out of Sight」や1965年のヒット「Papa's Got a Brand New Bag」と「I Got You (I Feel Good)」から始まる、ブラウンのシグネチャーミュージックスタイルの転換のきっかけとなった。
ブラウンのファンクのスタイルは、シンコペーションされたベースライン、16 拍子のドラムパターン、シンコペーションされたギターリフといった、相互に絡み合う対位法的なパートに基づいていた。[ 4 ]「Ain't it Funky」（1960 年代後半頃）のメインのギターオスティナートは、ブラウンがニューオーリンズファンクを洗練させた例であり、リズムの本質まで削ぎ落とされた、抗いがたいほど踊れるリフである。「Ain't it Funky」の音階構造は簡素である。ブラウンの革新により、彼と彼のバンドはファンクの先駆者となり、また「Cold Sweat」（1967 年）、「Mother Popcorn」（1969 年）、「Get Up (I Feel Like Being A) Sex Machine」（1970 年）などのリリースでファンク音楽のスタイルをさらに前面に押し出し、初期の音楽で特徴的だった 12 小節ブルースさえも捨て去った。その代わりに、ブラウンの音楽には「キャッチーで賛歌的なボーカル」が重ねられ、「広範囲にわたる反復」に基づいており、その中で彼は声を「頻繁なリズミカルなうなり声とリズムセクションのパターンを備えた打楽器」としても使用し、西アフリカの ポリリズムに似ている――アフリカ系アメリカ人の労働歌やチャントに見られる伝統である。[ 78 ]ブラウンのキャリアを通して、叫び声とうなり声が頻繁に挿入される彼の熱狂的なボーカルは、世俗的な文脈で「黒人教会の恍惚とした雰囲気」を伝えた。[ 78 ]
| 外部動画 | |
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 YouTubeで「Clyde Stubblefield/Funky Drummer」を視聴する |
1965 年以降、ブラウンのバンドリーダー兼編曲者はアルフレッド「ピーウィー」エリスだった。エリスは、クライド・スタブルフィールドがニューオーリンズのドラミングテクニックを採用したことが、現代ファンクの基礎になったと述べている。「スタジオで『ファンキーに演奏してくれ』と言えば、ほとんど何でも意味しうる。しかし、『ニューオーリンズのビートをくれ』と言えば、まさに求めていたものが手に入った。そしてクライド・スタブルフィールドは、まさにこのファンキーなドラミングの典型だった。」[ 79 ]スチュワートは、ポピュラーな感覚は「ニューオーリンズからジェームス・ブラウンの音楽を経て、1970 年代のポピュラー音楽へと受け継がれた」と述べている。[ 75 ]さまざまなファンクのモチーフに関して、スチュワートはこのモデルは「（クラーベやトレシージョのような）タイムラインとは異なり、正確なパターンではなく、より緩やかな構成原理である」と述べている。[ 80 ]
1990年のインタビューで、ブラウンは音楽のリズムを変えた理由を「アップビートからダウンビートに変えたんだ …本当にそれだけだよ」と述べている。[ 81 ]ブラウンの元サックス奏者、マセオ・パーカーによると、ダウンビートで演奏するのは最初は難しく、慣れるのに時間がかかったという。ブラウンのバンドでの初期の頃を振り返り、パーカーはソロ演奏で「1拍目」で演奏するのが難しかったと語っている。彼は2拍目にアクセントを置いて聴くことと演奏することに慣れていたからだ。[ 82 ]
新たなミュージシャンたちが「ファンク・ロック」のアプローチをさらに発展させ始めた。ジョージ・クリントンは、自身のバンドであるパーラメントとファンカデリックで革新的な音楽を生み出した。彼らは共に、ジャズとサイケデリック・ロックの影響を強く受けた新しいタイプのファンク・サウンドを作り出した。この2つのグループはメンバーを共有しており、しばしばまとめて「パーラメント・ファンカデリック」と呼ばれる。パーラメント・ファンカデリックの爆発的な人気により、ジョージ・クリントンのバンドの音楽を指す「 Pファンク」という言葉が生まれ、新しいサブジャンルが定義された。クリントンは、パーレット、ホーニー・ホーンズ、ブライズ・オブ・ファンケンシュタインなど、Pファンクのグループに属する他のいくつかのバンドでも中心的な役割を果たした。「Pファンク」はまた、本質的なもの、優れた品質のもの、または独自のものを意味するようになった。
1960年代後半のジミ・ヘンドリックスの活動に続き、スライ＆ザ・ファミリー・ストーンなどのアーティストは、ヘンドリックスのサイケデリック・ロックとファンクを融合させ、前者のワウペダル、ファズボックス、エコーチャンバー、ボーカルディストーター、そしてブルースロックやジャズを取り入れた。[ 83 ]その後、クリントンのパーラメント・ファンカデリックなどのグループは、シンセサイザーやロック志向のギターワークを用いて、この感性を引き継いだ。[ 83 ]
他の音楽グループもジェームス・ブラウンとそのバンドが開発したリズムとボーカルスタイルを取り入れ、ファンクスタイルは成長し始めた。アリゾナ州フェニックスを拠点とするダイク・アンド・ザ・ブレイザーズは1967年に「ファンキー・ブロードウェイ」をリリースしたが、これはソウルミュージック時代でタイトルに「ファンキー」という言葉が入った最初のレコードかもしれない。1969年にはジミー・マクグリフが、彼の特徴的なオルガンと燃え盛るホーンセクションをフィーチャーした「エレクトリック・ファンク」をリリースした。一方、西海岸では、チャールズ・ライト・アンド・ザ・ワッツ103rdストリート・リズム・バンドが1967年のファーストアルバムからファンクトラックをリリースし始め、1971年の名曲シングル「エクスプレス・ユアセルフ」で頂点に達した。同じく西海岸、より具体的にはカリフォルニア州オークランドからは、1968年に結成されたバンド、タワー・オブ・パワー（TOP）が登場した。1970年にリリースされたデビューアルバム「イースト・ベイ・グリース」は、ファンクの金字塔とされている。 1970年代を通して、TOPは数々のヒット曲を生み出し、ファンクミュージックをより幅広い層に受け入れられる成功したジャンルへと押し上げるのに貢献した。
1970年、スライ＆ザ・ファミリー・ストーンの「Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)」がチャート1位を獲得し、1971年には「Family Affair」も1位を獲得した。特筆すべきは、これらのヒットによりグループとジャンルがクロスオーバーの成功と認知度を高めたが、比較的才能がありそこそこ人気のファンクバンドの仲間たちは、このような成功を逃したということである。ニューオーリンズでは、ザ・メーターズがファンクを確立し、1969年にトップ10入りしたR&Bヒット「Sophisticated Cissy」と「Cissy Strut」を皮切りに、ファンクを確立した。この頃ファンクを確立したもう1つのグループはアイズレー・ブラザーズで、1969年のファンキーなR&Bヒット「It's Your Thing」は、アフリカ系アメリカ人音楽のブレイクスルーを告げ、ブラウンのジャジーなサウンド、ジミ・ヘンドリックスのサイケデリック・ロック、スライ＆ザ・ファミリー・ストーンやマザーズ・ファイネストのアップビートなソウルのギャップを埋めた。かつてポップ・ソウルの独特な融合である「モータウン・サウンド」の確立に貢献したテンプテーションズも、 1960年代後半にはこの新しいサイケデリック・サウンドを取り入れた。彼らのプロデューサーであるノーマン・ホイットフィールドは、サイケデリック・ソウルの分野で革新者となり、エドウィン・スターの「 War 」 、アンディスピューテッド・トゥルースの「 Smiling Faces Sometimes」 、テンプテーションズの「Papa Was A Rollin' Stone 」など、多くのモータウン・アーティストのために、より新しくファンキーなサウンドのヒット曲を生み出した。モータウンのプロデューサーであるフランク・ウィルソン（「Keep On Truckin'」）とハル・デイヴィス（「Dancing Machine」）もこれに続いた。スティーヴィー・ワンダーとマーヴィン・ゲイも、1970年代の彼らの最大のヒット曲のいくつかにファンク・ビートを取り入れ、「Superstition」と「You Haven't Done Nothin'」、「I Want You」と「Got To Give It Up」をそれぞれ採用した。
1970年代はファンク音楽がメインストリームで最も注目を集めた時代だった。パーラメント・ファンカデリックに加え、スライ＆ザ・ファミリー・ストーン、ルーファス＆チャカ・カーン、ブーツィーズ・ラバー・バンド、アイズレー・ブラザーズ、オハイオ・プレイヤーズ、コン・ファンク・シャン、クール＆ザ・ギャング、バーケイズ、コモドアーズ、ロイ・エアーズ、カーティス・メイフィールド、スティーヴィー・ワンダーなど、多くのアーティストがラジオでオンエアされた。ディスコ音楽はファンクに大きく影響を受けており、初期のディスコソングやパフォーマーの多くはファンクをルーツとしていた。バリー・ホワイトのヒット曲全曲、ビドゥとカール・ダグラスの「カンフー・ファイティング」、ドナ・サマーの「ラブ・トゥ・ラブ・ユー・ベイビー」、ダイアナ・ロスの「ラブ・ハングオーバー」、KC＆ザ・サンシャイン・バンドの「アイム・ユア・ブギー・マン」、チャカ・カーン（ファンクの女王としても知られる）の「アイム・エヴリー・ウーマン」、シックの「ル・フリーク」など、ディスコのヒット曲の中には、ファンク由来のリフやリズムが顕著に含まれているものがある。1976年には、ローズ・ロイスが純粋なダンス・ファンクのレコード「カー・ウォッシュ」でナンバーワン・ヒットを記録した。ディスコの登場後も、ファンクは1980年代初頭まで人気を博し続けた。
ファンク音楽はアフリカにも伝わり、アフリカの歌やリズムと融合してアフロビートが誕生した。ジェームス・ブラウンの音楽に大きな影響を受けたナイジェリアのミュージシャン、フェラ・クティが、このスタイルを生み出し、「アフロビート」と名付けた人物として知られている。
ジャズファンクは、力強いバックビート（グルーヴ）、エレクトリックサウンド[ 84 ] 、アナログシンセサイザーの初期の普及を特徴とするジャズ音楽のサブジャンルです。ファンク、ソウル、R&Bの音楽とスタイルがジャズに統合された結果、そのスペクトルは非常に広く、力強いジャズの即興演奏から、ジャズのアレンジ、ジャズのリフ、ジャズのソロ、そして時にはソウルのボーカルを伴うソウル、ファンク、ディスコまで及ぶジャンルが生まれました[ 85 ] 。ジャズファンクは主にアメリカのジャンルで、1970年代から1980年代初頭にかけて人気がありましたが、1970年代半ばにはイギリスのクラブシーンでも注目を集めました。類似のジャンルにはソウルジャズやジャズフュージョンがありますが、どちらもジャズファンクと完全に重なるわけではありません。特に、ジャズファンクはソウルジャズよりもボーカルが少なく、アレンジが多く、即興演奏が多く、ジャズフュージョンのプロダクションの一部とは異なり、グルーヴとR&Bの強い感覚を保持しています。
1980年代には、ディスコの過剰なまでの傾倒に対する反動として、Pファンクの基盤を形成していた多くのコア要素が、電子楽器、ドラムマシン、シンセサイザーに取って代わられ始めた。サックスやトランペットのホーンセクションはシンセキーボードに置き換えられ、残ったホーンには簡略化されたパートが与えられ、ソロ奏者に与えられるホーンソロはほとんどなくなった。ハモンドB3オルガン、ホーナークラビネット、フェンダーローズピアノといったファンクの定番エレクトリックキーボードは、ヤマハDX7のような新しいデジタルシンセサイザーや、プロフェット5やオーバーハイムOB-Xのようなマイクロプロセッサ制御のアナログシンセサイザーに取って代わられ始めた。ローランドTR-808、リンLM-1、オーバーハイムDMXといった電子ドラムマシンが、かつての「ファンキーなドラマー」に取って代わり始め、スラップやポップといったスタイルのベース演奏も、シンセサイザーのベースラインに取って代わられることが多くなった。ファンクソングの歌詞も、示唆的な二重の意味を持つ表現から、より露骨で性的に直接的な内容へと変化していった。
クラフトワークやイエロー・マジック・オーケストラの影響を受けたアメリカのヒップホップDJ、アフリカ・バンバータは、 1982年にシングル「プラネット・ロック」でミニマルなマシン駆動のファンク・スタイルであるエレクトロ・ファンクを開発した。 [ 86 ] [ 87 ]単にエレクトロとも呼ばれるこのファンク・スタイルは、シンセサイザーとTR-808ドラムマシンの電子リズムによって駆動された。シングル「レネゲーズ・オブ・ファンク」は1983年に続いた。[ 86 ]マイケル・ジャクソンもエレクトロ・ファンクの影響を受けた。[ 88 ] 1980年代には、テクノ・ファンク音楽はTR-808プログラマブル・ドラムマシンを使用し、[ 89 ]クラフトワークやイエロー・マジック・オーケストラはアフリカ・バンバータやマントロニックスなどのエレクトロ・ファンク・アーティストに影響を与えた。[ 87 ] [ 90 ]
リック・ジェームスは、1970年代にPファンクが支配していたファンクの系譜を受け継いだ、1980年代最初のファンク・ミュージシャンだった。1981年のアルバム『ストリート・ソングス』は、「ギヴ・イット・トゥ・ミー・ベイビー」や「スーパー・フリーク」といったシングル曲を収録し、ジェームスをスターダムへと押し上げ、ファンクにおける表現の露骨さという未来の方向性を切り開いた。
プリンスは、当初は自身のオープニングアクトとして構想されたザ・タイムを結成した。その音楽は、ファンク、 R&B、ロック、ポップ、ニューウェーブを融合させた彼の「ミネアポリス・サウンド」に基づいていた。やがてバンドは、卓越した演奏技術と性的なテーマを基調とした、独自のシンプルなファンク・スタイルを確立していった。
プリンスと同様に、Pファンク時代には他のバンドも登場し、奔放なセクシュアリティ、ダンス志向のテーマ、シンセサイザーなどの電子技術を取り入れ、ファンクのヒット曲を作り続けた。キャメオ、ザップ、ギャップ・バンド、バーケイズ、ダズ・バンドなどがその例で、いずれも1980年代初頭に最大のヒット曲を生み出した。1980年代後半になると、純粋なファンクは商業的な影響力を失ったが、マイケル・ジャクソンからカルチャー・クラブまで、ポップアーティストはしばしばファンクのビートを取り入れた。
ファンクは、洗練された商業的なヒップホップ、現代的なR&B、ニュージャックスウィングによってラジオから姿を消していったが、キャメオのようなアーティストは依然としてラジオで頻繁にオンエアされていた。ロックバンドはファンクの要素をサウンドに取り入れ始め、「ファンクロック」や「ファンクメタル」といった新たな組み合わせを生み出した。レッド・ホット・チリ・ペッパーズ、プライマス、フェイス・ノー・モアは、ファンクとロック、メタルの融合を体現したバンドである。
1990年代には、Me'shell Ndegeocello、Brooklyn Funk Essentials、そして（主にイギリスを拠点とする）アシッドジャズムーブメント（Jamiroquai、Incognito、Galliano、Omar、Los Tetas、Brand New Heaviesなどのアーティストやバンドを含む）といったアーティストたちが、ファンクの強い要素を受け継いでいった。しかし、Jamiroquaiを除いて、彼らはファンク全盛期の商業的成功に近づくことはなかった。Jamiroquaiのアルバム『Travelling Without Moving』は世界中で約700万枚を売り上げ、ファンク史上最も売れたアルバムとなっている。[ 91 ]一方、オーストラリアとニュージーランドでは、 Supergroove、Skunkhour、the Truthといったパブサーキットで演奏するバンドが、よりインストゥルメンタルなファンクの形態を維持していた。
1980年代後半以降、ヒップホップアーティストは古いファンク曲を頻繁にサンプリングしてきた。ジェームス・ブラウンはヒップホップ史上最もサンプリングされたアーティストと言われ、ジョージ・クリントンは2番目にサンプリングされたアーティストである。パーラメントやファンカデリックの古い曲のサンプリングは、ウエストコーストGファンクの基礎を形成した。
ファンク風のベースやリズムギターのリフをフィーチャーしたオリジナルのビートも珍しくない。G-ファンク ジャンルの創始者とされるドクター・ドレーは、ジョージ・クリントンのサイケデリアに強く影響を受けたことを率直に認めている。「70 年代には、みんながやっていたのは、ハイになって、アフロヘアで、ベルボトムを着て、パーラメント・ファンカデリックを聴くことだけだった。だから、アルバムをThe Chronicと名付け、音楽やコンセプトをそのようにしたんだ。彼の音楽が僕の音楽に大きな影響を与えたからだ。すごく大きな影響だ」[ 92 ] 。デジタル・アンダーグラウンドは、ファンクの歴史やアーティストについての知識をリスナーに提供することで、1990 年代のファンクの復活に大きく貢献した。ジョージ・クリントンはデジタル・アンダーグラウンドを「P の息子たち」と名付け、彼らの 2 枚目のフルアルバムのタイトルもそれにちなんでいる。 DUの最初のリリースである『Sex Packets』はファンクのサンプルでいっぱいで、最も広く知られている「The Humpty Dance」はParliamentの「Let's Play House」をサンプリングしている。DUの非常に強力なファンクアルバムは、1996年にリリースされた『Future Rhythm 』である。現代のクラブダンスミュージック、特にドラムンベースの多くは、ファンクのドラムブレイクを多用している。
ファンクは、1990年代後半から2000年代にかけてのジャムバンドシーンを代表するアーティストの重要な要素である。1990年代後半、バンドPhishは「カウファンク」（別名「スペースファンク」）と呼ばれるライブサウンドを開発した。これは、長く続くダンスに適した重厚なベースグルーヴで構成され、ギタリストによるヘビーな「ワウ」ペダルやその他のサイケデリックなエフェクト、キーボード奏者による重ねられたクラビネットが強調されることが多かった。[ 93 ] Phishは1996年頃からセットリストでよりファンキーなジャムを演奏し始め、1998年のThe Story of the Ghostはファンクの影響を強く受けていた。Phishのファンクは、 4/ 4拍子の1拍目を強調することが多いという意味では伝統的であったが、非常に探求的であり、高度に構成されたプログレッシブ・ロックンロールに移行する前に、エネルギーのピークに向かってジャムを構築していくことが含まれていた。
1990年代半ば以降、ディープファンクコレクターシーンを中心としたニューファンクまたはファンクリバイバルシーンは、レアファンク45のサウンドに影響を受けた新しい素材を生み出している。レーベルには、Soul Fire、Daptoneなどがある。これらのレーベルは、45回転レコードでリリースすることが多い。レアファンクDJ向けの音楽を専門としているが、シャロン・ジョーンズが2005年にLate Night with Conan O'Brienに 出演したように、メインストリームの音楽業界にもクロスオーバーしている。アシッドジャズ、アシッドハウス、トリップホップ、その他のジャンルをファンクとミックスしているアーティストには、 Tom Tom Club [ 94 ] Brainticket [ 95 ] Groove Armadaなどがある[ 96 ] [ 97 ]
2000年代から2010年代初頭にかけて、Out HudやMongolian MonkFishなどのパンクファンクバンドがインディーロックシーンで活動した。インディーバンドのRilo Kileyは、様々なロック風スタイルを探求する傾向に沿って、アルバムUnder the Blacklightに収録されている「 The Moneymaker 」という曲にファンクを取り入れた。プリンスは、後期のアルバムで「The Everlasting Now」、「Musicology」、「Ol' Skool Company」、「Black Sweat」などの曲でファンクサウンドを復活させた。例えばParticle [ 98 ]は、コンピューター、シンセサイザー、サンプルで作られたデジタル音楽の要素と、アナログ楽器、サウンド、ファンクの即興的および作曲的要素を組み合わせたシーンの一部である。[ 99 ] [ 100 ]
1970年代初頭から、ファンクはさまざまなサブジャンルを発展させてきた。ジョージ・クリントンとザ・パーラメントがファンクのよりハードなバリエーションを作っていた一方で、クール・アンド・ザ・ギャング、オハイオ・プレイヤーズ、アース・ウィンド・アンド・ファイアーなどのバンドはディスコの影響を受けたファンク音楽を作っていた。[ 101 ]アマドゥ＆マリアムは、マリの伝統的なサウンドとロックギター、シリアのバイオリン、キューバのトランペット、エジプトのネイ、インドのタブラ、ドゴンのパーカッションを融合させた音楽も制作した。これらの要素は「アフロ・ファンク」と呼ばれた。 [ 102 ]
ファンク・ロック（ファンク・ロックまたはファンク/ロックとも表記される）は、ファンクとロックの要素を融合させた音楽である。 [ 103 ]その初期の形態は、1960年代後半から1970年代半ばにかけて、ジミ・ヘンドリックス、フランク・ザッパ、ゲイリー・ライト、デヴィッド・ボウイ、マザーズ・ファイネスト、ファンカデリックなどのミュージシャンが初期のアルバムで聴いた。
ファンク・ロックには様々な楽器が用いられるが、全体的なサウンドは明確なベースまたはドラムのビートとエレキギターによって特徴づけられる。ベースとドラムのリズムはファンク音楽の影響を受けているが、より激しい。ギターはファンクやロックの影響を受けており、通常はディストーションがかけられている。プリンス、ジェシー・ジョンソン、レッド・ホット・チリ・ペッパーズ、フィッシュボーンはファンク・ロックの代表的なアーティストである。
「アヴァント・ファンク」という用語は、ファンクとアート・ロックの関心事を融合させたアーティストを表現するために使われてきた。[ 104 ]サイモン・フリスは、このスタイルを、メロディーやハーモニーではなくリズムにプログレッシブ・ロックの精神を適用したものと説明した。 [ 104 ]サイモン・レイノルズは、アヴァント・ファンクを「忘却は肉体を超越することによってではなく、むしろ肉体への没入、動物性による自己喪失によって達成される」一種のサイケデリアと特徴づけた。 [ 104 ]
このジャンルのアーティストには、ドイツのクラウトロックバンドCan [ 105 ]やアメリカのファンクアーティストSly StoneやGeorge Clinton [ 106 ]などがいる。1980年代初頭のイギリスとアメリカのポストパンクアーティスト（Public Image Ltd、Talking Heads、The Pop Group、Gang of Four、Bauhaus、Cabaret Voltaire、Defunkt、A Certain Ratio、23 Skidooなど）[ 107 ]は、ディスコやファンクなどの黒人ダンスミュージックのスタイルを取り入れた。[ 108 ] 1970年代後半のニューヨークのノーウェーブシーンのアーティストも、オーネット・コールマンなどの人物に影響を受け、アヴァンファンクを探求した。[ 109 ]レイノルズは、これらのアーティストが西洋近代の疎外、抑圧、テクノクラシーなどの問題に関心を寄せていることを指摘した。[ 104 ]
ゴーゴーはワシントンDC周辺で生まれ、現在もその地域と深く結びついているほか、中部大西洋岸の他の地域でも発展した。ゴーゴーのゴッドファーザーと呼ばれるチャック・ブラウンなどの歌手に影響を受けたゴーゴーは、ファンク、リズム・アンド・ブルース、初期のヒップホップを融合させた音楽で、ダンス・トラックの代わりにローファイなパーカッション楽器と生演奏のジャムセッションに重点を置いている。そのため、主にダンス・ミュージックであり、ライブでの観客のコール・アンド・レスポンスが重視される。ゴーゴーのリズムはストリート・パーカッションにも取り入れられている。
ブギーは、ファンクやポストディスコの影響を強く受けたエレクトロニックミュージックです。シンセサイザーやキーボードを主体としたブギーのミニマルなアプローチは、エレクトロやハウスミュージックの確立に貢献しました。エレクトロとは異なり、ブギーはベースギターのスラップ奏法だけでなく、ベースシンセサイザーも重視します。代表的なアーティストには、Vicky "D"、Komiko、Peech Boys、Kashif、そして後にEvelyn Kingなどが挙げられます。
エレクトロファンクは、エレクトロニックミュージックとファンクのハイブリッドです。基本的にはファンクと同じ形式を踏襲し、ファンクの特徴を保持していますが、TR-808などの電子楽器を全面的に（または部分的に）使用して作られています。ボーカルを加工するために、ボコーダーやトークボックスがよく使われました。先駆的なエレクトロバンドであるZappは、音楽にこうした楽器をよく使用していました。ブーツィー・コリンズも、後のソロアルバムでよりエレクトロニックなサウンドを取り入れるようになりました。その他のアーティストには、ハービー・ハンコック、アフリカ・バンバータ、エジプシャン・ラヴァー、ヴォーン・メイソン＆クルー、ミッドナイト・スター、サイボトロンなどがいます。
ファンクメタル（ファンクメタルなどと表記されることもある）は、1980年代にオルタナティブメタルムーブメントの一部として登場した融合音楽ジャンルです。通常、ファンクとヘヴィメタル（多くの場合スラッシュメタル）の要素を取り入れ、場合によってはパンクや実験音楽などの他のスタイルも取り入れています。激しいヘヴィメタルのギターリフ、ファンク特有の力強いベースのリズム、そして時にはヒップホップスタイルの韻をオルタナティブロックの作曲アプローチに取り入れています。代表的な例としては、ローリングストーン誌が「ファンクメタルのパイオニア」と評した、全員アフリカ系アメリカ人のロックバンド、リビングカラーが挙げられます。[ 110 ] 1980年代後半から1990年代初頭にかけて、このスタイルはカリフォルニア州、特にロサンゼルスとサンフランシスコで最も普及しました。[ 111 ] [ 112 ]
Gファンクは、ギャングスタラップとファンクを融合させた音楽ジャンルです。一般的には、ウエストコーストのラッパーによって生み出され、ドクター・ドレーによって有名になったと考えられています。Gファンクは、多層的でメロディックなシンセサイザー、ゆっくりとした催眠的なグルーヴ、重厚なベース、女性のバックコーラス、Pファンクの楽曲の広範なサンプリング、そして高音域のポルタメント・ノコギリ波シンセサイザーのリード音を特徴としています。EPMDやボム・スクワッドなど、ファンクのサンプルを使用した他の初期のラップグループとは異なり、Gファンクは1曲あたり、より少ない数の、加工されていないサンプルを使用することが多かったのです。
ティンバは、キューバのファンキーなポピュラーダンスミュージックの一種です。1990年までに、キューバのいくつかのバンドは、アレンジにファンクやヒップホップの要素を取り入れ、伝統的なコンフントの楽器編成をアメリカのドラムセット、サックス、2台のキーボードで拡張しました。ラ・チャランガ・ハバネラやバンボレオのようなティンババンドは、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、クール・アンド・ザ・ギャング、その他のアメリカのファンクバンドの曲の短い部分をホーンやその他の楽器で演奏することがよくあります。多くのファンクのモチーフはクラーベに基づいた構造を示しますが、さまざまな部分をガイドパターンに合わせるという意識的な意図なしに、直感的に作成されます。ティンバは、ファンクのモチーフを明示的かつ意図的なクラーベ構造に取り入れています。
ファンクは現代音楽で人気を博しているにもかかわらず、女性ファンク・アーティストの作品を研究した人はほとんどいない。著名な女性ファンク・アーティストには、チャカ・カーン、ラベル、ブライズ・オブ・ファンケンシュタイン、クライマックス、マザーズ・ファイネスト、リン・コリンズ、ベティ・デイヴィス、ティーナ・マリーなどがいる。文化評論家のシェリル・キーズがエッセイ「彼女はロックには黒人すぎ、ソウルにはハードすぎた：ベティ・メイブリー・デイヴィスの音楽キャリアの再発見」で説明しているように、ファンクに関する研究のほとんどは男性の文化的活動に焦点を当ててきた。彼女は「ベティ・デイヴィスは、ファンクとロックの歴史において先駆者として知られていないアーティストである。これらの音楽ジャンルに関するほとんどの著作は、伝統的にジミ・ヘンドリックス、ジョージ・クリントン（パーラメント・ファンカデリック）、ベーシストのラリー・グラハムなどの男性アーティストをロック音楽の感性を形成するトレンドセッターとして位置づけてきた」と述べている。[ 113 ]
ニッキー・A・グリーン[ 114 ]は、ベティ・デイヴィスとレネー・スタウトのフェミニスト・ファンク・パワーについて、デイヴィスの挑発的で物議を醸すスタイルが、1970年代に性的動機に基づく自己肯定的なテーマに焦点を当てたことで人気を博したと指摘している。グリーンはまた、デイヴィスは当時公民権運動やフェミニスト運動の公式な代弁者や擁護者にはならなかったが、近年では彼女の作品が有色人種の女性の性的解放の象徴となっていると指摘している。デイヴィスのデビュー・アルバムに収録された「If I'm In Luck I Just Might Get Picked Up」は物議を醸し、デトロイトNAACPによって禁止された。[ 115 ]音楽学者で人類学者のモーリーン・マハンは、論文「彼女は違うと言われている：人種、ジェンダー、ジャンル、そしてベティ・デイヴィスの解放された黒人女性らしさ」の中で、デイヴィスが音楽業界とアメリカ国民に与えた影響を考察している。
『What Are You Doing Here: A Black Woman's Life and Liberation in Heavy Metal』の著者であるライナ・ドーズは、デイビスのようなアーティストが男性の同業者と同じような評価を得られないのは、体面を重んじる政治が原因だと考えている。「私が体面を重んじる政治と呼ぶものが、70年代のファンク・ロックの女性アーティストたちがあまり知られていない理由の一つだと考えています。彼女たちの音楽や存在感は重要だったにもかかわらず、多くのファンク・ロックの女性アーティストは、多くの人が不快に感じるような攻撃的な行動やセクシュアリティを体現していたのです。」[ 116 ]
フランチェスカ・T・ロイスターによれば、リッキー・ヴィンセントは著書『ファンク：ザ・ミュージック、ザ・ピープル、ザ・リズム・オブ・ザ・ワン』の中で、ラベルの影響を分析しているが、それはごく限られた部分に限られている。ロイスターは、ヴィンセントの同グループに対する分析を批判し、次のように述べている。「ヴィンセントが研究の中でラベルのパフォーマンスにほとんど注意を払っていないのは残念なことだ。これは、ファンク音楽の評価を形作る、いまだ根強い性差別を反映している。『ファンク』の中で、ヴィンセントのラベルに関する分析は簡潔で、3ページの小章『ファンキーな女性たち』の中でポインター・シスターズとたった1段落を共有しているだけだ。」ヴィンセントは、「レディ・マーマレード」が「性的なほのめかしの基準を吹き飛ばし、グループのスターとしての地位を急上昇させた」一方で、バンドの「きらびやかなイメージはディスコの潮流に沈み込み、最終的にはソロ活動を求めてトリオが解散したことで無駄になった」と書いている（ヴィンセント、1996、192）。[ 117 ]ファンクのジャンルに属すると考えられる多くの女性アーティストは、ディスコ、ソウル、R&Bのジャンルにも曲を共有している。ラベールは、音楽理論に対する批判的な見方と米国における性差別の歴史のために、ジャンルに分かれている女性のカテゴリーに属すると考える人もいる。[ 118 ]
21世紀には、ジャネル・モネイのようなアーティストが、ファンク音楽ジャンルにおける女性の影響に関する学術研究や分析の扉を開いた。モネイのスタイルは、ファンクの先駆者である男性たちが境界を打ち破ったのと同様に、ジェンダー、セクシュアリティ、自己表現の概念を曲げている。 [ 119 ]彼女のアルバムは、女性と黒人のエンパワーメントの要素とディストピア的な未来のビジョンを中心としたアフロフューチャリズムの概念を中心としている。[ 120 ]マシュー・ヴァルネスは、記事「ジャネル・モネイとアフロソニック・フェミニスト・ファンク」の中で、モネイのファンクジャンルへの関与は、ファンクを男性中心のジャンルとみなす伝統的な見方と対比されていると書いている。ヴァルネスはファンクが男性優位であることを認めつつも、この状況に至った社会的な状況についての洞察を提供している。[ 119 ]
モネイの影響を受けたのは、彼女の師であるプリンス、ファンカデリック、ローリン・ヒル、その他のファンクやR&Bアーティストだが、エミリー・ローディによれば、「ベティ・デイヴィスはジャネル・モネイの多くの影響を受けたアーティストの中に挙げられることはほとんどなく、確かに若い歌手のハイテクなコンセプト、卓越したパフォーマンス、綿密に制作された楽曲は、デイヴィスのプロトパンクの美学とはかけ離れている。しかし…デイヴィスと同様に、彼女もまた、先見の明のある男性の師（プリンス）と密接に結びついている。モネイの2013年のアルバム『The Electric Lady 』のタイトルは、ヘンドリックスの『Electric Ladyland 』を暗示しているが、同時に、ヘンドリックス自身にインスピレーションを与えた女性たちのグループを暗に示している。コズミック・レディースまたはエレクトリック・レディースと呼ばれるそのグループは、ヘンドリックスの恋人デヴォン・ウィルソンとベティ・デイヴィスによって率いられていた。」[ 121 ]
・ファンク・スライ・ストーン。
ブラック ファンク メタルのパイオニアが、1995 年にブラック ロックの戦士 Living Colour が解散した後、正真正銘の形で復活。