ジュエリー

ジュエリー（アメリカ英語ではjewellery ）は、ブローチ、指輪、ネックレス、イヤリング、ペンダント、ブレスレット、カフスボタンなど、個人の装飾として身に着けられる装飾品です。ジュエリーは身体や衣服に付けられます。西洋の観点から見ると、この用語は耐久性のある装飾品に限定されており、たとえば花は除きます。何世紀にもわたって、金などの金属は宝石と組み合わせられることが多く、ジュエリーの通常の素材でしたが、ガラス、貝殻、その他の植物素材などの他の素材が使用されることもあります。

宝飾品は考古学的遺物の中でも最も古い種類の1つで、ナサリウス貝で作られた10万年前のビーズが最古の宝飾品と考えられています。^[1] 宝飾品の基本的な形態は文化によって異なりますが、非常に長寿命であることが多いです。ヨーロッパの文化では、上記に挙げた最も一般的な形態の宝飾品は古代から存在し続けていますが、他の文化では重要な鼻や足首の装飾品などの他の形態はそれほど一般的ではありません。

ジュエリーは、さまざまな素材から作られます。宝石や、琥珀や珊瑚などの類似の素材、貴金属、ビーズ、貝殻が広く使用されており、エナメルも重要な素材です。ほとんどの文化では、ジュエリーはその素材の特性、模様、または意味のあるシンボルのため、ステータスシンボルとして理解されています。ジュエリーは、ヘアピンからつま先リング、さらには性器のジュエリーまで、体のほぼすべての部分を飾るために作られてきました。現代のヨーロッパ文化では、成人男性が身に着けるジュエリーの量は、他の文化やヨーロッパ文化の他の時期と比較して比較的少ないです。

ジュエリーという語自体は、古フランス語の「jouel」^[2]が英語化した「jewel 」という語から派生し、さらにラテン語の「jocale」（おもちゃを意味する）に変化した。イギリス英語、インド英語、ニュージーランド英語、アイルランド英語、オーストラリア英語、南アフリカ英語では、jewelleryと綴られる。アメリカ英語ではjewelryと綴られる。^[3]カナダ英語 では、どちらも使用されている。しかし、jewelryの方が2倍多く使われている。フランス語やその他いくつかのヨーロッパ言語では、同義語のjoaillerieは、人が身に着ける物だけでなく、美術品や教会用品などの貴金属で装飾された金属細工も指すことがある。

人類はさまざまな理由でジュエリーを使用してきました。

• 機能的、一般的には衣服や髪を固定する。
• 結婚指輪のように社会的地位や個人の地位を示すものとして
• 民族的、宗教的、社会的など、何らかの所属の象徴として
• 護符の形で魔除けの保護を与えること[ ^4]
• 芸術的な展示として
• 愛、哀悼、個人的な節目、幸運など、個人的な意味の担い手または象徴として
• 一般的に良い投資と考えられている
• 迷信^[5]

ほとんどの^{文化では、ある時点で、大量の富を宝石の}形で保管する習慣がありました。多くの文化では、結婚持参金を宝石の形で保管したり、コインを保管または展示する手段として宝石を作ったりしています。あるいは、宝石は通貨や売買商品として使用されてきました。^{[6]一例として、}奴隷用ビーズの使用が挙げられます。^[7]

ブローチやバックルなどの宝飾品の多くは、もともと純粋に機能的なアイテムとして誕生しましたが、機能的な要件が低下するにつれて装飾品へと進化しました。^[8]

ジュエリーは、グループのメンバーであること（キリスト教の 十字架やユダヤ教 のダビデの星など）や地位（職務の鎖や西洋の結婚した人が結婚指輪を着ける習慣など）を象徴することがあります。

一部の文化では、魔除けや保護のためにお守りや信仰のメダルを身に着けることが一般的です。これらは、シンボル（アンクなど）、石、植物、動物、体の一部（カムサなど）、または象形文字（イスラム美術における玉座詩の様式化されたバージョンなど）の形をとることがあります。^[9]

ジュエリーの作成には、宝石、コイン、またはその他の貴重な品がよく使用され、通常は貴金属にセットされます。プラチナ合金は、900（純度90%）から950（純度95%）の範囲です。ジュエリーに使用される銀は通常、スターリングシルバー、つまり92.5%純銀です。コスチュームジュエリーでは、ステンレス鋼の金具が使用されることがあります。

よく使われる他の素材には、溶融ガラスやエナメルなどのガラス、彫刻や旋盤加工が施されていることが多い木材、貝殻や骨や象牙などの他の天然動物性物質、天然粘土、ポリマー粘土などがあります。より自然な感触のジュエリーを作るために、麻やその他のより糸も使用されてきました。ただし、鉛や鉛はんだが含まれていると、英国の検査所（英国のジュエリーに承認の印であるホールマークを付与する機関）がその作品を破棄する権利を持ちますが、検査所がそうすることは非常にまれです。

ビーズはジュエリーによく使われます。これらはガラス、宝石、金属、木材、貝殻、粘土、ポリマー粘土で作られます。ビーズジュエリーには、ネックレス、ブレスレット、イヤリング、ベルト、指輪などが含まれます。ビーズは大きいものも小さいものもあり、使用される最も小さいタイプのビーズはシードビーズと呼ばれ、ビーズジュエリーの「織り」スタイルに使用されるビーズです。シードビーズは刺繍技法にも使用され、布の裏地に縫い付けられて幅広の襟付きネックピースやビーズブレスレットが作られます。ビクトリア朝時代に人気のあった手仕事の一種であるビーズ刺繍は、現代のジュエリー作りで復活を遂げています。ビーズ細工は、アフリカや北米の先住民の多くの文化でも非常に人気があります。

銀細工師、金細工師、宝石細工師は、鍛造、鋳造、はんだ付けまたは溶接、切断、彫刻、および「冷間接合」（接着剤、ホッチキス、リベットを使用して部品を組み立てる）などの方法を使用します。^[10]

ダイヤモンドはインドで初めて採掘されました。^[11] プリニウスも言及していた可能性がありますが、彼がアダマスと呼んだ石の正確な性質については議論があります。^[12] 2005年、オーストラリア、ボツワナ、ロシア、カナダが宝石ダイヤモンドの主要産地としてランク付けされました。^{[13]特定の地域では、ダイヤモンド取引による悪影響があります。}アンゴラ、コートジボワール、シエラレオネ、その他の国での最近の内戦中に採掘されたダイヤモンドは、戦争地帯で採掘され、反乱軍の資金​​源として販売されたため、血のダイヤモンドと呼ばれています。^[14]

英国の王冠の宝石には、史上最大の宝石質のダイヤモンド原石（1905年）の一部であるカリナン ダイヤモンド（3,106.75カラット、621.35グラム） が含まれています。

現在では婚約指輪に人気があるが、この使用法は1477年のマクシミリアン1世とブルゴーニュ公マリーの結婚にまで遡る。^[15]

人気のあるスタイルは、1つの大きなダイヤモンドが目立つようにセットされたダイヤモンドソリティアです。^[16]ソリティアには、プロングセッティング、ベゼルセッティング、テンションセッティングの3つのカテゴリがあります。^[17]

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  ジェイド
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  碧玉
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  ルビー
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  サファイア
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  ターコイズ

ジュエリーには多くの貴石や半貴石が使われています。その中には次のようなものがあります。

アンバー

琥珀は古代の有機宝石で、長い年月をかけて硬化した樹脂からできています。琥珀として分類されるには、少なくとも 100 万年前の石でなければなりませんが、中には 1 億 2000 万年前のものもあるのです。

アメジスト

アメジストは歴史的にクォーツ族の中で最も珍重される宝石です。明るい色調から暗い色調まで変化する紫色の色合いが珍重されています。

エメラルド

エメラルドは、ルビーとサファイアとともに三大宝石の 1 つであり、美しい緑から青みがかった緑色で知られています。エメラルドは歴史を通じて珍重されてきました。一部の歴史家は、エジプト人が紀元前 3500 年頃にはすでにエメラルドを採掘していたと報告しています。

ジェイド

翡翠は一般的に緑色と結び付けられますが、他の色もいくつかあります。翡翠はアジアの文化、歴史、伝統と密接に結びついており、天国の石と呼ばれることもあります。

碧玉

ジャスパーは、さまざまな色がある玉髄系の宝石です。多くの場合、ジャスパーは、色石の中にユニークで興味深い模様が見られます。ピクチャージャスパーは、色 (多くの場合、ベージュと茶色) と石の模様の渦巻きで知られるジャスパーの一種です。

石英

クォーツは、さまざまな色とサイズの結晶質の宝石のグループを指します。よく知られているクォーツの種類には、ローズクォーツ（淡いピンク色）やスモーキークォーツ（さまざまな半透明の茶色）などがあります。アメジストやシトリンなどの他の宝石もクォーツのグループに属します。ルチルクォーツは、針状の含有物を含む人気の高いタイプのクォーツです。

ルビー

ルビーは鮮やかな赤色で知られ、最も価値の高い宝石の一つです。ルビーは何千年もの間大切にされてきました。サンスクリット語でルビーは「宝石の王」を意味する「ratnaraj 」です。

サファイア

サファイアの最も人気のある形はブルーサファイアで、中程度から濃い青色と強い彩度で知られています。さまざまな色のファンシーサファイアも入手可能です。米国では、ブルーサファイアは 3 大宝石 (エメラルド、ルビー、サファイア) の中で最も人気があり、最も手頃な価格です。

ターコイズ

トルコ石は地球上のほんの数か所でしか採れませんが、世界最大のトルコ石の産地は米国南西部です。トルコ石は、その魅力的な色 (ほとんどの場合、濃いミディアムブルーまたは緑がかったブルー) と、その古代の伝統により珍重されています。トルコ石は、さまざまなスタイルのジュエリーに使用されています。おそらく、南西部やネイティブアメリカンのジュエリーと最も密接に関連していますが、洗練されたモダンなスタイルのジュエリーにも使用されています。一部のトルコ石には、濃い茶色の模様のマトリックスが含まれており、宝石の明るい青色と興味深いコントラストを生み出しています。

一部の宝石（真珠、サンゴ、琥珀など）は有機宝石に分類され、つまり生物によって生成されたものです。その他の宝石は無機宝石に分類され、つまり鉱物から生成され、構成されています。

アメジストなどの宝石は、採掘方法や輸入方法が進歩するにつれて価値が下がってきた。人工宝石の中には、ダイヤモンドの代わりにキュービックジルコニアなど天然宝石の代わりになるものもある。 ^[18]

プラチナ、ゴールド、シルバーのジュエリーには、仕上げを施す技法が数多くあります。最も一般的なのは、ハイポリッシュ、サテン/マット、ブラッシュ、ハンマー仕上げです。ハイポリッシュ仕上げのジュエリーは最も一般的で、金属に高い反射率と光沢のある外観を与えます。サテンまたはマット仕上げは、ジュエリーの輝きと反射を抑え、ダイヤモンドなどの宝石を引き立たせるためによく使用されます。ブラッシュ仕上げは、ジュエリーに質感を与え、サンドペーパーのような素材を金属にブラッシングして「ブラシの跡」を残すことで作られます。ハンマー仕上げは通常、丸いスチールハンマーを使用してジュエリーを叩き、波状の質感を与えます。

一部のジュエリーは、光沢のある反射的な外観にするため、または希望の色を実現するためにメッキされています。スターリング シルバーのジュエリーは、0.999 純銀の薄い層でメッキされるか (フラッシングと呼ばれるプロセス)、ロジウムまたは金でメッキされます。ベース メタルのコスチューム ジュエリーも、より魅力的な仕上げのために、銀、金、またはロジウムでメッキされることがあります。

宝石は地位を示すために使われてきました。古代ローマでは、特定の階級の人だけが指輪をつけることができました。 ^[19]後には贅沢禁止法により、誰がどのような宝石をつけることができるかが定められました。これもまた、当時の市民の階級に基づいていました。

文化的な慣習も重要な役割を果たしてきました。たとえば、19世紀から20世紀初頭にかけて、西洋の男性がイヤリングを着けることは女々しいことと考えられていました。最近では、ピアスなどのボディジュエリーを披露することは、一部のグループでは受け入れられていることの証、または勇気の証と見なされていますが、他のグループでは完全に拒否されています。同様に、ヒップホップ文化では、男性または女性が派手にジュエリーを披露することを指す俗語「bling-bling」が普及しました。

逆に、20世紀初頭の宝飾品業界は、男性用の結婚指輪を普及させるキャンペーンを開始し、人気を博したが、男性用の婚約指輪も人気を博さず、偽の歴史を作り上げ、その習慣は中世に起源を持つと主張するまでになった。1940年代半ばまでに、米国の結婚式の85％はダブルリングセレモニーを特徴としており、1920年代の15％から増加した。^[20]

いくつかの宗教では、宝飾品に関する特定の規則や伝統があり（あるいは禁止している）、多くの宗教では過度の露出を禁じる布告がある。例えば、イスラム教では、男性が金を身につけることはハラームとみなされている。^[21]イスラムの宝飾品の大部分は、花嫁持参金の形をとっており、伝統的に世代から世代へと受け継がれることはなく、女性が亡くなったときにスークで売られ、再利用されるか、通行人に売られた。そのため、19世紀以前のイスラムの宝飾品は非常に希少である。^[22]

ジュエリーの歴史は長く、何年も遡り、さまざまな文化の中でさまざまな用途に使われてきました。ジュエリーは何千年もの間存続し、古代文化の仕組みについてさまざまな洞察を提供してきました。

最も古いジュエリーは、実は人類（ホモ・サピエンス）ではなく、ヨーロッパに住んでいたネアンデルタール人によって作られたものである。具体的には、スペイン南東海岸沿いの洞窟、クエバ・デ・ロス・アビオネスで、115,000年前の小さな貝殻で作られた穴あきビーズが発見されている。後にケニアのエンカプネ・ヤ・ムトでは、穴あきダチョウの卵の殻で作られたビーズが40,000年以上前のものとされている。ロシアでは、石のブレスレットと大理石の指輪が同様の年代のものとされている。^[23]

その後、ヨーロッパの初期現代人は、骨、歯、ベリー、石でできた粗雑なネックレスやブレスレットを紐や動物の腱に吊るしたり、衣服を留めるために彫刻した骨片を使ったりしていた。場合によっては、ジュエリーに貝殻や真珠層が使われているものもあった。2015年、ノース・ヨークシャーのスター・カー遺跡で、紀元前11,000年頃の装飾彫刻ペンダント（スター・カー・ペンダント）が発見された。これは英国最古の中石器時代の芸術品と考えられている。 ^[24]南ロシアでは、マンモスの牙で作られた彫刻ブレスレットが発見されている。ホーレ・フェルスのビーナスは上部に穴があいており、ペンダントとして着用することを意図していたことがわかる。

約7000年前、銅製の宝飾品の最初の痕跡が見られました。^[8] 2012年10月、オーストリア南部の古代史博物館は、女性の宝飾品職人の墓を発見したことを発表しました。これは、以前は男性だけが担っていた職業であると考えられていた女性の金属加工職人の墓であることが判明し、考古学者は先史時代の性別の役割を改めて見直す必要に迫られました。^[25]

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  ビーズの連なり。紀元前 3650～3100 年。ラピスラズリ(青いビーズ) とトラバーチン(白いビーズ) (エジプト産アラバスター)。長さ: 4.5 センチメートル (1.8 インチ)。ナカダ II文化またはナカダ III文化。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  ビーズの連なり。紀元前3300～3100年。カーネリアン、ガーネット、石英、釉薬をかけたステアタイト。長さ20.5センチメートル（8.1インチ）。ナカダ3世文化の作品。メトロポリタン美術館所蔵
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  太陽のシンボルの腕輪、紀元前16～13世紀（青銅器時代後期）、青銅、ドイツ国立博物館（ニュルンベルク）
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  ネックレス。おそらく紀元前2600～1300年。カーネリアン、骨、石。サルク・アル・ハディド（アラブ首長国連邦）より

古代エジプトでジュエリー作りが確立された最初の兆候は、約3,000〜5,000年前にありました。^[26]エジプト人は、他の金属よりも金の豪華さ、希少性、加工のしやすさを好みました。先王朝時代のエジプトでは、ジュエリーはすぐにコミュニティの政治的および宗教的権力の象徴になりました。裕福なエジプト人は生前もジュエリーを身に着けていましたが、死後もジュエリーを身に着け、副葬品の中に入れられることがよくありました。

エジプト人は金の宝飾品とともに、色ガラスや半貴石も使用しました。宝飾品の色には意味があり、たとえば緑は豊穣を象徴していました。ラピスラズリと銀は国外から輸入する必要がありました。

エジプトのデザインはフェニキアの宝飾品で最も一般的でした。また、ペルシャの宝飾品に見られる古代トルコのデザインは、中東とヨーロッパの間の貿易が珍しくなかったことを示唆しています。女性は儀式で使われる精巧な金や銀の装身具を身に着けていました。^[26]

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  ツタンカーメンの胸飾り（胸部装飾品）；紀元前1336～1327年（ツタンカーメン治世）；金、銀、隕石ガラス；高さ：14.9 cm（5.9インチ）；エジプト博物館（カイロ）
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  ペンダント、紀元前 1069年頃、金とトルコ石、全体：5.1×2.3センチメートル（2.01インチ×0.91インチ）、クリーブランド美術館（クリーブランド）
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  印章指輪、紀元前664～525年、金製、直径3×3.4センチメートル（1.2×1.3インチ）、大英博物館（ロンドン）
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  シタソリウネット王女の胸飾りと首飾り。紀元前1887～1813年。金、カーネリアン、ラピスラズリ、トルコ石、ガーネット、長石。胸飾りの高さ：4.5センチメートル（1.8インチ）。メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）

ベルベル文化のジュエリーは、北アフリカのマグリブ地域の農村地帯に住む女性や少女が身につける伝統的なジュエリーのスタイルです。この地域には先住民族のベルベル人（ベルベル語ではアマジグ、イマジゲン、複数形）が住んでいます。長い社会的、文化的伝統に従い、モロッコ、アルジェリア、近隣諸国のさまざまなベルベル人グループの銀細工師は、女性を飾る複雑なジュエリーを創作し、民族的アイデンティティの一部を形成しました。伝統的なベルベル人のジュエリーは通常銀で作られ、三角形のプレートとピン（フィブラ）で作られた精巧なブローチが含まれます。これらはもともと衣服の留め具として使用されていましたが、ネックレス、ブレスレット、イヤリングなどのアイテムもあります。

もう一つの主要なタイプは、いわゆるクミッサ（アラビア語の「5」を意味する「khamsa」の現地発音）で、ベルベル語（タマジグト語）ではアフスと呼ばれています。この形は手の5本の指を表し、イスラム教徒とユダヤ教徒の両方から邪眼から身を守ると伝統的に信じられています。^[27]

世界最古の金の宝飾品は紀元前4600年から紀元前4200年にかけてのもので、ヨーロッパのブルガリアの黒海沿岸近くにあるヴァルナ墓地遺跡で発見されました。^{[28] [29] [30]}

ブルガリアの先史時代の発見物の中には、ホトニツァやドゥランクラクの黄金の財宝、パザルジク近郊のクルガン集落ユナツィテの遺物、サカルの黄金の財宝、プロヴァディアのクルガン集落ソルニツァタ（ 「塩の採掘場」）で発見されたビーズや金の宝飾品など、同様に古いと考えられているものがいくつかある。しかし、ヴァルナの金は最も大きく、最も多様であるため、最も古いと言われることが多い。^[31]

約5000年前までに、メソポタミアの都市では、宝飾品作りが重要な工芸品となっていた。最も重要な考古学的証拠は、紀元前2900年から2300年頃の数百の埋葬地が発掘されたウルの王家の墓地からのものである。プアビの墓などの墓からは、金の置物で飾られたラピスラズリの王冠、体にぴったり合う首輪のネックレス、宝石の頭が付いたピンなど、金、銀、半貴石で作られた多数の工芸品が出土した。アッシリアでは、男性も女性も、お守り、足首のブレスレット、重厚な多重連のネックレス、円筒印章など、大量の宝飾品を身に着けていた。^[32]

メソポタミアの宝飾品は薄い金属の板から作られ、多数の鮮やかな色の石（主に瑪瑙、ラピスラズリ、カーネリアン、ジャスパー）がはめ込まれていた。好まれた形には、葉、渦巻き、円錐、ブドウの房などがあった。宝石職人は、人間が使用するものと、彫像や偶像を飾るものの両方を制作した。彼らは、七宝焼き、彫刻、細粒化、線条細工など、多種多様な洗練された金属加工技術を採用した。^[33]

メソポタミアの考古学遺跡からは、宝飾品の取引と製造に関する広範囲かつ綿密に保管された記録も発掘されています。たとえば、マリ王家の記録には、さまざまな宝飾品の構成が記されています。

• 斑点のある平らな玉髄ビーズのネックレス 1 個、これには斑点のある平らな玉髄ビーズ 34 個、および金の溝付きビーズ 35 個が 5 個ずつ含まれます。
• 平らな斑点のある玉髄ビーズのネックレス 1 点。これには平らな斑点のある玉髄ビーズ 39 個と、吊り下げ装置を構成する 41 個の溝付きビーズが含まれます。
• 丸いラピスラズリビーズが付いたネックレス1点。丸いラピスラズリビーズ28個と留め具用の溝付きビーズ29個。^[34]

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  シュメールのネックレスビーズ、紀元前2600～2500年、金とラピスラズリ、長さ54センチメートル（21インチ）、メトロポリタン美術館
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  ネックレス、紀元前2600～2500年、金とラピスラズリ、長さ22.5センチメートル（8.9インチ）、ウル（イラク）の王家墓地、メトロポリタン美術館
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  楔形文字の碑文が刻まれたイヤリング一組、紀元前 2093-2046 年、金製、スレイマニヤ博物館(イラク、スレイマニヤ)
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  ウルの王家墓地の王族（および個人）の墓から発見されたシュメールのネックレスや帽子。着用方法を示していると思われる。大英博物館（ロンドン）

ギリシャ人は紀元前1600年に金や宝石をジュエリーに使い始めましたが、貝殻や動物の形をしたビーズはそれより以前にも広く生産されていました。紀元前1500年頃、ギリシャにおける金の加工技術としては、鋳造、棒のねじり、針金作りなどが主に使われていました。^[36]これらの洗練された技術の多くはミケーネ時代に人気がありましたが、残念ながらこの技術は青銅器時代の終わりに失われました。古代ギリシャのジュエリーの形状や形は、腕輪（紀元前13世紀）、ブローチ（紀元前10世紀）、ピン（紀元前7世紀）など、青銅器時代以降大きく変化しています。その他のジュエリーの形状には、花輪、イヤリング、ネックレス、ブレスレットなどがあります。ギリシャの金加工技術がいかに高品質であったかを示す良い例としては、「金のオリーブの花輪」（紀元前4世紀）が挙げられます。これは、オリンピックなどの運動競技の優勝者に賞品として贈られる花輪をモデルにしています。紀元前600年から475年までの宝飾品は考古学的記録にあまり残っていないが、ペルシア戦争後、宝飾品の量は再び豊富になった。^[37]この時期に特に人気があったデザインの1つは、蛇や動物の頭で飾られたブレスレットだった。これらのブレスレットはより多くの金属を使用していたため、多くの例は青銅で作られた。紀元前300年までに、ギリシャ人は色付きの宝飾品の製作を習得し、アメジスト、真珠、エメラルドを使用していた。また、カメオの最初の兆候が現れ、ギリシャ人はインドの サードニクス、つまり縞模様の茶色、ピンク、クリーム色の瑪瑙石でカメオを作った。ギリシャの宝飾品は他の文化のものよりもシンプルで、デザインや職人技が単純なものが多かった。しかし、時が経つにつれてデザインは複雑になり、すぐに異なる素材が使われるようになった。

ギリシャでは、宝飾品はほとんど身につけられず、主に公の場や特別な機会に使われていました。宝飾品は贈り物として贈られることが多く、主に女性が富、社会的地位、美しさを示すために身につけていました。宝飾品は、身につけた人を「邪眼」から守ったり、持ち主に超自然的な力を与えたりすると考えられていましたが、宗教的な象徴を持つものもありました。発見された古い宝飾品は神々に捧げられたものでした。

彼らは、鋳造したものと金属板から打ち出したものの 2 種類のスタイルの作品を制作しました。鋳造ジュエリーの発見例は少数です。これは、2 つの石または粘土の型に金属を鋳造して作られました。次に、2 つの半分を結合し、ワックス、続いて溶けた金属を中央に配置しました。この技法は、後期青銅器時代から実践されていました。より一般的なジュエリーの形は、打ち出したシート タイプでした。金属板を厚みが出るまで打ち、はんだ付けします。2 つのシートの内側には、金属細工を保護するためにワックスまたは別の液体が充填されます。その後、スタンプや彫刻などのさまざまな技法を使用して、ジュエリーのモチーフを作成しました。その後、くぼみに宝石を追加したり、表面の特別な空洞にガラスを流し込んだりすることもあります。

ギリシャ人は、アレクサンダー大王がアジアの一部を征服した際に、アジアなど外部の起源から多くのデザインを取り入れました。初期のデザインには、他のヨーロッパの影響も見られます。ローマの支配がギリシャに及んだとき、ジュエリーのデザインに変化は見られませんでした。しかし、紀元前27年までに、ギリシャのデザインはローマ文化の影響を強く受けました。だからといって、土着のデザインが繁栄しなかったわけではありません。1世紀の銀のフォックステールチェーンに付けられた多色の蝶のペンダントがオルビア近郊で多数発見されていますが、他の場所では1例しか見つかっていません。^[38]

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  蜂のペンダント、ミノア文明の象徴的な宝石。紀元前1700～1600年。金製。幅4.6センチメートル（1.8インチ）。マリアのクリソラコス（金採掘場）複合施設出土。イラクリオン考古学博物館（ギリシャ、イラクリオン）^{[39] [40]}
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  ミケーネ時代のネックレス。紀元前 1400～1050 年。金メッキのテラコッタ。ロゼットの直径: 2.7 センチメートル (1.1 インチ)、約 0.1 センチメートル (0.039 インチ) のばらつきあり。ペンダントの長さ 3.7 センチメートル (1.5 インチ)。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  ガニメデの宝飾品。紀元前300年頃。金製。寸法は様々。出所不明（ギリシャのテッサロニキ近郊で発見されたとされる）。メトロポリタン美術館所蔵
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  ネックレス、紀元前 200 年頃、金、ムーンストーン、ガーネット、エメラルド、コーネリアン、バロック パール、縞模様の瑪瑙、全長 39.4 センチメートル (15.5 インチ)、クリーブランド美術館(クリーブランド)

ゴルゴン、ザクロ、ドングリ、蓮の花、ヤシは、エトルリアのジュエリーにギリシャの影響がはっきりと表れています。ギリシャの厳粛な時代から典型的な習慣であった頭部の造形は、エトルリア全土に広まった技法です。新たな影響のさらに明確な証拠は、東洋化時代に導入された形状、つまり、香水を入れる洋ナシ形の容器、ブラエです。その表面には、打ち出し模様や象徴的な彫刻が施されていることが一般的です。

発見された宝飾品の多くはエトルリア人が身につけていたものではなく、死後の世界で身につけるために作られたものです。エトルリアの金細工師の技術のほとんど、あるいはすべては、紀元前3千年紀にまで遡るもので、エトルリア人によって発明されたものではありません。

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  ヴルチの宝飾品セット。5 世紀初頭。金、ガラス、水晶、​​瑪瑙、カーネリアン。さまざまなサイズ。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  イルカの形をしたイヤリング。紀元前 5 世紀。金製。2.1 x 1.4 x 4.9 センチメートル (0.83 インチ x 0.55 インチ x 1.93 インチ)。メトロポリタン美術館
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  ダイダロスとイカロスを描いたブルラ、紀元前 5 世紀、金製、1.6 x 1 x 1 センチメートル (0.63 インチ x 0.39 インチ x 0.39 インチ)、ウォルターズ美術館(ボルチモア)
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  イヤリング、金と銀、1​​.5 x 0.4 x 1.4 センチメートル (0.59 インチ x 0.16 インチ x 0.55 インチ)、メトロポリタン美術館

古代、特にケルト人などの蛮族の間では、宝飾品の技法は多種多様であったが、ローマ人がヨーロッパの大半を征服すると、少数の勢力がローマのデザインを発展させ、宝飾品も変化した。初期ローマの最も一般的な工芸品はブローチで、衣服を留めるために使われていた。ローマ人は大陸中の豊富な資源から、さまざまな素材を宝飾品に使用していた。金を使用していたが、青銅や骨を使用することもあり、さらに古い時代にはガラスビーズや真珠も使用されていた。2000年前には早くも、スリランカの サファイアやインドのダイヤモンドを輸入し、エメラルドや琥珀を宝飾品に使用していた。ローマ支配下のイングランドでは、北イングランド産のジェットと呼ばれる化石化した木がよく宝飾品に彫られていた。初期のイタリア人は粗金で留め金、ネックレス、イヤリング、ブレスレットを作った。また、香水を入れられる大きめのペンダントも製作した。

ギリシャ人と同様、ローマのジュエリーの目的は、他人から向けられる「邪眼」を防ぐことだった。女性はさまざまなジュエリーを身につけていたが、男性は指輪しかつけないことが多かった。男性は少なくとも 1 つの指輪をつけることが求められていたが、ローマの男性の中にはすべての指に指輪をつける者もいれば、まったくつけない者もいた。ローマの男性と女性は、宝石が刻まれた指輪をつけていた。その宝石はワックスで文書を封印するのに使われ、この習慣は中世まで続き、王や貴族も同じ方法を使った。ローマ帝国の崩壊後、ジュエリーのデザインは近隣諸国や部族に吸収された。^[26]

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  アウグストゥス帝のカメオ肖像画、西暦41～54年、サードニクス、3.7×2.9×0.8センチメートル（1.46×1.14×0.31インチ）、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  ブレスレット、紀元1～2世紀、金で留められた水晶とサードニクス、長さ19.69センチメートル（7.75インチ）、ロサンゼルス郡立美術館（ロサンゼルス）
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  女神を描いたメダリオンの付いたネックレス。西暦 30～300 年。緑色のガラス (緑色のビーズ) と金。長さ: 43.82 センチメートル (17.25 インチ)。ロサンゼルス郡立美術館
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  メドゥーサの頭が描かれた透かし彫りのヘアネット。紀元後 200 ～ 300 年。金製。アグリジェント考古学博物館 (アグリジェント、イタリア)

ローマ帝国崩壊後のヨーロッパでは、引き続き宝飾品の製作技術が発達した。特にケルト人とメロヴィング朝人は、品質の点でビザンチン帝国のそれに匹敵するかそれを上回っていた宝飾品で知られている。衣服の留め具、お守り、そしてそれほどではないが印章指輪は、私たちが知っている最も一般的な工芸品である。特に印象的なケルトの例は、タラのブローチである。^[41]首輪は、地位と権力の象徴としてヨーロッパ全土で一般的であった。8世紀までには、宝石をちりばめた武器は男性のもので一般的であったが、他の宝飾品（印章指輪を除く）は女性の領域になったようである。シャロン＝シュル＝ソーヌ近郊で発見された6～7世紀の埋葬地で発見された副葬品がその好例である。若い女の子が、銀のフィブラ2本、ネックレス（コイン付き）、ブレスレット、金のイヤリング、ヘアピン1組、櫛、バックルとともに埋葬されていた。^[42]ケルト人は連続的なパターンやデザインを得意とし、メロヴィング朝のデザインは様式化された動物の像で最もよく知られています。^[43]高品質の作品で知られるのは彼らだけではありませんでした。ここに示した西ゴート族の作品や、イングランドのサフォーク州サットン・フーにあるアングロサクソン 船の埋葬地で発見された数多くの装飾品は特によく知られています。^[26] 大陸では、七宝焼きとガーネットがおそらくその時代の典型的な手法と宝石でした。15世紀には、金の印章やニエロリングなどのイギリス特有のジュエリータイプが目立つようになりました。これらの作品は、小さな聖人の像や複雑な花の模様で飾られることが多く、職人技において大陸のデザインに匹敵していました。^[44]

ローマ帝国の東方の後継国であるビザンチン帝国は、ローマ人の手法の多くを継承したが、宗教的なテーマが優勢になった。しかし、ローマ人、フランク人、ケルト人と異なり、ビザンチン帝国は純金で​​はなく軽量の金箔を使用し、石や宝石に重点が置かれた。西洋と同様に、ビザンチンのジュエリーは裕福な女性が身に着け、男性のジュエリーは印章指輪に限定されていたようだ。女性のジュエリーには、ヘッドバンドを飾るコルトのような独特なものがあった。同時代の他の文化と同様に、ジュエリーは所有者と一緒に埋葬されるのが一般的だった。^[45]

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  アロベラの鷲形フィブラ。5 世紀。金、青銅、ガラス (ガーネットの模造品)。高さ: 11.8 センチメートル (4.6 インチ)、幅: 5.9 センチメートル (2.3 インチ)。グアダラハラ(スペイン) 発。国立考古学博物館(スペイン、マドリード)
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  サットン・フーの肩章。7 世紀初頭。金、ガラス、ガーネット。長さ 12.7 センチメートル (5.0 インチ)。大英博物館(ロンドン)
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  ビザンチンのイヤリング一組。7 世紀。金、真珠、ガラス、エメラルド。10.2 x 4.5 センチメートル (4.0 インチ × 1.8 インチ)。クリーブランド美術館(クリーブランド)
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  生命の木の両側に二羽の鳥が描かれた寺院のペンダントの正面。11～12 世紀。七宝焼きと金。全体: 5.4 x 4.8 x 1.5 センチメートル (2.13 インチ x 1.89 インチ x 0.59 インチ)。キエフ(ウクライナ)で製作。メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)

ルネッサンスと探検は、ヨーロッパのジュエリーの発展に大きな影響を与えました。17世紀までに、探検と貿易の増加により、さまざまな宝石が入手できるようになり、他の文化の芸術に触れる機会も増えました。それ以前は金や貴金属の加工がジュエリーの中心でしたが、この時代は宝石とそのセッティングがますます主流になりました。その一例がチープサイド・ホードです。これは、コモンウェルス時代にロンドンに隠され、1912年まで発見されなかった宝石商の在庫です。そこには、コロンビアのエメラルド、トパーズ、ブラジルのアマゾナイト、スリランカのスピネル、アイオライト、クリソベリル、インドのルビー、アフガニスタンのラピスラズリ、ペルシャのトルコ石、紅海のペリドット、ボヘミアとハンガリーのオパール、ガーネット、アメジストが含まれていました。大きな石は、エナメル加工された指輪のボックスベゼルにセットされることが多かった。^[46]この時代の商人の中で有名なのは、 1660年代にホープダイヤモンドの原石をフランスに持ち込んだジャン・バティスト・タヴェルニエである。

1804年にナポレオン・ボナパルトがフランス皇帝として戴冠すると、フランスのジュエリーやファッションのスタイルと壮麗さが復活しました。ナポレオンの統治下で、宝石商はダイヤモンドのティアラ、ダイヤモンドのイヤリング、ダイヤモンドの指輪、ダイヤモンドのブローチ、ダイヤモンドのネックレスなど、一揃いのジュエリー、パリュールを発表しました。ナポレオンの妻たちは二人とも、このような美しいセットを持っていて、いつも身に付けていました。ナポレオンによって復活したもうひとつのファッショントレンドはカメオです。彼のカメオで飾られた王冠が見られるようになってからすぐに、カメオの人気が高まりました。この時代にはコスチュームジュエリーの初期段階も見られ、真珠の代わりに魚の鱗で覆われたガラスビーズが、石のカメオの代わりに巻貝のカメオが使われました。芸術を区別するために新しい用語が造られました。安価な素材で作業する宝石職人はビジュティエと呼ばれ、高価な素材で作業する宝石職人はジョアリエと呼ばれ、この慣習は今日まで続いています。

18 世紀後半から、ロマン主義は西洋ジュエリーの発展に大きな影響を与えました。おそらく最も大きな影響は、近代考古学の誕生によって発見された財宝に対する大衆の関心と、中世およびルネッサンス美術への関心でした。社会情勢の変化と産業革命の勃発も、ジュエリーを欲しがり、またそれを買う余裕のある中流階級の成長につながりました。その結果、工業プロセス、より安価な合金、および石の代替品の使用により、ペースト ジュエリーまたはコスチューム ジュエリーが開発されました。しかし、より裕福なパトロンが、貴金属や宝石の使用だけでなく、優れた芸術的および技術的な作業によって、自分たちが身に着けるジュエリーが大衆のジュエリーとは一線を画していることを保証しようとしたため、著名な金細工師は引き続き繁栄しました。そのような芸術家の 1 人が、フランスの金細工師フランソワ デジレ フロマン ムーリスでした。この時代特有の、ロマン主義の哲学に非常に適したカテゴリが、喪のジュエリーでした。これはイギリスで生まれたもので、アルバート王子の死後、ヴィクトリア女王がジェットジュエリーを身に着けている姿がよく見られました。ジェットジュエリーは、愛する人の死を悼む気持ちを表現しながらも、着用者がジュエリーを身に着け続けることを可能にしました。^[47]

アメリカでは、この時期にチャールズ・ルイス・ティファニーが1837年にティファニー社を設立しました。ティファニーは、アメリカを宝飾品の世界地図に載せ、エイブラハム・リンカーンの妻などの目もくらむような注文を受注して名声を得ました。後に、映画「ティファニーで朝食を」の舞台として有名になりました。フランスでは、ピエール・カルティエが1847年にカルティエSAを設立し、1884年にはイタリアでブルガリが設立されました。近代的な生産スタジオが誕生し、以前のような個々の職人とパトロンによる支配から一歩離れました。

この時代は、東西間の最初の大規模なコラボレーションの時代でもありました。プフォルツハイムでのドイツと日本の芸術家のコラボレーションにより、1885年にストフラー社によってフィリグリーフレームにセットされた赤銅のプレートが作られました。 ^[48]おそらく、この時代最大のフィナーレであり、次の時代への適切な移行となったのは、ロシア帝国の宮廷で働いていたロシア人芸術家ピーター・カール・ファベルジェの傑作でした。ファベルジェの卵や宝飾品は、今でも金細工芸術の最高峰と見なされています。

贅沢な18世紀には、多くの奇抜なファッションが取り入れられました。ジュエリーと合わせて使われたカメオは、ブローチ、イヤリング、スカーフピンなどの小さなものとともに、魅力的な装身具でした。ネックレスの中には、金のチェーンでつながれた複数のピースで作られたものもあり、ネックレスやブローチに合わせてブレスレットが作られることもありました。18世紀の終わりには、カットスチールと大きなクリスタルを混ぜたジュエリーが、バーミンガムのイギリス人マシュー・ボールトンによって取り入れられました。^[49]

1890 年代、宝石職人たちは、成長しつつあったアール ヌーヴォー様式と、それに密接に関連するドイツのユーゲントシュティール、イギリス (そしてある程度はアメリカ)のアーツ アンド クラフツ運動、カタルーニャのモダニズム、オーストリア ハンガリー帝国の分離独立運動、イタリアの「リバティ」などの 可能性を模索し始めました。

アール・ヌーヴォーのジュエリーには、女性の姿に焦点を当て、色彩を強調するなど、多くの特徴があります。これらは、バスタイユ、シャンプルーヴ、クロワゾネ、プリカジュールなどのエナメル技法を使用して表現されるのが最も一般的です。モチーフには、蘭、アヤメ、パンジー、ブドウの木、白鳥、孔雀、蛇、トンボ、神話上の生き物、女性のシルエットなどがありました。

パリのサミュエル・ビングの店で働いていたルネ・ラリックは、同時代の人々からこの流行の主導的人物として認められていました。ダルムシュタット芸術家コロニーとウィーン工房がこの流行におそらく最も重要な貢献をしました。一方デンマークでは、銀器で最もよく知られているジョージ・ジェンセンが重要な作品を提供しました。イギリスでは、リバティ社（特にアーチボルド・ノックスのキムリックデザイン）とチャールズ・ロバート・アシュビーのイギリスのアーツアンドクラフツ運動が、やや直線的ではあるものの依然として特徴的なデザインを提供しました。この新しいスタイルにより、宝石職人の技術の焦点は石のセッティングから作品自体の芸術的デザインへと移りました。ラリックのトンボのデザインは、その最たる例です。エナメルが技術面で大きな役割を果たし、しなやかな有機的なラインが最も認識しやすいデザインの特徴となっています。

第一次世界大戦の終結により、再び世論は変化し、より落ち着いたスタイルが生まれました。^[50]

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  トンボのブローチ。ルネ・ラリック作。 1897年～ 1898年頃。金、ガラス質エナメル、クリソプレーズ、玉髄、ムーンストーン、ダイヤモンド。高さ23センチメートル（9.1インチ）、幅26.5センチメートル（10.4インチ）。カルースト・グルベンキアン美術館（リスボン、ポルトガル）
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  ネックレス。ルネ・ラリック作。1897～1899年。金、エナメル、オパール、アメジスト。全体の直径：24.1センチメートル（9.5インチ）。メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）
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  蛇のブローチ、ルネ・ラリック作、金とエナメル、カルースト・グルベンキアン美術館
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  アールヌーボーの傑作、髪飾り。ルネ・ラリック作。c.  1902年;金、エメラルド、ダイヤモンド。オルセー美術館(パリ)

政治的緊張の高まり、戦争の余波、そして20世紀初頭の退廃的傾向に対する反発から、よりシンプルな形状と、高品質のジュエリーを大量生産するためのより効率的な製造方法が生まれました。1920年代から1930年代にかけてのこのスタイルは、アールデコとして広く知られるようになりました。ヴァルター・グロピウスとドイツのバウハウス運動は、「芸術家と職人の間に障壁はない」という哲学のもと、興味深く、様式的に簡素化された形状を生み出しました。現代的な素材も導入され、プラスチックとアルミニウムがジュエリーに初めて使用され、ロシア生まれのバウハウスの巨匠ナウム・スルツキーのクロムメッキのペンダントは注目に値します。技術的な熟練度は、素材そのものと同じくらい高く評価されるようになりました。西洋では、この時期にドイツのエリザベス・トレスコフによるグラニュレーションの再発明が見られましたが、再発明の発展は1990年代まで続きました。それは基本的な形状に基づいています。

アジアでは、インド亜大陸がどこよりも長く続く宝飾品作りの伝統を誇ります。アジアは、5,000年以上の歴史を持つ、王族向けの宝飾品が大量に作られた最初の場所でした。 [ ^{51 ] [52]}宝飾品作りを始めた最初の人々の1人は、現在のパキスタンとインド北部および西部の一部にあたるインダス文明の人々でした。中国での初期の宝飾品作りも同じ頃に始まりましたが、約2,000年前に仏教が広まったことで広く普及しました。

中国人はジュエリーに金よりも銀を多く使用していた。初期の中国のジュエリーには青いカワセミの 羽が付けられ、後には青い宝石やガラスがデザインに取り入れられた。しかし、他のどの石よりも翡翠が好まれた。中国人は、硬さ、耐久性、美しさなど、人間に似た性質があると翡翠を崇拝した。^[8]最初の翡翠の作品は非常にシンプルだったが、時が経つにつれて、より複雑なデザインが進化した。紀元前4世紀から7世紀の翡翠の指輪には、西洋でそのような装置が初めて言及される数百年前の複合フライス盤で加工された痕跡が見られる。^[53]

中国では、最も珍しいジュエリーはイヤリングであり、男性も女性も着用していませんでした。^[54]現代でも、中国では男性のイヤリングは文化的にタブーとされています。実際、2019年には、中国の動画配信サービスiQiyiが、イヤリングをしている男性俳優の耳にぼかしを入れ始めました。お守りは一般的で、中国のシンボルや龍が描かれていることが多かった。龍、中国のシンボル、鳳凰は、ジュエリーのデザインによく描かれていました。

中国人は墓の中に宝石を入れることが多かった。考古学者が発見した中国の墓のほとんどには装飾用の宝石が入っている。^[55]

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  竜頭（フアン）の溝付き指輪。紀元前 475 年頃。翡翠（ネフライト）製。全長 9.1 センチメートル（3.6 インチ）。クリーブランド美術館（クリーブランド）
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  花とブドウのデザインが施された装飾品。1115～1234年。翡翠製。上海博物館（中国）
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  心 心形のジュエリー。1368–1644年。金、ルビー、真珠、その他の宝石。大人の手のひらほどの大きさ。丁嶺（北京、中国）
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  帽子飾り。18～19世紀。金、金メッキ金属、カワセミの羽、ガラス、半貴石。さまざまなサイズ。メトロポリタン美術館（ニューヨーク市）

インド亜大陸には長い宝飾品の歴史があり、5,000～8,000年以上にわたって文化や政治の影響によりさまざまな変化を遂げてきました。インドは貴金属や宝石が豊富にあったため、輸出や他国との貿易を通じて経済的に繁栄しました。ヨーロッパの伝統が盛衰する帝国の影響を強く受けていた一方で、インドは約5,000年にわたって芸術形式の継続的な発展を享受しました。^[52]宝飾品作りを始めた最初の人々の1人は、インダス文明の人々でした。紀元前1500年までに、インダス文明の人々は金のイヤリングやネックレス、ビーズのネックレス、金属製の腕輪を作っていました。金属が広く使用されるようになる前の紀元前2100年以前、インダス地域で最大の宝飾品取引はビーズ取引でした。インダス文明のビーズは単純な技術で作られていました。まず、ビーズ職人は原石を必要とします。これは東部の石商人から購入します。次に、石を熱いオーブンに入れ、インダス川流域の人々が珍重していた深紅色になるまで加熱します。次に、赤い石を適切なサイズに削り、原始的なドリルで穴を開けます。次に、ビーズを磨きます。ビーズの中には、デザインを描いたものもあります。この芸術は、多くの場合、家族に受け継がれました。ビーズ職人の子供は、幼い頃からビーズの作り方を学ぶことが多かったです。それぞれの石には、ヒンズー教に関連した独自の特徴がありました。

インダス文明におけるジュエリーは主に女性が身につけており、手首には粘土や貝殻でできた無数のブレスレットをつけていた。それらはドーナツのような形で黒く塗られていることが多かった。時が経つにつれ、粘土でできた腕輪はより耐久性のあるものに取って代わられていった。今日のインドでは、腕輪は金属やガラスで作られている。 ^[56]女性が頻繁に身につけていた他の品物としては、額につける細い金のバンド、イヤリング、原始的なブローチ、チョーカー、金の指輪などがあった。ジュエリーを身につけていたのは女性が最も多かったが、インダス文明では男性の中にもビーズをつける者もいた。男性や女性の髪に挿すために小さなビーズが作られることが多かった。ビーズの長さは約1ミリメートルであった。

女性の骸骨（現在、インド・ニューデリーの国立博物館に展示されている）は、左手にカーリーニアンバングル（ブレスレット）を着けている。カーダは特別な種類のブレスレットで、インド文化で広く普及している。孔雀や象などの動物を象徴している。^[57]

ヒンズー教の信仰によれば、金と銀は神聖な金属とみなされている。金は暖かい太陽の象徴であり、銀は冷たい月を暗示する。どちらもインドのジュエリーの典型的な金属である。純金は時間が経っても酸化も腐食もしない。そのため、ヒンズー教の伝統では金は不死と関連づけられている。金のイメージは古代インドの文学に頻繁に登場する。ヴェーダのヒンズー教の宇宙創造の信仰では、人間の肉体的、精神的な生命の源は、太古の水から光が昇る太陽の比喩である黄金の子宮（ヒラニヤガルバ）または卵（ヒラニヤンダ）から生まれ、進化したとされている。^[58]

インドの王族にとって、宝飾品は大きな地位を占めていました。王族の影響力は非常に大きく、宝飾品の着用を王族のみに制限する法律が制定されました。足に金の装飾品を着けることができたのは、王族と許可を得た少数の人だけでした。これは通常、神聖な金属の価値を侵害するものとみなされます。インド国民の大多数が宝飾品を着けていましたが、マハラジャや王族と関係のある人々は宝飾品とより深いつながりを持っていました。マハラジャの役割は非常に重要であったため、ヒンズー教の哲学者は彼を世界の円滑な運営の中心とみなしました。彼は神聖な存在、つまり人間の形をした神と考えられ、その義務はダルマ、つまり宇宙の道徳的秩序を擁護し保護することでした。^[59]カルティエへのこれまでで最大の注文は、1925年にインドの王族、パティアラのマハラジャから出されたもので、パティアラネックレスとその他の宝飾品の総額は10億ルピー（ 2023年時点で2100億ルピー、26億米ドル、26億ユーロに相当）でした。^[60]

ナヴァラトナ（9つの宝石）は、マハラジャ（皇帝）が頻繁に身に着けていた強力な宝石です。これは、ダイヤモンド、真珠、ルビー、サファイア、エメラルド、トパーズ、キャッツアイ、サンゴ、ヒヤシンス（赤いジルコン）でできたお守りです。これらの石はそれぞれ天の神と関連付けられており、9つの宝石がすべて揃うとヒンドゥー教の宇宙全体を表します。ダイヤモンドは9つの石の中で最も強力な宝石です。宝石にはさまざまなカットがありました。インドの王は売り手から個人的に宝石を購入しました。マハラジャや他の王族は、宝石をヒンドゥー教の神として高く評価しました。彼らは、非常に親しい人々、特に王族や他の親しい仲間と宝石を交換しました。

インドはダイヤモンドを採掘した最初の国であり、その鉱山のいくつかは紀元前296年にまで遡ります。インドはダイヤモンドの価値ある性質に気づき、それを取引しました。歴史的に、ダイヤモンドは恋人や支配者の失った好意を維持または回復するために、または貢物の象徴として、または譲歩や保護と引き換えの忠誠の表現として贈られてきました。ムガル帝国の皇帝や王は、名前や俗世間の称号をダイヤモンドに刻ませることで、自分たちの不滅を保証する手段として使用しました。さらに、他の場所でしばしばそうであったように、ダイヤモンドはインドの社会的、政治的、経済的、宗教的な出来事において極めて重要な役割を果たしてきましたし、今も果たし続けています。インドの歴史において、ダイヤモンドは軍事装備の取得、戦争資金の調達、革命の煽動、離反の誘惑に使用されました。ダイヤモンドは君主の退位や斬首に貢献しました。ダイヤモンドを砕いたものを食べ物に混ぜて、支配的な権力の代表者を殺害するために使用されました。インドのダイヤモンドは、政治的または経済的に不安定な政権を支えるために必要な巨額の融資の担保として利用されてきた。勝利した軍の英雄はダイヤモンドの褒賞で称えられ、また投獄や拉致からの解放のための身代金としても利用されてきた。^[61]

今日では、多くのジュエリーのデザインや伝統が使われており、インドの儀式や結婚式ではジュエリーが当たり前になっています。^{[55]多くのインド人、特に}ヒンズー教やジャイナ教を信仰する人々にとって、ブライダルジュエリーはストリードハンと呼ばれ、花嫁だけの個人的な財産、一種の経済的保証として機能します。このため、このジュエリー、特に金や銀などの神聖な金属で作られたジュエリーは、インドの花嫁にとって大きな文化的意味を持っています。ジュエリーは、花嫁に繁栄を祝福するために、腕や手、耳、首、髪、頭、足、つま先、腰に着用されます。^[62]

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  おそらくシッダを描いたペンダント。8～9世紀。銅合金。8.89×7.93×0.31センチメートル（3.50×3.12×0.12インチ）。ロサンゼルス郡立美術館（ロサンゼルス）
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  ガルーダに乗るヴィシュヌのイヤリング。1600年頃 。宝石と半貴石をあしらった金製。全長 2.6 センチメートル (1.0 インチ)。ネパール。クリーブランド美術館(クリーブランド)
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  4 本の腕を持つヴィシュヌがガルーダに乗ってナーガ(蛇の神々) を描いたイヤリング。1600 年頃 。打ち出し金と真珠。全長 3.6 cm。ネパール製。クリーブランド美術館所蔵。
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  Comb with Vishnu adored by serpents; 1750–1800; ivory with traces of paint; 6.99 by 7.94 centimetres (2.75 in × 3.13 in); from Nepal; Los Angeles County Museum of Art

Jewellery making started in the Americas with the arrival of Paleo-Indians more than 15,000 years ago. This jewellery would have been made from stone, shell, bone and other perishable materials. The American continent is home to 2 cradles of civilization: in the Andes and Mesoamerica. Cultures in these regions developed more complex methods of jewellery creation. The Andes is the origin of hot working metallurgy in the Americas and consequently the region has the longest history of work in materials such as silver, platinum and gold. Metallurgy began in Mesoamerica during the Termainal Classic era, likely arriving from direct maritime trade with the Andean cultures. As a result, western Mesoamerican cultures, such as the Tarascans and Mixtecs, had more complex use of the technology.

With the Moche culture, goldwork flourished. The pieces are no longer simple metalwork, but are now masterful examples of jewellery making. Pieces are sophisticated in their design, and feature inlays of turquoise, mother of pearl, spondylus shell, and amethyst. The nose and ear ornaments, chest plates, small containers and whistles are considered masterpieces of ancient Peruvian culture.^[63] A notable example of Andean metallurgy is the Northern Andean cultures' work with platinum, which has a much higher melting point than other precious metals. There are only a few known examples of cold worked platinum in the Old World and no known intentionally hot worked examples (platinum was not identified as a separate element and small inclusions appeared in some goldwork). In the New World however, certain Andean cultures recognized platinum as a separate metal and were able to incorporate it into jewellery, such as through sintering it with gold.^[64]

Among the Late Post-Classic Aztecs, only nobility wore gold jewellery, as it showed their rank, power, and wealth. A large portion of "Aztec gold" jewellery was created by Mixtec artisans. The Mixtecs were particularly known for their goldwork and gold jewellery was part of the tribute paid by Mixtec polities to the Aztecs. In general, the more jewellery an Aztec noble wore, the higher his status or prestige. The Emperor and his High Priests, for example, would be nearly completely covered in jewellery when making public appearances. Although gold was the most common and a popular material used in Aztec jewellery, jade, turquoise, and certain feathers were considered more valuable.^[65] In addition to adornment and status, the Aztecs also used jewellery in sacrifices to appease the gods.^[26][47]

Another ancient American civilization with expertise in jewellery making were the Maya. During the Pre-Classic and Classic era of Maya civilization, the Maya were making jewellery from local materials such as jade, pearls, and sea shell while also incorporating imported materials such as obsidian and turquoise. In the Terminal Classic and Post-Classic, importation of gold, silver, bronze, and copper lead to the use of these materials in jewellery. Merchants and nobility were the only few that wore expensive jewellery in the Maya region, much the same as with the Aztecs.^[55] Jade in particular had an important role across Mesoamerica.

In Northern America, Native Americans used shells, wood, turquoise, and soapstone The turquoise was used in necklaces and to be placed in earrings. The turquoise incorporated into Mesoamerican jewellery was primarily obtained through trade with Oasisamerica. Native Americans with access to oyster shells, often located in only one location in America, traded the shells with other tribes, showing the great importance of the body adornment trade in Northern America.^[66]

Jewellery played a major role in the fate of the Americas when the Spanish colonizers were spurred to search for gold on the American mainland after coming into contact with Caribbean natives that had gold jewellery obtained through trade with the mainland. Continued contact with Native Americans wearing gold jewellery eventually lead to Spanish expeditions of the mythological El Dorado.

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  Pendant made from a spondylus shell, Western Mexico shaft tomb tradition, 200 BC to 200 AD, now at the Art Institute of Chicago, United States.
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  Muisca gold jewellery, including a headband, nose ornament and pectoral, on display at the Gold Museum in Bogota, Colombia.
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  Moche nose ornament made from silver and gold-silver alloy, inlaid with malachite, now at the Cleveland Museum of Art, United States.
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  Mixtec-Puebla style labret made from obsidian in the shape of an eagle, now at the Walters Art Museum in Baltimore, United States.

Native American jewellery is the personal adornment, often in the forms of necklaces, earrings, bracelets, rings, pins, brooches, labrets, and more, made by the Indigenous peoples of the United States. Native American jewellery reflects the cultural diversity and history of its makers. Native American tribes continue to develop distinct aesthetics rooted in their personal artistic visions and cultural traditions. Artists create jewellery for adornment, ceremonies, and trade. Lois Sherr Dubin writes, "[i]n the absence of written languages, adornment became an important element of Indian [Native American] communication, conveying many levels of information." Later, jewellery and personal adornment "...signaled resistance to assimilation. It remains a major statement of tribal and individual identity."^[67]

Within the Haida Nation of the Pacific Northwest, copper was used as a form of jewellery for creating bracelets.^[68]

Metalsmiths, beaders, carvers, and lapidaries combine a variety of metals, hardwoods, precious and semi-precious gemstones, beadwork, quillwork, teeth, bones, hide, vegetal fibres, and other materials to create jewellery. Contemporary Native American jewellery ranges from hand-quarried and processed stones and shells to computer-fabricated steel and titanium jewellery.

Jewellery making in the Pacific started later than in other areas because of recent human settlement. Early Pacific jewellery was made of bone, wood, and other natural materials, and thus has not survived. Most Pacific jewellery is worn above the waist, with headdresses, necklaces, hair pins, and arm and waist belts being the most common pieces.

Jewellery in the Pacific, with the exception of Australia, is worn to be a symbol of either fertility or power. Elaborate headdresses are worn by many Pacific cultures and some, such as the inhabitants of Papua New Guinea, wear certain headdresses once they have killed an enemy. Tribesman may wear boar bones through their noses.

Island jewellery is still very much primal because of the lack of communication with outside cultures. Some areas of Borneo and Papua New Guinea are yet to be explored by Western nations. However, the island nations that were flooded with Western missionaries have had drastic changes made to their jewellery designs. Missionaries saw any type of tribal jewellery as a sign of the wearer's devotion to paganism. Thus many tribal designs were lost forever in the mass conversion to Christianity.^[69]

Australia is now the number one supplier of opals in the world. Opals had already been mined in Europe and South America for many years prior, but in the late 19th century, the Australian opal market became predominant. Australian opals are only mined in a few select places around the country, making it one of the most profitable stones in the Pacific.^[70]

The New Zealand Māori traditionally had a strong culture of personal adornment,^[71] most famously the hei-tiki. Hei-tikis are traditionally carved by hand from bone, nephrite, or bowenite.

Nowadays a wide range of such traditionally inspired items such as bone carved pendants based on traditional fishhooks hei matau and other greenstone jewellery are popular with young New Zealanders of all backgrounds – for whom they relate to a generalized sense of New Zealand identity. These trends have contributed towards a worldwide interest in traditional Māori culture and arts.

Other than jewellery created through Māori influence, modern jewellery in New Zealand is multicultural and varied.^[69]

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  Māori hei-tiki; 1500–1800; jade (nephrite), abalone shell and pigments; from the New Zealand; Musée du quai Branly – Jacques Chirac (Paris)
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  Hei-tiki; 18th century; nephrite and haliotis shell; 10.9 centimetres (4.3 in); from the New Zealand; Los Angeles County Museum of Art (Los Angeles)
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  Hawaiian pendant; 18th–19th century; whalebone; height: 6 centimetres (2.4 in), width, 3.8 centimetres (1.5 in); Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Breast Ornament (civa vonovono); c. 1850; whale ivory, pearl shell and fiber; height: 12.7 centimetres (5.0 in), diameter: 17.78 centimetres (7.00 in); from Fiji; Los Angeles County Museum of Art

Most modern commercial jewellery continues traditional forms and styles, but designers such as Georg Jensen have widened the concept of wearable art. The advent of new materials, such as plastics, Precious Metal Clay (PMC), and colouring techniques, has led to increased variety in styles. Other advances, such as the development of improved pearl harvesting by people such as Mikimoto Kōkichi and the development of improved quality artificial gemstones such as moissanite (a diamond simulant), has placed jewellery within the economic grasp of a much larger segment of the population.

The "jewellery as art" movement was spearheaded by artisans such as Robert Lee Morris and continued by designers such as Gill Forsbrook in the UK. Influence from other cultural forms is also evident. One example of this is bling-bling style jewellery, popularised by hip-hop and rap artists in the early 21st century, e.g. grills, a type of jewellery worn over the teeth.

The late 20th century saw the blending of European design with oriental techniques such as Mokume-gane. The following are innovations in the decades straddling the year 2000: "Mokume-gane, hydraulic die forming, anti-clastic raising, fold-forming, reactive metal anodising, shell forms, PMC, photoetching, and [use of] CAD/CAM."^[72]

Also, 3D printing as a production technique gains more and more importance. With a great variety of services offering this production method, jewellery design becomes accessible to a growing number of creatives. An important advantage of using 3d printing are the relatively low costs for prototypes, small batch series or unique and personalized designs. Shapes that are hard or impossible to create by hand can often be realized by 3D printing. Popular materials to print include polyamide, steel and wax (latter for further processing). Every printable material has its very own constraints that have to be considered while designing the piece of jewellery using 3D modelling software.

Artisan jewellery continues to grow as both a hobby and a profession. With more than 17 United States periodicals about beading alone, resources, accessibility, and a low initial cost of entry continues to expand production of hand-made adornments. Some fine examples of artisan jewellery can be seen at The Metropolitan Museum of Art in New York City.^[73] The increase in numbers of students choosing to study jewellery design and production in Australia has grown in the past 20 years, and Australia now has a thriving contemporary jewellery community. Many of these jewellers have embraced modern materials and techniques, as well as incorporating traditional workmanship.

More expansive use of metal to adorn the wearer, where the piece is larger and more elaborate than what would normally be considered jewellery, has come to be referred to by designers and fashion writers as metal couture.^[74][75]

Freemasons attach jewels to their detachable collars when in Lodge to signify a Brothers Office held with the Lodge. For example, the square represents the Master of the Lodge and the dove represents the Deacon.

Jewellery used in body modification can be simple and plain or dramatic and extreme. The use of simple silver studs, rings, and earrings predominates. Common jewellery pieces such as earrings are a form of body modification, as they are accommodated by creating a small hole in the ear.

Padaung women in Myanmar place large golden rings around their necks. From as early as five years old, girls are introduced to their first neck ring. Over the years, more rings are added. In addition to the twenty-plus pounds of rings on her neck, a woman will also wear just as many rings on her calves. At their extent, some necks modified like this can reach 10–15 in (25–38 cm) long. The practice has health impacts and has in recent years declined from cultural norm to tourist curiosity.^[76] Tribes related to the Padaung, as well as other cultures throughout the world, use jewellery to stretch their earlobes or enlarge ear piercings. In the Americas, labrets have been worn since before first contact by Innu and First Nations peoples of the northwest coast.^[77] Lip plates have been worn by the African Mursi and Sara people, as well as some South American peoples.

In the late twentieth century, the influence of modern primitivism led to many of these practices being incorporated into western subcultures. Many of these practices rely on a combination of body modification and decorative objects, thus keeping the distinction between these two types of decoration blurred.

In many cultures, jewellery is used as a temporary body modifier; in some cases, with hooks or other objects being placed into the recipient's skin. Although this procedure is often carried out by tribal or semi-tribal groups, often acting under a trance during religious ceremonies, this practice has seeped into western culture. Many extreme-jewellery shops now cater to people wanting large hooks or spikes set into their skin. Most often, these hooks are used in conjunction with pulleys to hoist the recipient into the air. This practice is said to give an erotic feeling to the person and some couples have even performed their marriage ceremony whilst being suspended by hooks.^[76]

According to a 2007 KPMG study,^[78] the largest jewellery market is the United States with a market share of 31%, Japan, India, China, and the Middle East each with 8–9%, and Italy with 5%. The authors of the study predicted a dramatic change in market shares by 2015, where the market share of the United States will have dropped to around 25%, and China and India will increase theirs to over 13%. The trend of buying jewellery online is also increasing day by day. The Middle East will remain more or less constant at 9%, whereas Europe's and Japan's market share will be halved and become less than 4% for Japan, and less than 3% for the biggest individual European countries, Italy and the UK.

• Borel, F. 1994. The Splendor of Ethnic Jewelry: from the Colette and Jean-Pierre Ghysels Collection. New York: H.N. Abrams (ISBN 0810929937).
• Evans, J. 1989. A History of Jewellery 1100–1870 (ISBN 0486261220).
• LaGamma, Alisa (1991). Metropolitan jewelry. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 978-0870996160.
• Nemet-Nejat, Karen Rhea 1998. Daily Life in Ancient Mesopotamia. Westport, CT: Greenwood Press (ISBN 0313294976).
• Tait, H. 1986. Seven Thousand Years of Jewellery. London: British Museum Publications (ISBN 0714120340).