アメリカの現代アニメーション

1980年代後半から2004年までのアメリカの現代アニメーションは、アメリカアニメーションのルネッサンス時代と呼ばれることが多い。^[1]この期間中、多くのアメリカの大手エンターテインメント企業が暗黒時代を経てアニメーション部門を改革し、活性化させ、アメリカは世界的かつ全世界のアニメーションに影響を与えた。^[2]

アメリカのアニメーションの黄金時代に設立された多くの企業が、新たな批評的、商業的成功を収めた。ディズニー・ルネッサンスの間、ウォルト・ディズニー・カンパニーは、主要な共同設立者であるウォルト・ディズニーが存命中に行っていたように、よく知られた物語に基づいた批評的かつ商業的に成功したアニメーション映画の制作に戻った。ディズニーはまた、同社にとって当時初となる成功したアニメーションテレビ番組の制作を開始し、ディズニー・チャンネルの創設と開局につながった。^{[3] [4]} ワーナー・ブラザースは、彼らの古典的なルーニー・テューンズの漫画に触発された非常に成功したアニメテレビシリーズを制作し、同時にDCアニメユニバースを立ち上げた。^{[5] [6]} ハンナ・バーベラは低予算のテレビ番組の制作を中止し、テッド・ターナーによる買収を通じてカートゥーンネットワークを立ち上げた。^[7] ニコロデオンは、 2019年までバイアコム社、 2022年までバイアコムCBS社、その後はパラマウント・グローバル社が所有していたネットワークで、1991年にニックトゥーンズというブランドを立ち上げて有名になり、1990年代から2000年代にかけてこのレーベルで様々な高く評価された番組を放送しました。

また、この時期には新しいアニメーションスタジオが台頭した。最も注目すべきは、ピクサーが大成功を収めた『トイ・ストーリー』でデビューしたことである。これは、完全にコンピューター生成画像（CGI）を使用した最初の長編映画であった。 ^{[8] [9] [10]} ドリームワークスから新しくスピンアウトしたドリームワークス・アニメーション（後にドリームワークス・ピクチャーズに改名）は、この時代後半にデビューしたが、その後の10年間でディズニーの主要な競争相手となり、代替となる。^[11]この時代、アニメーションの制作に使用される技術は革命的な変化を経験する。1990年代半ばから、手描きのセルを使用する伝統的なアニメーションは衰退し、デジタルインクとペイント（伝統的なアニメーションの現代的な形式）や3Dコンピュータアニメーションなどのより高度な新興手法が好まれるようになった。^[12]アニメーション技術のこれらの変化は、2000年代初頭に始まり現在まで続いているアメリカのアニメーションのミレニアム時代につながった。 ^[13]

1980年代初頭、ウォルト・ディズニー・カンパニーは1966年のウォルト・ディズニーの死去以来苦境に立たされており、1979年にドン・ブルースとアニメーション部門の11人の同僚が退社したことでディズニーは大きな打撃を受けた。ブルースはディズニーと直接競合する新しいスタジオを設立した。

ディズニーの最も有名な初期の作品を担当したアニメーターである「ナイン・オールドメン」とその仲間たちは、その伝統を新しい世代のディズニーアニメーターに引き継ぎ始めました。グレン・キーン、ロン・クレメンツ、ジョン・マスカー、アンドレアス・デジャなどの新人が1970年代後半から1980年代前半にスタジオに加わり、その時期には『レスキュー・ドッグス』、『ピートとドラゴン』（実写とアニメのハイブリッド）、『きつねと猟犬』などの長編映画や、 『ちいさなひと』（ブルースがディズニーで監督した唯一の作品）や『ミッキーのクリスマス・キャロル』（1953年以来初めてミッキーマウスがスクリーンに登場）などの短編映画が制作されました。

同じ頃、アニメーターのスティーブン・リスバーガーが、コンピューターの世界に放り込まれたコンピュータープログラマーというコンセプトをスタジオに持ち込んだ。この映画は、当時それほど広く使われていなかったコンピューターアニメーションと実写のシーケンスをミックスしたものだった。スタジオはこのアイデアに感銘を受け、その結果、1700万ドル（現在の価値で5370万ドル）[14]の野心的な映画『トロン』が生まれた。^{ディズニー}の株価は、熱狂的な投資アナリスト向けの上映後に4％下落し、^[15] 興行収入は中程度にとどまったものの、トロンは映画評論家のロジャー・エバートから熱烈な賞賛を受け、^{[17]カルト} 的な人気を博し、何年も後に予想以上に（ディズニーや他の場所で）アニメーションに大きな影響を与えたことが判明した。^[18]

1984年、ディズニーは会社を少しずつ解体しようと企むソール・スタインバーグによる企業襲撃の標的となった。同時に、 1977年にすでに社長を辞任していたロイ・E・ディズニーは、現状を変え会社の衰退する運命を改善するために自身の影響力を使うため、取締役会の地位を手放した。ディズニーはグリーンメールを支払うことでスタインバーグの試みを逃れたが、その結果、CEOのロン・W・ミラーが辞任し、マイケル・アイズナーが後任となった。今や副会長として取締役会に復帰したロイ・ディズニーは、PG指定の巨額予算の長編映画『黒い魔法の鍋』の興行成績が期待外れだったため将来が深刻に危ぶまれていたアニメーション部門の監督を任せてくれるようアイズナーを説得​​した。^[19]スタジオの次の作品『ネズミ探偵』は大幅に少ない予算にもかかわらず好成績を収めたが、ドン・ブルースの『アメリカ物語』 ^[20]の影に隠れてしまった。この映画はネズミのキャラクターを主役にした別の映画で、劇場で 『ネズミ探偵』と直接競合した。

1988年、スタジオはスティーヴン・スピルバーグやロバート・ゼメキスとコラボレーションし、カートゥーン黄金時代に敬意を表しながら実写とアニメーションをミックスしたコメディー探偵コメディー『ロジャー・ラビット』を制作した。ディズニーのキャラクターが、アニメーション史上初めて、ワーナー・ブラザース、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー、ユニバーサル・ピクチャーズなどのライバルスタジオのキャラクターと一緒に登場した。この映画は興行的に大成功を収め、アカデミー賞を4部門受賞し、劇場用アニメーションへの関心を復活させ、アニメーションの歴史と技術の徹底的な研究を普及させた。チャック・ジョーンズやフリッツ・フレレングなど、業界の老齢の伝説的人物たちが突如注目の的となり、数十年にわたって観客や業界の専門家から事実上無視されてきた後に称賛と賞賛を受けた^[要出典]。さらに、多くの古いディズニーの長編映画や短編アニメがホームビデオでリリースされ、同社がそれぞれCBSとNBC向けに新しい土曜朝のアニメ(『 The Wuzzles』や『Adventures of the Gummi Bears』など) を制作したことで、スタジオへの関心が再び高まりました。

ディズニーは1988年にオリバー・アンド・カンパニーで『ロジャー・ラビット』に続き^[21]、1989年にはハンス・クリスチャン・アンデルセン童話をブロードウェイ作曲家のアラン・メンケンとハワード・アッシュマンの曲で翻案した『リトル・マーメイド』を制作した。『リトル・マーメイド』は批評的にも商業的にも大成功を収めた。歌と音楽でアカデミー賞を2部門受賞し、ディズニーの新作アニメ映画シリーズの大ヒット作となった^{[3] 。}

スタジオは新技術に多額の投資を行い、従来のアニメーション技術と併用できるコンピュータアニメーション制作システムを構築した。この技術を採用した最初の映画『レスキュー・ドッグス』は興行収入27,931,461ドル^[22]（現在の価値で6510万ドル）にとどまり、1977年のオリジナル作品の興行収入にさえ及ばなかった。^[23]

しかし、その後に公開された『美女と野獣』と『アラジン』は絶賛され、アカデミー賞を複数回受賞し、興行成績でもトップを飾った。『美女と野獣』は最終的に、ゴールデングローブ賞のミュージカル・コメディ部門で最優秀作品賞を受賞し、アカデミー賞の作品賞にノミネートされた初の長編アニメ映画となり、2009年の『カールじいさんの空飛ぶ家』と2010年の『トイ・ストーリー3 』がそれに続いた。

1993年、ディズニーは初の長編ストップモーションアニメ映画『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』を公開した。ディズニーの成功は1994年にピークを迎え、『ライオン・キング』は興行収入3億2854万1776ドル（現在の価値で6億7500万ドル）を上げ、その年の最高興行収入映画となった。2024年現在、『ライオン・キング』は米国で歴代22位の興行収入を記録した映画であり、手描き映画としては歴代最高の興行収入を記録している。^[24] 1995年から2000年にかけてのその後のディズニー映画、『ポカホンタス』 、『ノートルダムのせむし男』、『ヘラクレス』、『ムーラン』 、『ターザン』 、『ファンタジア2000』も興行収入や批評家の評価において成功を収めたが、1990年代初頭のディズニー作品と比べるとその成功は控えめなものであった。

1994年、ディズニー社長兼最高執行責任者のフランク・ウェルズが死去し、スタジオ会長のジェフリー・カッツェンバーグがドリームワークスの共同設立者になるために退社したため、マイケル・アイズナーが会社の全権を握った。世紀の変わり目には、『ダイナソー』（ディズニー初のCGアニメ映画）、『アトランティス 失われた帝国』、 『トレジャー・プラネット』、『ホーム・オン・ザ・レンジ』などの映画は、『ラマになった王様』や『リロ・アンド・スティッチ』などの例外はあったものの、1990年代の現象によって設定された批評的および商業的な期待に応えることができなかった。同時に、初のCGIアニメ映画である『トイ・ストーリー』が一般から高い評価を受けたことで、業界のトレンドが巻き起こった。ピクサーのアニメ映画と他のCGI作品（特にドリームワークスの『シュレック』 。この作品にはカッツェンバーグの元職場と上司に対する批判が数多く含まれていた）の商業的成功に基づいて、ディズニーはCGIこそが大衆が求めているものだと信じるようになり、『ホーム・オン・ザ・レンジ』以降は従来のアニメーションの制作を中止し、2005年の『チキン・リトル』からCGIのみに切り替えた。

アニメーションスタッフと経営陣、そしてマイケル・アイズナーとロイ・E・ディズニーの間にも亀裂が広がった。ロイは2003年に取締役会を辞任し、会社を「強欲で無情」と呼び、「常に手っ取り早く儲けたい」と付け加えた痛烈な手紙を送った。^[25]その後ロイはインターネットサイトSaveDisney.com ^[26]を立ち上げ、会社の誠実さを保ち、世論が彼に反対したことで2005年に辞任したアイズナーを追い出そうとした。^[要出典]

ロバート・アイガーがアイズナーの後を継ぎ、CEOとして最初に行ったことの1つは、ウォルト・ディズニーの最初のスターである「オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット」の権利をNBCユニバーサルから取り戻すことだった（アイガーは、当時ディズニーの子会社であるABCスポーツと契約していた実況司会者のアル・マイケルズをNBCに提供することでこれを実現した）。2006年にディズニーがピクサーを買収した後、ピクサーのエグゼクティブプロデューサーであるジョン・ラセターがピクサーとディズニーの両方で最高クリエイティブ責任者となり、2009年の「プリンセスと魔法のキス」から2次元アニメーションを再導入する計画を立てたが、2011年に「くまのプーさん」が商業的に失敗したため突然中止された。

ディズニーは30年間テレビアニメ制作のオファーを断り続けたが、テレビ業界での経験を持つマイケル・アイズナーが引き継ぐと、ついに折れた。ディズニーの名前を冠した最初のテレビアニメであるCBSの『ザ・ワズルズ』とNBCの『アドベンチャー・オブ・ザ・ガミベアーズ』は、どちらも1985年秋に初放送された。このメディアの標準的慣行を破り、これらの作品は平均よりも大幅に大きな制作予算を獲得し、再放送で利益を回収することを期待して、より高品質の脚本とアニメーションを可能にした。『ザ・ワズルズ』は1シーズンしか続かなかったが、『アドベンチャー・オブ・ザ・ガミベアーズ』は6シーズン続く継続的な成功を収めた。

1987 年、テレビアニメーション部門はカール・バークスのスクルージ・マクダックの漫画をテレビ用に翻案し、シンジケートヒット作『ダックテイルズ』を制作しました。この成功により、1990 年に『ダックテイルズ ザ・ムービー: 失われたランプの秘宝』という劇場映画が制作され、シンジケートアニメへの投資が増加しました。この投資の結果、 1990年にディズニー・アフタヌーンが誕生しました。これは、次のようなアニメ番組を2時間にわたって放送するシンジケートテレビ番組です。『くまのプーさん』 (1988年 - 1991年)、『チップとデールの大冒険』 (1989年 - 1991年)、『テイルスピン』 (1990年 - 1991年) 、 『ダークウィング・ダック』 (1991年 - 1993年、 ABCでも放送)、『グーフ・トループ』 (1992年 - 1994年、ABCでも放送)、『ボンカーズ』 (1993年 - 1994年)、『マーシュピラミ』(1993年 - 1995年)、批評家から絶賛され、今なお人気の 『ガーゴイルズ』 (1994年 - 1997年)、『ペッパー・アン』 (1997年 - 2000年)。テレビアニメは、リトル・マーメイド（1992年～1994年）やアラジン（1994年～1995年）、『ティモンとプンバァ』（1995年～1999年）、『ヘラクレス』（1998年～1999年）（最初の3作はCBSで放送）、その後はターザン（2001年～2003年）やハウス・オブ・マウス（2001年～2003年）など、アニメ長編映画のキャラクターたちを土曜の朝に登場させた。

ディズニーの永遠の人気を誇るミッキーマウスは、アニメシリーズ「ミッキーマウスワークス」（1999年～2000年）でテレビにカムバックし、復活を遂げました。このアニメシリーズは、ミッキーマウスとウォルト・ディズニーのクラシックな漫画すべてに敬意を表したシリーズです。ミッキーマウスワークスに続いて、ミッキーマウスとディズニーキャラクターのクロスオーバーシリーズ「ハウス・オブ・マウス」（2001年～2003年）、教育シリーズ「ミッキーマウスクラブハウス」 （2006年～2016年、プレイハウス・ディズニー、その後ディズニージュニアで放映）、「ミッキーマウス/ワンダフルワールド・オブ・ミッキーマウス」（2013年～2020年、2020年～2023年）が放送されました。さらに、このスタジオはディズニー・チャンネル向けに、キム・ポッシブル（2002年 - 2007年）、ザ・プラウド・ファミリー（2001年 - 2005年）、アメリカン・ドラゴン：ジェイク・ロング（2005年 - 2007年）、フィニアスとファーブ（2007年 - 2024年）、スターVS.ザ・フォース・オブ・イービル（2015年 - 2019年）、アンフィビア（2019年 - 2022年） 、アウル・ハウス（2020年 - 2023年）、そして最近ではキフ（2023年 - 現在）などのアニメシリーズを制作しており、現在はディズニー・ブランデッド・テレビジョン（当時はディズニー・チャンネル・ワールドワイド）の親会社となっています。

ディズニートゥーン・スタジオは1980年代後半にパリで設立され、『ダックテイルズ ザ・ムービー 失われたランプの秘宝』を制作したが、スタジオはこれをディズニー・アニメの「正典」の一部とは見なしていない。^[27]正典映画の非正典続編をビデオで制作する習慣は、 1994年の『アラジン』の続編『ジャファーの逆襲』から始まった。これは、アニメ映画の続編に反対するというスタジオの長年の方針（実写映画には適用されなかった）を覆すものだった。この件に関してウォルト・ディズニーはしばしば「豚で豚を上回ることはできない」と語ったと引用されているが、これは短編『三匹の子豚』が3本以上の続編を獲得したことに言及している。^[28]ビデオの売り上げが好調だったため、スタジオは批評家の否定的な反応にもかかわらずこれらの映画を作り続けた。 2002年の『シンデレラII 夢をかなえる物語』は、映画批評サイトRotten Tomatoesで珍しく11%の評価を受けた。^[29]ジョン・ラセターのもと、スタジオはこの慣習を終わらせた。^{[30] [31]}

ディズニートゥーンは、 『グーフィーの秘密の部屋』や『ティガー・ムービー』など、劇場公開された非公式作品もいくつか制作しました。後者では、シャーマン兄弟がスタジオに戻り、1971年の『ベッドかざりとほうき』以来初めてディズニー長編映画の音楽を手掛けました。

ドン・ブルースの会社は、これまで2度倒産に追い込まれている。1度目は、ドン・ブルース・プロダクションとして、 『ニムの秘密』の興行成績が振るわず、アニメーターのストライキも重なった後。2度目は、ブルース・グループとして、1983年のビデオゲーム崩壊の後である。このとき、レーザーディスクベースのアニメアーケードビデオゲーム『ドラゴンズレア』の続編をブルースが制作していた際、シネマトロニクスが損失削減のため、300万ドル（インフレ調整後880万ドル）を超える手数料とロイヤリティをブルース・グループに請求した。

ブルースは実業家のモリス・サリバンの支援を受けてサリバン・ブルース・スタジオを設立し、一方、劇場用アニメーションの制作に興味を持っていた長年のアニメファンである映画監督のスティーブン・スピルバーグの助けを借りて、ブルースは1986年の映画『アメリカ物語』を制作した。この映画はヒットし、興行収入は47,483,002ドル（現在の価値で1億3,200万ドル）に達した。^[32]制作中、スタジオは映画制作に対する政府の減税措置を利用し、アイルランドに移転した。ブルースの1988年の続編『リトル・リトル・パンドラ』はやや大きなヒットとなり、興行収入は48,092,846ドル（現在の価値で1億2,400万ドル）^[33]となり、12の続編とテレビシリーズが生まれた。ブルースもスピルバーグも『リトル・リトル・パンドラ』の続編には関わっていない。スピルバーグは1991年に続編『アメリカ物語 ファイベル西へ行く』をブルース抜きで制作した。

より創造的なコントロールを得るために、ブルースはスピルバーグと袂を分かつことになった。1989年公開の『わんわん物語』は、ディズニーの『リトル・マーメイド』と同日に公開されるという不運に見舞われたが、家庭用ビデオでははるかに良い成績を収めた。^[34]

1990年代前半はスタジオにとって厳しい時期だった。興行的に失敗した作品がいくつかあった。1992年の『ロック・ア・ドゥードゥル』は批評家から酷評され、観客からは無視された。興行収入は11,657,385ドル（現在の価値で2530万ドル）^[35]と惨憺たる結果となり、サリバン・ブルースの破産につながった。ブルースの次の長編映画『サムベリナ』は1994年に公開され、批評的にはやや良かったが興行的にはさらに悪かった。一方、同じく1994年に公開された『セントラルパークのトロール』は劇場公開もほとんどなく、予算2300万ドルに対して興行収入71,368ドル（現在の価値で146,710ドルに対して4730万ドル）にとどまった。^[36]

サリバン・ブルース・スタジオは1995年に閉鎖された。ブルースとゴールドマンは1年前にアメリカに戻り、20世紀フォックスに長編アニメーション部門を設立することについて話し合った。同スタジオの以前の3本のアニメ映画（『ファーンガリー 最後の熱帯雨林』、『ワンス・アポン・ア・フォレスト』、実写とアニメーションのハイブリッド『ページマスター』）はいずれも失敗していた。1956年の映画のミュージカル版である『アナスタシア』はイングリッド・バーグマン主演で『わんわん物語』以来のブルース作品よりもはるかに成功したが、^[37] 2000年に公開された『タイタンAE』はブルースが作っていたものとは全く異なる映画で失敗に終わった。フォックス・アニメーション・スタジオはその直後に閉鎖され、 2009年にブルースとゴールドマン抜きでフォックス・アニメーション・スタジオのレーベルが復活するまで、フォックスの長編アニメーションのほぼ全てがブルース・スカイ・スタジオ部門で制作された。

ブルースと袂を分かった後、スピルバーグはテレビアニメに目を向け、ワーナー・ブラザース・エンターテイメント社と協力して、1960年代に放棄していたアニメーション部門を復活させた。トム・ルーガー率いる元ハンナ・バーベラ社の従業員のチームが新しいスタジオ、ワーナー・ブラザース・アニメーションを設立し、ワーナー・ブラザースのアニメ『ターマイト・テラス』に敬意を表したアニメシリーズ『タイニー・トゥーン・アドベンチャーズ』を制作した。若いテレビ視聴者の間で『タイニー・トゥーン・アドベンチャーズ』が人気を博したことで、スタジオは再びアニメ漫画の分野で有力候補となった。『タイニー・トゥーン・アドベンチャーズ』に続いて『スティーヴン・スピルバーグ　アニマニアックス』とそのスピンオフ『ピンキー・アンド・ザ・ブレイン』が制作された。これらのアニメはワーナー・ブラザースに新しい視聴者を呼び込んだだけでなく、年配の視聴者の注目も集めた。ワーナー・ブラザースはスピルバーグ抜きで『バットマン：ザ・アニメーション・シリーズ』などの作品を続けた。『バットマン』は、そのアニメーションと成熟した脚本ですぐに高い評価を受け、長編映画にも影響を与えました。ワーナー・ブラザースのこれら 4 つのシリーズは、合わせて合計 17 回のデイタイム・エミー賞を受賞しました。

1990年代にディズニーの長編アニメーションが急増すると、ワーナー・ブラザースはスピルバーグの助けを借りずにライバルの成功に乗じようと独自の長編アニメーション映画を制作した。彼らの映画『キャッツ・ドント・ダンス』、『キャメロットの冒険』、『アイアン・ジャイアント』はディズニーの成功に近づくことはできなかったが、『キャッツ・ドント・ダンス』と『アイアン・ジャイアント』は批評家から高い評価を受け、カルト的なファンも生まれた。2001年のビル・マーレイ主演の実写とアニメのハイブリッド作品『オズモーシス・ジョーンズ』は、多額の費用がかかった商業的失敗に終わったが、^{[38]ホームビデオでの興行成績はスタジオのテレビアニメ部門が『}オジー&ドリックス』という短命のスピンオフシリーズを制作するほど成功した。

不動の人気を誇るルーニー・テューンズのキャラクターたちがカムバックした。古い短編作品が数え切れないほどの再放送やコンピレーションスペシャル（および数本のコンピレーション映画）で楽しまれた一方で、ルーニー・テューンズの新作短編映画が1990年代に作られた。ディズニーの『ロジャー・ラビット』の成功や、バスケットボール界のスーパースター、マイケル・ジョーダンとキャラクターを組ませたナイキとマクドナルドの一連のCMに刺激を受け、スタジオは1996年に実写とアニメを組み合わせた『スペース・ジャム』を制作した。この映画は賛否両論の評価を受けたが、商業的には大成功を収めた。^[39]しかし、2003年の別の長編映画『ルーニー・テューンズ：バック・イン・アクション』は興行的には失敗に終わり、全世界での興行収入は予算8000万ドルの4分の3（現在の価値で1億3300万ドル）にとどまったが、^[40]批評家からはより肯定的な評価を受けた。他の現代のルーニー・テューンズのプロジェクトは方向性が異なっていた。オリジナルの短編とは異なり、Taz-Mania（1991-1995）とBaby Looney Tunes（2001-2006）は主に小さな子供を対象としていましたが、Loonatics Unleashed（2005-2007）は遠い未来のキャラクターを物議を醸しながら刷新した番組でした。Sylvester and Tweety Mysteries（1995-2000）とDuck Dodgers（2003-2005）は非常に好評の番組で、比較的オリジナルの短編に忠実でした。Looney Tunes Show（2011-2014）は、より大人向けの現代的なシットコムで、Wabbit: A Looney Tunes Production （2015-2020）は、ルーニー・テューンズの伝統に則ったバッグス・バニーの短編シリーズを現代風にアレンジしたものですが、どちらの番組もBaby Looney TunesやLoonatics Unleashedよりも観客からわずかに好評でした。

『フリッツ・ザ・キャット』や『ロード・オブ・ザ・リング』のオリジナル作品など、画期的なアニメ映画の監督、ラルフ・バクシは、1980年代半ばに短い休暇を取った後、アニメの世界に戻った。1985年、彼はカナダで生まれ育った若いアニメーター、ジョン・クリクファルシとチームを組み、ローリング・ストーンズの「ハーレム・シャッフル」の実写とアニメを組み合わせたミュージックビデオを制作し、1986年初頭にリリースされた。

このミュージックビデオをきっかけに、バクシ・アニメーションで制作チームが結成され、次のプロジェクトは短命に終わったテレビシリーズ『マイティマウス：ザ・ニュー・アドベンチャーズ』となった。バクシとチームは1980年代後半にいくつかのプロジェクトに取り組んだが、最大のプロジェクトだった1992年の『クール・ワールド』は批評家から酷評され、商業的には失敗に終わった。^{[41] 2005年、バクシは別の長編映画『ラスト・}デイズ・オブ・コニーアイランド』の制作を開始すると発表し、自費で制作を手掛けた。バクシは2008年にこの映画の制作を中断したが、^{[42] 2013年に}キックスターターキャンペーンが成功した後、再開した。^[43]この映画は2015年に公開された。

アメリカのアニメーションの量が増えた主な理由は、実際の物理的なアニメーション作業を海外のより安価なアニメーション会社に外注することができたことです。脚本、キャラクターデザイン、ストーリーボードはアメリカのオフィスで行われました。その後、ストーリーボード、モデルシート、カラーガイドは海外に郵送されました。これは時々問題を引き起こし、完成したセルが米国に郵送されるまで最終製品を見ることができませんでした。

予算の問題は以前より少なくなったが、海外の制作会社は、その時点で利用可能な資金の量に応じて、エピソードごと、またはシーンごとに選ばれるようになった。その結果、エピソードごとに明らかに品質レベルが異なっていた。これは、ガーゴイルズやバットマン：アニメシリーズなどの番組で特に顕著で、登場人物がモデルから大きく外れて登場し、監督をがっかりさせるほどシーンをやり直す必要があった。^[要出典]

古いバッグス・バニーやポパイのアニメに代わって、ヒーマン・アンド・ザ・マスターズ・オブ・ザ・ユニバース、ランボー：フォース・オブ・フリーダム、サンダーキャッツ、デニス・ザ・メナス、マイリトルポニー、トランスフォーマー、G.I.ジョー、ボルトロン、そしてスクービー・ドゥー、ガーフィールドと仲間たち、ピンク・パンサーの再放送など、数多くのシンジケートアニメが放送された。

1987 年、ウォルト ディズニー カンパニーはシンジケーションに挑戦し、その年の 9 月に「ダックテイルズ」が放映され、100 話が放送されました。「ダックテイルズ」の成功により、2 年後に第 2 シリーズ「チップとデールの大冒険」が放送されました。翌年、この 2 つの番組は「ディズニー アフタヌーン」という総称で一緒に放映されました。1991 年、ディズニーは 1 時間追加し、このブロックは 1999 年までシンジケーションで放映されました。

これらのアニメは当初、全国放送のアニメと競合していました。1980年代、全国放送のテレビは土曜日の午前中のみ放送され、地元の独立局が放送する平日と日曜日のシンジケート番組とは競合しませんでしたが、1990年代までには、Fox、続いてWBが平日の午後の放送を開始しました。1990年代の終わりまでには、シンジケート番組と全国放送のテレビはどちらも、ニコロデオン、ディズニーチャンネル、カートゥーンネットワークなどのケーブルテレビチャンネルの台頭により、子供向け市場のほとんどを失ってしまいました。これらのケーブルテレビチャンネルは、ほぼすべての時間帯に週を通して魅力的な子供向けエンターテイメントを提供していました。

1980年代後半から1990年代にかけて、土曜朝の番組事情は大きく変化した。この頃には、かつては繁栄していたハンナ・バーベラ・プロダクションズは、いくつかの要因に悩まされていた。ネットワークの番組スケジュールにおける同社の優位性は他のスタジオの番組に崩され、 1989年にNBCがスマーフを打ち切ると、ハンナ・バーベラには他にヒットする継続番組がなくなった。さらに、原始家族フリントストーンやスクービー・ドゥーといった古いキャラクターを新番組でうまく活用する能力も終わりを迎えつつあった。スクービー・ドゥーは、最新のジュニア版であるスクービー・ドゥーという名の子犬が1991年に放送を終了したことで、ほぼ22年間続いた初回放送に終止符を打った。 1990年に劇場公開された宇宙家族ジェットソンは、衰退しつつあったスタジオにとって成功となり、2,000万ドル（現在の価値で4,660万ドル）の収益を上げた。^[44] 1987年、グレートアメリカン保険会社の所有者カール・リンドナー・ジュニアは、ハンナ・バーベラの親会社であるタフト・ブロードキャスティングの筆頭株主となり、社名をグレートアメリカン・コミュニケーションズに変更した。

グレート・アメリカンは娯楽事業から撤退したいと考え、ハンナ・バーベラは1991年にターナー・ブロードキャスティング・システムに売却された。テッド・ターナーは、主にスタジオのバックカタログの所有権を望んでいると表明していた。 1992年10月1日にカートゥーンネットワークが発足したことで、ハンナ・バーベラとワーナー・ブラザースの新作・旧作両方のアニメに新たな視聴者がもたらされた。

1989年、プロデューサーのトム・ルーガーはワーナー・ブラザース・アニメーションを再始動させるため、ハンナ・バーベラのスタッフを大量に解雇した。当初、スタジオは常に閉鎖の危機にさらされていた。^[45]しかし、フレッド・セイバートの指導の下、ハンナ・バーベラの新しいスタッフ（クレイグ・マクラッケン、ゲンディ・タルタコフスキー、ブッチ・ハートマン、セス・マクファーレンら）は1990年代に『2 Stupid Dogs』、『デクスターズラボ』、 『ジョニー・ブラボー』、『カウ・アンド・チキン』、『アイ・アム・ウィーズル』 、『パワパフガールズ』など、新世代のハンナ・バーベラ・アニメを制作した。これらのハンナ・バーベラ・アニメと並行して、『スペース・ゴースト・コースト・トゥ・コースト』、『エド・エッド・エディ』、『臆病者Courage the Cowardly Dog』など、他社の番組も同チャンネルで初放送された。

タイム・ワーナーは1996年にターナーを買収し、ハンナ・バーベラのすべての創作的資産の権利を継承した。これによりカートゥーン ネットワークは、古典的なルーニー・テューンズの短編もすべて放送し始めることができた（それ以前は、ターナーは1948年8月以前に制作されたルーニー・テューンズの短編のみを所有しており、それらはMGM/UAライブラリの一部となっていた）。^[46]カートゥーン ネットワークはオリジナル番組で成功したため、古いハンナ・バーベラとルーニー・テューンズのアニメの再放送をスピンオフチャンネルのブーメランに移した。

1997年、フレッド・セイバートはハンナ・バーベラを離れ、自身のスタジオを設立した。^[47] 1998年、ハンナ・バーベラはワーナー・ブラザース・アニメーションと同じビルに移転し、2001年にウィリアム・ハンナが死去したことにより、新作にハンナ・バーベラの名称を使用することはなくなった。ハンナとバーベラは、それぞれ2001年と2006年に死去するまで、タイム・ワーナーの従業員およびコンサルタントとして働き続けた。ハンナ・バーベラ時代に制作された作品に基づく作品には、今でもその名称が使用されている。カートゥーン ネットワーク スタジオは現在、同ネットワークのオリジナルアニメーションのほとんどを扱っている。

1991年、ニコロデオンは、ニックトゥーンブランドの3部作の最初の作品として、レンとスティンピー・ショーを導入しました。レンとスティンピーは、土曜の朝のアニメのすべての制約を無視したワイルドで型破りなシリーズで、黄金時代の短編アニメの大胆なスタイルを好んでいました。シリーズのクリエイターであるラルフ・バクシの弟子であるジョン・クリクファルシは、ボブ・クランペットの古典作品に大きく影響を受けていました。ショーの人気にもかかわらず、ショーは制作の遅れやニコロデオンとの検閲の戦いに悩まされ、1992年にニコロデオンはクリクファルシを解雇しました。ショーはネットワーク所有のゲームズアニメーション会社の制作で1996年まで続きましたが、多くのアニメーターがクリクファルシと共に去りました。TNNは2003年にクリクファルシにより多くの創造の自由を与えて、より際どい形でショーを復活させましたが、10話しか続きませんでした。

1990年代初頭から2000年代後半にかけて、ニコロデオンは、『ダグ』 、『ラグラッツ』、 『モダン・ライフ』、『アーアー!!! リアル・モンスターズ』、『ヘイ・アーノルド!』、『KaBlam!』、『怒れるビーバーズ』 、『ワイルド・ソーンベリーズ』、『キャット・ドッグ』 、『スポンジ・ボブ』 、『インベーダー・ジム』、『ジミー・ニュートロンの大冒険』、『ボーイ・ジーニアス』、『フェアリー・オッド・ペアレンツ』、 『マイ・ライフ・アズ・ア・ティーンエイジ・ロボット』 、『ダニー・ファントム』、 『アバター伝説の少年アン』など、他の多くのヒットアニメシリーズも生み出しました。これらの番組の多くは、成功したマルチメディア フランチャイズを生み出しました。最も有名なのは、『ラグラッツ』、『スポンジ・ボブ』（どちらのフランチャイズも劇場映画 3 本とテレビ映画が制作された）、『アバター 伝説の少年アン』（続編シリーズと実写シリーズの両方が制作された）です。

ディズニーは、1980 年代半ばから 1990 年代半ばにかけて、『アドベンチャーズ オブ ザ ガミベアーズ』(1985 年)、『ダックテイルズ』(1987 年)、『チップとデールの大冒険』( 1989年)、『ダークウィング・ダック』 (1991 年)、『ガーゴイルズ』 (1994 年) などのヒットアニメシリーズを制作しました。これらのアニメシリーズは、シンジケーション、ディズニー アフタヌーンプログラミング ブロック、およびディズニー チャンネル(当時は有料ケーブル チャンネル) で放映されました。

1990年代後半から2000年代前半にかけては、Recess（1997年）やThe Proud Family（2001年）やKim Possible（2002年）といった、ディズニー・チャンネル（1997年に基本ケーブルに切り替え）やABCのOne Saturday Morning （後のABC Kids）で放映されたさらなるヒットアニメが登場した。同時期にディズニーは、アニメーション専用のチャンネル Toon Disneyを立ち上げた。

ディズニーは2000年代後半から2020年代にかけて、『フィニアスとファーブ』、 『怪奇ゾーングラビティフォールズ』、『スター vs. 邪悪な秘密』、2017年のリブート版『ダックテイルズ』、 『ビッグ・シティ・グリーンズ』 、 『アンフィビア』 、『フクロウの家』、『ゴーストとモリー・マッギー』など、ヒットアニメシリーズを次々と発表し続けた。トゥーン・ディズニーはディズニーXDにブランド名を変更し、アニメはそこで放映され続けたほか、ディズニー・チャンネルやディズニーのストリーミング・プラットフォームであるディズニー+でも放映された。

1990 年代を通じて、「ビッグ スリー」ネットワーク (ABC、NBC、CBS) はもはや 3 社寡占状態ではありませんでした。ケーブルテレビでは、カートゥーン ネットワーク、ニコロデオン、ディズニー チャンネルがいずれも世界中の放送ネットワークと競争できるまでに成長し、現在もその状態が続いています。新興のFox ネットワークは1990 年に平日と土曜日にFox Kids番組ブロックを開始し、 The WB は1995 年のネットワーク開始直後に子供向け番組ブロックで競争に加わりました。

NBCは、実写の青少年向けシットコム『セイヴド・バイ・ザ・ベル』の成功と自社のアニメのヒット作の少なさを比較し、1992年にアニメ制作を断念し、代わりに土曜朝のTNBCブロックで実写のティーン向け番組に集中した。ABCは1996年にディズニーに買収され、ディズニーはABCの土曜の番組スケジュールをディズニー制作のアニメシリーズに変更し、まとめて『ワン・サタデー・モーニング』と名付けた。CBSは、1980年代後半から1990年代前半の土曜朝のラインナップの中心となっていた番組（『マペット・ベイビーズ』、 『ティーンエイジ・ミュータント・ニンジャ・タートルズ』、『ガーフィールドと仲間たち』など）が終了すると、新しいヒット作を生み出すことができなくなった。 CBSがニコロデオンの親会社でもあるバイアコムに買収されると、バイアコムはニコロデオンJr.のラインナップの多くを再利用し、さらにCBSの朝のニュース番組『アーリーショー』の土曜版を追加した。

子どもテレビのためのアクションやその他の団体が、娯楽と広告の境界線を曖昧にしていると考えられる番組に反対する長年の活動の結果、 1990 年に子どもテレビ法が可決されました。同法は 1996 年に厳格に施行され始めました。連邦通信委員会は、子どもが起きている時間帯に、子どもを明確に対象とした教育および情報番組を週 3 時間放送することを義務付け始めました。このため、一般向け番組を 3 時間「禁止」する必要があったため、ネットワークは当然、子どもがすでに視聴している土曜日の朝にそれらの番組を放送することを選択しました。その結果、ほぼすべての土曜日の朝のネットワーク番組には、何らかの教育コンテンツを含めることが義務付けられました。Fox と The WB は、朝のニュース番組の代わりに平日の短い 1 時間の子ども向け番組を放送することでこの問題を回避しましたが、平日のそのような番組枠はもはや存在しません (2010 年現在も平日の子ども向け番組枠を長く設けている PBS は例外です)。それでも、1990 年代には『パワーレンジャー』や『ポケモン』など、おもちゃをベースにした子供向け番組がいくつか存在していました。

ケーブルネットワークは、これらの（あるいは他のほとんどの）FCC規制の対象ではなかったため、ケーブルネットワークの番組はネットワーク番組よりもコンテンツの自由度が高かった。新しい規制の影響はほぼ瞬時に現れ、1997年までにニコロデオンは放送局の競合他社を追い抜いて、土曜朝の視聴者数が最も多いネットワークとなった。^[48]

1990 年代には、10 年以上にわたってそうした焦点が欠けていたものの、主に大人とティーンエイジャーを対象としたアニメ シリーズの新たな波が始まりました。

1987年、トレイシー・ウルマン・ショーの短編アニメ「ザ・シンプソンズ」がデビューしました。マット・グレイニングの作品は1989年に30分シリーズを獲得し、原始家族フリントストーン以来のゴールデンタイムアニメシリーズとなりました。第1話のアニメーションの70%をやり直さなければならなかったため、シリーズの初放送は3か月延期されましたが、新興のフォックスネットワークにとって最初の大ヒットシリーズの1つになりました。ザ・シンプソンズは大ヒットし、大衆文化に登場し、アメリカの文化、家族、社会全体、そして人間の状態を風刺的に扱ったことで幅広い称賛を得ました。

この番組は、24のエミー賞、26のアニー賞、2つのピーボディ賞を含む数十の賞を受賞しています。タイム誌の1999年12月31日号では、20世紀の最高のテレビシリーズに選ばれました。また、タイム誌の100人：今世紀で最も重要な人々では、バート・シンプソンがリストに登場する唯一の架空のキャラクターとして選ばれました。^[49]シンプソンズの映画は、世界中で5億ドル以上の収益を上げました。^[50] 2009年2月26日、フォックスは、シンプソンズをさらに2年間更新し、「テレビで最も長く放送されているゴールデンタイムシリーズとしての地位を確立する」と発表しました。^{[51] 2009年9月27日に第21シーズンが始まり、かつて}ガンスモークと並んでいた20シーズンの記録を破りました。^[51]

『ザ・シンプソンズ』の成功により、フォックスはボブズ・バーガーズ（ローレン・ブシャール作）、『キング・オブ・ザ・ヒル』 （マイク・ジャッジ作）、『フューチュラマ』（グレイニング作）、 『ファミリー・ガイ』 、『アメリカン・ダッド』、『クリーブランド・ショー』（すべてセス・マクファーレン作）など、大人向けのアニメシリーズを制作するようになった。『キング・オブ・ザ・ヒル』は瞬く間に大ヒットし、13シーズンが放送された。『フューチュラマ』と『ファミリー・ガイ』はどちらもネットワークによって打ち切られたが、DVDの売り上げと再放送の視聴率が好調だったため、どちらも放送が再開され、『ファミリー・ガイ』はフォックスで、『フューチュラマ』はコメディ・セントラル（現Hulu ）で放送された。^[52]

1989 年、クレイグ・「スパイク」・デッカーとマイク・グリブル (通称「スパイク & マイク」) が主催し、当初はサンディエゴを拠点にしていた短編アニメーション映画祭が、短編アニメーション映画のコレクションを上映し始めました。クラシック フェスティバル オブ アニメーションとして知られるこのフェスティバルは、全国の劇場や劇場以外の会場で上映されました。

コレクションは主に、アカデミー賞にノミネートされた短編映画、カリフォルニア芸術大学の学生の作品、カナダ国立映画制作庁が資金提供した実験的な作品で構成されていました。初期の映画祭には、ジョン・ラセター、ニック・パーク、マイク・ジャッジ、クレイグ・マクラッケンの作品が含まれていました。ジャッジの作品「Frog Baseball」では、彼のトレードマークである間抜けなキャラクター、ビーバスとバットヘッドが初めて登場し、マクラッケンの短編「The Whoopass Girls in A Sticky Situation 」では、後に「パワーパフ ガールズ」という新しい名前で人気を博すことになる3人組の少女スーパーヒーローが登場しました。

このフェスティバルは徐々に、大人向けのユーモアと題材を扱うアンダーグラウンド運動である「 スパイク・アンド・マイクのシック・アンド・ツイステッド・フェスティバル・オブ・アニメーション」と呼ばれる映画プログラムへと変化していった。

1994年、米国のケーブルテレビ局カートゥーン ネットワークは、「スペース ゴースト: コースト トゥ コースト」という新しいシリーズの放送を承認しました。特にポストモダンなひねりを加えたこの番組では、実写の有名人インタビューとオリジナルのスペース ゴーストのアニメをミックスしていました。これは、1970年代初頭に短命に終わった環境をテーマにしたアニメ「シーラボ 2020」に基づいたシュールな「シーラボ 2021」など、新しいよりエッジの効いた作品に古いハンナ バーベラ社のアニメのキャラクターを使用するという、今では一般的な慣習の始まりでした。「ハーヴェイ バードマン、弁護士」は、もともと「バードマン アンド ギャラクシー トリオ」のスターだった、冴えないスーパーヒーロー、バードマンが弁護士になったという話です。彼の顧客、および番組の他のほとんどのキャラクターは、すべて古いハンナ バーベラ社のキャラクターで構成

アダルトスイムは、カートゥーン ネットワークでゴールデンタイム後に放送される大人向けの漫画のスケジュール ブロックで、2001 年に初公開されました。当初は日曜日の夜に限られていましたが、2018 年の時点では、アダルトスイムは東部標準時の毎晩午前 6 時まで放送されています。アダルトスイム専用に制作されたアニメ シリーズには、The Brak Show、Aqua Teen Hunger Force、Sealab 2021、Harvey Birdman、Attorney at Law、Squidbillies、The Venture Bros.、Perfect Hair Forever、Stroker and Hoop、Tom Goes to the Mayor、Robot Chicken、Rick and Morty、Metalocalypse、Smiling Friendsなどがあります。アメリカのアニメーションに加えて、アダルトスイムでは、カウボーイビバップ、攻殻機動隊、交響詩篇エウレカセブン、鋼の錬金術師シリーズ、BLEACH、犬夜叉、僕のヒーローアカデミアなどの人気アニメシリーズも放送しています。

他のテレビネットワークも大人向けのアニメの実験を行った。MTVは、 Liquid Television、The Brothers Grunt、Æon Flux、Beavis and Butt-head（およびそのスピンオフDaria）、The Maxx、Celebrity Deathmatchなど、特に青少年や若年層の視聴者向けにいくつかの成功したアニメシリーズを制作した。MTVは、 Clone High、Spy Groove、3 Southなどの番組で、2000年代初頭までアニメシリーズの実験を続けた。MTVのオリジナルのアニメ番組は、2000年代の終わりまでに停滞した。ジェイソン・アレクサンダーの声優を務めたUSAネットワークのDuckmanは、カルト的な支持を得た。プレミアムケーブルも、 Spawnなどのオリジナルのアニメシリーズの実験を行った。

もう一つの成功した大人向けアニメシリーズは、トレイ・パーカーとマット・ストーンの『サウスパーク』で、1995年に短編アニメ『スピリット・オブ・クリスマス』で始まりました。『ザ・シンプソンズ』と同様に、『ビーバス・アンド・バットヘッド』と『サウスパーク』は『ビーバス・アンド・バットヘッド・ドゥ・アメリカ』と『サウスパーク：ビガー、ロンガー＆アンカット』として大画面で上映され、どちらも興行的に成功しました。

漫画家のビル・プリンプトンは、 1980年代後半に印刷からアニメーションに移行し、大人向けの短編を作り続けています。ドン・ハーツフェルトは1990年代にアニメーションを始め、2001年に『Rejected』でアカデミー賞にノミネートされました。

『クールワールド』や『ベベズキッズ』などの長編映画は、大人向けアニメーション映画の市場を確立するのに貢献しました。

1990 年代には、アニメーション シーケンスと実写特殊効果の両方を強化するためにコンピュータ生成画像の使用が大幅に増加し、精巧なコンピュータ アニメーション シーケンスが両方を支配するようになりました。この新しい形式のアニメーションはすぐにハリウッドの 特殊効果を支配しました。映画「ターミネーター 2: 審判の日」と「ジュラシック パーク」には、CGI を多用したオスカー受賞の特殊効果シーケンスが含まれていました。数十年にわたって関連しながらも別々の業界として存在した後、「アニメーション」と「特殊効果」の間の壁は、コンピュータ化された特殊効果の普及によって打ち砕かれました。ハリウッドの長編映画をコンピュータで強化することは第二の性質となり、しばしば気付かれなくなりました。アカデミー賞を受賞した『フォレスト・ガンプ』 （1994年）は、トム・ハンクスがジョン・F・ケネディ大統領およびリンドン・B・ジョンソン大統領と握手しているような錯覚を演出し、ゲイリー・シニーズが両足を失ったかのように見せるためにコンピューターによる特殊効果を多用し、特殊効果部門でオスカーを受賞した。映画『タイタニック』は、3時間の上映時間のほぼすべてのシーンでコンピューター効果を使用し、この映画が受賞した11のオスカーのうちの1つは視覚効果部門であった。

ディズニーは1982年に実写、従来のアニメーション、CGIを広範囲にミックスした映画『トロン』を制作し、1990年代の『レジェンド・オブ・ザ・ワイルド』では従来のアニメーションを強化するためにCAPSシステムを導入しましたが、完全にコンピュータアニメーションの長編映画はまだ作られていませんでした。1995年、ディズニーはピクサーと提携して、最初のコンピュータアニメーション映画である『トイ・ストーリー』を制作しました。この映画の成功は非常に大きかったため、他のスタジオも独自のCGIアニメーション映画の制作を検討しました。コンピュータアニメーション映画は大人気となり、2004年から2013年の期間にアニメーション映画はすべての映画ジャンルの中で最も高い粗利益（約52％）をもたらしました。 ^[53]

コンピュータアニメーションはテレビにも進出した。土曜朝のアニメシリーズ『ReBoot』は大人の間で熱狂的なファンを獲得した。これは『ビーストウォーズ』 、 『ウォープラネット』、『ラフネックス』など、いくつかのCGIアニメシリーズの先駆けとなった。コンピュータアニメーションの品質はシリーズを重ねるごとに大幅に向上した。多くの実写テレビシリーズ（特に『バビロン5 』などのSFテレビシリーズ）はCGI制作に多額の投資を行い、比較的低コストでこれまで実現できなかったレベルの特殊効果を生み出した。

CGI レースで最も人気があり、最も成功している競合企業。ピクサーは、ジョージ ルーカスのルーカスフィルムがニューヨーク工科大学からエドウィン キャットマルを採用し、特殊効果部門のグラフィックス グループを立ち上げた1979 年に誕生しました。1983 年後半、キャットマルはディズニーのアニメーター、ジョン ラセターをフリーランスの独立請負業者として迎え入れました。これは、ラセターが (キャットマルは知らなかったのですが) コンピュータ アニメーションを熱心に推進したためにウォルト ディズニー カンパニーから解雇された直後のことでした。ラセターは約 1 年後にフルタイムの従業員として雇用されました。

ルーカスは1983年の離婚後に資金繰りに問題を抱え、1986年にアップルコンピュータの共同設立者であるスティーブ・ジョブズから1000万ドルの資本金を得て、ピクサーがルーカスフィルムから分離独立し、別会社となった。当時、ピクサーは主にコンピュータアニメーションのハードウェアを開発していたが、ラセターは『アンドレとウォーリーの冒険』（1984年）など高く評価されたCGI短編映画を制作し、会社を有名にすることに貢献した。分離後、彼は『ティン・トイ』（1988年）を制作し、アカデミー賞を受賞した。会社はテレビコマーシャル制作や、ディズニーのコンピュータアニメーション制作システムなどのプロジェクトに移行した。 『ティン・トイ』の成功後、ピクサーはディズニーと長編映画の制作契約を結んだ。これらの映画の最初の作品である1995年の『トイ・ストーリー』は大ヒットとなり、その後『バグズ・ライフ』や『トイ・ストーリー2』などのさらなるヒット映画につながった。ジョブズは、その頃までに、何年にもわたる追加投資でピクサーを存続させ、同社のオーナーになっていた。彼はピクサーの売却を何度も検討していたが、『トイ・ストーリー』の公開後に考えを変えた。

ピクサーの批評的および興行的成功の連続は、『モンスターズ・インク』、『ファインディング・ニモ』、 『Mr.インクレディブル』、『カーズ』、 『レミーのおいしいレストラン』 、『ウォーリー』 、『カールじいさんの空飛ぶ家』、そして『トイ・ストーリー3』と続き、いずれも絶賛され、莫大な利益を上げ、賞を獲得し、ディズニーの自社作品を凌駕したが、2011年の『カーズ2』でその連続は終わりを迎えた。同作は商業的には成功したものの、批評的には期待外れであった。ディズニーはピクサー抜きで独自のCGI/実写長編映画（『ダイナソー』）を制作したが、この映画は経済的には成功したものの、反応はまちまちだった。マイケル・アイズナーの経営の晩年、ディズニーとピクサーの間の摩擦は、利益分配で合意に達することができず、ピクサーが別のパートナーを見つけることを検討するほどにまで高まった。^[54]アイズナーが2005年に辞任すると、後任のロバート・アイガーがディズニーによるピクサーの買収を74億ドル（現在の価値で115億ドル）の株式交換で手配し、スティーブ・ジョブズがディズニーの最大の個人株主となった。^[55]この取引はディズニー・アニメーションとピクサー・アニメーションがディズニー傘下の完全に別のスタジオとして運営されるように構成され、ラセターは12年間務めた最高クリエイティブ責任者として、両スタジオの新作アニメーション映画のゴーサインを出す責任を負った。

ジェフリー・カッツェンバーグがディズニーを離れ、新スタジオのドリームワークス・ピクチャーズでスティーヴン・スピルバーグとデヴィッド・ゲフィンの共同パートナーとなったとき、スタジオは自然とアニメーションに興味を持つようになった。^[11]最初の映画『アントズ』はディズニー＝ピクサー作品ほどのヒットはなかったが、批評家からは好評を博した。しかし、ドリームワークスは2000年に『チキンラン』でイギリスのストップモーション・アニメーションスタジオであるアードマン・アニメーションズと提携し、その後2006年にアカデミー賞を受賞した『ウォレスとグルミット 野菜畑で大ピンチ』で成功を収めた。

さらに、ドリームワークスは2001年についに独自の成功を収め、コンピューターアニメーションの長編映画『シュレック』を公開した。これは興行収入でディズニーのその年の夏公開作品『アトランティス』を圧倒する大ヒットとなった。『シュレック』は第1回アカデミー賞長編アニメ映画賞を受賞した後、ドリームワークスをCGIアニメーションにおけるピクサーの最初の主要なライバルとして確立した。ドリームワークスの商業的成功は、 『シャークテイル』 、『マダガスカル』、『オーバー・ザ・ヘッジホッグ』 、『カンフー・パンダ』、 『ヒックとドラゴン』 、 『メガマインド』 、『クルードさんちのあたらしい冒険』 、『ボス・ベイビー』、 『ルビー・ギルマン ～ティーンエイジ・クラーケン～』という3つのシュレックの続編でも続いた。ドリームワークス・アニメーションは最終的に親会社から独立した会社となり、 2024年現在、親会社であるNBCユニバーサル/コムキャストを通じてユニバーサル・スタジオの所有となっている。

2003年、ピクサー、ブルースカイスタジオ、ドリームワークスアニメーションなど、コンピュータアニメーションに依存するスタジオの成功が拡大していることに注目し、ウォルトディズニーフィーチャーアニメーションはCGIスタジオに転換すると発表した。^[要出典]

2年後、スタジオ初のコンピュータアニメーション映画『チキン・リトル』が公開され、興行的にはそこそこの成功を収めたものの、批評家からは賛否両論の評価を受けた。2006年1月24日、ディズニーはピクサーを買収すると発表し（買収は同年5月に成立）、^[56]買収の一環として、幹部のエドウィン・キャットマルとジョン・ラセターがそれぞれウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの社長と最高クリエイティブ責任者に就任した。^[57]ラセターは後に、ディズニーがピクサーを所有するようになったためフィーチャー・アニメーションを不要として閉鎖するという議論が2006年に行われていたことを認めたが、彼とキャットマルはこれをきっぱりと拒否した（「我々の任期中はそんなことは許さない」）。彼らは、ウォルト・ディズニーの創造的な遺産を、彼のアニメーションスタジオを「本来あるべき創造的なレベルに戻す」ことで救おうと決意した。^{[58] [59]}

ディズニーとピクサーの独立性を維持するために（所有権と上級管理職を共有しているにもかかわらず）、各スタジオは独自のプロジェクトに対して単独で責任を負い、他方から人員を借りたり、タスクを貸し出したりすることは許可されないことが概説されました。^{[60] [61]}

2007年にスタジオは『ルイスと未来泥棒』をリリースしたが、批評家や観客の反応はいまいちだったものの興行成績は振るわなかった。続く2008年の『ボルト』は『リロ アンド スティッチ』以来ディズニーのアニメ映画としては最高の批評家からの評価を受け、そこそこの成功を収め、アカデミー賞にノミネートされた。グリム兄弟の『ラプンツェル』を映画化した『塔の上のラプンツェル』は2010年にリリースされ、全世界で5億9100万ドルの興行収入を上げ、スタジオが伝統的なアニメーション時代に一般的だった童話を題材にした映画に回帰したことを示した。この傾向は、ハンス・クリスチャン・アンデルセンの「雪の女王」の物語にインスピレーションを得た2013年の世界的大ヒット映画「アナと雪の女王」にも引き継がれました。この映画は広く称賛され、世界中で興行収入が10億ドルを超えた初めてのディズニーアニメ映画となりました^{[62][ 63] [64]} 。ピクサーの「トイ・ストーリー3」を上回りました。 「アナと雪の女王」は、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの作品として初めてア​​カデミー賞長編アニメ映画賞を受賞しました^[65]。彼らはまた、オスカー受賞作「ベイマックス」「ズートピア」「エンカント」 、そして（ピクサーの足跡をたどって）自社の短編アニメ「フィースト」と「ペーパーマン」で批評的にも商業的にも成功を収めました。「ペーパーマン」は「シュガー・ラッシュ」の前に公開されました。

他のスタジオもCGI業界への参入を試みた。ドン・ブルースが20世紀フォックスを2001年に去った後、同社は2002年初頭にブルースカイ・スタジオの下で初の長編映画として大成功を収めたCGIアニメ映画『アイス・エイジ』をリリースした。2001年にパラマウントは『ジミー・ニュートロン 天才少年』を、TWCは2005年に『フードウィンクト』を、コロンビアは2006年に『オープン・シーズン』を製作した。ワーナー・ブラザースは2006年にアカデミー賞受賞映画『ハッピー フィート』で大成功を収め、ソニーはソニー・ピクチャーズ・アニメーションの下で2006年の『オープン・シーズン』 、2007年の『サーフズ・アップ』 、そして2009年と2012年にそれぞれ始まった『くもりときどきミートボール』と『モンスター・ホテル』などのヒット映画シリーズを製作した。ユニバーサルスタジオは、市場で実行可能な参加者になるために何度も試み、2010年にイルミネーションエンターテインメントの最初の長編映画である「怪盗グルーの月泥棒」でついに目標を達成し、その後10年間でさらに多くのヒット作を生み出しました。2013年、テキサス州ダラスに拠点を置くリールFXは、最初の長編映画「フリーバーズ」を公開し、そこそこの成功を収めました。1年後、彼らは「ブック・オブ・ライフ」を公開し、大成功を収め、ゴールデングローブ賞の長編アニメ映画部門にノミネートされました。

コンピュータアニメーションは、その成功にもかかわらず、依然として漫画や様式化されたキャラクターに依存しています。2001年には、『ファイナルファンタジー：ザ・スピリッツ・ウィズイン』で、フォトリアリスティックな人間の俳優を使用して完全にアニメーション化された世界を創造する最初の試みがありましたが、批評家からはそこそこの成功を収めましたが、興行的には振るいませんでした。

2004年、実写映画『スカイキャプテン・ワールド・オブ・トゥモロー』が公開された。この映画は、ブルースクリーンの前で全編撮影され、背景はすべてコンピューター生成で、俳優と一部の小道具だけが本物だったことで有名である。ロバート・ゼメキス監督の映画『ポーラー・エクスプレス』では、トム・ハンクスが5役を演じ、完全にCGIアニメーションであったが、キャラクターを動かすためにパフォーマンスキャプチャ技術が使用された。ゼメキス監督は『ポーラー・エクスプレス』に続いて、 『ベオウルフ』とディズニーの『クリスマス・キャロル』という2本のモーションキャプチャ映画を制作した。

実写映画におけるCGI特殊効果の使用は増加し、ジョージ・ルーカスは2002年の映画『スター・ウォーズ エピソード2/クローンの攻撃』を実在の俳優を使った主にアニメ映画であるとみなすほどになった。家族向けの映画では、実写のキャラクターと画面上でやりとりする完全にコンピュータで生成されたキャラクターを使用するケースが増え始めた。例えば、『スター・ウォーズ エピソード1/ファントム・メナス』のジャー・ジャー・ビンクス、 『ロード・オブ・ザ・リング/二つの塔』のゴラム、 『ハルク』のタイトルキャラクターなどである。コンピュータで生成されたキャラクターは映画ファンに受け入れられるようになったが、仮想の人間の俳優、つまり「シンセスピアン」を起用した完全にアニメ化された映画はまだない。

1990年代後半には、Adobe Flashアニメーションソフトウェアを使用して作成されたアニメーション映画であるFlashアニメーションが米国などで制作され、インターネットを通じて配信されるようになりました。^[66]

人気のある Flash アニメーションには、Joe Cartoons、Weebl and Bob、Happy Tree Friends、Homestar Runner、Brackenwoodシリーズ、Making Fiends、Salad Fingersなどがあります。

歴史的に、最優秀短編アニメ部門が存続しているにもかかわらず、アニメ映画は、音楽や歌以外ではアカデミー賞であまり評価されることがなかった。ディズニーの『美女と野獣』が最優秀作品賞と他の5つの賞に前例のないノミネートを受けたことで状況は一変した。同作は歌と音楽で2つのアカデミー賞を受賞し、『トイ・ストーリー』は最優秀脚本賞のアニメ映画となった。21世紀初頭までにアニメは広く受け入れられるようになり、2001年に映画芸術科学アカデミーは新しいアカデミー長編アニメ賞を導入した。

受賞候補となったのは、ドリームワークスの『シュレック』、ディズニー/ピクサーの『モンスターズ・インク』、ニコロデオンとパラマウントの『ジミー・ニュートロン 天才少年』の3作品。その年の受賞は『シュレック』だった。受賞を逃した作品には、高く評価された大人向け映画『ウェイキング・ライフ』や、写真のようにリアルなCGI映画『ファイナルファンタジー:ザ・スピリッツ・ウィズイン』などがある。

宮崎駿監督の絶賛された『千と千尋の神隠し』は2002年にアカデミー賞を受賞した。ディズニー/ピクサーの『ファインディング・ニモ』は、ノミネートされていた『ベルヴィル三部作』と『ブラザー・ベア』を抑えて2003年に受賞した。それ以来、ピクサーがこの部門で最も多くの賞を受賞しているが、現在の例外は2005年の『ウォレスとグルミット 野菜畑で大ピンチ』 、2006年の『ハッピー フィート』、2011年の『ランゴ』、 2013年の『アナと雪の女王』、2014年の『ベイマックス』 、2016年の『ズートピア』 、 2018年の『スパイダーマン：スパイダーバース』 、2021年の『エンカント』、2022年の『ギレルモ・デル・トロのピノキオ』、 2023年の『さぎの少年』である。

2013年3月7日号のハリウッド・レポーター誌は、アカデミー賞投票者8人の投票結果を掲載した。^[67] 8人のうち4人は、長編アニメ映画部門では、そのテーマに関する知識が不十分であるとして棄権した。彼らはノミネート作品の全てを見ていないことを認めており、1人は「6歳の時に終わった」と述べている。投票者自身によるアニメ映画へのこのような無関心は、アメリカのアニメーターたちからしばしば批判されており、「ハリウッドはアニメ映画について全く関心がなく、何も知らない」と主張している。^[68]

アニー賞は、国際アニメーション映画協会のハリウッド支部が毎年 2 月に、米国の映画およびテレビ アニメーションの分野での功績に対して授与する賞です。この賞は、もともとアニメーションのさまざまな分野への生涯にわたる貢献を称えるために 1972 年に創設されましたが、現在提供されているものも含め、アニメーション全体を表彰するようになりました。

『リトル・マーメイド』 （1989年）、『美女と野獣』（1991年）、『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』（1993年）、『ライオン・キング』（1994年）、『トイ・ストーリー』（1995年）、『シュレック』（2001年）、『ウォーリー』（2008年）の7本の長編アニメーションと、ピクサーの短編アニメーション2本、『ルクソー・ジュニア』 （1986年）と『ティン・トイ』 （1988年）がそれぞれアメリカ国立フィルム登録簿に登録された。^{[69] [70] [71]}

スタジオジブリの『千と千尋の神隠し』（2001年）とピクサーの映画4本（2003年の『ファインディング・ニモ』、2007年の『レミーのおいしいレストラン』、2008年の『ウォーリー』、2015年の『インサイド・ヘッド』）がBBCの21世紀の最高の映画100選に選ばれた。^[72]

後のアニメへの影響

アメリカのアニメーションのルネッサンス時代またはシルバーエイジは、様々なアニメーションの歴史家、批評家、土曜の朝のアニメファンによって、アメリカのアニメーション史上最高の時代であると考えられています。また、アメリカのアニメーション産業の台頭と人気は、テレビアニメーションの台頭、1966年の創始者ウォルト・ディズニーの死去、1969年のワーナー・ブラザース・カートゥーンの閉鎖以来、1960年代から1980年代後半/ 1990年代前半にかけてアニメーション分野と業界を悩ませた厄介な暗黒時代と緊張の後に、ディズニーやワーナー・ブラザースなどのスタジオがアニメーションに復帰した時代であるとアニメーションの歴史家、ファン、アニメーション従業員によって考えられています。

この時代のアニメ作品の多くは、ディズニー・ルネッサンス映画、ディズニーとワーナーが制作したさまざまな土曜朝のアニメ、カートゥーンネットワークの番組など、黄金時代のアニメやアニメーションの影響を受けており、その他の要因としては、高品質のアニメーションの復活、適切なキャラクターデザイン、成人向けのテーマの取り入れ、きわどい大人のユーモアや性的な言及、テレビでの大人向けアニメの台頭、漫画は子供向けのものから大人向けなものへと認識が変わったこと、そしてアニメ映画やテレビ番組が批評的にも商業的にも多くの肯定的な成功を収めたことなどが挙げられます。

この時代を代表するその他のアニメ、例えばディズニーの番組『チップとデールの大冒険』、『ダークウィング・ダック』、『ボンカーズ・ミッキーマウスワークス』、『ハウス・オブ・マウス』、『キム・ポッシブル』、ワーナー・ブラザースとアンブリンのコラボレーションによる『タイニー・トゥーン・アドベンチャー』や『アニマニアックス』、ハンナ・バーベラのアニメ『デクスターズラボ』や『パワパフガールズ』などは、1990年代や2000年代に新世代の土曜朝番組やケーブルテレビを見て育ったファンに懐かしく思い出されています。これらの作品のいくつかは、後に2010年代、2020年代、そしてそれ以降の将来のアニメーションに影響を与えたり、インスピレーションを与えたりしました。例えば、2010年代のさまざまなディズニーアニメ映画、ディズニーチャンネルやディズニーXDの番組、ワーナー・ブラザースやカートゥーンネットワークの番組などです。

• アニメーションの歴史
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• コンピュータアニメーション映画の一覧
• アメリカのアニメテレビシリーズの一覧

• レンバーグ、ジェフ（2006 年 6 月）。『Who's Who in Animated Cartoons: An International Guide to Film and Television's Award-Winning and Legendary Animators』。Applause Books。ISBN 1-55783-671-X。
• ソロモン、チャールズ（1989年）。『魔法の絵：アニメーションの歴史』ニューヨーク：ランダムハウス社、ISBN 978-0-394-54684-1。

• アニー賞公式サイト