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『スカイキャプテン ワールド・オブ・トゥモロー』 （略称：スカイキャプテン）は、2004年に公開されたSFアクション アドベンチャー映画。ケリー・コンランが監督デビュー作として脚本・監督を務め、ジョン・アヴネット、サディ・フロスト、ジュード・ロウ、マーシャ・オグルズビーが製作を担当した。主演はジュード・ロウ、グウィネス・パルトロー、アンジェリーナ・ジョリー。
コンランは、自宅のリビングルームにブルースクリーンを設置し、 Macintosh IIciを使って4年間かけて白黒のティーザー映像を制作した。それをアヴネットに見せたところ、アヴネットは大変感銘を受け、2年間かけてコンランと共に脚本を練り上げた。大手スタジオはどこも興味を示さなかったが、アヴネットはアウレリオ・デ・ラウレンティスを説得し、配給契約なしで『スカイキャプテン』の資金提供を取り付けた（後にパラマウント・ピクチャーズとの世界配給契約が締結される）。
約100名のデジタルアーティスト、モデラー、アニメーター、コンポジターが、実写映像用の多層構造の2Dおよび3D背景を作成し、映画全体は手描きのストーリーボードでスケッチされ、その後CGIアニメーションとして再現された。実写シーンの撮影の10ヶ月前に、コンランはまずロサンゼルスで代役を使って撮影を行い、その映像をアニメーションに変換することで、俳優たちが映画の内容を正確にイメージできるようにした。
『スカイキャプテン』は、特に撮影スタイルが高く評価されたが、ストーリーやキャラクター描写には批判もあった。製作費7000万ドルに対し興行収入はわずか5790万ドルと興行的には失敗に終わったものの、その後ファンを獲得し、カルト映画として評価されるようになった。本作は、 『キャシャーン』、 『インモータル』（いずれも2004年）、『シン・シティ』 （2005年）と並んで、俳優とCGの背景を融合させた「デジタルバックロット」で全編撮影された最初の主要作品の一つである。
1939年、技術が高度に発達したニューヨーク市で、飛行船ヒンデンブルク3世号がエンパイア・ステート・ビルディングの屋上に停泊する。飛行船には、科学者のホルヘ・バルガス博士が乗っており、彼は2本のバイアルが入った小包をウォルター・ジェニングス博士に届ける手配をする。その後、バルガス博士は姿を消す。
クロニクル紙の記者ポリー・パーキンスは、ヴァルガスと他の5人の著名な科学者の失踪事件を追っていた。謎めいたメッセージを頼りに、編集者のペイリー氏の警告を無視してラジオシティ・ミュージックホールへ向かったパーキンスは、 『オズの魔法使い』の上映中にジェニングス博士と出会う。ジェニングス博士は、次に自分を狙うのはトーテンコップ博士だと告げる。突然、謎の巨大ロボットが街を襲撃する。当局は、街の英雄であり、パーキンスの元恋人であり、傭兵空軍フライング・レギオンの司令官でもある「スカイキャプテン」ジョー・サリバンに連絡を取る。ジョーが改造したカーチスP-40戦闘機でロボットと交戦する間、パーキンスは自分の安全を顧みず、路上から写真を撮っていた。ジョーはロボット1体を無力化し、残りは去っていく。ニュース報道では、世界中で同様の攻撃が起きていることが伝えられる。無力化されたロボットは、技術専門家のデックスが調査するため、レギオンの空軍基地に持ち帰られる。ポリーはジョーの後をつけ、しぶしぶながらも捜査に協力するよう説得する。
彼女は、トーテンコップ博士がかつて神童であり、ドイツで最も優秀な科学者で、ベルリン郊外の謎めいた研究所を運営し、行方不明の科学者たちと共に「明日の世界」と呼ばれるプロジェクトに取り組んでいたことを突き止める。彼女の情報をもとに、彼らは瀕死のジェニングス博士の荒らされた研究所にたどり着くが、その間に暗殺者が逃走する。ジェニングスは死ぬ直前にポリーに2つのバイアルを渡し、それがトーテンコップの計画にとって極めて重要だと告げる。ポリーはバイアルを隠し、ジョーには情報を伏せる。彼らは、オーニソプタードローンの編隊による攻撃を受ける直前にリージョンの基地に戻る。デックスはドローンを制御する信号の発信源を追跡し、捕まる前に地図にメモする。
ジョーとポリーはデックスの地図を見つけ、ネパール、そしてチベットへと飛び、そこでジョーの旧友カジと再会する。カジはヒマラヤ山脈にある放棄された鉱山基地の場所を二人に教える。トーテンコップの手下である二人のガイドがポリーにバイアルをひっくり返すよう強要し、二人をダイナマイトでいっぱいの部屋に閉じ込める。ジョーとポリーは部屋が爆発する直前に脱出するが、その衝撃で意識を失い、ポリーのフィルムのほとんどが破壊される。二人は伝説のシャングリラで目を覚ます。そこにいるチベット語を話す僧侶たちは、トーテンコップがチベットの人々を奴隷にし、ウラン鉱山で働かせたことを語る。ほとんどの人は放射線で死んだが、最後の生存者がトーテンコップ博士の隠れ場所の手がかりを提供する。
そこまでたどり着くには燃料が足りず、ジョーの元恋人の一人であるフランキー・クック司令官が指揮するイギリス海軍の飛行空母に遭遇する。フランキーはトーテンコップの島の隠れ家への攻撃を指揮し、ジョーとポリーは水中の入り江から潜入する。ジョーとポリーは恐竜のような生き物がいる島にたどり着くが、ポリーは残り2枚しか撮影できないため、写真を撮るのをためらう。彼らは山の中に秘密の地下施設を発見し、そこではロボットが動物と謎のバイアルを巨大な「ノアの箱舟」ロケットに積み込んでいる。ジョーとポリーは発見されるが、飛行船を操縦するデックスが、行方不明の科学者3人を連れて到着する。彼らは、トーテンコップが人類を見捨て、世界をやり直そうとしている、「明日の世界」を模索していると説明する。バイアルは人類の最も優れた人物の遺伝物質であり、完璧なアダムとイブを生み出すためのものだ。ロケットが宇宙空間に到達すれば、アフターバーナーが大気に引火し、地球上のあらゆるものを死滅させた後、ロケットはトーテンコップの構想に基づき地球を再建するだろう。
一行がトーテンコップ博士の隠れ家に侵入しようとすると、一人の科学者が防御システムによって感電死する。トーテンコップのホログラムが現れ、人類への憎しみと、人類を新たな支配種族として再建する計画について語る。デックスが隠れ家の防御システムを無効化すると、一行は中にトーテンコップのミイラ化した死体を発見する。彼の手には「許してくれ」と書かれた紙切れが握られていた。彼は20年前に亡くなっていたが、彼の機械が計画を継続していたのだ。ジョーは他の者が脱出する間にロケットを内部から破壊することに決める。ポリーも同行しようとするが、ジョーは彼女にキスをしてから気絶させる。ポリーは意識を取り戻し、ジョーの後を追ってジェニングス博士の暗殺者である女性アンドロイドから彼を救う。ジョーとポリーはロケットに乗り込む。ロケットが高度100kmに達し 、第2段が点火して地球を焼き尽くす予定の時、ポリーは緊急ボタンを押し、脱出ポッドに乗った動物たちを全て射出する。ジョーはロケットを無力化しようとするが、同じ暗殺ロボットに邪魔される。彼はロボットに電気武器で衝撃を与え、それを操縦装置に使ってロケットを無力化する。ロケットが爆発する中、ジョーとポリーは最後のポッドを使って脱出する。ジョーとポリーは、クック司令官が飛行空母の群れを率いて自分たちのところへ向かってくる中、動物ポッドが自分たちの脱出ポッドの周りに着水するのを見守る。ポリーはカメラの最後のショットを使って、動物ポッドではなくジョーの写真を撮る。ジョーは彼女がレンズキャップを外すのを忘れていたことに気づく。
ローレンス・オリヴィエは撮影当時すでに13年近く前に亡くなっており、映画では、若い頃の映像と音声をコンピューターで操作して、謎の狂気の科学者でスーパーヴィランであるドクター・トーテンコップ役を演じた。ケビン・J・アンダーソンが書いた小説版では、デクスター・ディアボーンとエディター・ペイリーのフルネームは、デクスター・ディアボーンとモリス・ペイリーとなっている。[ 8 ]
ケリー・コンランは1930年代と1940年代の映画やコミックブックに囲まれて育った。両親は彼と弟のケビンに創造性を伸ばすよう勧めた。彼はカリフォルニア芸術大学のディズニーアニメーター養成プログラムで学び、2Dコンピュータアニメーションに興味を持った。そこで彼は、アニメーションに関連するいくつかの技術を実写に応用できることに気づいた。[ 9 ] 2年後、ハリウッドが経験の浅い新人映画監督にチャンスを与えることは決してないだろうと彼には明らかだったので、彼は自分で映画を作ることにした。[ 7 ]
コンランは、1933年のシカゴ万国博覧会で仕事をし、 1939年のニューヨーク万国博覧会の展示をデザインした工業デザイナー、ノーマン・ベル・ゲデスのデザインに影響を受けた。[ 10 ]ゲデスはまた、シカゴからロンドンまで飛ぶ予定だったエアライナー4号機も設計した。 [ 11 ]
もう一人重要な影響を与えた人物は、 1939年のニューヨーク万国博覧会の設計者の一人で、橋や巨大な住宅団地を設計したヒュー・フェリスです。 [ 10 ]彼はアメリカのデリンショナー（建物の透視図を作成する人）であり、建築家でもありました。1922年、超高層ビル建築家のハーヴェイ・ワイリー・コーベット[ 12 ]は、 1916年のゾーニング決議 の建築上の影響を示す4つの段階的な透視図を描くよう[ 13 ]依頼しました。これらの4つの図面は、後に彼の1929年の著書『明日の都市』（ドーバー出版、2005年、ISBN）で使用されました。 0-486-43727-2)
1939年のニューヨーク万国博覧会自体と、その未来的なテーマである「明日の世界」について、コンランは次のように述べています。「…明らかにタイトルは万博を指しており、その精神は楽観主義と気まぐれな感覚で未来を見据えることであり、ご存知のように、私たちが空想の中で失ってしまったものです。私たちはより皮肉的で、より現実的になっています…この映画がしようとしているのは、その熱意と純粋さを取り上げ、それを称賛すること、つまり、今日私たちが固執している実用性に囚われないことだと思います。」[ 14 ]
コンランは、特にニューヨーク市の冒頭シーンで顕著に表れているドイツ表現主義からの影響を認めている。「初期のドイツ映画は、今日私たちが目にするものとは全く異なる美学から生まれた。このプロジェクトを始める前に最後に見たものの1つは、ラングが手掛けた『ドクトル・マブゼ』シリーズだった。芸術とプロパガンダの使い方は、非常に刺激的だった。」[ 14 ]
コンランは自身の影響について次のように要約した。「私たちは、まるでその時代に生きていて、それらの作品やインスピレーションから作品を作ろうとしているアーティストのグループの一員であるかのようにアプローチしようとしました。私たちは、この映画がその時代の失われた映画のように感じられるようにしたかったのです。パルプアートやゴールデンエイジコミックの歴史の脚注にならなくても、それで十分です。素晴らしいことです。たとえ私たちが、人々にそれらの作品を再調査するよう促すだけでも、私たちは十分なことをしたことになります。」[ 14 ]
『スカイキャプテン』は宮崎駿監督のアニメ映画『天空の城ラピュタ』 （1986年）と多くの共通点がある。空賊が原始的な機械、大型飛行船、軍事文化に焦点を当てている点は似ている。どちらの物語も、高度な技術を持つ島を支配する邪悪な狂人と、その島を探す物語である。『ラピュタ』では邪悪な狂人が島を探しているが、『スカイキャプテン』では最初から島が狂人の拠点となっている。『スカイキャプテン』のメッセージは主に映画のジャンルに関するものだが、『ラピュタ』には宮崎監督の作品のほとんどに見られる強い反戦と反技術のテーマがある。[ 15 ]どちらも1941年のスーパーマンのアニメ短編『機械の怪物』に敬意を表している。
1994年、コンランは自宅のリビングルームにブルースクリーンを設置するなど、映画製作に必要な道具を揃え始めた。彼は既存のシステムで制作することには興味がなく、スティーブン・ソダーバーグのような独立系映画監督の道を辿りたいと考えていた。当初、ケリーと彼の兄弟は「飛行機を操縦する男」という漠然としたイメージしか持っていなかった。「インディ・ジョーンズとか、自分たちが好きなものなど、ありきたりなことばかり話していた」[ 16 ]。コンランは4年間かけて、Macintosh IIciパーソナルコンピュータで、昔ながらの連続活劇風の白黒のティーザー予告編を制作した。完成後、コンランはそれをプロデューサーのマーシャ・オグルズビーに見せた。オグルズビーは彼の兄弟の妻の友人で、プロデューサーのジョン・アヴネットに見せるよう勧めた。コンランはアヴネットに会い、予告編を見せた。コンランはそれを映画にしたいと伝えた。彼らは2、3日かけて映画のトーンについて話し合った。[ 17 ]
アヴネットとコンランは、数多くのジャンル関連の引用やオマージュを含む脚本に2年間を費やし、協力関係を築いた。その後、プロデューサーは脚本と予告編を持って俳優にアプローチし始めた。コンランのビジョンを守るため、アヴネットは自費を投じて自主制作で映画を撮ることにした。プロデューサーは、「この映画を私にとって、そして観客にとっても非常に魅力的なものにしていたのは、その個人的な性質とビジョンの独自性であり、それはスタジオ内での開発プロセスでは決して成功せず、生き残ることもなかっただろう」と気づいた。[ 5 ]
アヴネットは、アウレリオ・デ・ラウレンティスを彼の会社フィルマウロを通じて説得し、配給契約なしで映画の資金提供を取り付けた（パラマウント・ピクチャーズは後にこの映画の世界配給権を獲得した）。撮影の9か月前、アヴネットはコンランを俳優たちに会わせ、リハーサルを開始させ、内気な映画監督の殻を破ろうとした。アヴネットはカリフォルニア州ヴァン・ナイズの廃墟となった建物に、ブルースクリーンのサウンドステージを備えた特注のデジタルエフェクトスタジオを設置した。100人近いデジタルアーティスト、モデラー、アニメーター、コンポジターのグループが、まだ撮影されていない実写映像のために、多層構造の2Dおよび3Dの背景を作成した。
映画全体は手描きのストーリーボードでスケッチされ、その後、コンピュータ生成の3Dアニマティクスとして再作成され、すべての2D背景写真は1939年の設定に似せるためにデジタルでペイントされました。アニマティクスをガイドとして、カメラと俳優の動きをマッピングするためのグリッドが作成され、実際の俳優の代わりにデジタルキャラクターが使用されました。グリッドは、俳優が目に見えないセットの周りを移動できるように、ブルースクリーンのステージの床に実際のマップとして作成されました。[ 18 ]
コンランは俳優たちと映画を製作する10か月前に、ロサンゼルスでスタンドインを使って全編を撮影し、その後、俳優たちが映画がどんな風に見えるか、サウンドステージでどこを動けばいいかを把握できるように、映画全体をアニマティクスで作成した。映画の準備として、コンランはキャストに古い映画を見せた。パルトロウの演技のためにローレン・バコール主演の『脱出』 （1944年）を、ジョーとポリーの関係に反映されるニックとノラの関係のために『影なき男』（1934年）を見せた。 [ 7 ]アヴネットは、この綿密に設計された映画の中で、サウンドステージで自由に動き回れるなど、俳優が必要とする自由のための余地を常に求めた。
コンランとアヴネットは、映画全体を26日間で撮影することでコストを大幅に削減することができた。これは、大作映画に通常割り当てられる3～4か月のスケジュールよりもはるかに短い。撮影にはソニーのHDW-F900 [ 19 ]を使用した高解像度ビデオを使用し、主にロンドンのエルストリー・スタジオのステージ2（ジョージ・ルーカス・ステージ） [ 20 ]の3つのブルースクリーンで作業したが、注目すべき例外が1つあった。コンランは、ポリーが編集者のオフィスで彼と話すシーンを後から追加したが、ブルースクリーンのサウンドステージで撮影する時間がなかったため、実際のセットで撮影した。[ 7 ] HDカメラからの映像はスイッチャーを通して、Final Cut Proを実行するMacintoshコンピュータに送られ、映画制作者はアニメーションと実際のステージ上の映像を同期させることができた。コンランは、このイノベーションがなければ、「この映画をどうやって作ったのかわかりません。何もなかった状況で、すべてを同期させることができたのは本当にこれでした」と語った。[ 18 ]撮影が終わるたびに、映像は編集され、ロサンゼルスの編集者に一晩で送られ、そこでCGが追加されて送り返された。
撮影終了後、彼らは 24 分のプレゼンテーションを作成し、2003 年 6 月にすべてのスタジオに持ち込んだ。多くの関心が寄せられ、アヴネットはコンランに最もクリエイティブな自由を与えてくれるスタジオを選んだ。映画の野心的なビジュアルを完成させるにはスタジオの支援が必要だった。ある時点でプロデューサーは、コンランが「長期間にわたって 1 日 18 ～ 20 時間働いていた」ことを覚えている。「 1 年で 2,000 ショット以上の CG ショットが完成し、私たちは文字通り、これをどうやるかを理解するためにコードを書かなければならなかった！」[ 21 ]ポスト プロダクション作業のほとんどは Mac ワークステーションで行われ、合成にはAfter Effects、編集には Final Cut Pro が使用された (7 台のワークステーションがビジュアル エフェクトとプロダクション編集専用だった)。映画の独特なルックは、映像を拡散フィルターに通し、その後、色をブレンド、バランス調整して再び加える前に白黒に着色することによって実現された。
1989年に亡くなったローレンス・オリヴィエは、死後、悪役でマッドサイエンティストのドクター・トーテンコップ役で登場する。彼の姿は、 BBCのアーカイブ映像をデジタル処理して作られたもので、彼の出演作品リストにまた一つ加わった。同様の手法は、2年後の『スーパーマン リターンズ』（2006年）でマーロン・ブランドーによって使用された。
アヴネットは、まず公開日を2004年半ばの『スパイダーマン2』の1週間前に9月に変更することで、計算された公開戦略を展開した。彼はインターネットメディアに働きかけ、最終的には主要キャストメンバーと共にサンディエゴ・コミコンに登場し、事前の話題作りを試みた。[ 21 ]
作曲家のエドワード・シアマーは、ハリウッド黄金時代の作曲家たちのスタイルで映画のオーケストラ音楽を作曲し、映画のエンドタイトルシーケンスには、アメリカのジャズシンガー、ジェーン・モンハイトが歌う「オーバー・ザ・レインボー」の新録音が使用され、これらはすべてソニー・クラシカルのオリジナル映画サウンドトラックに収録された。[ 22 ]ラ・ラ・ランド・レコードは、2017年に完全版スコアを収録した限定版2枚組セットをリリースした。[ 23 ]
『スカイキャプテン ワールド・オブ・トゥモロー』は、2004年9月17日の公開日に初登場1位となり、公開週末に1550万ドルを稼ぎ出すなど、興行収入への期待が高かった。しかし、北米での興行収入は3770万ドルにとどまり、推定製作費7000万ドルを下回った。その他の地域では2010万ドルを稼ぎ、全世界での最終的な興行収入は5790万ドルとなった。この映画は興行的に失敗作とみなされている。[ 24 ]
監督のケリー・コンランの弟であるプロダクションデザイナーのケビン・コンランは、2015年のインタビューでこの予算額に異議を唱えた。「個人的にはその（予算額）には非常に異議があり、そのお金がどこに行ったのか誰かに教えてもらいたいものです…私はその数字を支持していませんし、これまでも支持したことはありません。初日にジョン・アヴネットのオフィスに入ると、彼は『制作費はいくら欲しい？』と尋ねたので、私たちは300万ドルと答えました。300万ドルでこの映画のバージョンを作ることもできたはずです。白黒で、有名俳優は出演させなかったでしょう…それでも、この企画全体は2000万ドル以下になるはずでした。どうやって2000万ドルから7000万ドルになったのか、教えてください。」[ 25 ]
Rotten Tomatoesでは、この映画は 221 件のレビューに基づいて 71% の支持率を獲得しており、平均評価は 6.8/10 です。同サイトの批評家の総意は、「スカイ キャプテン ワールド オブ トゥモローはプロットとキャラクター描写が薄いが、映像がそれを十分に補っている」と述べています。[ 26 ] Metacritic では、36 人の批評家によるレビューに基づいて 100 点満点中 64 点を獲得しており、「概ね好意的なレビュー」を示しています。[ 27 ] CinemaScore が調査した観客は、A から F のスケールでこの映画に B− の評価を与えました。[ 28 ]
カナダのネットワークSpace は、本作に 2005 年の Spacey Award の最優秀 SF/ファンタジー映画賞を授与した。[ 29 ]ロジャー・エバートは本作を強く支持した一人で、4 つ星中 4 つ星を与え、「その奔放なエネルギーと喜びは、初めて『レイダース/失われたアーク《聖櫃》』を見たときの気持ちを思い出させた。まるで、現実を経由することなく、想像から直接スクリーンに飛び出した映画のようだ」と称賛した。[ 30 ]本作は、 IGN FilmForce で 5 つ星中 5 つ星を獲得した数少ない作品の 1 つです。[ 31 ]シカゴ リーダー のレビューでJR ジョーンズは、「ケリー・コンランのこのデビュー作は、技術的な熟練度だけでなく、そのセンスの良さでも勝利を収めている」と書いた。[ 32 ]エンターテインメント ウィークリーは本作に「A−」の評価を与え、「投資は楽観的で賢明だ。スカイ キャプテンは、ゴージャスで面白く、歓迎すべき斬新さだ」と述べた。[ 33 ]
他の批評家の熱狂はやや控えめだった。例えば、ニューヨーク・タイムズのスティーブン・ホールデンは、その映像と過ぎ去った時代の想起を称賛したが、「セピア色のモノクロのバリエーションは、俳優とその冒険を洗練された美的距離に保っている…時折、映画は見づらい。そして、アクションが加速するにつれて、その視覚的コンセプトの素晴らしさはSFの決まり文句に取って代わられ始める」と述べた。[ 34 ] USAトゥデイは、この映画は「内容よりもスタイルが重視され、巧妙な手品だが退屈な映画だ」と述べた。[ 35 ]ワシントン・ポストのスティーブン・ハンターは、これを「7000万ドルの目新しいアイテム」と呼んだ。[ 36 ]
初監督となるコンランは、自身の映画に古典的なジャンル映画へのオマージュを数多く取り入れた。
パルプ雑誌やコミックの黄金時代のアーティストやライター、例えばエアボーイのような人たちの作品は、まさに私たちの手本でした。ある程度はそこから拝借し、ある程度はそれを発展させました。そして、私たち自身の感性を十分に加えられたことを願っています。私たちは、まるでその時代に生きていて、それらの作品やインスピレーションから構成される作品を作ろうとしているアーティストのグループの一員であるかのようにアプローチしようとしました。私たちは、この映画が、その時代の失われた映画のように感じられるようにしたかったのです。[ 37 ]
映画に登場する巨大ロボット軍団（都市上空を飛行するロボットと、後にスカイキャプテンの巨大な倉庫に保管されている様々なモデル、特に「5」番と指定されたロボット）は、フライシャー・スタジオが制作したパラマウント・ピクチャーズのスーパーマンのアニメーション『メカニカル・モンスターズ』（1941年）へのオマージュである。スカイキャプテンを呼び出す無線信号塔は、 RKOのカラーロゴを様式化したものである（この映画は、RKOの後継会社であるRKOジェネラルが企業不正行為の結果としてテレビ局を売却した後に公開された）。巨大ロボットの熱線は、1953年版『宇宙戦争』に登場する火星人の飛行機械と同じ効果音を使用している。
映画の冒頭で世界中の新聞の切り抜きが映し出されると、日本の新聞にはゴジラの象徴的なシルエットがはっきりと見える。同様に、スカイキャプテンが巨大ロボットを止めるために爆弾を投下するニューヨークのシーンでは、背景のエンパイアステートビルにキングコングの形が見える。[ 38 ]水中での空中戦のシーンでは、一瞬、ベンチャー という名前の船の残骸がライトで映し出される。ベンチャーとは、1933年版のキングコングでスカルアイランドに航海した貨物船のことである。同じシーンには、タイタニック号の残骸と思われるものと、アトランティスの伝説を暗示していると思われる古代の海底都市が映し出される。
悪役のメインロゴは、クリムゾン・スカイズのロゴと驚くほどよく似ている[ 39 ]。このゲームの世界は、一部の批評家が映画とスタイルやプロットの類似点があると指摘している[ 40 ] [ 41 ] 。
フライング・レギオンは、 G-8とそのバトルエース、キャプテン・ミッドナイト、ブラックホーク飛行隊といったパルプ雑誌やコミックブックのヒーローへのオマージュである。監督ケリー・コンランの弟であるプロダクションデザイナーのケビン・コンランは、飛行する人型ロボットのデザインを、DCコミックスのスーパーヒーロー、アダム・ストレンジが着用するヘルメットや、コマンドー・コディのロケットパックの操縦装置などを参考にしている。 [ 42 ]
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