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グランジ（元々はシアトル・サウンドとして知られていた）は、1980年代半ばにアメリカ合衆国ワシントン州、特にシアトルとオリンピア、および近隣の都市で出現したオルタナティブ・ロックのジャンルおよびサブカルチャーである。グランジはパンク・ロックとヘヴィ・メタルの要素を融合させ、[ 7 ] [ 2 ]両ジャンルで使用される歪んだエレキギターのサウンドに加え、ベースギター、ドラム、ボーカルを特徴としている。グランジには、ソニック・ユース、ピクシーズ、ダイナソーJr.などのインディー・ロック・バンドからの影響も取り入れられている。歌詞は一般的に不安に満ち、内省的で、社会的疎外、自己不信、虐待、ネグレクト、裏切り、社会的および感情的孤立、依存症、心理的トラウマ、自由への欲求などのテーマを扱うことが多い。[ 8 ] [ 9 ]
初期のグランジ・ムーブメントは、シアトルのインディーズ・レコード・レーベルであるサブ・ポップと、同地域のアンダーグラウンド・ミュージック・シーンを中心に展開し、グリーン・リバー、メルヴィンズ、マッドハニーなどの地元バンドがジャンルの発展に重要な役割を果たした。サブ・ポップは巧みにこのスタイルを売り込み、メディア各社にシアトル・サウンドを「グランジ」と表現するよう促した。このスタイルはパンクとメタルのハイブリッドとして知られるようになった。[ 10 ] 1990年代初頭までにその人気は広がり、カリフォルニアで似たようなサウンドのバンドが登場し、その後アメリカやオーストラリアの他の地域にも現れ、熱狂的なファンを獲得し、大手レコード会社と契約を結んだ。グランジは1990年代前半から中頃にかけて主流に躍り出た。 1991年のニルヴァーナの『ネヴァーマインド』がその先駆けとなり、パール・ジャムの『テン』、サウンドガーデンの『バッドモーターフィンガー』 、アリス・イン・チェインズの『ダート』など、他のクロスオーバー作品も続いた。これらのバンドの成功はオルタナティブロックの人気を高め、最終的にグランジは1990年代に最も人気のあるハードロック音楽の形態となった。 [ 7 ]
グランジの人気が衰退した要因はいくつかある。1990年代半ばから後半にかけて、多くのグランジバンドが解散したり、あまり見かけなくなったりした。タイム誌が「スウィンギング・ノースウエストのジョン・レノン」と評したニルヴァーナのカート・コバーンは、1994年に自ら命を絶つ前にヘロイン中毒に苦しんでいた。1990年代後半までにほとんどのグランジバンドが解散したり、表舞台から姿を消したりしたが、グランジは現代のロック音楽に影響を与えた。彼らの歌詞は社会意識の高い問題をポップカルチャーに持ち込み[ 11 ] 、内省や自分自身に忠実であることの意味の探求を加えた[ 12 ]。グランジはポストグランジなどの後のジャンルにも影響を与えた。
「グランジ」という用語は、アメリカのスラングで「不快な人や物」や「汚れ」を意味します。[ 13 ] [ 14 ] 1988年、シアトルのミュージシャンに対して初めて使用されたのは、Sub Popの通信販売カタログで、ブルース・パヴィットがグリーン・リバーの「ドライ・アズ・ア・ボーン」 EPを「ザラザラしたボーカル、轟くマーシャルアンプ。世代の道徳を破壊した超ルーズなグランジ」と評した時でした。 [ 15 ]「グランジ」という言葉は1960年代からバンドを表現するために使われてきましたが、シアトルのロックバンドのサウンドとグランジが結びついたのはこれが初めてでした。[ 16 ] [ 17 ]当時、北西部のバンドが活動を始めるにあたって、クリーンなレコーディングサウンドを得るには費用と時間がかかったため、より安価な代替案として、サウンドを汚したままボリュームを上げるという方法がありました。[ 16 ]作家のキャサリン・ストロングによれば、低予算、録音技術の未熟さ、プロ意識の欠如といった理由から、このサウンドが「グランジ」という用語の起源になった可能性があるという。[ 18 ]
「シアトル・シーン」は、シアトルのワシントン大学とオリンピアのエバーグリーン州立大学に関連した、太平洋岸北西部の地域的なオルタナティブ・ミュージック・ムーブメントでした。エバーグリーンは、従来の成績評価システムを採用せず、独自のラジオ局KAOSを持つ進歩的な大学です。シアトルのインディーズ・レコード・レーベルSub Popでレコーディングを行ったバンドの多くは、「グランジ」と呼ばれるようになりました。[ 19 ]ニルヴァーナのフロントマン、カート・コバーンは、最後のインタビューの1つで、Sub Popの共同創設者であるジョナサン・ポネマンが、その音楽を表現するために「グランジ」という言葉を作り出したと述べています。[ 20 ]
「シアトル・サウンド」という用語は、音楽業界のマーケティング戦略となった。[ 19 ] 1991年9月、ニルヴァーナのアルバム『ネヴァーマインド』がリリースされ、シアトルの音楽が主流の注目を集めた。コバーンは「グランジ」という言葉を嫌悪し[ 2 ]、発展しつつあった新しいシーンを軽蔑していた。レコード会社が、グランジを装いシアトル出身だと主張する古い「コックロック」バンドと契約していると感じていたからである。[ 21 ]
このジャンルに関連するバンドの中には、このレッテルを受け入れず、「ロックンロール」バンドと呼ばれることを好むバンドもある。サウンドガーデンのベン・シェパードは、「グランジ」という言葉が「大嫌い」で、「それに関連付けられるのも嫌だ」と述べている。[ 22 ]シアトルのミュージシャン、ジェフ・ステットソンは、1980年代後半から1990年代初頭にかけてツアーミュージシャンとしてシアトルを訪れた際、地元のミュージシャンは自分たちを「グランジ」パフォーマーとは呼ばず、自分たちのスタイルを「グランジ」とは呼ばず、自分たちの音楽が「グランジ」と呼ばれることにも喜んでいなかったと述べている。[ 23 ]
ローリングストーン誌は、このジャンルには明確な定義がないと指摘した。 [ 24 ]ロバート・ロスは「グランジ」を定義することの難しさを認め、グランジに関する話は語れるが、有用な定義を提供するものではないと述べた。 [ 25 ]ロイ・シュカーは、この用語が「さまざまなスタイルを覆い隠した」と述べている。 [ 19 ]ステットソンは、グランジはムーブメントでも、「一枚岩の音楽ジャンル」でも、1980年代のメタルポップへの反応方法でもなく、この用語は主に誇大宣伝に基づく誤称だと述べている。 [ 23 ]ステットソンは、グランジと見なされている著名なバンド（ニルヴァーナ、パール・ジャム、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズ、マッドハニー、ハンマーボックス）はすべて異なるサウンドであると述べている。 [ 23 ]『Everybody Loves Our Town: An Oral History of Grunge』の著者であるマーク・ヤームは、グランジバンドの間には大きな違いがあり、パンクベースのバンドもあればメタルベースのバンドもあると指摘した。 [ 22 ]
クリス・コーネルは、1994年のローリング・ストーン誌のインタビューで、「シアトル・シーン」の限界について言及した。
... 国の他の地域や世界の他の地域、そしておそらく現在シアトルで演奏している多くのバンドは、シアトルのシーンとはサウンドガーデン、パール・ジャム、ニルヴァーナ、アリス・イン・チェインズ、つまりパンクや70年代の影響を受けたギターロックのことだと考えている。それだけだ。話は終わり。しかし、それは実際に起こっていたこととはかけ離れている。完全に実験的な音楽、フリージャズからシアトリカルバンド、そして多くのゴシック寄りのバンドまで、それらは除外されている。[ 26 ]
1984年、パンクロックバンドのブラック・フラッグは、パンクを国のより辺鄙な地域に広めるため、全米の小さな町をツアーした。この頃には、彼らの音楽はセックス・ピストルズよりもブラック・サバスに近い、スローでドロドロしたものになっていた。後にニルヴァーナのベーシストとなるクリス・ノヴォセリックは、メルヴィンズと一緒にこれらのショーの1つを見に行ったことを回想しており、その後、メルヴィンズのフロントマンであるバズ・オズボーンは、北西部グランジの始まりとなる葬送曲のような音楽を作るために「スローでヘビーなリフ」を書き始めた。 [ 27 ]メルヴィンズは、初期のグランジバンドの中で最も影響力のあるバンドだった。[ 2 ]マルファンクションは、カート・コバーン[ 28 ]やマーク・アームなどの人物によって、グランジの初期サウンドに影響を与えたバンドとして挙げられている。[ 29 ]サブ・ポップのプロデューサー、ジャック・エンディーノはグランジを「70年代の影響を受けた、テンポを落としたパンク音楽」と表現した。[ 30 ] [ 31 ]
スローン・アップスでマーク・アームやスティーブ・ターナーと演奏していたレイトン・ビーザーは、グリーン・リバーが「カム・オン・ダウン」を演奏しているのを聴いたとき、彼らがパンク・ロックを逆再生していることに気づいたと述べている。彼は、減五度音はブラック・サバスが不吉な雰囲気を出すために使用したが、パンク・ロックでは使用されていないと指摘した。1996年のグランジ映画ドキュメンタリー「ハイプ！ 」で、ビーザーはギターでパンクとグランジの違いを実演した。まず、ギターのネックを上昇するラモーンズの「ロックアウェイ・ビーチ」のリフを演奏し、次にネックを下降するグリーン・リバーの「カム・オン・ダウン」を演奏した。2つの曲はほんの数音しか違わないが、音は似ていない。 [ 32 ] [ 33 ]彼は同じコードで同じリズムを取ったが、ネックを下降することで音が暗くなり、グランジのようになった。[ 34 ]初期のグランジバンドは、メタルからリフをコピーして、それをスローダウンさせ、逆再生し、歪ませ、フィードバックで埋め尽くし、その上にメロディーのほとんどない歌詞を叫ぶこともあった。[ 16 ]
グランジはパンク・ロック（特にアメリカのハードコア・パンク）とヘヴィ・メタルの要素を融合させたものですが、バンドによってはどちらか一方に重点を置いて演奏することもありました。アレックス・ディブラージは、インディー・ロックが3つ目の重要な源泉であり、最も重要な影響はソニック・ユースの「フリーフォーム」ノイズから来ていると考えています。[ 3 ]グランジはパンクと、生々しくローファイなサウンドと似たような歌詞のテーマを共有しており、またパンクの無秩序で訓練されていない演奏方法も採用しています。しかし、グランジはパンク・ロックよりも「より深く暗い」サウンドで、パンクの「アドレナリン」に満ちたテンポを遅く「スラッジー」なスピードに落とし、[ 35 ]不協和音のハーモニーをより多く使用しました。シアトルの音楽ジャーナリスト、チャールズ・R・クロスは、グランジを、大音量のエレキギターのフィードバックと重厚で「重々しい」ベースラインで曲のメロディーを支える、歪みに満ちたダウンチューニングのリフベースのロックと定義しています。[ 36 ]ロバート・ロスはグランジを「暴力とスピード、力強さとメロディー」の融合と呼び、女性ミュージシャンを含むすべての人々のためのスペースがあると述べている。[ 25 ] VH1のライター、ダン・タッカーは、さまざまなグランジバンドが異なるジャンルから影響を受けていると感じている。ニルヴァーナはパンクから影響を受け、パール・ジャムはクラシックロックから影響を受け、サウンドガーデンやアリス・イン・チェインズのような「ドロドロとした、暗く、ヘビーなバンド」は不気味なメタル調だったという。[ 37 ]
グランジ音楽は、歪んだエレキギターの轟音と暗い歌詞のテーマの両方において、「醜い」美学と呼ばれるものを持っている。このアプローチは、当時主流だったメインストリームロックの「洗練された」エレガントなサウンドに対抗するためと、グランジアーティストが周囲に見られる「醜さ」を反映させ、現実世界の目に見えない「深みと堕落」に光を当てたいと思ったための両方で選ばれた。[ 38 ]サブポップのプロデューサー、ジャック・エンディノやメルヴィンズなど、グランジサウンドの発展における主要人物の中には、グランジがキッスなどのヘヴィロックの影響を取り入れたことを「音楽的な挑発」と表現した者もいる。グランジアーティストはこれらのバンドを「安っぽい」と考えたが、それでも楽しんでいた。メルヴィンズのバズ・オズボーンは、バンドがどんな馬鹿げたことをして許されるかを見極めようとした試みだと表現した。[ 39 ] 1990年代初頭、ニルヴァーナの特徴的な「ストップ・スタート」の楽曲形式と、静かな部分と大きな部分が交互に現れる構成は、ジャンルの慣習となった。[ 7 ]
カイル・アンダーソンは著書『アクシデンタル・レボリューション：グランジ物語』の中で次のように書いている。
『Sixteen Stone』に収録されている12曲は、グランジが本来あるべき姿そのものに聞こえるが、グランジの本質は、グランジ自身を含め、何にも似ていないことだった。このディスコグラフィーだけでも、どれだけの異なるバンドや音楽スタイルが「グランジ」という括りに押し込められてきたかを考えれば、グランジはおそらく歴史上最も定義が曖昧な音楽ジャンルであることがわかるだろう。[ 40 ]
グランジのギタリスト、カート・コバーンなどは、フェンダー・ジャガー、フェンダー・ジャズマスター、ムスタングなどの「オフセット」ギターをよく使用していました。当時、オフセットギターは主流のポップやロックバンドでよく見かけるギブソン・レスポールやフェンダー・ストラトキャスター、テレキャスターとは対照的に、新しいイメージを与えるほど人気がなかったため、主にオフセットギターを使用していました。グランジが始まった頃は人気がなかったオフセットギターは、コストパフォーマンスにも優れていました。[ 41 ] グランジは一般的に、中音域が厚く、高音域がロールオフされた、高レベルのディストーションとファズを特徴とする、スラッジーなエレキギターサウンドで、通常は1970年代スタイルの小型ストンプボックスペダルで作成され、一部のギタリストは複数のファズペダルをチェーン接続してチューブアンプとスピーカーキャビネットに接続していました。[ 42 ]グランジのギタリストは非常に大きなマーシャルギターアンプを使用し[ 43 ]、カート・コバーンやデイヴ・グロール（後者は初期のグランジ志向のフー・ファイターズの曲で使用）など、強力なメサ・ブギーのアンプを使用した者もいた。 [ 44 ]グランジは最も「陰鬱なサウンド」を持つロックジャンルと呼ばれており、激しいディストーションと大音量のアンプの使用は、巨大な「音の霧の蓄積」に例えられてきた。[ 45 ]あるいは、ある評論家は「ノイズ」とさえ一蹴した。[ 46 ]メタルやパンクと同様に、グランジのサウンドの重要な要素は、エレキギターで演奏される非常に歪んだパワーコードである。 [ 35 ]
メタルギタリストのオーバードライブサウンドは一般的にオーバードライブアンプとディストーションペダルの組み合わせから生まれるのに対し、グランジギタリストは通常、オーバードライブペダルとファズペダルから「ダーティ」なサウンドをすべて得ており、アンプは単に音量を大きくするために使われていた。[ 44 ]グランジギタリストはフェンダーツインリバーブとフェンダーチャンピオン100コンボアンプを使う傾向があった（コバーンはこの両方のアンプを使っていた）。[ 44 ]グランジギタリストによるペダルの使用は、他のロックジャンルで使われていた高価なスタジオグレードのラックマウントエフェクトユニットから離れる動きだった。グランジバンドがストンプボックスペダルを肯定的に見ていたことは、マッドハニーがデビューEP 「Superfuzz Bigmuff」のタイトルに、 2つのオーバードライブペダル、Univox Super-FuzzとBig Muffの名前を使ったことからもわかる。[ 47 ]曲「Mudride」では、バンドのギターが「クロマニョン人の苦闘」を通して「悪意に満ちた唸り声」をあげたと言われている。[ 48 ]
グランジバンドが使用したその他の主要なペダルには、4つのブランドのディストーションペダル（Big Muff、DOD、Boss DS-2、Boss DS-1ディストーションペダル）と、カート・コバーンが「Come As You Are」で、スクリーミング・ツリーズが「Nearly Lost You 」で使用したスモールクローンコーラスエフェクトが含まれていた。[ 44 ] DS-1（後にDS-2）ディストーションペダルは、コバーンの静かなものから大きなもの、そしてまた静かなものへと曲作りのアプローチを切り替える上で重要な役割を果たした。[ 49 ]グランジギタリストによる小型ペダルの使用は、ブティックの手はんだ付けされた1970年代スタイルのアナログペダルへの関心の復活のきっかけとなった。[ 42 ]グランジギタリストが使用したもう1つのエフェクトは、最もローテクなエフェクトデバイスの1つであるワウペダルだった。キム・セイルとアリス・イン・チェインズのジェリー・カントレルはどちらもワウペダルの熱烈な支持者だった。[ 42 ]スクリーミング・ツリーズ、パール・ジャム、サウンドガーデン、マッドハニー、ダイナソーJr.もワウペダルを使用していた。[ 44 ]
グランジのギタリストは大音量で演奏し、カート・コバーンの初期のギターサウンドは、800ワットのPAシステムパワーアンプ4台という珍しいセットアップから生まれた。[ 42 ]ギターフィードバック効果は、高音域で持続するサウンドを生み出すために使用され、これは通常のギターテクニックでは不可能である。グランジのギタリストは、パンクの生々しく原始的なサウンドに影響を受け、「 テクニックと正確さよりもエネルギーと洗練さの欠如」を好んだ。主なギターの影響を受けたバンドには、セックス・ピストルズ、デッド・ボーイズ、セルティック・フロスト、キングスX、ヴォイヴォド、ニール・ヤング[ 50 ]（ラスト・ネヴァー・スリープス、サイド2）、リプレイスメンツ、ハスカー・ドゥ、ブラック・フラッグ、メルヴィンズなどがある。[ 51 ]グランジのギタリストは、より低く重いサウンドを得るために楽器をダウンチューニングすることが多かった。 [ 42 ]サウンドガーデンのギタリスト、キム・セイルは、通常のギターアンプを使用せず、代わりに15インチスピーカーを搭載したベースコンボアンプを使用して低音のリフを演奏し、ベースアンプによってより深いトーンを得ていた。[ 42 ]
グランジのギタリストたちは、ヘヴィメタルの曲の中心となっていた技巧的な「シュレッディング」ギターソロを「きっぱりと拒否」し、代わりにメロディックでブルースに影響を受けたソロを選び、「ギターソロではなく曲」に焦点を当てた。[ 52 ]アリス・イン・チェインズのジェリー・カントレルは、ソロはギタリストの技術をひけらかすためではなく、曲に奉仕するためにあるべきだと述べた。[ 53 ]メタルの威張ったギターヒーローの代わりに、グランジには楽器の習得にほとんど興味を示さなかったコバーンのような「ギターのアンチヒーロー」がいた。[ 51 ]
ガーディアン紙に掲載されたウィル・バイヤーズの記事「グランジは音楽に対して罪を犯した――ギターソロを殺した」の中で、彼はギターソロはパンクロック時代を生き延びたものの、グランジによって弱体化したと述べている。[ 54 ]また、カート・コバーンがメインのボーカルメロディーを繰り返すギターソロを演奏したとき、ファンは楽器を演奏するのにジミ・ヘンドリックス級の達人である必要はないことに気づいたとも述べている。そして、このアプローチは1960年代のフォークミュージック運動以来見られなかった方法で、ファンにとって音楽を身近なものにするのに役立ったと述べている。[ 55 ]ニルヴァーナの『ネヴァーマインド』のプロデューサー、ブッチ・ヴィグは、このアルバムとニルヴァーナが「ギターソロを殺した」と述べている。[ 56 ]サウンドガーデンのギタリスト、キム・セイルは、「ギターソロの死」の一因は自分にあると感じていると述べている。彼は、パンクロッカー的な側面からソロを弾きたくないと感じていたため、1980年代にはギターソロ中にノイズを出したりフィードバックをかけたりすることを好んだと語った。 [ 57 ] Baeble Musicは、1990年代のグランジギターソロを「生々しい」「だらしない」「基本的な」と評している。[ 58 ]
「グランジがギターソロを殺した」という主張を裏付ける情報源は限られている。ショーン・ゴンザレスは、パール・ジャムにはギターソロの例がたくさんあると述べている。[ 56 ]マイケル・アゼラッドは、マッドハニーのスティーヴ・ターナーのギター演奏を称賛し、彼を「グランジのエリック・クラプトン」と呼んでいる。[ 59 ]パール・ジャムのギタリスト、マイク・マクレディは、ブルースの影響を受けた速弾きで称賛されている。[ 60 ]スマッシング・パンプキンズのギタリスト、ビリー・コーガンは、ギター演奏技術の先駆者であり、グランジ・ギタリストは主流音楽に反抗するために下手な演奏をする必要はないことを演奏技術で示したことから、「90年代のアリーナ・ロックの天才」と呼ばれている。[ 60 ]セイルは、ニルヴァーナなどの他の主要なグランジ・バンドがギターソロを減らしていたとき、サウンドガーデンはソロを復活させることで対応したと述べている。[ 57 ]
1987年に同名のバンドによって録音された初期のシアトル・グランジ・アルバム『スキン・ヤード』には、ジャック・エンディーノとダニエル・ハウスが演奏したファズ・ベース（オーバードライブ・ベース・ギター）が収録されている。[ 61 ]ベン・シェパードなどのグランジ・ベーシストの中には、ベース音に5度と1オクターブ高い音を加えることで、パワー・コードに歪んだ低音の密度を重ねる者もいた。[ 62 ]
グランジで使用されるパワフルでラウドなベースアンプシステムの例としては、アリス・イン・チェインズのベーシスト、マイク・イネスのセットアップが挙げられます。彼は4台のパワフルなAmpeg SVT -2 PROチューブアンプヘッドを使用しており、そのうち2台は低音域用に4台の1×18インチサブウーファーキャビネットに接続され、残りの2台は2台の8×10インチキャビネットに接続されています。 [ 63 ]クリス・ノヴォセリックとジェフ・アメントもAmpeg SVTチューブアンプを使用していることで知られています。[ 64 ] [ 65 ]ベン・シェパードは300ワットのオールチューブAmpeg SVT-VRアンプと600ワットのMesa/Boogie Carbine M6アンプを使用しています。[ 66 ]アメントは4台の6×10インチスピーカーキャビネットを使用しています。[ 65 ]
1980年代のポップメタルで使われた「巨大なドラムキット」とは対照的に、グランジドラマーは比較的小さなドラムキットを使用していた。 [ 67 ]サウンドガーデンのドラマー、マット・キャメロンのセットアップで使用されているドラムキットはその一例である。彼は6ピースのドラムセット（このドラムセットの表現では、木製のドラムのみを数え、シンバルは数えません）を使用しており、これには「12×8インチのラックタム、 13×9インチのラックタム、16×14インチのフロアタム、18×16インチのフロアタム、24×14インチのバスドラム」とスネアドラム、そしてシンバルにはジルジャン製の楽器を使用しており、「... 14インチのKライト[ハイ]ハット、17インチのKカスタムダーククラッシュ[シンバル]と18インチのKクラッシュライド、19インチのプロジェクションクラッシュ、20インチのレゾクラッシュ、...そして... 22インチのAミディアムライド[シンバル]」が含まれています。[ 68 ]
2つ目の例は、ニルヴァーナのドラマー、デイヴ・グロールが1990年と1991年に使用していたセットアップです。彼は4ピースのタマのドラムセットを使用しており、8インチ×14インチのバーチスネアドラム、14インチ×15インチのラックタム、16インチ×18インチのフロアタム、16インチ×24インチのバスドラムで構成されていました（このキットは「1991年10月12日にシカゴのキャバレー・メトロで破壊された」）。[ 69 ]マット・キャメロンと同様に、デイヴ・グロールもジルジャンのシンバルを使用していました。グロールは同社のAシリーズ・ミディアム・シンバルを使用しており、18インチと20インチのクラッシュシンバル、22インチのライドシンバル、15インチのハイハットシンバルのペアが含まれていました。[ 69 ]
グランジでは一般的に他の楽器は使われないが、シアトルのバンド、ゴリラは「ギターのみ」という慣習を破り、1960年代スタイルのVoxオルガンをバンドで使用して物議を醸した。[ 70 ] 2002年、パール・ジャムはピアノ、ハモンドオルガン、その他のキーボードを演奏するキーボード奏者、ケネス・“ブーム”・ガスパーを加えた。バンドの初期の「グランジ」時代にはキーボーディストの追加は「考えられない」ことだったが、これはバンドのサウンドが時間の経過とともにどのように変化するかを示している。[ 71 ]
グランジの歌唱スタイルは、音色と歌い方において、大音量で激しく歪んだエレキギターの「爆発」に似ていました。カート・コバーンは「荒々しく不明瞭な発音とザラザラした音色」を用い、パール・ジャムのエディ・ヴェダーは「幅広く力強いビブラート」を用いて「表現の深さ」を示しました。[ 47 ]レイン・ステイリーは「重厚さ」とトレモロで歌詞を歌いました。[ 72 ]一般的に、グランジ歌手は、低音でダウンチューニングされたギターと、そのスタイルで使用される暗いテーマの歌詞メッセージに合う「より深い歌唱スタイル」を使用しました。[ 42 ]グランジ歌手は、「ザラザラした、かすれた」歌声、[ 35 ]「 うなり声、うめき声、叫び声、つぶやき」[ 73 ]および「悲しげなうめき声」を使用しました。この歌唱スタイルの範囲は、歌詞の「多様な感情」を伝えるために用いられた。[ 74 ]コバーンは、当時の「悪い時代」と不満に対して、歌詞を叫ぶことで反応した。[ 75 ]一般的に、グランジの歌は「シンプルに、しばしばやや聞き取りにくい」歌い方で、技巧的な「ヘアメタルのオペラティックな歌唱法は避けられた」。 [ 75 ]グランジの歌唱は「音程が外れかけているボーカル」と特徴づけられている。[ 76 ]
グランジの歌詞は、一般的に暗く、ニヒリスティックで、[ 3 ]悲惨で、不安と苦悩に満ちており、社会的疎外、自己不信、虐待、暴行、無視、裏切り、社会的孤立/感情的孤立、心理的トラウマ、自由への欲求といったテーマを扱っていることが多い。[ 8 ] [ 9 ]
MITの記事によると、グランジの「歌詞は権利剥奪に執着していた」とあり、「諦めにも似た絶望」の雰囲気が表現されていた。[ 77 ]キャサリン・ストロングは著書『グランジ：音楽と記憶』の中で、グランジの歌は通常「否定的な経験や感情」について歌っており、主なテーマは疎外感と憂鬱だが、「皮肉な嘲笑」が込められていると述べている。[ 78 ]グランジのアーティストは、歌詞の中で「社会の病弊」について「強い感情」を表現しており、「不誠実な者を磔刑にしたい」という願望も含まれている。このアプローチは、ファンからその信憑性が高く評価された。[ 79 ]グランジの歌詞は「暴力的で、しばしばわいせつ」だと批判されてきた。[ 80 ] 1996年、保守派コラムニストのリッチ・ロウリーは、グランジを批判するエッセイ「我らのヒーロー、ヘロイン」を執筆した。彼はそれを「 理想や政治的行動への衝動がほとんど欠落した音楽」と呼んだ。 [ 81 ]
こうしたテーマに焦点を当てるようになった背景には、いくつかの要因がある。多くのグランジミュージシャンは、社会の現状に対する全般的な幻滅感や、社会的な偏見に対する不快感を示していた。グランジの歌詞には、「明確な政治的メッセージと、社会や社会がどのように変わる可能性があるか についての疑問」が含まれていた。 [ 82 ]グランジの歌詞はパンクソングほど露骨に政治的ではなかったが、グランジソングは、特に若者に影響を与える社会問題への関心を示していた。[ 78 ]グランジの主なテーマは、「違いへの寛容」、「女性への支持」、「権威への不信」、「大企業への冷笑」であった。[ 78 ]グランジソングのテーマは、パンクロックミュージシャンが取り上げたテーマと類似点がある。[ 7 ] 1992年、音楽評論家のサイモン・レイノルズは、「文化全体に燃え尽き症候群の感覚がある。若者は将来に憂鬱になっている」と述べた。[ 83 ]グランジの歌詞のテーマであるホームレス、自殺、レイプ、[ 78 ]「崩壊した家庭、薬物中毒、自己嫌悪」は、ポイズンなどのグラムメタルバンドの歌詞とは大きく異なっていた。グラムメタルの歌詞は「高速レーンでの生活」、[ 84 ]パーティー、快楽主義を描写していた。
グランジの歌詞は「ジェネレーションXの倦怠感」の一部として発展し、その世代の「幻滅と無力感」を反映している。[ 85 ]グランジの恋愛ソングは通常「失敗した、退屈な、破滅的な、または破壊的な関係」について歌っている（例：パール・ジャムの「Black」）。[ 78 ]アリス・イン・チェインズの「Sickman」、「Junkhead」、「God Smack」、「Hate to Feel 」にはヘロインへの言及がある。[ 86 ] [ 87 ]グランジの歌詞はより内省的になり、リスナーが「隠された」個人的な問題を見抜き、世界の「堕落」を検証できるようにすることを目的としていた。[ 38 ]このアプローチは、マッドハニーの「Touch Me I'm Sick 」に見られ、この曲には「壊れた世界と断片化された自己イメージ」を描写する「狂気じみたイメージ」の歌詞が含まれている。この曲には「気分が悪い、もっと悪い気分になったこともある」や「長生きできないだろうし、体は腐りきっている」という歌詞が含まれている。[ 35 ]ニルヴァーナの1991年のアルバム『ネヴァーマインド』に収録されている「リチウム」は、「恋人の自殺後に信仰を見出した男」についての歌で、こうした「暗い問題」に対処する方法として「皮肉と醜さ」を描いている。[ 38 ]
パンクと同様に、グランジのサウンドはローファイ（低忠実度）の録音と制作アプローチから生まれた。[ 35 ]大手レーベルが登場する前は、初期のグランジ・アルバムは低予算のアナログ・スタジオを使用して録音されていた。「ニルヴァーナのファースト・アルバム『ブリーチ』は、1989年に606.17ドルで録音された。」[ 88 ]サブ・ポップは、プロデューサーのジャック・エンディーノがグランジ・ジャンルの美学、つまり「歪みのある生々しく洗練されていないサウンドだが、通常はスタジオ・エフェクトは追加されていない」というサウンドを作り出した「 Reciprocalという低家賃のスタジオ」で彼らの音楽のほとんどを録音した。[ 89 ]エンディーノは、簡素な録音方法と、エフェクトやリマスタリングで音楽を「過剰にプロデュース」することを嫌うことで知られている。サウンドガーデンの『スクリーミング・ライフ』やニルヴァーナの『ブリーチ』 、グリーン・リバー、スクリーミング・ツリーズ、L7、ザ・ギッツ、ホール、セブン・イヤー・ビッチ、TADといったバンドの作品は、グランジ・サウンドの定義に貢献した。低コスト制作アプローチの一例としてマッドハニーが挙げられる。バンドがワーナー・ミュージックと契約した後も、「バンドのインディーズのルーツに忠実に…彼らは…おそらく、より低い予算でレコーディングするためにレーベルと戦わなければならない数少ないバンドの1つだろう」[ 59 ] 。
スティーヴ・アルビニもグランジ・サウンドに重要な影響を与えた人物の一人である。アルビニは「レコーディング・エンジニア」と呼ばれることを好んだ。なぜなら、レコーディング・セッションをレコード・プロデューサーに任せるとバンド本来のサウンドが損なわれることが多いのに対し、レコーディング・エンジニアの役割はミュージシャンの実際のサウンドを捉えることであり、アーティストの創作物に対するコントロールを脅かすことではないと考えていたからである。[ 90 ]アルビニのレコーディングは、マイケル・アゼラードなどのライターによって分析されており、アゼラードはアルビニの「レコーディングは非常に基本的でありながら非常に厳密だった。エンディーノと同様に、アルビニは特殊効果をほとんど使わず、攻撃的でしばしば暴力的なギター・サウンドを出し、リズム・セクションが一体となって力強く演奏するようにした」と述べている。[ 91 ]
ニルヴァーナの『イン・ユーテロ』は、アルビニのレコーディング手法の典型的な例である。彼は、主流のロックのように各楽器を別々のトラックに異なるタイミングで録音し、マルチトラック録音でミックスするのではなく、バンド全員がスタジオでライブ演奏することを好んだ。マルチトラック録音はより洗練された作品を生み出すが、バンドが一緒に演奏する「ライブ」サウンドを捉えることはできない。アルビニはボーカルと楽器にさまざまなマイクを使用した。ほとんどのメタルやパンクのレコーディングエンジニアと同様に、彼はギターアンプのスピーカーとベースアンプのスピーカーにマイクを立てて、各演奏者の独特な音色を捉えた。
グランジのコンサートは、ストレートでエネルギッシュなパフォーマンスとして知られていました。グランジのショーは「祝祭、パーティー、カーニバル」であり、観客はステージダイブ、モッシュ、スラッシュでその精神を表現しました。[ 92 ]サイモン・レイノルズは、「スラッシュメタル やグランジといった、最も男らしいロックの形態では、モッシュは代理戦闘の一形態となり、モッシュピットの「汗と血の海」の中で「男の体」が接触できると述べています。[ 93 ]パンクのショーと同様に、グランジのパフォーマンスは「ステージ上で叫び飛び跳ねるフロントマンと、楽器を激しく叩くミュージシャン」が中心でした。[ 94 ]グランジの歌詞のテーマは「不安と怒り」に焦点を当てていましたが、ショーの観客はポジティブで、「人生を肯定する」態度を生み出しました。[ 92 ]グランジバンドは、複雑なデジタル制御の照明装置、花火、その他当時「ヘアメタル」ショーで流行していた視覚効果の使用など、多くの主流音楽ジャンルの複雑で高予算の演出を拒否した。グランジの演奏者は、これらの要素を音楽の演奏とは無関係だと考えていた。ステージ演技や「ステージ上の芝居がかった演出」は一般的に避けられた。[ 84 ]
その代わりに、バンドは自分たちを地元のマイナーバンドと何ら変わらないように見せかけた。ジャック・エンディーノは『Hype!』で、シアトルのバンドはライブパフォーマンスが不安定で、主な目的はエンターテイナーになることではなく、単に「ロックアウト」することだったと述べている。[ 39 ]グランジバンドは熱狂的なパフォーマンスを披露し、ショーの間は「抑圧された攻撃性」を解放するための「象徴的な武器」として長い髪を振り乱した（デイヴ・グロールは特に「ヘッドフリップ」で有名だった）。 [ 95 ]デイヴ・リマーは、1990年代初頭にパンクの理想である簡素な音楽が復活したことで、「コバーンや彼のような多くの若者にとって、ロックンロールは …挑戦状を突きつけた。毎日、毎年、自分の真正性を証明し、音楽にふさわしい生き方をするために、十分に純粋でいられるか …そして、それができないなら、ポーズをとる者、偽物、売名行為者として生きられるか？」と書いている。 [ 96 ]
ワシントンのグランジミュージシャンが一般的に着ていた服は「ありふれた日常スタイル」で、ステージでも家で着ているのと同じ服を着ていた。 [ 35 ]この太平洋岸北西部の「怠け者スタイル」または「だらしない格好」は、パンクが着ていた「ワイルドな」モヒカン、レザージャケット、チェーンとは対照的だった。グランジミュージシャンがこのような日常的な服装のアプローチを採用したのは、シアトルシーンでは本物であることが重要な原則だったからである。 [ 35 ]グランジのルックは、通常、古着やリサイクルショップのアイテム、この地域特有のアウトドアウェア（特にフランネルシャツ）、そして一般的にだらしない外見と長い髪で構成されていた。 [ 84 ]グランジシンガーにとって、長い髪は「顔を隠すマスク」として使われ、「内なる思いを表現する」ことができた。コバーンはその顕著な例である。 [ 95 ]グランジの男性ミュージシャンは「… 身なりがだらしなく …[そして] …髭を剃っておらず[ 97 ] … 髪は乱れており」 [ 98 ]、しばしば洗っておらず脂ぎっていて「… 牧羊犬のモップのように絡まっていた」 [ 99 ] 。
木こり風の服装は、ミュージシャンが買えるほどの低価格だったため、シアトル近郊の古着屋でよく見かけられた。[ 100 ]グランジスタイルは、破れたジーンズ、サーマルアンダーウェア、[ 85 ]ドクターマーチンブーツまたはコンバットブーツ（しばしば紐を解いたもの）、バンドTシャツ、オーバーサイズのニットセーター、長くてだらりとしたスカート、破れたタイツ、ビルケンシュトック、ハイキングブーツ、[ 101 ] [ 102 ] [ 103 ]およびリサイクル繊維またはフェアトレードのオーガニックコットンで作られた環境に優しい服で構成されていた。[ 104 ]また、グランジシーンの女性は「 男性と同じチェック柄のシャツ、ブーツ、短く刈り込んだ髪型」をしていたため、女性は「 性的魅力によって定義されるわけではない」ことを示した。[ 105 ]
「グランジは …服にお金をかけなければかけないほど『クール』になるという反消費主義運動になった。」 [ 106 ]このスタイルは、魅力的なファッションを作ろうと意識的に試みた結果生まれたものではない。音楽ジャーナリストのチャールズ・R・クロスは、「ニルヴァーナのフロントマン、カート・コバーンはシャンプーをするのが面倒くさかっただけだ」と言い、サブ・ポップのジョナサン・ポネマンは、「この服は安くて丈夫で、ある意味時代を超越している。また、80年代に存在した派手な美学全体に反している」と言った。[ 83 ] グランジシーンのフランネルや「…ひび割れた合皮のコート」は、太平洋岸北西部の古着屋の美学の一部だった。[ 99 ]グランジファッションは、反ファッション的な反応であり、「作られたイメージ」に対する非順応的な動きであり、[ 107 ]ミュージシャンに本物の服装をし、自分を美化しないように促すことが多かった。同時に、Sub-Popは所属バンドのマーケティングに「グランジ・ルック」を活用した。VH1のインタビューで、写真家のチャールズ・ピーターソンは、グランジバンドTadのメンバーについて「彼らは、完全には得ていないブルーカラーのアイデンティティを与えられた。ブルース（パヴィット）は彼らにフランネルの服を着せて本物のチェーンソーを持たせ、山男のイメージを本当に強調させたが、それはうまくいった」とコメントした。[ 108 ]
Dazed誌は、スタイルの観点から、コートニー・ラブを「1990年代を象徴する10人の女性」の1人と評した。「 コートニー・ラブの短すぎるベビードールドレス、ボロボロの毛皮のコート、プラチナブロンドの髪」というルックは「キンダーホア」 と呼ばれ、「もちろんティアラを添えて」、その10年間を生きた人の記憶に焼き付いている。[ 109 ]キンダーホアのルックは、破れたり裂けたりしたタイトまたはローカットのベビードールドレスやピーターパンカラーのドレス、スリップ、濃いアイライナーを使った濃いメイク、[ 110 ]バレッタ、革のブーツまたはメリージェーンシューズで構成されていた。[ 111 ] [ 112 ] [ 113 ]ベイブス・イン・トイランドのキャット・ビェランドが最初にそれを定義したが、ホールのコートニー・ラブが最初にそれを普及させた。ラブは、このスタイルはディヴァイナルズのフロントウーマン、クリッシー・アンフレットから取り入れたと主張している。[ 111 ]このスタイルは1994年に非常に人気になった。[ 114 ]
ヴォーグ誌は2014年に、「コバーンは女性と男性の両方のワードローブから自由にアイテムを取り入れ、シアトルの古着屋で見つけた彼のスタイルは、男らしい木こりの作業着から40年代風で70年代風のフェミニンなドレスまで多岐に渡った。それは、1980年代の光沢のある派手な美学とはあらゆる点で完全に正反対だった。くたびれたジーンズと花柄のワンピースで、彼は典型的な反逆者のタフな外見を内側から和らげ、新世代の過激な両性具有の概念の火付け役となった」と述べている。 [ 115 ]コバーンの服装は「マッチョなアメリカ人男性とは正反対」であり、「 男の子でも女の子でも、だらしなくゆったりとした格好をすることがクールになった」からである。 [ 115 ]音楽と文化のライターであるジュリアンヌ・エスコベド・シェパードは、コバーンの服装スタイルについて「彼は奇人であることを許容しただけでなく、それを望ましいものにした」と書いている。 [ 115 ]
グランジ音楽は1990年代初頭に主流となり、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズ、パール・ジャム、ニルヴァーナなどのバンドが大手レコード会社と契約を結んだ。グランジファッションは1992年半ばに男女ともに主流ファッションに浸透し始め、1993年後半から1994年初頭にかけてピークを迎えた。[ 101 ] [ 116 ] [ 117 ]勢いを増すにつれ、グランジというタグは、このトレンドに乗じて利益を得ようとする高価なフランネルシャツを販売する店によって使われるようになった。[ 106 ]皮肉なことに、非順応的なルックは突然主流のトレンドとなった。ファッション界では、マーク・ジェイコブスが1992年にペリー・エリスのショー（1993年春コレクション）を発表し、グランジ風の服と高級生地を組み合わせた。ジェイコブスはグランジストリートウェアの「リアリズム」からインスピレーションを得た。彼は、ビーニー帽、花柄のドレス、シルクのフランネルシャツを着たモデルをキャットウォークに送り込むことで、ファッションの贅沢さと融合させた。[ 118 ]しかし、これはブランドオーナーには受け入れられず、ジェイコブスは解雇された。アナ・スイなどの他のデザイナーも、1993年の春夏シーズンにグランジからインスピレーションを得た。[ 107 ]
同年、ヴォーグ誌はファッション写真家のスティーブン・マイゼルと「グランジ＆グローリー」という特集を組み、スーパーモデルのクリステン・マクメナミー、ナオミ・キャンベル、ナディア・アウアマンをグランジ風の服を着せてサバンナの風景の中で撮影した。[ 119 ] [ 120 ]この撮影でマクメナミーは眉毛を剃り、髪を短くカットしたことでグランジの顔となった。クリスチャン・ラクロワ、ダナ・キャラン、カール・ラガーフェルドなどのデザイナーはグランジの影響を自身のルックに取り入れた。[ 118 ] 1993年、ディテールズ誌の編集者ジェームズ・トルーマンは、「私にとってグランジは反ファッションではなく、アンファッションだ。パンクは反ファッションだった。それは主張だった。グランジは主張しないことだ。だからこそ、それがファッションの主張になるのはおかしいのだ」と語った。[ 121 ] だらしないファッションセンスは、「学校をサボり、マリファナやタバコを吸い、音楽を聴き」、いつかロックスターになることを夢見る「怠け者世代」のルックスを特徴づけていた。 [ 108 ]
グランジファッションは1990年代後半には人気が衰えていたものの、デザイナーたちは時折このムーブメントからインスピレーションを得続けている。グランジは2008年に再びトレンドとして登場し、2013年秋冬にはイヴ・サンローランのエディ・スリマンがグランジをランウェイに復活させた。コレクションのミューズを務めたコートニー・ラブは、このコレクションをとても気に入ったと伝えられている。「MJ（マーク・ジェイコブス）には申し訳ないけど、彼は決して正しく理解していなかった」とコートニーは語った。「これが本当のグランジだった。エディはよく分かっている。彼は正確に理解していたが、MJとアナ・スイはそうではなかった」[ 122 ]。コバーンとラブは、1993年にマーク・ジェイコブスから受け取ったペリー・エリスのコレクションを燃やしたらしい。[ 123 ]。 2016年には、グランジはA$AP Rocky 、リアーナ、カニエ・ウェストによるこのスタイルの高級な「再発明」に影響を与えた。[ 124 ]しかし、「グランジファッションはもはや本物であることの証ではない。反逆の象徴（ドクターマーチンブーツ、タータンシャツ）はハイストリートで絶大な人気を誇っている」と、 iD誌の副編集長リネット・ナイランダーは述べている。[ 124 ]
多くの音楽サブカルチャーは特定の薬物と結びついており、例えばヒッピーのカウンターカルチャーやレゲエは、どちらもマリファナや幻覚剤と結びついている。1990年代には、メディアはシアトルのグランジシーンのミュージシャンによるヘロインの使用に注目し、1992年のニューヨーク・タイムズの記事では、同市の「3つの主要な薬物」として「エスプレッソ、ビール、ヘロイン」を挙げ[ 88 ]、1996年の記事ではシアトルのグランジシーンを「 ヘロインを最も強く受け入れたサブカルチャー」と呼んだ[ 125 ] 。ガーディアン紙のティム・ジョーンズは、「…ヘロインは80年代半ばのグランジシーンの誕生以来、このシーンを蝕んできた」と述べ、ヘロインの関与は音楽の自己嫌悪や虚無主義的な側面を反映していると主張している。ヘロインによる死亡に加えて、ジョーンズは、ストーン・テンプル・パイロッツのスコット・ウェイランド、コートニー・ラブ、マーク・ラネガン、ジミー・チェンバレン、エヴァン・ダンドも「…皆、この薬物に手を出したが、生き延びた」と指摘している。[ 126 ] 2014年の書籍では、1980年代には人々が「刺激剤」であるコカインを社交や「楽しい時間を祝う」ために使用していたのに対し、1990年代のグランジシーンでは「抑制剤」であるヘロインが「繭」に「引きこもり」、変化や希望の見込みがほとんどない「厳しく容赦のない世界」から「守られる」ために使用されたと述べている。[ 127 ]ジャスティン・ヘンダーソンは、「ヘロイン、モルヒネ、エトルフィン、コデイン、アヘン、ヒドロコドンなど、すべての「鎮静剤」オピオイドは、多くのグランジーにとって好んで使われる習慣だったようだ」と述べている。[ 128 ]
ニルヴァーナのデビューアルバム『ブリーチ』のタイトルは、ヘロイン注射使用者を対象とした害軽減ポスターに触発されたもので、そのポスターには「ハイになる前に、道具（注射器や針など）を漂白してください」と書かれていた。このポスターは、使用済み注射針の共有によるエイズ感染を減らそうとしていた米国保健局によって発行された。アリス・イン・チェインズの曲「ゴッド・スマック」には、「本当の楽しみのために腕を刺せ」という歌詞があり、これはヘロイン注射を指している。[ 125 ]ヘロインを使用していたことで知られるシアトルのミュージシャンには、頭を撃って自殺した時にヘロインを使用していたコバーン、 1990年にヘロインの過剰摂取で亡くなったマザー・ラブ・ボーンのアンドリュー・ウッド、 1992年に同じオピオイドの過剰摂取で亡くなったセブン・イヤー・ビッチのステファニー・サージェント、そしてヘロインとの闘いを公に語ったアリス・イン・チェインズのレイン・ステイリーなどがいる。[ 129 ]アリス・イン・チェインズのマイク・スター[ 127 ]とスマッシング・パンプキンズのジョナサン・メルヴォインもヘロインで亡くなった。コバーンの死後、彼の「…未亡人である歌手のコートニー・ラブは、シアトルを麻薬のメッカと表現し、そこではサンフランシスコやロサンゼルスよりもヘロインが手に入りやすいと述べた。」[ 129 ]
しかし、C/Z Records のオーナーであるDaniel House は、1994 年にこれらの認識に異議を唱えた。House は、「ここ (シアトル) には他の場所よりも (ヘロイン) が多いわけではない」と述べ、ヘロインは「 (シアトルの音楽) 文化の大きな部分を占めていない」とし、「マリファナとアルコールの方がはるかに普及している」と述べた。Guitar World誌の編集者の 1 人である Jeff Gilbert は、1994 年に、シアトルのグランジ シーンとヘロインを結びつけるメディアの報道は「本当に誇張されている」と述べ、代わりにシアトルのミュージシャンは「...みんなマリファナ中毒者だ」と述べている。[ 129 ] Gil Troy の 1990 年代のアメリカの歴史では、シアトルのグランジ シーンでは、「...好まれる薬物が (1980 年代の) 高級コカインから労働者階級のマリファナに変わった」と述べている。[ 130 ]ローリングストーン誌は、シアトルのグランジシーンのメンバーは日中はエスプレッソで「コーヒー狂い」で、「…夜はビールをがぶ飲みしていた。コーヒーで興奮し、酒で酔っぱらっていたのだから、グランジ音楽があのような音になるのも不思議ではない」と報じた。[ 131 ]「シアトルのシーンのベテランの中には、エクスタシーに関連する薬物であるMDAが「グランジに大きく貢献した」と主張する者もいる。なぜなら、MDAは（マリファナの「頭のハイ」とは対照的に）使用者に「身体のハイ」をもたらし、「ベースの効いたグルーヴ」を高く評価させたからである。 」 [ 132 ]パット・ロングの『NMEの歴史』には、サブ・ポップ・レーベルに関わっていたシーンのメンバーが森の中で数日間にわたるMDMAパーティーをしていたと記されており、ロングがエクスタシーの「温かい輝き」と呼ぶものが、湿っぽく、灰色で、孤立した太平洋岸北西部地域にも影響を与えていたことを示している。[ 133 ]
グラフィックデザインや画像に関して言えば、グランジバンドの共通の特徴は、「ローファイ」（低忠実度）で意図的に型破りなアルバムカバーの使用であり、例えば、意図的にぼやけた写真や色調の異なる写真、コラージュ、または傷んだ文字などが用いられた。初期のグランジの「アルバムカバーやコンサートフライヤーは、DIY美学への忠誠からではなく、「バンドにお金がほとんどなかった」ため「経済的必要性」からゼロックスでコピーされていた。[ 134 ]これはすでにパンクロックのデザインの一般的な特徴であったが、デスクトップパブリッシングやデジタル画像処理にMacintoshコンピュータの使用が増加したことにより、グランジ時代には拡大した。音楽以外の分野で使用される場合、このスタイルは「グランジタイポグラフィ」と呼ばれることもあった。[ 135 ] [ 136 ] [ 137 ]「グランジ」スタイルの実験的なデザインの有名な例としては、デビッド・カーソンがアートディレクションを務めたRay Gun誌がある。[ 138 ] [ 139 ]
カーソンは「文字を引き裂き、細断し、作り直す」技法を開発し[ 138 ] [ 139 ]、「重ね刷りされた不調和な文字」や、「意図的な配置の『間違い』」を含む実験的なデザイン手法を用いた[ 140 ] 。カーソンのアートは「乱雑で混沌としたデザイン」を用い、「構成のルールを一切尊重せず」、「実験的で個人的かつ直感的な」アプローチを採用した[ 141 ] 。もう1人の「グランジ・グラフィック・デザイナー」はエリオット・アールズで、「歪んだ …古い書体」や「攻撃的に判読不能な」タイプを使用し、「グランジ[音楽]美学」の「乱雑な表現力」を取り入れた。このグラフィック・デザインにおける過激で反体制的なアプローチは、1910年代のアバンギャルドなダダ運動の影響を受けている。[ 140 ]ハット・グエンの Droplet、ハリエット・ゴーレンの Morire、エリック・リンの Tema Canante はすべて「グランジの代表的なフォント」でした。[ 138 ] [ 139 ]スヴェン・レンナルツは、グランジのデザイン画像は、破れた紙、角が折れた紙、折り目、黄ばんだセロハンテープ、コーヒーカップの染み、手描きの画像、手書きの文字などを、くすんだ落ち着いた色で仕上げた「汚れた」背景テクスチャの上に重ねることで、「リアルで本物らしい」外観を作り出していると述べています。[ 142 ]
グランジシーンの「イメージ」を外部の人々に印象付ける上で重要な役割を果たした人物の一人が、音楽写真家のチャールズ・ピーターソンだった。ピーターソンが撮影した、トリミングされていない、時にはぼやけた白黒写真には、太平洋岸北西部のアンダーグラウンド音楽シーンのメンバーたちが、特徴的な普段着を着て演奏したりジャムセッションをしたりする様子が写っており、これらの写真はサブ・ポップ・レコードがシアトルのバンドを宣伝するために使用された。
1980年代のアメリカのパンク・サブカルチャーの伝統である、ファンが制作したアマチュアのジンに倣い、グランジ・シーンのメンバーもDIY出版物を制作し、「ライブ会場や通信販売で配布」した。これらのジンは通常コピーされ、手書きの「手彩色ページ」、「タイプミスや文法ミス、スペルミス、ページ番号の乱れ」など、アマチュア的な性質を示すあらゆる要素が含まれていた。[ 143 ] Backlashは、1987年から1991年にかけてドーン・アンダーソンが発行したジンで、「シアトルの音楽シーンのよりダーティでヘビーでアンダーグラウンドなロックな側面」を取り上げており、「パンク、メタル、アンダーグラウンド・ロック、グランジと呼ばれる前のグランジ、さらには地元のヒップホップ」も含まれていた。[ 144 ] Grunge Gerl #1は、1990年代初頭のグランジ・ジンの1つで、ロサンゼルス地域のライオット・ガールズによって、またライオット・ガールズのために書かれた出版物だった。 「私たちは女の子で、怒っていて、力強い」と書かれていた。[ 143 ]
1992年、ローリングストーン誌の音楽評論家マイケル・アゼラードは、ザ・ロケットをシアトルの音楽シーンの「最も尊敬される評論家」と評した。 [ 59 ]ザ・ロケットは、1979年に創刊された太平洋岸北西部の音楽シーンに関する無料新聞だった。チャールズ・R・クロスが編集したこの新聞は、ファーツなどの地元地域の「かなり無名のオルタナティブバンド」を取り上げていた。[ 145 ] 1980年代半ばには、スレイヤー、ワイルド・ドッグス、クイーンズライク、メタル・チャーチに関する記事が掲載された。1988年までにメタルシーンは衰退し、ザ・ロケットの焦点はグランジ以前の地元のオルタナティブロックバンドの報道に移った。ドーン・アンダーソンは、1988年に他のどの出版物も注目するずっと前に、サウンドガーデンとニルヴァーナがザ・ロケットの表紙を飾ったと述べている。[ 146 ] 1991年、ザ・ロケットはオレゴン州ポートランド版を創刊した。
グランジ文学は、1990年代初頭のオーストラリア文学のジャンルで、架空または半自伝的な作品で、「インナーシティ」に住む若者たちを描いています。「…崩壊していく未来の世界では、退屈 から逃れる唯一の手段は、セックス、暴力、ドラッグ、アルコールをニヒリズム的に追求することだった」 [ 147 ] 。多くの場合、中心人物は権利を剥奪され、疎外され、基本的な欲求を満たすこと以外に意欲や決意を欠いています。これは通常、「新進気鋭の若い作家」[ 147 ]によって書かれ、彼らは日常的な登場人物の「荒々しく、汚く、現実的な存在」[ 147 ]を考察しました。グランジ文学は、ダーティリアリズムのサブセットであり、ジェネレーションX文学の派生であると説明されています。[ 148 ]スチュアート・グローバーは、「グランジ文学」という用語は、「80年代後半から90年代初頭のシアトルの[グランジ]バンド」から「グランジ」という言葉を取っていると述べています。[ 149 ]グローバーは、「グランジ文学」という用語は主に出版社が使用するマーケティング用語であると述べており、グランジ文学作家として分類された作家のほとんどがそのレッテルを拒否していると述べている。[ 149 ]オーストラリアの小説家マクガハン、マクレガー、ツィオルカスは、このような異なる作家グループを混同することによる「均質化効果」を批判した。[ 147 ]ツィオルカスは、「グランジ文学」という用語を「メディアの創作」と呼んだ。[ 147 ]
L7、Lunachicks、Dickless、7 Year Bitch、The Gits、Courtney LoveのバンドHole、Babes in Toylandなど、女性だけのバンドや女性が率いるバンドの多くがグランジと関連付けられています。VH1のライター、Dan TuckerはL7を「肥沃なLAのアンダーグラウンドシーンから生まれた、 Black Flagと強い繋がりがあり、態度と音量でどんな男性バンドにも匹敵する女性だけのグランジバンド」と評しました。[ 37 ]グランジは、アンダーグラウンドのフェミニストパンクムーブメントであるRiot Grrrlとも密接に関連していました。[ 150 ] Riot Grrrlの先駆者であり、Bikini KillのフロントウーマンであるKathleen Hannaは、 Nirvanaの1991年のブレイクスルーシングル「 Smells Like Teen Spirit」のタイトルの由来であり、これは若い女性向けに販売されているデオドラントを指しています。[ 151 ] [ 152 ]グランジに女性楽器奏者が参加していることは注目に値する。なぜなら、ほとんどのロックジャンルではプロの女性楽器奏者は珍しいからである。 [ 153 ]
1983年にシアトルで結成されたバム・バム[ 154 ]は、アフリカ系アメリカ人のティナ・ベルがフロントを務め、白人が圧倒的に多かったシーンの常識を覆した。[ 155 ] [ 156 ] [ 157 ]バム・バムには、後にサウンドガーデンやパール・ジャムのドラマーとなるマット・キャメロンも在籍していた。[ 154 ]カート・コバーンは有名になる前にバム・バムのローディーを務めており、バンドのファンでもあった。[ 154 ]ベルは2012年に亡くなった。彼女がグランジ音楽の先駆者の一人として生前に認められなかったのは、性差別と人種差別が原因だったのではないかと推測する声もある。[ 154 ] [ 155 ] [ 157 ]
アンダーグラウンドのグランジシーンでは、女性もミュージシャン以外の役割を積極的に果たした。例えば、グランジバンドやインディーズレコードレーベルに関するジン（例： Grunge Gerl #1）を制作したライオットガールや、シアトルのファンジンBacklashのライターであるドーン・アンダーソンは、多くの地元バンドが有名になる前に支援した。[ 39 ]ティナ・カサールは、1980年代にシアトルのインディーズレーベルC/Z Recordsを共同設立した（クリス・ハンゼックと共に）。C/Z Recordsは、1986年にグランジの金字塔となるコンピレーションアルバムDeep Sixをリリースした。
スーザン・シルバーはシアトルの音楽シーンで最初の女性マネージャーだった。彼女は1983年にキャリアをスタートし、U-Men、Soundgarden、Alice in Chains、Screaming Treesなど数々のバンドをマネジメントした。[ 158 ] 1991年、シアトル・タイムズはシルバーを「地元ロック・マネジメント界で最も影響力のある人物」と評した。[ 159 ]シルバーはニルヴァーナのアドバイザーでもあった。カート・コバーンとベーシストのクリス・ノヴォセリックは、デビュー・アルバム『 Bleach』のプロモーションがSub Popからほとんど行われなかったことに不満を抱き、シルバーにアドバイスを求めた。シルバーはレーベルとの契約書を見て、弁護士が必要だと彼らに告げた。その後、シルバーはエージェントのドン・ミュラーと音楽ビジネス弁護士のアラン・ミンツを紹介し、彼らはニルヴァーナのデモテープを契約を求めて大手レーベルに送り始めた。バンドは最終的にDGCを選び、レーベルは1991年に彼らのブレイクスルー・アルバム『ネヴァーマインド』をリリースした。 [ 160 ] [ 161 ] 2014年にニルヴァーナがロックンロール・ホール・オブ・フェイムに殿堂入りした際、ノヴォセリックはスピーチの中でシルバーに「彼らを音楽業界にきちんと紹介してくれた」ことへの感謝を述べた。[ 162 ]
プロトグランジという用語は、1980年代半ばから後半にかけてグランジというジャンルが登場するずっと前から、グランジの要素を持っていたアーティストを説明するために使われてきました。おそらく最も初期のプロトグランジ・アルバムは、1965年にソニックスがリリースした『 Here Are the Sonics』でしょう。[ 163 ]ニール・ヤングのアルバム『Rust Never Sleeps』（1979年）と『Ragged Glory』（1990年）は、プロトグランジとグランジ音楽の例として挙げられています。[ 164 ]さらに、パール・ジャムはヤングから影響を受けたとされており、[ 165 ] [ 166 ] 1995 年にリリースされたアルバム「 Mirror Ball」でヤングのバックを務めた。プロト・グランジと評される他のバンドには、ワイパーズとそのアルバム「Youth of America」（1981 年）、エルヴィス・コステロとそのアルバム「Blood & Chocolate」（1986 年）（ウィル・バーチは「6 年か 8 年先を行っていた」と称賛した）、[ 167 ]そしてストゥージズとそのアルバム「Fun House」（1970 年）[ 168 ]がある。
グランジのサウンドは、シアトルが他の音楽シーンから孤立していたことが一因となっている。サブ・ポップのジョナサン・ポネマンが指摘したように、「シアトルは、ロサンゼルスやニューヨークにばかり注目するアメリカのメディアによって完全に無視された、活発な音楽シーンを持つ二次都市の完璧な例だった」。[ 169 ]マーク・アームは、この孤立によって「地図のこの片隅では、本当に近親交配が進み、互いのアイデアを盗み合っていた」と主張した。[ 170 ]シアトルは1980年代には「辺鄙で地方都市」だった。ブルース・パヴィットは、この都市は「非常に労働者階級の街」であり、貧困の地であったため、シーンの「全体的な美学――作業服、古着屋のトラック運転手の帽子、質屋のギター」は単なるスタイルではなく、シアトルが「非常に貧しかった」ために行われたのだと述べている。[ 171 ]実際、「ネヴァーマインドが全米チャートで1位になったとき、コバーンは車の中で生活していた」。[ 171 ]
1984 年頃、シアトルの音楽シーンでメタルとパンクを融合させたバンドが現れ始め、この融合の功績の多くはU-Menに帰せられる。[ 172 ]しかし、一部の批評家は、U-Men がグランジの先駆者として正統的な地位を占めているにもかかわらず、彼らのサウンドはヘヴィメタルの影響をあまり受けておらず、ポストパンクにずっと近いと指摘している。しかし、バンドの個性こそが、美学そのものよりも大きなインスピレーションだったのかもしれない。[ 173 ]すぐにシアトルには、地元の「ポストパンク・ガレージバンド」によって表現される、成長しつつある「多様な音楽シーン」と「多様な都市の個性」が生まれた。[ 35 ]グランジは地元のパンクロックシーンから発展し、 The Fartz、The U-Men、10 Minute Warning、The Accüsed、The Fastbacksなどのバンドに影響を受けた。[ 39 ]さらに、メルヴィンズのスローでヘビーでスラッジーなスタイルは、グランジサウンドに大きな影響を与えた。[ 174 ] ロイ・シュカーは、グランジの成功は「 1980年代を通じて以前のオルタナティブミュージックシーンによって築かれた基盤」の上に成り立っていると述べている。[ 175 ] シュカーは、音楽評論家が「シアトルシーンの純粋さと真正性に対する認識を強調した」と述べている。 [ 175 ]
太平洋岸北西部以外では、多くのアーティストや音楽シーンがグランジに影響を与えた。ソニック・ユース、ピクシーズ、ダイナソーJr.など、アメリカ北東部のオルタナティブロックバンドは、このジャンルに重要な影響を与えた。ソニック・ユースはシアトルのバンドを支援することで、グランジシーンを「意図せず育て」、ミュージシャンの激しい独立精神を強化した。[ 176 ]ニルヴァーナは、スクラッチ・アシッドやバットホール・サーファーズのノイズの影響をシアトルのシーンにもたらした。[ 84 ] [ 177 ]
ザ・サイエンティスツ、コズミック・サイコス、フィードタイムなど、オーストラリアのバンドがグランジの先駆者として挙げられており、彼らの音楽は、サブ・ポップの創設者ジョナサン・ポネマンとマッドハニーのメンバーがKCMUで放送した大学ラジオを通じてシアトルのシーンに影響を与えた。[ 178 ] [ 179 ]ピクシーズがニルヴァーナに与えた影響はカート・コバーンが指摘しており、ローリング・ストーン誌のインタビューで「あのバンドにすごく共感したから、あのバンドに入るべきだったんだ。少なくともピクシーズのカバーバンドに入るべきだった。僕たちは彼らのダイナミクス感覚、つまり静かにソフトに演奏してから、大きく激しく演奏するという感覚を使ったんだ」とコメントしている。[ 180 ] 1997年8月、ギターワールド誌のインタビューで、デイヴ・グロールはこう語った。「カート、クリス（ノヴォセリック）、そして僕は、ザ・ナック、ベイ・シティ・ローラーズ、ビートルズ、アバが好きだったし、フリッパーやブラック・フラッグ も好きだった。ピクシーズのレコードを聴けば、それが全部そこにある。ブラック・サバスの『ウォー・ピッグス』でさえ、そこにある。ダイナミクスの力だ。僕たちはポップソングでそれを乱用して、うんざりしてしまったんだ。」[ 181 ]
グランジというジャンルのルーツはパンクやオルタナティブロックにあるが、多くのグランジバンドは1970年代初頭のヘヴィメタルからも同様に影響を受けていた。著書『Babylon's Burning: From Punk to Grunge』の著者であるクリントン・ヘイリンは、ブラック・サバスを「北西部シーンにおけるパンク以前の最も普遍的な影響源」と評している。[ 182 ]ブラック・サバスは、自身のレコードや影響を受けたレコードを通して、グランジサウンドの形成に一役買っていた。[ 183 ] 音楽学者のボブ・グラは、ブラック・サバスのサウンドは「ニルヴァーナ、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズなど、グランジで最も人気のあるバンドのほぼすべてに見られる」と主張している。[ 184 ]ブラック・サバスの1971年のアルバム『マスター・オブ・リアリティ』は、特にグランジに大きな影響を与えたとされており、そのサウンドは主にギタリストのトニー・アイオミがギターを1音半下げたことによるものです。[ 185 ]レッド・ツェッペリンの影響も明らかで、特にサウンドガーデンの作品に顕著です。Q誌はサウンドガーデンについて「70年代のロックに魅了されているが、そのジャンルの露骨な性差別やマッチョイズムを軽蔑している」と評しています。[ 186 ]ギター・ワールドのジョン・ウィーダーホーンは次のように書いています。「では、グランジとは一体何でしょうか？ ...クリーデンス・クリアウォーター・リバイバル、ブラック・サバス、ストゥージズで構成されたスーパーグループを想像してみてください。かなり近いでしょう。」[ 187 ]キャサリン・ストロングは、グランジに最も強い影響を与えたメタルはスラッシュメタルであり、「誰でもバンドを始められる」という考えに基づいた「観客との平等」の伝統があったと述べている（この考え方は、ストロングがグランジに影響を与えたと指摘しているアメリカのハードコアパンクにも共通しており、グランジバンドにも取り入れられた）。[ 18 ]ストロングは、グランジミュージシャンは当時流行していた「ヘアメタル」バンドに反対していたと述べている。[ 18 ]
ストロングは、「（アメリカの）ハードコアの一部がグランジとして知られるようになった」と述べている。[ 18 ]シアトルのソングライター、ジェフ・ステットソンは、「パンクとグランジの間に本当の違いはない 」と述べている。[ 23 ]パンクバンドと同様に、グランジグループも「原点回帰のロックンロールバンドとして受け入れられ、音楽は生々しく猥雑であるべきだということを人々に思い出させた」。[ 94 ]アメリカのハードコアがグランジに与えた影響の一例として、ロサンゼルスのハードコアパンクバンド、ブラックフラッグがグランジに与えた影響が挙げられる。ブラックフラッグの1984年のアルバム『マイ・ウォー』は、ヘヴィメタルと彼らの伝統的なサウンドを融合させたもので、シアトルで大きな反響を呼んだ。マッドハニーのスティーブ・ターナーは、「国内の他の多くの人々はブラックフラッグがテンポを落としたことを嫌っていた が、ここでは本当に素晴らしかった 。『やったー！』って感じだった。彼らは奇妙でイカれたサウンドだった」とコメントしている。[ 188 ]ターナーはグランジがメタルからの影響を取り入れたことについて、「ハードロックやメタルは、他のシーンほどパンクの敵ではなかった。ここでは、『ここにはたった20人しかいないから、本当に嫌うグループを見つけることはできない』という感じだった」と述べている。チャールズ・R・クロスは、グランジは「20年間のパンクロックの発展の集大成」だと述べた。[ 36 ]クロスは、グランジというジャンルを最もよく表しているバンドはシアトルのバンド、ブラッド・サーカス、タッド、マッドハニー、そしてサブ・ポップのデンバーのバンド、ザ・フルイドだと述べている。また、ポップの影響とソニック・ユースとチープ・トリックの融合を持つニルヴァーナは、ブラッド・サーカスのようなバンドよりも軽快なサウンドだったと述べている。[ 36 ]
ニール・ヤングはパール・ジャムと数回のコンサートを行い、アルバム『ミラー・ボール』を録音した。これは、彼のバンド、クレイジー・ホースでの活動や、アルバム『ラスト・ネヴァー・スリープス』で特に顕著なディストーション・ギターの使用だけでなく、彼の服装やパーソナリティにも基づいている。[ 189 ]同様に影響力がありながらも見過ごされがちなアルバムに、レッド・クロスの『ニューロティカ』がある。ジョナサン・ポネマンはこれについて、「『ニューロティカ』は私にとっても、シアトルの音楽コミュニティの多くの人々にとっても、人生を変えるものだった」と語っている。[ 190 ]
シアトルのグランジシーンが発展した背景は、「失敗の黄金時代、アメリカの若者の多くが 怠惰とやる気の欠如という悪徳に身を委ねていた時代」であった。[ 171 ]「ジェネレーションXの怠け者たちは、企業への就職という恐ろしい日を先延ばしにしようとし」、「敗者の崇拝」を受け入れていた。実際、ニルヴァーナの1991年の曲「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」は、「コバーンが『負けるのは楽しい』と歌うところから始まる」。[ 171 ]
1985年、バンドのグリーン・リバーはデビューEP『Come on Down』をリリースした。これは多くの人が最初のグランジ・レコードと評している。[ 191 ]グランジの発展におけるもう1つの重要なリリースは、 1986年にC/Zレコードからリリースされたコンピレーション・アルバム『 Deep Six』である。このレコードには、グリーン・リバー、サウンドガーデン、メルヴィンズ、マルファンクション、スキン・ヤード、U-メンの6つのバンドによる複数のトラックが収録されている。彼らの多くにとって、これがレコードへの初登場だった。アーティストたちは「ヘヴィメタルの遅いテンポとハードコアの激しさを融合させた、主にヘヴィでアグレッシブなサウンド」を持っていた。レコーディングのプロセスは低予算で、各バンドには4時間のスタジオ時間が与えられた。ジャック・エンディノが回想するように、「人々はただ『これは一体どんな音楽なんだ？メタルでもないし、パンクでもない、一体何なんだ？』と言っただけだった」。…人々は「ユリイカ！これらのバンドには共通点がある」と叫んだ。[ 188 ]その年の後半、ブルース・パヴィットは自身の新レーベルSub Popから、コンピレーションアルバムSub Pop 100とグリーン・リバーのDry As a Bone EPをリリースした。初期のSub Popカタログでは、グリーン・リバーのEPを「一世代の道徳を破壊した超ルーズなグランジ」と評している。[ 192 ] Sub Popのブルース・パヴィットとジョナサン・ポネマンは、音楽史における他の地域の音楽シーンに触発され、レーベルが「シアトル・サウンド」を発信するように努め、同様の制作スタイルとアルバムのパッケージによってそれを強化した。音楽ライターのマイケル・アゼラードは、マッドハニー、サウンドガーデン、タッドといった初期のグランジバンドはそれぞれ異なるサウンドを持っていたことを認めつつも、「客観的な観察者にとっては、いくつかの明確な類似点があった」と指摘した。[ 193 ]
初期のグランジコンサートは観客がまばらで（多くは10人未満だった）、Sub Popの写真家チャールズ・ピーターソンの写真が、そのようなコンサートが一大イベントであるという印象を与えるのに役立った。[ 194 ]グリーン・リバーの元メンバーによって結成されたマッドハニーは、レーベルに在籍していた間ずっとSub Popの看板バンドとして活躍し、シアトルのグランジ・ムーブメントを牽引した。[ 195 ]グランジの普及に貢献した太平洋岸北西部の他のレコードレーベルには、C/Z Records、Estrus Records、EMpTy Records、PopLlama Recordsなどがあった。[ 39 ] 1988年、マッドハニーはデビューアルバム『 Superfuzz Bigmuff』をリリースした。ブルース・パヴィットはこのアルバムを「Sub Popを世に知らしめたレコード」と呼び、その影響について「ほとんどの人が聞いたこともないような、この非常に無名の都市で新しいスタイルのロックンロールが作られていることを世界に知らしめた」と語った。[ 196 ]
サウンドガーデン、スクリーミング・ツリーズ、ニルヴァーナ、マッドハニー、マザー・ラヴ・ボーン、タッド、アリス・イン・チェインズ――これらのバンドの名前は今はあまり知られていないかもしれないが、数年後には間違いなく知られるようになるだろう。ロサンゼルスやニューヨークといったエンターテイメントの中心地から遠く離れた都市（ミネアポリス、アクロン、ジョージア州アセンズ、テキサス州オースティン）が80年代のサウンドを形作ったように、シアトルは90年代のオルタナティブロックの温床になりつつある。[ 197 ] –グレッグ・コット、シカゴ・トリビューン紙（1989年）
グランジは、パヴィットとポネマンがイギリスの雑誌メロディ・メーカーのジャーナリスト、エヴェレット・トゥルーに地元の音楽シーンに関する記事を書くよう依頼したことで、イギリスでメディアの注目を集めた。この露出により、グランジは1980年代後半に地元以外でも知られるようになり、地元のライブに多くの人が集まるようになった。 [ 39 ]音楽プレスにとってグランジの魅力は、「アメリカン・ロックの地域的で作者的なビジョンという概念への回帰を約束するもの」だった。[ 198 ]グランジはアンダーグラウンドの音楽シーンで人気を博し、バンドがシアトルに移り住み、オリジナルのグランジ・バンドのルックスやサウンドを真似し始めた。マッドハニーのスティーブ・ターナーは、「本当にひどかった。偽物のバンドがここに現れて、俺たちの出身地から来ていないものばかりだった」と語った。[ 199 ]これに対し、多くのグランジ・バンドはサウンドを多様化させ、特にニルヴァーナとタッドはよりメロディックな曲を作った。[ 200 ]シアトルのファンジン「バックラッシュ」のドーン・アンダーソンは、1990 年までに多くの地元住民がシアトルのシーンを取り巻く誇大宣伝にうんざりし、メディアの露出が消え去ることを願っていたと回想している。[ 39 ] 1991 年の記事で、マーク・アームは「シアトルの誇大宣伝が始まったときはかなり面白かった。なぜなら、シアトルには長い間、アルバムを出す手段がなかったためにアルバムを出せなかった本当に良いバンドがいたからだ。マルファンクションや10 ミニッツ ウォーニングのような素晴らしいバンドだ」とコメントしている。[ 201 ]
ガーディアン紙のクリス・ダブロウは、1980年代後半、オーストラリアの 薄汚れた都心部の「床がベタベタした…オルタナティブ・パブ・シーン」から、ザ・サイエンティスツ、X、ビースツ・オブ・バーボン、フィードタイム、コズミック・サイコス、ルブリケイテッド・ゴートといった「生々しくぎこちないエネルギー」を持つグランジ・バンドが生まれたと述べている。[ 202 ]ダブロウは、「コバーンは …オーストラリアの波が自分の音楽に大きな影響を与えたと認めた」と述べている。[ 202 ]エヴェレット・トゥルーは、「グランジはザ・サイエンティスツとその痩せこけたパンク仲間たちと共にオーストラリアで始まったという議論の方がより説得力がある」と述べている。[ 203 ]
グランジバンドは1980年代後半に音楽の主流に進出した。サウンドガーデンは、 1988年にA&Mレコードの所属アーティストに加わり、メジャーレーベルと契約した最初のグランジバンドとなった。 [ 204 ]ジャック・エンディーノによると、サウンドガーデンは、他のメジャーレーベル契約アーティストであるアリス・イン・チェインズやマザー・ラヴ・ボーンと共に、メジャーレーベルからの最初のリリースで「まあまあ」の成績を収めた。[ 39 ]元々はワシントン州アバディーン出身のニルヴァーナも、1989年にファーストアルバム『ブリーチ』をリリースした際にメジャーレーベルから誘いを受けた。ニルヴァーナは1990年にゲフィン・レコードと契約した。
アリス・イン・チェインズは1989年にコロンビア・レコードと契約し[ 205 ]、デビュー・アルバム『フェイスリフト』は1990年8月21日にリリースされた[ 206 ] 。アルバムからの2枚目のシングル「マン・イン・ザ・ボックス」は1991年1月にリリースされ、ビルボードのメインストリーム・ロック・チャートのトップ20に20週間ランクインし、ミュージック・ビデオはMTVでヘビーローテーションされた[ 207 ] [ 208 ] 。 『フェイスリフト』は、1991年9月11日にアメリカレコード協会（RIAA）によって50万枚以上の売り上げを記録し、グランジ・ムーブメントから初めてゴールド認定を受けたアルバムとなった[ 209 ] [ 210 ] 。
1991年9月、ニルヴァーナはメジャーレーベルデビュー作『ネヴァーマインド』をリリースした。このアルバムは、ゲフィンが1年前にリリースしたソニック・ユースの『グー』と同程度の小規模な成功が期待されていた。 [ 211 ]アルバムからのファーストシングル「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」のリリースが「グランジ音楽現象のきっかけとなった」。MTVでこの曲のミュージックビデオが頻繁に放送されたため、『ネヴァーマインド』は1991年のクリスマスまでに週40万枚を売り上げ、[ 212 ] 1991年11月27日にゴールド認定を受けた。[ 213 ] 1992年1月、『ネヴァーマインド』はポップスーパースター、マイケル・ジャクソンの『デンジャラス』に代わってビルボード200で1位を獲得した。[ 214 ]『ネヴァーマインド』は1999年にRIAAからダイヤモンド認定を受けた。 [ 215 ]
『ネヴァーマインド』の成功は音楽業界を驚かせた。 『ネヴァーマインド』はグランジを普及させただけでなく、「オルタナティブロック全般の文化的、商業的な実現可能性」を確立した。[ 216 ]マイケル・アゼラードは、『ネヴァーマインド』は「ロック音楽における大転換」を象徴するものであり、当時ロック音楽を支配していたグラムメタルは、本物で文化的に関連性があると認識された音楽の前に人気を失ったと主張した。[ 217 ]グランジは、どんなに過激であってもニッチな聴衆向けと考えられていたジャンルが、市場性を証明し、メインストリームに取り込まれることを可能にし、個人主義的で断片化された文化の形成を確固たるものにした。[ 218 ]その後、他のグランジバンドがニルヴァーナの成功を再現した。元マザー・ラヴ・ボーンのメンバーであるジェフ・アメントとストーン・ゴッサードを擁するパール・ジャムは、 『ネヴァーマインド』の1か月前の1991年8月にデビューアルバム『テン』をリリースしたが、アルバムの売上は翌年になってようやく伸びた。 1992年後半までに、Tenは大成功を収め、ゴールド認定を受け、ビルボードチャートで2位にまで上り詰めた。[ 219 ]パール・ジャムのTenはRIAAにより13×プラチナ認定を受けた。[ 220 ]
バンドSoundgardenのアルバム『Badmotorfinger』とバンドAlice in Chainsのアルバム『Dirt』、そしてPearl JamとSoundgardenのメンバーがコラボレーションしたバンドTemple of the Dogのセルフタイトルアルバムも、1992年の売上トップ100アルバムにランクインした。 [ 221 ]これらのグランジバンドの人気急上昇を受けて、ローリングストーン誌はシアトルを「新しいリバプール」と呼んだ。[ 83 ]大手レコード会社はシアトルの著名なグランジバンドのほとんどと契約を結び、成功を期待してバンドの第二波がシアトルにやってきた。[ 222 ]グランジシーンは、1992年のキャメロン・クロウ監督の映画『シングルス』の背景となった。この映画には、Pearl Jam、Soundgarden、Alice in Chainsなど、シアトルの人気グランジバンドによる小さな役やパフォーマンス、カメオ出演がいくつかあった。 1991年にシアトルとその周辺で撮影されたこの映画は、グランジが人気絶頂期を迎えた1992年まで公開されなかった。[ 83 ]
グランジの人気により、シアトルの音楽シーンの文化的特徴に対する関心が高まった。1980年代後半から1990年代前半のシアトルの音楽シーンは実際にはさまざまなスタイルやジャンルの音楽で構成されていたが、メディアでの描写は「シアトルを、グランジという一つの音楽的表現の継続的な探求に焦点を当てた音楽『コミュニティ』として描くのに役立った」[ 223 ] 。ファッション業界は「グランジファッション」を消費者に売り込み、ニットのスキー帽やタータンチェックのシャツなどのアイテムに高額な値段をつけた。批評家たちは、広告がグランジの要素を流用し、それを流行に変えていると主張した。エンターテインメント・ウィークリーは1993年の記事で、「メディアが60年代にヒッピーを発見して以来、このようなサブカルチャーの搾取はなかった」とコメントした。[ 224 ]マーケターは「グランジ」というコンセプトを利用して、グランジの芳香剤、グランジのヘアジェル、さらには「グランジ・ライト」と呼ばれる「イージーリスニング音楽」のCDを販売した。[ 36 ]ニューヨーク・タイムズは、 「アメリカのグランジ化」を、過去数年間のパンク・ロック、ディスコ、ヒップホップのマスマーケティングと比較した。 [ 83 ]皮肉なことに、ニューヨーク・タイムズは、グランジ・シーンで使用されているとされるスラングの偽リストを掲載するよう騙された。これは、グランジ・スピークのデマと呼ばれることが多い。グランジを取り巻くこのメディアの誇大宣伝は、1996年のドキュメンタリー映画「Hype!」で記録されている。[ 39 ]マスメディアが主要バンドに関するニュース記事で「グランジ」という用語を使い始めると、シアトルのシーンのメンバーは、その用語を「Gワード」と呼ぶようになった。[ 36 ]
グランジに対する反発がシアトルで起こり始め、1992年後半、ジョナサン・ポネマンはシアトルで「グランジに関することはすべて、極めて冷笑的で面白おかしく扱われている[…]なぜなら、それはすべて捏造されたムーブメントであり、常にそうだったからだ」と述べている。[ 83 ]グランジとグランジバンドは、ブラーのデーモン・アルバーンなどのミュージシャンから批判を受け、アルバーンはステージ上で「グランジなんてクソくらえ」「スマッシング・パンプキンズは俺のケツにキスでもすればいい」と発言したと伝えられている。 [ 225 ]多くのグランジアーティストは、自分たちの成功とそれに伴う注目に居心地の悪さを感じていた。ニルヴァーナのカート・コバーンはマイケル・アゼラードに「有名になることは、僕が一番なりたくなかったことだ」と語った。[ 226 ]パール・ジャムも成功の重荷を感じており、注目の多くはフロントマンのエディ・ヴェダーに集まっていた。[ 227 ]
ニルヴァーナの次作アルバム『イン・ユーテロ』（1993年）は、ニルヴァーナのベーシスト、クリス・ノヴォセリックが「ワイルドでアグレッシブなサウンド、真のオルタナティブ・レコード」と評した、意図的に攻撃的なアルバムだった。[ 228 ]それにもかかわらず、1993年9月のリリース時には、『イン・ユーテロ』はビルボード・チャートで1位を獲得した。 [ 229 ] 1996年には、『イン・ユーテロ』はRIAAにより5×プラチナ認定を受けた。[ 230 ]パール・ジャムも、セカンド・アルバム『Vs.』 （1993年）で商業的に好調を維持した。このアルバムは、リリース初週に記録的な950,378枚を売り上げ、ビルボード・チャートで1位を獲得し、その週のトップ10の他のすべての作品を合わせたよりも売れた。[ 231 ] 1993年には、ロックバンドのキャンドルボックスがセルフタイトルのアルバムをリリースし、 RIAAにより4×プラチナ認定を受けた。 [ 232 ] 1994年2月、アリス・イン・チェインズのEP『Jar of Flies』がビルボード200アルバムチャートで1位を獲得した。 [ 233 ]同じく1994年にリリースされたサウンドガーデンのアルバム『Superunknown 』もビルボード200チャートで1位を獲得し、 [ 234 ] RIAAから5×プラチナ認定を受けた。[ 235 ] 1995年、アリス・イン・チェインズのセルフタイトルアルバムがビルボード200で2枚目の1位を獲得し、[ 233 ] 2×プラチナ認定を受けた。[ 236 ]
1990年代前半から中頃にかけて、グランジの商業的成功により、レコードレーベルはプロモーションする未発見の才能を全国的に探し求めるようになった。これには、カリフォルニア州サンディエゴを拠点とするStone Temple Pilots [ 237 ]、テキサス州を拠点とするTripping Daisy [ 238 ]とToadies [ 239 ] [ 240 ] [ 241 ]、Paw [ 242 ] 、シカゴを拠点とするVeruca Salt [ 242 ] 、オーストラリアのバンドSilverchairなどが含まれる。これらのバンドの初期の作品は、シアトル自体ではそうではないにしても、広く「グランジ」として認識され続けている。2014年、Pasteは、史上最高のグランジソング50曲のリストで、Veruca Saltの「All Hail Me」を39位、Silverchairの「Tomorrow」を45位にランク付けした[ 242 ] 。Loudwireは、Stone Temple Pilotsを史上最高のグランジバンド10組の1つに挙げた。[ 237 ]アメリカ国外のグランジバンドはいくつかの国で出現した。カナダでは、Sub Popレーベルと契約した最初のカナダのバンドであるEric's Tripがグランジに分類され[ 243 ]、Nickelbackのデビューアルバムはグランジと見なされた。Silverchairは1990年代にメインストリームで成功を収め、バンドの曲「Tomorrow 」は1995年9月にRadio Songsチャートで22位になり[ 244 ]、1995年6月にリリースされたバンドのデビューアルバムFrogstompは1996年2月にRIAAによってダブルプラチナ認定された[ 245 ] 。
この時期、シアトル出身ではないグランジバンドは、流行に便乗していると評論家から酷評されることが多かった。特にストーン・テンプル・パイロッツとブッシュは、その犠牲となった。1994年1月のローリング・ストーン誌の投票では、ストーン・テンプル・パイロッツはローリング・ストーン誌の読者からは「ベスト・ニュー・バンド」に選ばれる一方で、同誌の音楽評論家からは「ワースト・ニュー・バンド」に選ばれ、評論家とファンの間の隔たりが浮き彫りになった。[ 246 ]ストーン・テンプル・パイロッツは非常に人気を博し、アルバム『Core』はRIAAから8×プラチナ認定を受け[ 247 ]、アルバム『Purple』はRIAAから6×プラチナ認定を受けた。[ 248 ]イギリスのポストグランジバンド、ブッシュは1994年にデビューアルバム『シックスティーン・ストーン』をリリースした。 [ 249 ]セカンドアルバム『レイザーブレード・スーツケース』のレビューで、ローリングストーン誌は同アルバムを批判し、ブッシュを「ニルヴァーナの音楽を最も成功裏に、そして恥知らずに模倣したバンド」と評した。[ 250 ]チャック・クロスターマンは著書『ファーゴ・ロック・シティ：ノースダコタ州の田舎におけるヘヴィメタルの旅』の中で、「ブッシュは良いバンドだったが、たまたま終焉の始まりを告げる存在になってしまった。最終的には、グランジのウォラントになるだろう」と書いている。[ 251 ]
グランジの人気が衰退した要因はいくつかある。批評家や歴史家の間では、グランジがいつ終わったのかという正確な時期について意見が一致していない。[ 252 ]キャサリン・ストロングは、「1993年末には グランジは不安定になり、衰退の第一段階に入りつつあった」と書き、グランジが「非常に成功し」、広く知られるようになったため、「模倣者が参入し始めた」と指摘した。[ 253 ] Paste誌は、1994年までにグランジは「急速に衰退し」、パール・ジャムはできる限り早くスポットライトから身を引き、アリス・イン・チェインズ、ストーン・テンプル・パイロッツ、その他大勢のバンドは恐ろしい薬物中毒と闘い、生き残りをかけて苦闘していたと述べている。[ 11 ]『グランジ：シアトル』の中で、ジャスティン・ヘンダーソンは、メジャーレーベルの資金がシーンに流入したことで文化が変わり、「下降するしかない」状態になった1994年半ばに「下降スパイラル」が始まったと述べている。彼は、 1994年6月16日にホールのベーシスト、クリステン・プファフがヘロインの過剰摂取で亡くなったことは「グランジの棺桶に打ち込まれたもう一つの釘」だったと述べている。[ 254 ]
ジェイソン・ヘラーは、2013年にAVクラブに掲載された記事「グランジは本当に重要だったのか？」の中で、ニルヴァーナの『イン・ユーテロ』（1993年9月）は「グランジの終焉を告げる鐘だった。コバーンが『十代の不安は報われた／今は退屈で年老いた』とぼやいた途端、すべてが終わった」と述べている。[ 255 ]ヘラーは、1994年のコバーンの死後、当時のグランジの「偽善」が「 …露骨になり」、「理想主義は恥ずかしいものになった」結果、「グランジは新しい（主流の）エアロスミスになった」と述べている。[ 255 ]ヘラーは、「グランジは進化の行き止まりになった」のは、「何のために作られたものでもなく、何の上に築かれたものでもない。否定の精神こそがすべてだった」からだと述べている。[ 255 ]
1990年代半ば、多くのグランジバンドが解散したり、活動が低迷したりした。1994年4月8日、カート・コバーンがシアトルの自宅で銃による自殺とみられる傷で死亡しているのが発見され、ニルヴァーナは即座に解散した。コバーンの死後、ブルース・ハーディはタイム誌に、彼は「スウィンギング・ノースウエストのジョン・レノン」であり、ヘロイン中毒に苦しんでいたこと、そして彼の最期の数週間、音楽業界ではコバーンが薬物の過剰摂取で亡くなったという噂や、ニルヴァーナが解散するという噂が流れていたと書いた。[ 256 ]コバーンの自殺は「グランジの終焉の触媒となった 」。なぜなら、それは「グランジのエネルギーを萎縮させ、甘ったるく企業的な音楽が失地を回復するきっかけとなった」からである。[ 257 ]
同年、パール・ジャムはチケット販売業者チケットマスターの不当な商慣行に抗議して夏のツアーを中止した。[ 258 ]パール・ジャムはその後、同社をボイコットし始めたが、チケットマスター以外の会場でのみ演奏するというパール・ジャムの取り組みは、いくつかの例外を除いて、事実上、バンドがその後3年間アメリカでショーを行うことを妨げた。[ 259 ] 1996年、アリス・イン・チェインズは、病弱で疎遠になっていたリードシンガーのレイン・ステイリーと共に最後の公演を行った。 [ 260 ]ステイリーはその後、2002年にコカインとヘロインの過剰摂取で亡くなった。[261] 1996年、サウンドガーデンとスクリーミング・ツリーズは、それぞれ1990年代最後のスタジオアルバムである『Down on the Upside』[ 262 ]と『Dust』[ 263 ]をリリースした。ストロングは、ロイ・シュカーとスタウトが「グランジの終焉」は「1997年のサウンドガーデンの解散まで遡ることができる」と書いていると述べている。[ 253 ]
1990年代後半、グランジはポストグランジに取って代わられ、ポストグランジは21世紀初頭まで商業的に存続した。ポストグランジは「 シアトルのバンドの重厚なギターサウンドと率直な歌詞のテーマを、親しみやすく、しばしば高揚感のあるメインストリームの美学へと変貌させた」[ 264 ]。これらのアーティストはグランジのアンダーグラウンドなルーツを欠いていると見なされ、AllMusicが「非常に人気のある、内省的で真面目なハードロックの一形態」と評したグランジの現状に大きく影響を受けていた。ポストグランジは、グランジの歪んだギターサウンドをスタジオの光沢で和らげ、ラジオ向きにした、より商業的に存続可能なジャンルだった。[ 265 ]
1995年、SPIN誌のライター、チャールズ・アーロンは、グランジが「衰退」し、ポップパンクが低迷し、ブリットポップが「浮かれた思い出」となり、アルバム中心のロックが終わったことで、音楽業界は「企業プロデュースのオルタナティブ」に目を向けたと述べ、それを「似たような偽グランジ」または「スクランジ」と呼んだ。[ 266 ]アーロンが「スクランジ」グループとして挙げているバンドには、Better Than Ezra、Bush、Collective Soul、Garbage、Hootie & the Blowfish、Hum、Silverchair、Sponge、Tripping Daisy、Jennifer Trynin、Weezerなどがある。アーロンはリストにFoo Fightersを含めているが、デイヴ・グロールはニルヴァーナ後のグループで1980年代のハードコアパンクと1970年代のアリーナロックやポップを組み合わせることで「スクランジのスケープゴート」になることを回避したと述べている。[ 266 ]ブッシュ[ 267 ] [ 268 ] [ 269 ]やキャンドルボックス[ 270 ]のようなグランジと呼ばれるバンドも、大部分はポストグランジに分類されている。[ 265 ]これらの2つのバンドは1992年以降に人気になった。[ 265 ]ブッシュとキャンドルボックスが人気になった頃に登場したポストグランジに分類される他のバンドには、ライブがある。[ 271 ]
対照的に、もう一つのロックジャンルであるブリットポップは、イギリスにおけるグランジの支配に対する反動として生まれた側面もある。グランジの陰鬱さとは対照的に、ブリットポップは「若々しい活気と承認欲求」によって特徴づけられた。[ 272 ]ブリットポップを代表するバンドであるブラーとオアシスは、「グランジの永遠の憂鬱な視線に対する反動勢力として存在した」。[ 273 ]ブリットポップアーティストの新しいアプローチは、1992年春のブラーの米国ツアーに触発された。スウェードの元メンバーでエラスティカのリーダー（当時デーモン・アルバーンと交際中）であるジャスティン・フリッシュマンは、「デーモンと私は、その時点でまさに渦中にいると感じていた…ニルヴァーナが活躍していて、人々がアメリカの音楽に非常に興味を持っていることに気づき、英国らしさの復活のための何らかのマニフェストが必要だと考えた」と説明した。[ 274 ]
ブリットポップのアーティストたちはグランジへの嫌悪感を声高に表明していた。1993年のNMEのインタビューで、ブリットポップバンドBlurのデーモン・アルバーンは、インタビュアーのジョン・ハリスがBlurを「反グランジバンド」と断言したことに同意し、「それはいいことだ。パンクがヒッピーを排除することだったなら、俺はグランジを排除するんだ」と述べた（皮肉なことに、カート・コバーンはかつてBlurをお気に入りのバンドとして挙げていた）。[ 275 ]オアシスのノエル・ギャラガーはニルヴァーナのファンだったが、グランジの悲観的な性質を否定する音楽を書いた。ギャラガーは2006年に、1994年のオアシスのシングル「Live Forever」は「グランジの真っ只中に書かれた曲で、ニルヴァーナには『I Hate Myself and I Want to Die』という曲があったのを覚えているが、俺は…『そんなの絶対嫌だ』と思った」と述べている。俺はコバーンがどれだけ好きで、そういうの全部好きだけど、それは許せない。ヘロイン中毒の奴らがここに来て、自分を憎んで死にたいなんて言うのは許せない。そんなのはクソみたいな話だ。」[ 276 ]ピンクポップ・フェスティバル2000でのインタビューで、オアシスのリアム・ギャラガーは、同じく出演していたパール・ジャムを攻撃し、彼らの憂鬱な歌詞の内容を批判し、「ゴミ」だと切り捨てた。[ 277 ]
オリジナルのグランジ ムーブメントの終焉後、ポスト グランジは 1990 年代後半から 2000 年代初頭にかけて人気が高まりました。アダム スタイニンガーは、ポスト グランジ バンドの「薄められた小曲で、薄められた歌詞ばかりで、どれも恋愛の苦しみばかりを歌っている」と批判しました。[ 278 ]ポスト グランジと評される多くのバンドを批判し、スタイニンガーはCandlebox の「ポップな」サウンド、「ラブ 歌詞」へのこだわり、「多様性と創造性」のない曲作りを酷評しました。Three Days Graceの「薄められた」音楽、「ラジオ向きの音楽」を批判しました。3 Doors Down の「質の高いアルバムを作る代わりにヒット シングルを狙う」ことを批判しました。Finger Eleven の「ポップ ロック」方向への進路を批判しました。Bush の「意味不明なフレーズの羅列」を批判しました。Liveの「グランジの本質を窒息させた」疑似ポップ詩、Puddle of Muddの「薄められたポストグランジサウンド」、Lifehouseの「グランジのサウンドと画期的な構造を破壊して大衆にアピールした」こと、そしてNickelbackの「 ポストグランジのフェザー級サンドバッグ」であり、その音楽は「食器洗い水のように退屈」だと彼は評している。[ 278 ]
多くの主要なグランジバンドは、2000年代と2010年代にレコーディングとツアーを成功裏に継続した。21世紀で最も注目すべきグランジバンドはパール・ジャムだろう。2006年、ローリングストーン誌のライター、ブライアン・ハイアットは、パール・ジャムは「過去10年間、意図的に自分たちの名声を破壊してきた」と評したが、それでもグレイトフル・デッドに匹敵する忠実なコンサートファンを獲得したと指摘した。[ 279 ]彼らは2006年の『Pearl Jam』、2009年の『Backspacer』、2013年の『Lightning Bolt』で商業的に再び成功を収めた。[ 280 ]アリス・イン・チェインズは2005年に数回の再結成公演を行い、レイン・ステイリーに代わって数人の異なるボーカリストが参加した。最終的にウィリアム・デュヴァルをステイリーの後任に据え、2009年に14年ぶりのアルバム『Black Gives Way to Blue』をリリースした。バンドの2013年のリリース『The Devil Put Dinosaurs Here 』はビルボード200で2位を獲得した。[ 281 ]サウンドガーデンは2010年に再結成し、2年後にアルバム『King Animal』をリリース。このアルバムはデンマーク、ニュージーランド、アメリカの国内アルバムチャートでトップ5入りを果たした。[ 282 ]マット・キャメロンとベン・シェパードは、アラン・ヨハネス（クイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジ、イレブン）、マーク・ラネガン（スクリーミング・ツリーズ、クイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジ）、ディミトリ・コーツ（オフ！）と共に、2016年にサイドプロジェクト「テン・コマンドス」を結成した。[ 283 ]
カート・コバーンの死後も、ニルヴァーナの残りのメンバーは死後も成功を収め続けている。2002年にリリースされたカート・コバーンの日記とバンドのベスト盤『ニルヴァーナ』の売上が好調だったことから、ニューヨーク・タイムズ紙はニルヴァーナが「1994年のコバーン氏の自殺以来、今ほど成功している時期はない」と論じた。[ 284 ]この傾向は20世紀第2の10年間も続き、バンドのディスコグラフィーの再発や公認ドキュメンタリー『カート・コバーン：モンタージュ・オブ・ヘック』の公開が行われた。[ 285 ] 2012年には、コバーンの代わりにポール・マッカートニーが参加し、ニルヴァーナの存命メンバーが再結成し、デイヴ・グロールのドキュメンタリー『サウンド・シティ』のサウンドトラックのために「カット・ミー・サム・スラック」という曲をレコーディングした。[ 286 ]
21世紀で最も成功したロックバンドの一つであるクイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジは、様々なグランジミュージシャンから多大な貢献を受けてきた。ジョシュ・オムは、クイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジ結成前に、断続的にクイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジのメンバーを務めたマーク・ラネガンと共にスクリーミング・ツリーズで短期間活動していた。ニルヴァーナのデイヴ・グロールとイレブンのアラン・ヨハネスも、注目すべき貢献をしている。オムとグロールは、2009年にレッド・ツェッペリンのジョン・ポール・ジョーンズと共にスーパーグループ、ゼム・クルックド・ヴァルチャーズを結成した。ヨハネスもツアーメンバーとして同グループと共演している。
2000年代初頭、グランジは地域ごとに小規模ながらも何度か復活を遂げた。2005年には、シアトル・タイムズ紙がシアトルのシーンでグランジの影響を受けたグループが復活していることを報じた。 [ 287 ]また、2003年にはニューヨーク・タイムズ紙がグランジファッションの復活を報じた。[ 288 ]
2000年代後半から2010年代初頭にかけて、多くのイギリスの出版物がいわゆる「グランジ・リバイバル」について論じ始めた。[ 289 ] [ 290 ] [ 291 ]ガーディアン紙はこのシーンがヨークシャーのリーズ市で始まったとし、ダイナソー・パイルアップ、プルド・アパート・バイ・ホーセズ、オールド・ロマンティック・キラー・バンド、ワンダースワンなどのバンドに加え、近隣のアバブ・ゼムやテンパスといったバンドも挙げた。これらのバンドは、地元で主流だったクリーンなプロダクションのインディー・ロックのヨークシャー・シーンを拒否する形でグランジの要素を取り入れた。[ 292 ]この都市からは、フォーエバー・カルト[ 293 ]やファー[ 294 ]など、このムーブメントに参加した他のバンドも生まれた。スコットランドでは、ポーズ、ユナイテッド・フルーツ、バスケスなどのバンドに加え、ビッフィ・クライロのサウンドの変化など、シーンが急速に発展した。[ 295 ]全国的には、このムーブメントの中心人物は Dinosaur Pile-Up とロンドンのバンドJapanese Voyeursであり、[ 296 ] Splashh、Cheatahs、Yuckも著名な人物であった。[ 297 ]その他のアーティストにはMale Bonding、[ 295 ] Kagoule、[ 298 ] Tigercub、[ 299 ] Loom [ 300 ]およびアイルランドのバンドFangclubが含まれる。[ 301 ]オーストラリアでは、 Violent Soho、DZ Deathrays、[ 302 ] Tired Lion、Waaxが最前線にいた。[ 303 ]
2010年代のグランジ・リバイバル・スタイルとオリジナルのムーブメントとの音響的な違いから、The Independent、ShortList、Punktastic、Soundsphereは、この新興スタイルを「ニュー・グランジ」と呼ぶようになった。[ 304 ] [ 294 ] [ 305 ] [ 306 ]この用語は特にDinosaur Pile-Upに言及して作られたものである。[ 307 ] 2024年、Noizzeのライターであるダン・ヒリアーは、Blind FliesのJar、False Advertising、Sœur、アイルランドのバンドBitch Falconをこのスタイルの最も著名なグループとして挙げた。[ 308 ] Wishyは2024年のデビュー作Triple Sevenでニュー・グランジの要素を取り入れた。[ 309 ]
このムーブメントについて、Dinosaur Pile-Upのボーカリスト、マット・ビッグランドは「『グランジ・リバイバル』なんてものは実際にはないと思う。ただ、（もしそう呼ぶなら）『ぶっ飛ばす』のが好きなバンドがたくさんいて、90年代のバンドが好きだったのかもしれない」と述べている。[ 310 ] Yuckのボーカリスト、マックス・ブルームは「ギターバンドがずっと素晴らしい音楽を作り続けているのに、『グランジ・リバイバル』というレッテルを貼られたバンドがいるのは奇妙だ。止まったり始まったりしたわけではなく、ただ注目されるようになっただけだ」と述べている。[ 311 ]
2015年、NMEのライター、ギャビン・ヘインズはウルフ・アリスを「グランジ・リバイバルの最終産物」と評した。[ 297 ] 2017年までに、このムーブメントはアンダーグラウンド・ロックの至る所に見られるようになった。この頃、コード・オレンジはハードコア・パンク・サウンドにグランジの要素を取り入れ始めた。[ 312 ]
この時期には、グランジの影響を受けたバンドが他にも多数あった。先駆者たちとは異なり、これらのバンドの中には、自ら進んでグランジというレッテルを貼る者もいる。多くのバンドは、オリジナルのオルタナティブロック時代の著名人と提携したり、コラボレーションしたりしていることで知られている。スティーブ・アルビニは、 Bully [ 313 ] [ 314 ]、Vomitface [ 315 ] [ 316 ]、Shannon Wright [ 317 ]などのバンドのプロデュースやメンバーとの共作を行っており、Marriages [ 318 ]のエマ・ルース・ランドルは、メルヴィンズのバズ・オズボーンとツアーを行ったことがある。グランジ、あるいはグランジ時代に強く影響を受けたと評されるその他の注目すべきアーティストには、Courtney Barnett、[ 319 ] [ 320 ] Speedy Ortiz、[ 321 ] Mitski、[ 322 ] 2:54、[ 323 ] Slothrust、[ 324 ] [ 325 ] [ 326 ] Baby in Vain、[ 327 ] Big Thief、[ 328 ] Milk Teeth、[ 329 ] Muskets、[ 330 ] [ 331 ] [ 332 ] My Ticket Home、[ 333 ] [ 334 ] Torres、[ 335 ] Lullwater、[ 336 ] Vant、[ 337 ]およびRed Sun Rising [ 338 ]などがある。
このグランジ・リバイバルと同時期に、エモ・リバイバル運動が起こり、ソフト・グランジという音楽ジャンルが生まれた。[ 339 ] [ 340 ]ソフト・グランジは、1990年代スタイルのエモとグランジの要素を融合させた。Title Fightは、 2012年のアルバム『Floral Green』の成功により、このジャンルの最前線に立った。[ 341 ]このアルバムは広く影響力があり、多くのバンドが同様のサウンドを追求するようになり、Run for Cover Recordsをグランジの影響で有名なレーベルへと変貌させた。[ 342 ]アルバムはウィル・イップがプロデュースすることが多かった。[ 343 ]このジャンルの他のバンドには、Superheaven、[ 344 ] Citizen、[ 345 ] Turnover、[ 346 ] Balance and Composure、Basement、[ 347 ] Major League、[ 348 ] Culture Abuse、[ 349 ] Movements [ 350 ] Teenage Wristなどがある。[ 351 ]このジャンルは、 2010年代半ばのポップパンクシーンで最も目立つサウンドの1つだった。 [ 352 ] 2017年までに、 The Alternativeの記事は、ソフトグランジを演奏し続けることは「時代遅れのアイデア」だと述べた。[ 353 ]これらのソフトグランジバンドは、今度はグランジゲイズの開発につながり、このジャンルはシューゲイズと融合した。注目すべきバンドには、Narrow Head、Glare、Fleshwater、Bleed、Split Chainなどがある。[ 354 ]
2011年、音楽評論家のデイブ・ウィテカーは、「録音音楽の始まり以来、どの世代もゲームチェンジャーとなるジャンルを導入してきた」と書き、1930年代のスウィング音楽、 1950年代のロックンロール、1970年代のパンクロック、そして1990年代のグランジを挙げた。しかし、彼は「グランジは最後のアメリカ音楽革命だった」と述べ、グランジ以降の世代は音楽シーンを根本的に変える新しいジャンルを導入していないと述べている。[ 94 ]彼は、「デジタル革命」（オンライン音楽、ファイル共有など）により、「グランジ以降、世代を定義するジャンルはなかった」と述べ、その理由として「1つのジャンルが市場を完全に飽和させるには、市場を圧倒的に支配する 音楽業界が必要だ」ことを挙げている。[ 94 ] 2016年、ロブ・ゾンビはグランジが「ロックスター」の死を招いたと述べた。彼は、「アリス・クーパーやジーン・シモンズ、エルトン・ジョン」のような以前のスターは「まるで別の惑星から来たかのようだった」のに対し、グランジでは「ロックスターはみんな自分たちと同じような見た目であるべきだ」という姿勢だったと述べている。[ 355 ]
ボブ・バチェラーは、ニルヴァーナやパール・ジャムの発展と出現を導いたシアトルのインディーズレコードの考え方と価値観は、「何百万枚ものCDを売りたいという大手レコード会社の願望と衝突した」と述べている。バチェラーはまた、グランジミュージシャンが大手レコード会社の商業的目標に不快感を抱いていたこと、そして一部の主要バンドがレコード会社が要求するプロモーション活動（ミュージックビデオを含む）を行うことに抵抗していたにもかかわらず、MTVのビデオ番組は「グランジを主流にする上で重要な役割を果たした」と述べている。なぜなら、多くの音楽ファンが、地元のラジオや「ニッチなラジオ」ではなく、MTVで初めてグランジに触れたからである。[ 257 ]ギル・トロイは、アメリカの「消費主義」文化における「グランジの反乱は、他のほとんどの反乱と同様に」、大手企業によって「商品化され、大量生産され、儀式化され、そして無菌化された」と述べている。[ 356 ]
2011年、ジョン・カルバートはグランジのリバイバルが起こらなかった理由は「タイミング」だと述べ、このムーブメントを刺激した1980年代後半から1990年代前半の文化的ムードがもはや存在しなかったと述べている。[ 357 ]シアトルのソングライター、ジェフ・ステットソンは、2010年代にグランジを聴いている人々は「それがどのようにして生まれたのかという背景と歴史」と「ここ（シアトル）で起こった本当に素晴らしい出来事への敬意」について学ぶべきだと述べている。「おそらく二度とこのようなことは起こらないだろうから」。[ 23 ] Paste誌のマイケル・ダナハーは、グランジ「ムーブメントはロックンロールの流れを変え、 虐待や鬱病の物語」や「社会意識の高い問題」をポップカルチャーにもたらしたと述べている。[ 11 ]
カルバートは、ニルヴァーナの「スメルズ・ライク・ティーン・スピリット」は「歴史上象徴的な位置」を占めており、その時代の若者にとって「世代を決定づける共鳴」があったと述べている。彼は、「他のどのバンドも 、自滅への衝動を 、本物の痛みと不満をもって、これほど聴きやすく表現したことはない」と述べている。[ 357 ]カルバートはまた、このレコードを初期のパンク・ロック以来「チャート史上最も凶暴で、暗く、強烈な」音楽と呼び、当時の若者にとって「ヘヴィさが求められていた時にヘヴィだった」ものであり、「若いアメリカを揺さぶり」、困難な時代に「しがみつく」ものを与えたと述べている。[ 357 ] 2017年の書籍では、グランジは「パンクと同様の方法でロック音楽のアイデンティティを永遠に変えた」と述べ、さらにグランジは「実存的な真実性」や「自分自身に忠実であることの意味」についての「内省的な」歌詞を加えたとしている。[ 12 ]グランジのカート・コバーンは「ジェネレーションXの声」と呼ばれ、1960年代の若者にとってのボブ・ディランや、 1970年代の世代にとってのジョン・レノンと同じ役割をこの世代のために果たしている。 [ 12 ]ボブ・バチェラーはニルヴァーナは「エルヴィスやビートルズと同じくらい重要だ」と述べている。[ 257 ]
2008年、ガーディアン紙のダラ・マクマナスは、グランジは単なる若者の流行や音楽の一時的なブームではなく、フェミニズム、リベラリズム、アイロニー、無関心、シニシズム／理想主義 …反権威主義、皮肉なポストモダニズムなど、現代の主要な哲学を統合したと述べている。マクマナスは、グランジはポピュラー音楽ではめったに見られない、深刻で「重みのある」テーマを扱っていたと述べている。マクマナスは、ジェネレーションXにとってグランジは単なる音楽ではなく、重要な文化的影響だったと述べている。[ 358 ]マーレン・コマーは、ニルヴァーナの成功は「非異性愛主義的」で非二元的な「ジェンダーとセクシュアリティ」の考え方を普及させ、男性と女性がいかに似ているかを強調し、進歩的な政治思想を促進したと述べている。[ 105 ]
2021年に90年代のグランジムーブメントについて尋ねられたマーク・ラネガンは、「それはどこかのキャンプファイヤーの周りで仕組まれたり、でっち上げられたりしたものではありません。ただ自然に起こったのです。素晴らしい新しい音楽は常に存在し、太陽が輝き続ける限りおそらくこれからも存在し続けるでしょうから、コメントするのは難しいです。」とコメントした。[ 359 ]
70年代の影響を受けた、テンポの遅いパンク音楽
私は自分が悪いことをしていると言っているわけではなく、その役にふさわしいことをしているだけです。私は、カントレルが皆に自己満足をぶちまけるための大きな手段ではなく、全体像に興味があります。
年代、グランジの無精髭スタイルは、男性が目指すべきとされていたますます清潔で光沢のあるイメージに抵抗する一つの方法だった。
グランジミュージシャンは、ステージ上での派手なパフォーマンスを嫌うことで知られ、だらしなく、労働者のような外見を採用していた。ほとんどのグランジミュージシャンのワードローブは、しわくちゃのフランネルシャツとシンプルなブルージーンズが特徴だった。また、グランジミュージシャンが髭を剃らず、髪を乱していることも珍しくなかった
。
グランジはシアトル以外でも成長できるだろうか？1992年、サンディエゴを拠点とするロックバンド、ストーン・テンプル・パイロッツがアルバム「コア」を携えて登場し、グランジの第二波を牽引した時、それが疑問だった。
音楽シーンに突然現れたばかりの新しいアメリカのバンド、Tripping Daisy はつまずいて顔から地面に倒れた。
が
90年代で最も影響力のあるアルバムであることに異論を唱える人は少ないだろう
が、それは紛れもなくグランジであり、紛れもなくテキサス的である。
はToadiesで1990年代初頭のグランジシーンに足跡を残したが、このグループはスタジオアルバムを2枚しか録音せずに2001年に解散した。
おそらくイギリス出身で最も有名なグランジバンドであるブッシュは、1994年にアルバム『シックスティーン・ストーン』でアメリカの音楽シーンに鮮烈なデビューを果たした。
グランジの創造的な復活の最大の推進者は、おそらく音楽ジャーナリストであり、彼らは2010年代初頭の特定の音の傾向に対する新しい傾向を「グランジっぽい」、あるいは「グランジ回帰」や「グランジ復活」と認識した。これが音楽の制作者による意図的なものか、あるいは組織的な努力によるものかは様々である。東海岸のバンドであるTitle Fight、Citizen、Nothing、イギリスのバンドBasement、オーストラリアのバンドViolent Sohoなど、一部のアーティストは1990年代のグランジスタイルとの類似性を体現し、その音楽が自分たちの芸術的なサウンドとスタイルの発展に非常に大きな影響を与えたと述べ、グランジ・リバイバルのリーダーであるという主張を受け入れた。一方、東海岸のバンドSuperheaven、Creepoid、イギリスのバンドYuckなど、他のアーティストは比較に対して寛容ではなく、模倣の主張を拒否し、自分たちの音楽が特定のジャンル、スタイル、あるいはリバイバル運動の瞬間／ムーブメントに分類されたり、押し込められたりすることを好まない。
ウォッチャーが「グランジ復活」を予測するのは数年ごとに流行しているが、それは的を外している。
過去10年間、毎月グランジ復活の年と80年代復活の年のトレンド記事をローテーションで掲載してきた日曜紙のレビュー欄は、ついに生きる気力を失い、2011年を「シンセグランジの復活」と宣言する。
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