ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ

ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ

2007年から使用されているロゴ
2007年に撮影された、バーバンクのロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルにあるスタジオの本部。
以前は	ディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオ (1923–1925) ウォルト・ディズニー・スタジオ (1926–1928) ウォルト・ディズニー・プロダクションズ（1929–1985） ウォルト・ディズニー長編アニメーション（1986年～2005年）
会社種別	分割
業界	映画 アニメーション
前任者	ラフ・オ・グラム・スタジオ
設立	1923年10月16日; 101年前（ディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオとして） (1923-10-16)
創設者	ウォルト・ディズニー ロイ・O・ディズニー
本部	2100 ウェストリバーサイドドライブ、 カリフォルニア州バーバンク 、 私たち
主要人物	ジャレッド・ブッシュ( CCO ) クラーク・スペンサー（社長）
製品	アニメ映画 アニメシリーズ 短編アニメーション 映画
親	ウォルト・ディズニー・スタジオ
Webサイト	ディズニー
脚注/参考文献 [1] [2] [3] [4] [5]

ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ（WDAS）^[6]は、ディズニー・アニメーションと略されることもあるアメリカのアニメーションスタジオで、ウォルト・ディズニー・カンパニーのために長編アニメーションや短編映画を制作している。スタジオの現在の制作ロゴには、最初の同期音声付きアニメ『蒸気船ウィリー』（1928年）のワンシーンが描かれている。1923年10月16日、ラフ・オ・グラム・スタジオの閉鎖後にウォルト・ディズニーとロイ・O・ディズニーの兄弟によって設立され、^[1]世界で最も長く続いているアニメーションスタジオである。現在はウォルト・ディズニー・スタジオの一部門として組織されており、カリフォルニア州バーバンクのウォルト・ディズニー・スタジオ敷地内のロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルに本社を置いている。^[7]設立以来、スタジオは63本の長編映画を制作しており、最初の公開作は『白雪姫』 （1937年）で、これは最初の手描き長編アニメーション映画でもある。^[8]このスタジオは数百本の短編映画も制作している。

1923年にディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオ（DBCS ）として設立され、1926年にウォルト・ディズニー・スタジオ（WDS ）に改名、1929年にウォルト・ディズニー・プロダクション（WDP）として法人化されたこのスタジオは、1934年に長編映画の製作に入るまで短編映画の製作に専念し、1937年には世界初の長編アニメーション映画の1つであり、米国初の長編アニメーション映画となった『白雪姫』を生み出した。1986年の大規模な企業再編の際に、単一のアニメーションスタジオから国際的なメディア複合企業に成長したウォルト・ディズニー・プロダクションはウォルト・ディズニー・カンパニーに改名され、アニメーションスタジオは同社の他の部門と区別するためにウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション（WDFA）となった。現在の名称は、ピクサー・アニメーション・スタジオがディズニーに買収された後、2006年に採用された。

多くの人にとって、ディズニー・アニメーションはアニメーションと同義である。なぜなら、「他のどの媒体でも、単一の企業の慣行がこれほど圧倒的な程度に美的基準を支配することができたことはない」からである。^[9]このスタジオは、その存在期間の大部分でアメリカの第一級のアニメーションスタジオとして認められており^[10]、「何十年にもわたって、アニメーション映画における議論の余地のない世界のリーダー」であった。 ^[11]伝統的なアニメーションの標準的な慣行となった多くの技術、概念、原則を開発した。^[12]このスタジオはまた、現在ではアニメーションと実写の両方の映画製作、テレビ番組、ビデオゲームで使用される標準的な技術であるストーリーボードの芸術の先駆者となった。 ^[13]このスタジオのアニメーション映画のカタログはディズニーの最も注目すべき資産の1つであり、そのアニメーション短編のスターであるミッキーマウス、ミニーマウス、ドナルドダック、デイジーダック、グーフィー、プルートは、大衆文化の有名な人物となり、ウォルト・ディズニー・カンパニー全体のマスコットとなった。

同スタジオの映画のうち3作、 『アナと雪の女王』（2013年）、『ズートピア』（2016年）、『アナと雪の女王2』（2019年）はいずれも、歴代興行収入上位50本の映画にランクインしており、特に『アナと雪の女王2』は歴代長編アニメーション映画の中で第3位の興行収入を記録している。

2013年までに、コンピュータアニメーション映画の方が興行成績が良かったため、スタジオでは手描きの長編アニメーション映画の開発がなくなり、手描きアニメーターの大部分が解雇された。^{[14] [15]}しかし、スタジオは2019年と2023年に、将来の手描き長編プロジェクトの提案を映画製作者から受け付けると述べた。^{[16] [17]}さらに、2022年4月、 1992年からスタジオで働いているスタジオの手描きアニメーターの1人であるエリック・ゴールドバーグは、ディズニースタジオ内で再び手描きアニメーションに戻る計画があることを確認した。^[18]

ミズーリ州カンザスシティ生まれのウォルト・ディズニーとロイ・O・ディズニーは、1923年にロサンゼルスでディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオを設立し、アニメーションの世界で実写の子役を起用した無​​声の短編映画『アリス・コメディ』^{シリーズの製作を始めた。 [20]}『アリス・コメディ』はマーガレット・J・ウィンクラーのウィンクラー・ピクチャーズによって配給され、同社は後にディズニーの2番目の短編シリーズである全編アニメーションの『オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット』もユニバーサル・ピクチャーズを通して1927年から配給した^{。[20] [21]}カリフォルニアに移転したディズニー兄弟は、当初ロサンゼルスのロスフェリズ地区のキングスウェル・アベニュー4406番地にあった叔父ロバート・ディズニーのガレージで働き始め、1923年10月にキングスウェル・アベニュー4651番地にある不動産会社の事務所の裏にある小さな事務所で正式にスタジオを開設した。 1924年2月、スタジオはキングスウェル・アベニュー4649番地の隣のオフィスに移転した。1925年、ディズニーはシルバーレイク地区のハイペリオン・アベニュー2719番地に新しい場所に手付金を支払い、そこはスタジオの他の場所と区別するためにハイペリオン・スタジオと呼ばれるようになり、1926年1月、スタジオはそこに移転し、ウォルト・ディズニー・スタジオと名乗った。^[22]

一方、オズワルドの最初の1年が終わった後、ウォルト・ディズニーはウィンクラー・ピクチャーズとの契約を更新しようとしたが、マーガレット・ウィンクラーと結婚して彼女の事業を引き継いだチャールズ・ミンツは、オズワルドの短編映画1本あたりの前払い金を低く抑えるようディズニーに強要した​​かった。ディズニーは拒否し、オズワルドの権利はディズニーではなくユニバーサルが所有していたため、ミンツはオズワルドのアニメを制作するために独自のアニメーションスタジオを設立した。ディズニーのオズワルド契約が1928年半ばに期限切れになると、ディズニーのスタッフの大半はミンツに雇われて移籍した。^[23]

残りのスタッフが契約で残っていたオズワルド作品を完成させている間、ディズニーと主任アニメーターのアブ・アイワークスは、忠実なスタッフ数名を率いて秘密裏に作業を進め、ミッキーマウスという新しいキャラクターを主役にしたアニメを制作した。^[24]ミッキーマウスの最初の2つのアニメ『プレーン・クレイジー』と『ギャロッピング・ガウチョ』は、1928年の夏に限定公開された。しかし、3番目のミッキーのアニメでは、ディズニーはミュージシャンのカール・ストーリングと実業家のパット・パワーズと共同でサウンドトラックを制作した。パワーズは、ディズニーに海賊版の「シネフォン」というフィルム上音声処理方法を提供した。その後、3番目のミッキーマウスのアニメ『蒸気船ウィリー』は、ディズニー初の同期音声付きアニメとなり、1928年11月にニューヨーク市のウエスト57番劇場で初公開されると大成功を収めた。^{[25]パワーズがセレブリティプロダクションを通じて配給した}ミッキーマウスシリーズの音声付き漫画は、すぐに米国で最も人気のある漫画シリーズとなった。^{[26] [27]}ディズニーの2番目の音声付き漫画シリーズであるシリーシンフォニーは、1929年にスケルトンダンスでデビューした。^[28]

1929年、ディズニーとパワーズの間で財政をめぐる争いが起こり、ディズニーのアニメーション制作会社は1929年12月16日にウォルト・ディズニー・プロダクションとして再編され、コロンビア映画と新たな配給契約を結んだ。^{[29] [30] [31]}パワーズはその見返りとして、アブ・アイワークスと契約を交わし、アイワークスは自身のスタジオで漫画の制作を始めたが、1940年にディズニーに戻った。^[32]

コロンビアはディズニーの短編映画を2年間配給した後、1932年にディズニー・スタジオはユナイテッド・アーティスツと新たな配給契約を結んだ。同年、ディズニーはテクニカラーと2年間の独占契約を結び、同社の新しい3ストリップカラーフィルム処理を採用した。 ^[33]これにより、以前のカラーフィルム処理では不可能だったより豊かな色彩の再現が可能になった。^[34]その結果、シリー・シンフォニーのアニメ『花と木』が誕生した。これは、フルテクニカラーで商業的に公開された最初の映画となった。 ^{[34] [35]} 『花と木』は大ヒットとなり^{[34] [36] 、その後}シリー・シンフォニーはすべてテクニカラーで制作された。^{[37] [38]}

1930年代初頭までに、ウォルト・ディズニーは、アニメ映画の成功は、観客をつかんで離さない感情を揺さぶるストーリーを語ることに依存していることに気付きました。^{[39] [40]この認識から、彼はストーリー開発に専念する}ストーリーボードアーティストを擁する独立した「ストーリー部門」を設立しました。^[41]よく発達したキャラクターと興味深いストーリーにより、1933年のテクニカラーシリーシンフォニーアニメ「三匹の子豚」は興行収入とポップカルチャーで大成功を収め、^{[34] [42]}テーマソング「大きな悪いオオカミなんかこわくない」は人気チャートのヒットとなりました。^[43]

1934年、ウォルト・ディズニーは数人の主要スタッフを集め、初の長編アニメ映画を製作する計画を発表した。映画業界の大半から「ディズニーの愚行」と揶揄されたが、ディズニーはひるむことなく『白雪姫と七人の小人』^[44]の製作に取り組んだ。これは英語とテクニカラーによる初の長編アニメ映画となった。 『白雪姫と七人の小人』の製作には相当の訓練と開発が投入され、スタジオは大きく拡大し、名声を博したアニメーター、他分野のアーティスト、大学を卒業したばかりの人々がスタジオに加わり、映画製作に携わった。レス・クラーク、ノーム・ファーガソン、アート・バビットなどの主任アニメーターが監督し、近隣のシュイナード美術学校[ ^12]の美術教師ドナルド・W・グラハムが教える訓練クラスは1932年にスタジオで始まり、オリエンテーション訓練や継続教育クラスへと大きく拡大した。^{[12] [44]}授業を進める中で、グラハムとアニメーターたちは、伝統的なアニメーションの重要な信条や原則となった多くの技法やプロセスを生み出したり、形式化したりした。^[12] 『春の女神』（1934年）や『古い水車小屋』 （1937年）などの『シリー・シンフォニー』は、リアルな人物のアニメーション、特殊効果アニメーション、マルチプレーン・カメラの使用など、新しい技法の実験場となった。^[45]マルチプレーン・カメラは、アニメーション作品のレイヤーを複数の平面に分割し、アニメーションのシーン内をカメラが立体的に動いているように見えるようにする発明であった。^[46]

『白雪姫と七人の小人』は、ディズニーが当時としては高額な140万ドル（ストーリー展開だけで10万ドルを含む）をかけて完成させ、1937年にユナイテッド・アーティスツからディズニー作品の配給を引き継いだRKOラジオ・ピクチャーズによって1938年2月に公開されると、前例のない成功を収めた。2年後の『風と共に去りぬ』が前例のない成功を収めるまで、一時的に史上最高の興行収入を記録した。 ^{[47] [48]}初公開時に800万ドルを超える興行収入を上げ、1999年のドル換算で1億7316万3120ドルに相当した。^[48]

白雪姫の制作中も、ミッキーマウスとシリーシンフォニーの短編シリーズの制作は続けられていた。ミッキーマウスは1935年にテクニカラーに切り替え、その頃にはシリーズにはミッキーの犬プルートやその友人ドナルドダックとグーフィーなど、いくつかの主要な脇役が追加されていた。ドナルド、グーフィー、プルートは1940年までにそれぞれ独自のシリーズに登場し、ドナルドダックのアニメはミッキーマウスシリーズを人気で上回った。^[49]アカデミー賞を7回獲得したシリーシンフォニーは1939年に終了したが、短編は再発行と再上映で劇場に戻った。^[50]

白雪姫の成功により、ディズニーはバーバンクのブエナビスタ通りに新しい、より大きなスタジオを建設することができ、現在もウォルト・ディズニー・カンパニーの本社が置かれている。ウォルト・ディズニー・プロダクションは1940年4月2日に株式を公開し、ウォルト・ディズニーが社長、ロイ・ディズニーがCEOに就任した。^[51]

スタジオは新しいアニメ映画の製作に乗り出し、その最初の作品は1940年2月に公開された『ピノキオ』だった。 『ピノキオ』は当初興行的には成功しなかった。^[52]映画公開当初の興行収入は『白雪姫』の前例のない成功とスタジオの期待を下回った。^{[52] [53]}映画の制作費228万9000ドル（『白雪姫』の2倍）のうち 、ディズニーは1940年後半までに100万ドルを回収し、スタジオの報告によると映画の最終的な興行収入は140万ドルから190万ドルの間だった。^[54]しかし、『ピノキオ』は批評的には成功し、アカデミー賞の最優秀オリジナル主題歌と最優秀オリジナル作曲賞を受賞し、スタジオがどちらかのオスカーを受賞しただけでなく、両方を同時に受賞した最初の映画となった。^[55]

ファンタジアは、レオポルド・ストコフスキー指揮によるオーケストラ編曲に合わせて制作された実験映画で、1940年11月にディズニー自身によって座席数限定のロードショー上映シリーズとして公開された。この映画の制作費は200万ドルで、ロードショー上映で140万ドルの収益を上げたものの、 ^[56]ファンタサウンド導入の高額な費用（劇場1館あたり8万5000ドル） ^{[56]により、}ファンタジアはピノキオよりも大きな損失を。 ^[57] RKOは1941年にファンタジアの配給を引き継ぎ^{、 [58]}その後何年にもわたって大幅に編集されたバージョンで再リリースした。 ^{[59] [60]}財政的な失敗にもかかわらず、ファンタジアは1942年2月26日に2つのアカデミー名誉賞の対象となった。1つは映画の立体音響に使用された革新的なファンタサウンドシステムの開発に対して、もう1つはストコフスキーと映画への貢献に対してである。 ^[61] 『ファンタジア』はロサンゼルスの ウォルト・ディズニー・スタジオ（ウォルト・ディズニー・プロダクション）のハイペリオン・スタジオで完成した最後のディズニーアニメ映画である

これらの作品とその後の1970年代後半までの長編映画のキャラクターアニメーションの多くは、ウォルト・ディズニーが「ナイン・オールドメン」と名付けたアニメーターのブレーントラストによって監督された。彼らの多くはディズニーの長編映画で監督や後にプロデューサーも務めた。フランク・トーマス、オリー・ジョンストン、ウーリー・ライザーマン、レス・クラーク、ウォード・キンボール、エリック・ラーソン、ジョン・ラウンズベリー、ミルト・カール、マーク・デイビスなどである。^[62]この時期のディズニーの他の主任アニメーターには、ノーム・ファーガソン、ビル・ティトラ、フレッド・ムーアなどがいた。長編アニメーション部門の発展により、ディズニースタジオにカースト制度が生まれた。つまり、地位の低いアニメーター（および仕事の合間の長編アニメーター）は短編映画の制作に割り当てられ、ナイン・オールドメンのような地位の高いアニメーターは長編映画の制作にあたった。ウォルト・ディズニーがアニメーターの作品の功績を認めることに対する懸念や報酬に関する議論から、多くの新人アニメーターや下位の地位にあるアニメーターがディズニー・スタジオの組合結成を求めるようになった。 ^[63]

1941年5月に激しい組合ストライキが始まり、その年の7月と8月に怒ったウォルト・ディズニーの介入なしに解決した。^[63]ウォルト・ディズニー・プロダクションズが組合組織として設立される中、^[63]ウォルト・ディズニーと数人のスタジオ従業員は米国政府から善隣政策の一環として中南米への視察に派遣された。^[64]ディズニーのストライキとその余波により、アート・バビットやビル・ティトラなどのトップレベルのアニメーターから、フランク・タシュリン、モーリス・ノーブル、ウォルト・ケリー、ビル・メレンデス、ジョン・ハブリーなどディズニー・スタジオ以外での活動で知られるアーティストまで、数人のアニメーション専門家がスタジオを去った。^[63]ハブリーは他のディズニーのストライキ参加者数名とともに、 1950年代のディズニーの重要なライバルであるユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカ・スタジオを設立した。 ^[63]

アニメーターのストライキの最中に製作されていた『ダンボ』は、1941年10月に初公開され、興行的に成功した。この映画の製作費は95万ドルで、 『白雪姫』の半分、『ピノキオ』の3分の1以下、『ファンタジア』の5分の2の製作費だった。『ダンボ』は最終的に、公開時に160万ドルの興行収入を上げた。 ^[65] 『ダンボ』は、カリフォルニア州バーバンクのウォルト・ディズニー・スタジオ（ウォルト・ディズニー・プロダクション）の元々のアニメーション・ビルディングで完成した最初のディズニー・アニメ映画だった。1942年8月には『バンビ』が公開されたが、ピノキオやファンタジアと同様、興行成績は振るわなかった。170万ドルの製作費に対して、興行収入は164万ドルだった。 ^[66]

長編アニメーション映画の製作は、『バンビ』公開後、一時的に中止された。最近の長編映画の一部が財政的に失敗し、第二次世界大戦で海外の映画市場の多くが遮断されたことを考慮して、スタジオの融資者であるバンク・オブ・アメリカは、スタジオが一時的に短編映画の製作に限定することを条件に、スタジオに運転資金を貸し付けた。 ^{[67]そのため、当時製作中だった}『ピーター・パン』、『不思議の国のアリス』、『わんわん物語』などの長編映画は、戦後まで延期された。^[67]真珠湾攻撃後に米国が第二次世界大戦に参戦した後、スタジオには500人以上の米軍兵士が収容され、敵の爆撃機から近くの航空機工場を守る任務を負った。さらに、ディズニーのアニメーター数名が戦争に徴兵され、スタジオは米軍の各部門向けの戦時コンテンツ、特に軍事訓練や民間のプロパガンダ映画の製作を請け負った。1942年から1943年にかけて、スタジオのアニメーション作品の95パーセントは軍用であった。^[68]戦時中、ディズニーは実写/アニメによる軍事プロパガンダ映画『Victory Through Air Power』（1943年）を制作し、^{[69] 1941年のグッドネイバー旅行から生まれた}ラテン文化をテーマにした一連の短編映画は、2本の長編映画『Saludos Amigos』（1942年）と『The Three Caballeros』（1944年）にまとめられました。^[69]

『サルードス・アミーゴス』と『三人の騎士』は、1940年代にディズニーが公開した他のいくつかの「パッケージ映画」のテンプレートとなった。これは、アニメの短編とアニメや実写のつなぎの素材で構成された低予算の映画である。 ^{[70] [71]これらの映画は、} 『メイク・マイン・ミュージック』（1946年）、『ファン・アンド・ファンシー・フリー』（1947年）、『メロディ・タイム』（1948年）、『イカボッドとヒキガエルの冒険』（1949年）である。スタジオはまた、 『南部の唄』（1946年）と『愛しき人よ』（1948年）という2本の長編映画も制作した。これらは、より拡張性の高い実写ストーリーを使用しており、アニメのシーケンスや実写とアニメのキャラクターを組み合わせたシーケンスが含まれていた。この時期にも短編映画の制作は続けられ、ドナルドダック、グーフィー、プルートの漫画が主な作品であり、ミッキーマウス、フィガロ、そして1950年代にはチップとデールやハンフリー熊を主役にした漫画も制作された。^[72]

さらに、ディズニーは1944年に『白雪姫』 、 ^{[73] 1945年に} 『ピノキオ』、1946年に『ファンタジア』の再公開を始め、過去の作品の再公開も始めました。 ^{[74]これにより、ディズニー映画を7年ごとに再公開するという伝統が生まれ、1990年代まで続き、その後スタジオによる}ホームビデオのリリースの取り扱いに移行しました。^[73]

1948年、ディズニーはシャルル・ペローの童話を基にした長編映画『シンデレラ』で長編映画の製作を再開した。製作費は300万ドル近くかかり、スタジオの将来はこの映画の成功にかかっていた。^[75] 1950年に公開された『シンデレラ』は興行的に成功し、その利益でディズニーは1950年代を通して長編アニメ映画を製作し続けることができた。^[76]その成功を受けて、製作が中断されていた『不思議の国のアリス』、『ピーター・パン』、『わんわん物語』の製作が再開された。さらに、グリム兄弟の童話『眠れる森の美女』をチャイコフスキーの名曲に合わせて翻案するという野心的な新プロジェクトが開始されたが、完成までに10年間の残りの大部分を要した。^[77]

1951年に公開された『不思議の国のアリス』は興行的にあまり好評を得られず、公開当初は批評家からも大きな失望を受けた。^[78] 一方、1953年に公開された『ピーター・パン』は商業的に成功し、その年の興行収入で6位となった。1955年に公開された『わんわん物語』は『白雪姫』以来のディズニーの長編アニメ映画を上回る興行成績を収め、^[79] 1955年の北米興行収入は推定650万ドルに達した。^[80] 『わんわん物語』はシネマスコープ方式で製作されたディズニー初のワイドスクリーン長編アニメ映画として重要であり、^{[79]ディズニー自身の配給会社である}ブエナ・ビスタ・ディストリビューションが公開した初のディズニー長編アニメ映画でもある。^[81]

1950年代半ばまでに、ウォルト・ディズニーは主に実写映画、テレビ、ディズニーランドのテーマパークなどの新しい試みに関心を向けたため、^[62]アニメ映画の制作は主に「ナイン・オールド・メン」と呼ばれる主任アニメーターと監督の集団の手に委ねられました。このため、『眠れる森の美女』の制作中に承認が何度か遅れましたが、 [ ^62]最終的に1959年に公開されました。600万ドルの制作費で、^{[82]ディズニーのそれまでで最も高価な映画となり、アーティストの}エイヴィンド・アール^[82]が考案した非常に様式化されたアートスタイルで制作され、 6トラックのステレオサウンドを備えた大型のスーパーテクニラマ70で上映されました。 ^[82]しかし、スタジオの長編アニメ映画としては『白雪姫と七人の小人』以来最高の興行収入を記録したにもかかわらず、映画の制作費が高額だったことと、ディズニーの1959年の他の作品の興行成績が振るわなかったことから、スタジオは1960年度に10年ぶりの赤字を計上し、^[83]スタジオ全体で大規模な人員削減につながった。^[84]

1930年代の終わりまでに、ディズニーの短編映画は定期的には制作されなくなり、短編映画部門のスタッフの多くは会社を辞めるか、ミッキーマウスクラブやディズニーランドなどのディズニーのテレビ番組の仕事に異動になった。1930年代には短編映画『シリー・シンフォニー』がアカデミー賞短編アニメ部門を独占していたが、 MGMの『トムとジェリー』、ワーナー・ブラザースの『ルーニー・テューンズ』や『メリー・メロディーズ』 、そしてフラットなアートスタイルと様式化されたアニメーション技術が古いディズニースタイルに代わるより現代的なものとして賞賛されたユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカ（UPA）の作品によって、最多受賞の座は終焉を迎えた。^{[85] 1950年代には、様式化された}『トゥート、ホイッスル、プランク・アンド・ブーム』というディズニーの短編映画1本だけがアカデミー短編アニメ部門賞を受賞した。^[86]

ミッキーマウス、プルート、グーフィーの短編映画は1953年までに定期製作が中止されたが、ドナルドダックとハンフリーは製作が継続され、ワイドスクリーンのシネマスコープに切り替えた後、1956年に短編部門が閉鎖された。その後、1969年まですべての短編映画は長編映画部門で製作された。ディズニーのアニメーション黄金期最後の短編映画は『鳥はつらいよ』だった。ディズニーの短編映画はこの時点から散発的に製作されるようになり、^[72]後期の有名な短編映画には^[87] 『ランナウェイ・ブレイン』（1995年、ミッキーマウス主演）^[88]や『ペーパーマン』 ^{（2012年） [89]}などがある。

1959年の人員削減と、ウォルト・ディズニーの注目を集めるための実写映画、テレビ、テーマパーク部門の拡大との競争にもかかわらず、長編アニメーション作品の制作は縮小されながらも継続された。^[77]

1961年、ディズニースタジオは『101匹わんちゃん』をリリースした。これは、伝統的なアニメーションセルのインク付けとペイントのプロセスでゼログラフィーを使用することを普及させたアニメーション作品である。^[90]ゼログラフィーを使用すると、アニメーションの描画は、最終的なアニメーション制作で使用される透明なアセテートシート（「セル」）に紙の描画からトレースするのではなく、光化学的に転写することができる。[90]結果として得られたアートスタイル（アニメーターの描画の構築線を明らかにする、より引っかき傷のある線）は、1980年代までディズニー映画の典型となった。^[90]この映画は成功し、1961年の興行収入で10位となり、レンタル収入は640万ドルとなった。^[91]

ディズニーのアニメーショントレーニングプログラムは、白雪姫の開発がきっかけでウォルト・ディズニーがカリフォルニア芸術大学（CalArts）の設立に協力する前の1932年にスタジオで始まりました。^[92]この大学は、シュイナード芸術大学とロサンゼルス音楽院が合併して設立されました。学位プログラムの中には、ディズニーが開発したアニメーションの研究プログラムが含まれていました。CalArtsは、1970年代から現在までディズニーや他のアニメーションスタジオで働く多くのアニメーターの母校となりました。^[92]

『石の剣』は1963年に公開され、推定レンタル収入475万ドルで北米でその年の興行収入6位の映画となった。 ^[93] A・A・ミルンの『くまのプーさん』の物語の一つを映画化した『くまのプーさんとはちみつの木』は1966年に公開され、 ^[94]その後も数年にわたってプーさんの短編映画がいくつか製作され、1977年には長編映画『くまのプーさんの大冒険』が公開された。 ^[94]

ウォルト・ディズニーは、スタジオの次の映画『ジャングル・ブック』が完成し公開される10か月前の1966年12月に亡くなりました。 ^[95]この映画は成功を収め、^[96] 1967年にはその年の興行収入第4位の映画となりました。^[97]

ウォルト・ディズニーの死後、ウォルト・ディズニーはスタジオの長編映画のプロデューサーと監督の両方を務め続けた。^{[98] [99]}ディズニーの悪役を目立って軟化させたのはライザーマンであり、その後20年間でディズニーの悪役のほとんどが怖いというよりは滑稽で哀れなものになった。^[100]ライザーマンの主な優先事項はスタジオが利益を上げ続けることであり、そのために家族向けの映画を作ることの重要性を強調した。^[100]アンドレアス・デヤによると、ライザーマンは「子供たちを失えば、すべてを失うことになる」と語ったという。^[100]

スタジオは1970年代を『おしゃれキャット』の公開でスタートさせた。これはウォルト・ディズニーが承認した最後の映画プロジェクトだった。^{[99] 1971年、スタジオの共同設立者であるロイ・O・ディズニーが亡くなり、ウォルト・ディズニー・プロダクションズは}ドン・テイタムとカード・ウォーカーの手に委ねられ、2人は1978年まで交互に会長とCEOを務めた。^[101]次の長編映画『ロビン・フッド』（1973年）は大幅に予算を削減して制作され、アニメーションは以前の映画から再利用された。^[98] 『おしゃれキャット』と『ロビン・フッド』はどちらも興行的にも批評的にも小ヒットだった。^{[98] [99]}

1977年に公開された『ミッキーのクリスマス・キャロル』は^{、以前の2つのディズニー作品を上回る成功を収めた。 [99]}好評を博し、商業的にも大きな利益を上げ、アカデミー賞にもノミネートされ、最終的にはその年の興行収入第3位の映画となり、 『ジャングル・ブック』以来最も成功し、最も高く評価されたディズニーアニメ映画。 ^{[98] [99]}この映画は1983年に再公開され、ディズニーの新しい短編映画『ミッキーのクリスマス・キャロル』が追加された。 ^[102]

『レスキュー隊』の制作は、ディズニー・アニメーション・スタジオの人材交代の始まりを告げるものとなった。^{[99]ミルト・カールやレス・クラークなどのベテランが引退し、}ドン・ブルース、ロン・クレメンツ、ジョン・マスカー、グレン・キーンなどの新人が徐々に取って代わっていった。^{[99] [103]}カリフォルニア芸術大学のアニメーション・プログラムから選抜され、エリック・ラーソン、フランク・トーマス、オリー・ジョンストン、ウーリー・ライザーマンによって訓練された新しいアニメーターたちは、[ ^{99] [103]}ディズニーの実写とアニメのハイブリッド作品『ピートとドラゴン』（1977年）のアニメーション・シーケンスでグループとして自分たちの実力を証明する最初の機会を得た。^[104]この作品のアニメーションはブルースが監督した。^[98] 1979年9月、ディズニーのアニメーション技術の発展が停滞していると感じたことに不満を抱いたブルースと他の新進気鋭のアニメーター数名は同社を辞め、独自のスタジオ、ドン・ブルース・プロダクションを設立した。^[105]このスタジオは1980年代にアニメーション分野におけるディズニーの最大のライバルとなった。^[103]

ブルース・グループの離脱により半年遅れとなったが^{[103] 、} 『きつねと猟犬』は4年の製作期間を経て1981年に公開された。同映画はスタジオ側から商業的成功とみなされ、その後、ロイド・アレクサンダーの小説『プリデイン物語』シリーズ^[103]を原作とした長らく構想の『黒い鍋』の開発が続けられ、スーパー・テクニラマ70で制作された^[106]。

『黒い魔法鍋』は、ディズニーのアニメ映画の魅力を年齢の高い観客にも広げ、カリフォルニア芸術大学出身の新世代のディズニーアニメーターの才能を披露することが意図されていた。キーン、マスカー、クレメンツの他に、この新しいアーティストグループには、アンドレアス・デジャ、マイク・ガブリエル、ジョン・ラセター、ブラッド・バード、ティム・バートンなどの将来有望なアニメーターが含まれていた。ラセターは1983年にディズニーにコンピュータアニメーション制作を推進したために解雇されたが、^{[107] [108]}ピクサーのクリエイティブヘッドに就任した。ピクサーは、1980年代後半にディズニーと緊密な関係を築き始める先駆的なコンピュータアニメーションスタジオである。^{[107] [109] [110]同様に、バートンは、スタジオでお蔵入りとなった実写短編映画『}フランケンウィニー』をプロデュースした後、1984年に解雇されたが、その後、ディズニーや他のスタジオの実写およびストップモーション映画の著名なプロデューサー兼監督になった。バートンがディズニーで手がけた注目のプロジェクトには、ストップモーションの『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』 （1993年）、 『不思議の国のアリス』 （2010年）の実写版、ストップモーションの長編リメイク『フランケンウィニー』（2012年）などがある。^{[111] [112]バードはディズニーの上層部が安全策をとり、アニメーションでリスクを取らないと批判したため、数年勤めた後解雇された。その後、}ワーナー・ブラザース・アニメーションやピクサーなど他のスタジオでアニメーション監督を務めた。 ^[113]

ウォルト・ディズニーの義理の息子であるロン・ミラーは、1980年にウォルト・ディズニー・プロダクションズの社長に就任し、1983年にはCEOに就任した。 ^[114]その年、彼は会社の映画とテレビ番組の制作部門を拡大し、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズの旗印を掲げ、今後は長編アニメーション部門の映画を公開することになった。^[114]

1984年に一連の企業買収の試みがあった後、ロイ・O・ディズニーの息子でウォルトの甥であるロイ・E・ディズニーは会社の取締役を辞任し、「SaveDisney」と呼ばれるキャンペーンを開始し、取締役会を説得してミラーを解雇することに成功した。ロイ・E・ディズニーはマイケル・アイズナーをディズニーの新しいCEOに、フランク・ウェルズを社長に迎えた。^{[101] [115]}アイズナーは次にジェフリー・カッツェンバーグを映画部門であるウォルト・ディズニー・スタジオの会長に任命した。^[103]アイズナー政権がディズニーを買収した時点では完成間近だった『黒い魔法の鍋』（1985年）は、後にディズニーアニメーションの「どん底」と呼ばれる時期を象徴する作品となった。^[103]スタジオのその時点での最高製作費4400万ドルの『黒い魔法の鍋』は批評的にも商業的にも失敗だった。^[103]この映画の興行収入は2100万ドルだったが、スタジオは損失を出し、アニメーション部門の将来が危うくなった。^[103]

1950年代から1980年代にかけて、ディズニーの収益に対するアニメーションの重要性は、会社がさらなる実写制作、テレビ、テーマパークへと拡大するにつれて大幅に低下しました。^[103]新しいCEOであるマイケル・アイズナーは、長編アニメーションスタジオを閉鎖し、将来のアニメーションを外注することを強く検討しました。ロイ・E・ディズニーが介入し、長編アニメーション部門を率いて運命を立て直すことを申し出ました。^[103 ] 一方、アイズナーは、テレビ向けの低コストアニメーションを制作するためにウォルト・ディズニー・ピクチャーズ・テレビジョン・アニメーション・グループを設立しました。 ^[101]アイズナーによって長編アニメーションの会長に任命されたロイ・E・ディズニーは、 1985年にピーター・シュナイダーをアニメーションの社長に任命し、日常業務を運営させました。^[116]

1986年2月6日、ディズニーの幹部はアニメーション部門をバーバンクのディズニー・スタジオから、カリフォルニア州グレンデール近郊のフラワー・ストリート1420番地にある、東に約2マイル（3.2キロメートル）の倉庫、格納庫、トレーラーに移転した。約1年後、成長中のコンピュータグラフィックス（CG）グループもそこに移転した。^{[103] [117]}アニメーション部門が新しい場所で制作した最初の長編アニメーションは『グレート・マウス・ディテクティブ』 （1986年）で、ジョン・マスカーとロン・クレメンツが『黒い魔法瓶』の制作を離れた後に『ベイカー街のバジル』として始めた。^[118]この映画は批評的にも商業的にも成功し、アニメーションスタジオの幹部に自信を与えた。^[103]しかし、同年後半、ユニバーサル・ピクチャーズとスティーヴン・スピルバーグのアンブリン・エンターテインメントはドン・ブルースの『アメリカ物語』をリリースし、興行収入で『大ネズミ探偵』を上回り、その時点で最高の興行収入を記録した初公開のアニメ映画となった。^[119]

カッツェンバーグ、シュナイダー、ロイ・ディズニーはスタジオの文化を変え、スタッフと制作を増やして、2～4年おきではなく毎年新作アニメ映画を公開するようにした。^[103]加速制作スケジュールで最初に公開されたのは『オリバー&カンパニー』 （1988年）で、ビリー・ジョエルやベット・ミドラーを含むオールスターキャストと、モダンポップなサウンドトラックを重視した作品だった。^[103] 『オリバー&カンパニー』は、ブルース/アンブリン/ユニバーサルの別のアニメ映画『リトル・リトル・リトル』と同じ日に劇場で公開されたが、アメリカでは『リトル・リトル・リトル』の興行収入を上回り、その時点でアメリカで最も成功したアニメ映画となった。ただし、全世界での興行収入は後者の方が前者を上回っていた。^[103]

同じ1988年にディズニーはハンナ・バーベラのオーストラリアスタジオを買収し、ディズニー・アニメーション・オーストラリアを設立し、オーストラリアの長年続くアニメーション産業への参入を開始した。^[120]

オリバー・アンド・カンパニーと次の長編映画『リトル・マーメイド』の製作中、ディズニーはスティーヴン・スピルバーグのアンブリン・エンターテインメントおよび名匠アニメーターのリチャード・ウィリアムズと共同で、 『ロジャー・ラビット』を製作した。これはロバート・ゼメキス監督による画期的な実写とアニメーションのハイブリッドで、他のスタジオ（ワーナー・ブラザース、MGM、ユニバーサルなど）からライセンスを受けたアニメキャラクターが登場する。^{[121] [122]}ディズニーはウィリアムズの監督の下、ロンドンに新しいアニメーションスタジオを設立し、『ロジャー・ラビット』のアニメキャラクターを制作し、カリフォルニアのスタジオから多くのアーティストがイギリスに渡って映画の制作に取り組んだ。^{[103] [123]}批評的にも商業的にも大成功を収めた『ロジャー・ラビット』は、 ^[123] 技術賞でアカデミー賞を3回受賞した。^[124]アメリカのアニメーションに対する主流の関心を再び高める鍵となった。^[103]映画本編以外にも、スタジオは1980年代後半から1990年代前半にかけてロジャー・ラビットの短編映画を3本制作した。 ^{[125] [126]}

2つ目のサテライトスタジオであるウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション・フロリダは、 1989年に40人の従業員とともにオープンした。そのオフィスはフロリダ州ベイレイクのウォルト・ディズニー・ワールドにあるディズニー-MGMスタジオのテーマパーク内にあり、訪問者はスタジオを見学し、アニメーターが働いているのを観察することができた。^[127]同年、スタジオは『リトル・マーメイド』をリリースし、これは数十年で最大の批評的かつ商業的な成功となり、ディズニーの歴史における重要な業績となった。『グレート・マウス・ディテクティブ』で共同監督を務めたジョン・マスカーとロン・クレメンツが監督した『リトル・マーメイド』は、北米の興行収入で8,400万ドルを稼ぎ、スタジオの記録となった。この映画は、ブロードウェイのソングライターであるアラン・メンケンとハワード・アッシュマンによる音楽を中心に構築され、アッシュマンは映画の共同プロデューサー兼ストーリーコンサルタントも務めた。^[103] 『リトル・マーメイド』はアカデミー賞最優秀オリジナル主題歌と最優秀オリジナル作曲賞の2部門を受賞した。^[128]

『リトル・マーメイド』は、アニメーションとミュージカル映画のジャンルへの新たな関心を活発に再燃させた。^{[103] [129]この映画は、ディズニーの}コンピュータアニメーション制作システム（CAPS）を使用した最初の作品でもある。 ^[103]ピクサーがディズニーのために開発したCAPS/インクとペイントは、商業的なコンピュータアニメーションと技術開発会社に成長し、将来のディズニー映画がコンピュータ生成画像をよりシームレスに統合し、デジタルインクとペイントと合成技術でより高い制作価値を達成する上で重要になった。 ^[103] 『リトル・マーメイド』は、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションが次の10年間にリリースする一連の大ヒット作の最初の作品であり、この時代は後にディズニー・ルネッサンスと呼ばれた。^[130]ルネッサンス時代には、スタジオはウォルト・ディズニーが存命中に制作していた映画と同様に、より暗いテーマとより恐ろしい悪役を描いた映画を制作するようになった。^[100]

劇場ではミッキーマウスの短編映画『王子と乞食』が上映された『リトル・マーメイド 空の境界』（1990年）は、ディズニー初の長編アニメの続編であり、CAPS（インクとペイント）システムを使用してコンピューターで完全に着色および合成されたスタジオ初の映画であった。^{[103]しかし、この映画は}『リトル・マーメイド』の成功を再現することはなかった。^[103]次のディズニー長編アニメ『美女と野獣』はロンドンで制作が開始されたが、ディズニーがロンドン支社を閉鎖し、映画を『リトル・マーメイド』に似たミュージカルコメディ形式に作り直すことを決定したため、バーバンクに戻された。^[103]アラン・メンケンとハワード・アッシュマンが作曲とスコアを書くために雇われたが、アッシュマンは制作が完了する前に亡くなった。^[103]

1991年11月に全国公開される前に、 1991年のニューヨーク映画祭で制作途中のバージョンが初めて公開された『美女と野獣』は、カーク・ワイズとゲイリー・トラウズデイルが監督を務め、前例のない批評的にも商業的にも成功を収め、後にスタジオの最高傑作の一つとみなされるようになった。^{[131]この映画は、}最優秀作品賞を含む6部門でアカデミー賞にノミネートされ、アニメーション作品としては初となる最優秀主題歌賞と最優秀オリジナル楽曲賞を受賞した。^[132]興行収入1億4500万ドルは新記録を打ち立て、玩具、クロスプロモーション、サウンドトラック販売などのマーチャンダイジングも利益を生んだ。^[133]

『リトル・マーメイド』と『美女と野獣』の成功は、1990年代のディズニー作品のテンプレートを確立した。それは、ブロードウェイ風の歌と大々的なアクションシーンを盛り込んだミュージカル・コメディの形式であり、相互プロモーションのマーケティングと商品化によって支えられ、あらゆる年齢やタイプの観客を劇場に引き寄せるよう入念にデザインされていた。^[133]ジョン・マスカー、ロン・クレメンツ、カーク・ワイズ、ゲイリー・トラウズデイルに加えて、これらの映画を制作した新しいディズニーのアーティスト陣には、ストーリー・アーティスト/ディレクターのロジャー・アラーズ、ロブ・ミンコフ、クリス・サンダース、ブレンダ・チャップマン、リード・アニメーターのグレン・キーン、アンドレアス・デジャ、エリック・ゴールドバーグ、ニック・ラニエリ、ウィル・フィンなどが含まれていた。^[133]

1992年11月に公開された『アラジン』は、ディズニーのアニメーション作品の成功の上昇傾向を継続し、世界中で興行収入5億400万ドルを稼ぎ、 ^[134]最優秀主題歌と最優秀作曲賞の2つのアカデミー賞をさらに受賞した。 ^[135]メンケン、アッシュマン、ティム・ライス（アッシュマンの死後、代わりを務めた）^{による楽曲をフィーチャーし、 [136 ]}ロビン・ウィリアムズが声優を務めた『アラジン』は、ディズニーキャラクターの声優に有名俳優や女優を雇うというトレンドを確立した。 ^{[137]これは}『ジャングル・ブック』や『オリバー&カンパニー』である程度試みられていたが、今では標準的な方法となった。 ^[137]

1994年6月、ディズニーはロジャー・アラーズとロブ・ミンコフ監督による『ライオン・キング』を公開した。アフリカを舞台にした動物たちの物語である『ライオン・キング』は、ジェームズ・アール・ジョーンズ、マシュー・ブロデリック、ジェレミー・アイアンズなどスター声優陣を起用し、ティム・ライスとポップスターのエルトン・ジョンが楽曲を手掛けた。『ライオン・キング』は世界中で7億6800万ドルの興行収入を上げ、^[138]現在まで伝統的なアニメ映画の記録となっている。^[139]さらに、マーチャンダイジング、プロモーション、サウンドトラックのレコード売上で数百万ドルを稼いだ。^[133]

『アラジン』と『ライオンキング』は、それぞれの公開年に世界中で最も興行収入の高い映画だった。^{[140] [141]}これらの自社制作作品の間に、ディズニーはアニメーション手法を多様化し、元ディズニーアニメーターのティム・バートンと『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』を制作した。ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションは、映画の第2層の伝統的なアニメーションを提供することで貢献した。^[142]アニメーションが再びディズニーのビジネスにおいてますます重要かつ収益性の高い部分になり、会社は事業を拡大し始めた。カリフォルニアの主力スタジオは2つのユニットに分割されて拡張され、^[133]バーバンクのディズニー本館の隣に新しいディズニー・フィーチャー・アニメーションのビルの建設が開始され、1995年に開所された。 ^{[103] [133]}また、フランスのパリ郊外モントルイユのディズニーのテレビアニメーションスタジオの1つ^[143]  （旧ブリッツィ・ブラザーズ・スタジオ^[143]  ）はウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション・パリとなり、そこで『グーフィーの冒険』（1995年）やその後のディズニー映画の重要な部分が製作された。^[103]ディズニーはまた、ディズニー・ムービートゥーンズという名前でテレビアニメーションスタジオのサービスを使い、成功したアニメ映画の低コストのビデオ続編や前編の製作を始めた。 『アラジン』の続編で『アラジン』のテレビ番組スピンオフのパイロット版である『ジャファーの逆襲』 （1994年）は、これらの作品の第一弾であった。^[144]ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションは、1994年の『美女と野獣』と1997年の『ライオンキング』のブロードウェイミュージカル化にも深く関わっていた。^[133]

ジェフリー・カッツェンバーグとディズニーのストーリーチームは、『トイ・ストーリー』の開発と制作に深く関わっていた。 ^[145] 『トイ・ストーリー』は、史上初の完全コンピュータアニメーション作品である。^[145] 『トイ・ストーリー』はピクサーによってディズニーのために制作され、元ディズニーのアニメーターであるジョン・ラセターが監督を務めた。^{[145]ピーター・シュナイダーは、ピクサーの短編『}ティン・トイ』 （1988）で成功を収めた後、ラセターの再雇用を試みたが失敗していた。^[103] 1995年に公開された『トイ・ストーリー』は批評家の絶賛^{[145] [146] [147]}と商業的成功^{[145] [148]}を受け、ピクサーはディズニーと5本の映画契約を結び、『バグズ・ライフ』（1998年）、『トイ・ストーリー2』（1999年）、『モンスターズ・インク』（2001年）、^[149] 『ファインディング・ニモ』（2003年）、『Mr.インクレディブル』 （2004年）など、批評的にも商業的にも成功したコンピュータアニメーション映画を生み出した。

さらに、『アラジン』と『ライオン・キング』の成功により、1990年代の残りの期間を通じてアメリカで製作される長編アニメーション作品の数が大幅に増加し、大手映画スタジオがフォックス・アニメーション・スタジオ、サリバン・ブルース・スタジオ（どちらもドン・ブルースが設立）、アンブリメーション、リッチ・アニメーション・スタジオ、ターナー・フィーチャー・アニメーション、ワーナー・ブラザース・フィーチャー・アニメーションなどの新しいアニメーション部門を設立しました。ディズニー風のミュージカル・コメディ形式の映画を製作するために設立されたフィーチャー・アニメーションには、 『恐竜物語』（1993年）、『親指姫』（1994年）、『白鳥の王女』 （1994年） 、『トロールとセントラルパーク』（1994年）、『ペブル・アンド・ザ・ペンギン』（1995年）、『キャッツ・ドント・ダンス』（1997年）、『アナスタシア』（1997年）、『クエスト・フォー・キャメロット』（1998年）、『王様と私』（1999年）などがあります。^{[150] [151]}これらのディズニー以外のアニメ映画の中では『アナスタシア』だけが興行的に成功し、後に2019年にディズニーが21世紀フォックスを買収したことによりディズニーに買収されることとなった。^[152]

ディズニースタジオ内部、特にロイ・E・ディズニーの間では、スタジオ責任者のジェフリー・カッツェンバーグがディズニーの1990年代初頭の公開作品の成功を自分の功績としすぎているのではないかという懸念が高まった。^[103]ディズニーカンパニー社長のフランク・ウェルズが1994年にヘリコプター事故で亡くなり、カッツェンバーグはCEOのマイケル・アイズナーに空席となった社長のポストを得ようと働きかけた。しかし、カッツェンバーグ、アイズナー、ディズニーの間で緊張が高まり、その年の8月24日にカッツェンバーグは会社を辞任せざるを得なくなり、^[153]ジョー・ロスが後任となった。^{[153] 1994年10月12日、カッツェンバーグは}ドリームワークスSKGの創設者の一人となり、そのアニメーション部門は長編アニメーションにおいてディズニーの最大のライバルとなり、^{[133] [154]} 『アンツ』 （1998年）などのコンピュータアニメーション映画と『プリンス・オブ・エジプト』（1998年）などの伝統的なアニメーション映画の両方を制作した。^[152] 1994年12月、バーバンクにアニメーション部門のためのアニメーションビルが完成した。^[155]

1990年代初期の作品とは対照的に、ルネッサンス後半の作品は全てが成功したわけではない。1995年夏に公開された『ポカホンタス』^{は、批評家から賛否両論の評価を受けたルネッサンス映画としては初めてだったが、それでも観客の人気は高く、興行的にも成功し、全世界で3億4600万ドルを稼ぎ[156] 、アラン・メンケンと}スティーヴン・シュワルツによる音楽でアカデミー賞を2部門受賞した。^[157]次の映画『ノートルダムのせむし男』 （1996年）はパリスタジオで部分的に製作され^[143]、ディズニーの最も暗い映画とみなされているにもかかわらず、『ノートルダムのせむし男』よりも批評家からの評価は高く、全世界で3億2500万ドルの興行収入を記録した。 ^[158]翌年の夏、『ヘラクレス』 （1997年）は興行収入が好調で、全世界で2億5200万ドルの興行収入を記録したが、ディズニーの以前の作品と比べると成績は振るわなかった。^[159]演技については好評だったが、アニメーションと音楽は賛否両論だった。^[160] ヘラクレスは、伝統的なアニメーション映画の衰退のきっかけとなった。興行成績の低下はスタジオ内では二重の懸念となった。ドリームワークスとの賃金競争により、スタジオの諸経費が大幅に増加したためである。^{[115] [133]制作費は、1994年の}ライオンキングの総費用（制作費、マーケティング費、諸経費）7900万ドルから、3年後のヘラクレスでは1億7900万ドルに増加した。 ^[154]さらに、ディズニーは、他の部門で商品化、テーマパークのアトラクション、ビデオ直接販売の続編、テレビ番組を開発するために、新作映画の人気に依存していた。^[133]制作スケジュールは縮小され^[154]、より綿密に制作を監督するためにより多くのクリエイティブエグゼクティブが雇用されたが、これはアニメーションスタッフの間では不評だった。^{[133] [161] [162]}

フロリダのスタジオで主に製作された最初の映画『ムーラン』 ^{（1998年） [163]}は、観客と批評家から好評を博し、全世界で興行収入3億500万ドルを稼ぎ、スタジオの批評的および商業的成功を回復した。次の映画『ターザン』 （1999年）は、ケビン・リマとクリス・バックが監督し、1億3000万ドルという高額の製作費がかかったが、 ^[154]再び好評を博し、興行収入4億4800万ドルを稼いだ。 ^{[164]ポップスターの}フィル・コリンズによる『ターザン』のサウンドトラックは、大きなレコード売上を生み、アカデミー最優秀主題歌賞を受賞した。 ^[165]

1940年の映画の続編で、ロイ・E・ディズニーが1990年以来温めていたプロジェクトである『ファンタジア2000』^{は、 [166] [167]} 1999年12月17日にニューヨークのカーネギーホールで初公開され、ロンドン、パリ、東京、カリフォルニア州パサデナを訪れたコンサートツアーの一環として上映された。この映画はその後、2000年1月1日から4月30日まで世界中の75のIMAXシアターで公開され、このフォーマットで公開された最初の長編アニメーション映画となった。通常の劇場公開は2000年6月15日に続いた。制作の合間にアーティストの空きがあるときに部分的に制作された^[166] 『ファンタジア2000』は、IMAXフォーマットで制作され公開された最初の長編アニメーション映画となった。 ^[168]全世界での興行収入9000万ドルに対して製作費9000万ドル^[167]はスタジオに1億ドルの損失をもたらした。 ^{[167] [169]}ピーター・シュナイダーは1999年にウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの社長を辞任し、ジョー・ロスの下でウォルト・ディズニー・スタジオの社長に就任した。 ^{[170]数年間シュナイダーのアニメーション担当副社長を務めていた}トーマス・シューマッハが、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの新社長に就任した。 ^[170]この時までに、他のスタジオとの競争によりアニメーターの収入は史上最高に達し、 ^[133]従来のアニメーション映画の製作費はさらに高騰していた。 ^[154]シューマッハはコスト削減を任され、大規模なレイオフによって給与が削減され、1999年にピーク時の2200人だったスタジオのスタッフは約1200人にまで減少した。 ^{[171] [172]}

1999年10月、ウォルト・ディズニー・カンパニーが1996年4月にブエナ・ビスタ・ビジュアル・エフェクツの後継として買収した特殊効果スタジオのドリーム・クエスト・イメージズ^[173]が、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションのコンピュータグラフィックス部門と合併し、シークレット・ラボと呼ばれる部門を設立した。^[174]シークレット・ラボは、 2000年5月に公開された長編映画『ダイナソー』^{を1本制作し[175]}、撮影された実写の背景にCGIの先史時代の生き物が登場した。^[176] 1億2800万ドルの制作費は、スタジオの予想を下回る3億4900万ドルの全世界での収益を上げ^[176]、シークレット・ラボは2001年に閉鎖された。 ^[177]

2000年12月、 『ラマになった王様』が公開された。これは元々『太陽の王国』というミュージカル大作だったが、制作途中で小規模なコメディに改訂された。^{[178] [179]}この映画は公開時に世界中で1億6900万ドルの収益を上げ、^[180]好評を博し、ビデオの方がより良い成績を収めた。^{[181] [182]} 『アトランティス 失われた帝国』（2001年）は、アクションアドベンチャーに移行することでディズニーの定石を破ろうとした試みだったが、賛否両論の評価を受け、1億2000万ドルの制作費に対して世界中で1億8600万ドルの収益を上げました。^{[171] [183]​​ [184]}

2001年から2002年初頭までに、ピクサーのコンピュータアニメーション映画（ディズニーとの配給契約による）やドリームワークスのシュレック、ブルースカイスタジオのアイスエイジがそれぞれ大成功を収めたのに対し、ディズニーのラマになった王様とアトランティス 失われた帝国はそれほどの利益を上げなかったため、手描きアニメーションは時代遅れになりつつあるという憶測が広まった。^{[133] [185] [186]}ディズニーはバーバンクのフィーチャーアニメーションスタジオの従業員のほとんどを解雇し、スタジオを1つのユニットに縮小して、完全なコンピュータアニメーション映画に移行する計画を開始した。^{[133] [187]}数人の従業員にコンピュータアニメーションの仕事が提供された。士気は、スタジオが1985年に10年間グレンデールに亡命して以来見られなかったほど低下した。^{[133] [188]}パリスタジオも2003年に閉鎖された。^[189]

バーバンク・スタジオの残りの手描き作品である『トレジャー・プラネット』と『ホーム・オン・ザ・レンジ』は製作が続いた。ロバート・ルイス・スティーブンソンの『宝島』を未来の宇宙で再現した『トレジャー・プラネット』は、脚本家兼監督のロン・クレメンツとジョン・マスカーのお気に入りのプロジェクトだった。IMAXで公開され、概ね好評だったが、2002年11月の公開時には経済的に失敗し、2003年度にウォルト・ディズニー・カンパニーは7,400万ドルの減損を被った。 ^{[188] [190]バーバンク・スタジオの2D部門は、以前『}スウェッティング・バレット』として知られていた長編映画『ホーム・オン・ザ・レンジ』^{[133] [191]}の完成後、2002年末に閉鎖された。^[192]

一方、フィーチャー・アニメーション・フロリダ・スタジオでは手描きの長編アニメーションの制作が続けられ、低コストで映画を制作することができた。^{[187]クリス・サンダースと} ディーン・デブロワが脚本・監督を務めた風変わりなコメディドラマ『リロ・アンド・スティッチ』 ^[186]は、 2002年夏に公開され『ターザン』以来スタジオ初の大ヒットとなり、^[193] 8000万ドルの制作費に対して世界中で2億7300万ドルの収益を上げた。^[194]

この時までに、1990年代のディズニー作品のほとんどは、ディズニーテレビアニメーション部門によってビデオ直接公開の続編、テレビシリーズ、またはその両方にスピンオフされていました。2002年2月に公開された『ピーターパン』 （1953年）の続編である『ネバーランドへの帰還』を皮切りに、ディズニーはビデオ初公開を意図していた以前の映画の低予算の続編を劇場で公開し始めましたが、^[144]一部のディズニーアニメーションスタッフやディズニー映画のファンはこれを嘲笑しました。^{[133] [195]}

2003年、トム・シューマッハがディズニーの舞台演劇およびミュージカル部門であるブエナ・ビスタ・シアトリカル・グループの社長に任命され、当時ウォルト・ディズニー・テレビジョン・アニメーションの社長であったデイビッド・ステイントンが後任に任命された。ステインはディズニーのビデオ直販部門であるディズニートゥーン・スタジオの監督を継続したが、この部門はテレビアニメーション部門の一部であったが、^[5]この時ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの経営に移管された。^[196]

ステイントンの指揮下でフロリダスタジオは『ブラザー・ベア』を完成させたが、批評的にも興行的にも『リロ・アンド・スティッチ』ほどの成功は収められなかった。 ^[193]ディズニーは2004年1月12日にフロリダスタジオを閉鎖し、^{[133] [193]}当時制作中だった『マイ・ピープルズ』も未完成のまま2ヵ月後にスタジオが閉鎖された。^{[161] [186] [191] [197] 2004年4月に公開された} 『ホーム・オン・ザ・レンジ』も批評的にも興行的にも『リロ・アンド・スティッチ』ほどの成功は収められなかった。^[198]ディズニーはウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションを完全なCGIスタジオに転換することを公式に発表した。このプロセスは2年前に開始され^{[185] [199]}  、現在600人のスタッフを抱え^[185]、従来のアニメーション機材をすべて売却し始めた。^[133]

2003年11月に『ブラザー・ベア』が公開された直後、長編アニメーション部門の会長ロイ・E・ディズニーはウォルト・ディズニー・カンパニーを辞任し、ビジネスパートナーのスタンリー・ゴールドとともに、1984年にロン・ミラーを追放したのと同様の、今度はマイケル・アイズナーを追放するための2度目の「SaveDisney」キャンペーンを立ち上げた。^[195]アイズナーに対する彼らの主張の2つは、長編アニメーション部門の扱いと、スタジオとピクサーの関係悪化だった。^[185]同年、スタジオはウォルト・ディズニー・イマジニアリングと共同で、 4Dテーマパーク映画『ミッキーのフィルハーマジック』を制作した。これはスタジオ初のCGアニメーションの試みであり、スタジオはルネッサンス時代のアニメーター数名を映画制作に呼び戻した。各アニメーターは、以前に手がけたシーンで作業した。例えば、グレン・キーンは『パート・オブ・ユア・ワールド』のシーンでアリエルをアニメ化した。^[200]

ピクサーとディズニーの非常に利益率の高い配給契約の更新条件をめぐるアイズナーとピクサーのCEOスティーブ・ジョブズとの交渉は2004年1月に決裂した。 ^{[185] [201] [202]}特にジョブズは、当時開発中だった『トイ・ストーリー3』（2010年）などの続編はスタジオの新しい契約で必要な映画数に含まれないというアイズナーの主張に反対した。^[201]そのため、ディズニーはピクサー映画の続編を製作するフィーチャー・アニメーション部門、サークル7アニメーションの立ち上げを発表し、ピクサーは新しい配給契約を探し始めた。^[201]

2005年、ディズニーは初の完全コンピュータアニメーション映画『チキン・リトル』をリリースした。この映画は興行的に成功し、世界中で3億1500万ドルを稼いだが^[203]、批評家からは賛否両論から否定的なレビューを受けた。^{[204]その年の初め、ロイ・E・ディズニーの「SaveDisney」キャンペーンの2年後、アイズナーは辞任し、当時ウォルト・ディズニー・カンパニーの社長だった}ボブ・アイガーを後任の会長兼CEOに任命すると発表しました。 ^[195]

アイガーは後に「ディズニー・アニメーションがどれだけ崩壊していたか、まだ完全には理解していなかった」と述べている。彼は、1990年代初頭からの歴史を、ヘラクレスやチキン・リトルのような「多額の費用をかけた失敗作が点在する」と表現した。「そこそこの成功作」であるムーランやリロ・アンド・スティッチも、ディズニー・ルネッサンスの初期の映画に比べると、批評的にも商業的にもまだ成功していなかった。 ^[202]アイガーがCEOに就任した後、ジョブズはディズニーとピクサーの交渉を再開した。^[205] 2006年1月24日、ディズニーはピクサーを74億ドルで全額株式交換で買収すると発表し、^[206]同年5月に取引が成立し、^{[205] [207] [208]}トイ・ストーリー3を制作するために設立されたサークル7スタジオは閉鎖され、^{[209] [210]}従業員の大半が長編アニメーションに戻り、トイ・ストーリー3はピクサーの手に返された。^[211]アイガーは後に、これは「私が切望していた取引であり、ディズニーも切実に必要としていた取引だった」と語った。彼はディズニー・アニメーションには新たなリーダーシップが必要だと考えており^[202]、買収の一環として、エドウィン・キャットマルとジョン・ラセターがそれぞれフィーチャー・アニメーションとピクサーの社長と最高クリエイティブ責任者に任命された。 ^[207]

ディズニーの幹部は長編アニメーション部門の閉鎖は不要だと議論していたが、キャットマルとラセターはそれを拒否し、スタジオの立て直しを図ることを決意した。^[212]ラセターは「我々が見守る中で閉鎖など許すつもりはなかった。ウォルト・ディズニーの素晴らしいスタジオの遺産を守り、本来あるべき創造的なレベルに戻すと決心していた。この遺産を守ることは、まさしく我々の肩にかかっていた」と語った。^[213]ラセターとキャットマルは長編アニメーション部門のスタッフの士気を立て直し、^{[214] [215]ロン・クレメンツ、ジョン・マスカー、}エリック・ゴールドバーグ、^[108] マーク・ヘン、アンドレアス・デジャ、ブルース・W・スミス、クリス・バックなど、1980年代にスタジオを去った「新世代」のスターアニメーターの多くを再雇用した。^[216]ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションとピクサーは現在は共同所有・共同経営となっているが、その分離を維持するためにキャットマルとラセターは「各スタジオが自らのプロジェクトに単独で責任を持ち、人員を借りたり、仕事を貸し出したりすることは許されないという厳しい線引きをした」。キャットマルは、自分とラセターは「スタジオ同士が明確に区別されるようにする。合併は望んでいない。それは間違いなく間違ったアプローチだ。それぞれが独自の個性を持つべきだ」と語った。^{[217] [218]}

キャットマルとラセターはまた、ディズニー・フィーチャー・アニメーションに「エグゼクティブ主導のスタジオ」ではなく「映画製作者主導のスタジオ」というピクサーのモデルを持ち込んだ。彼らは、プロデューサーより上位の開発エグゼクティブからの「必須」のメモに監督が返答することを要求するディズニーの以前のシステムを廃止し、ピアレビューにほぼ類似したシステムを採用した。このシステムでは、必須ではないメモは主に同僚のプロデューサー、監督、脚本家から寄せられる。 ^{[213] [219] [220]}「ゲートキーパー」（中間レベルのエグゼクティブ）の層のほとんどは取り除かれ、ラセターは制作の最後の年にすべてのプロジェクトの映画製作者と毎週個人的に会い、その場でフィードバックを提供するというルーチンを確立した。^[221]映画の開発で密接に協力するスタジオのトップクリエイティブのチームは、ディズニーストーリートラストとして知られている。ピクサー・ブレーントラストに多少似ているが^{[219] [222]}、その会議はピクサーのブレーントラストよりも「礼儀正しい」と伝えられている^{[223] 。}

2007年、ラセターはウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの名称をウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオに変更し、^[224]スタジオを従来のアニメーションとコンピュータアニメーションの両方のプロジェクトを制作するアニメーションハウスとして再配置した。手描きの制作費を抑えるため、アニメーション、デザイン、レイアウトはディズニー社内で行われ、クリーンアップアニメーションとデジタルインクとペイントはベンダーやフリーランサーに外注された。^[225]

スタジオは2007年に2作目のオールCGI映画『ルイスと未来泥棒』を公開し、全世界で1億6930万ドルの収益を上げました。^{[226]同年、ディズニー}トゥーン・スタジオも再編され、ラセターとキャットマルの支配下で別部門として運営されるようになりました。^[227]ラセターがスタジオの次の映画『アメリカン・ドッグ』に直接介入したため、監督のクリス・サンダースが去り、^[228]サンダースはその後ドリ​​ームワークス・アニメーションの監督になりました。^{[229]この映画は、}バイロン・ハワードとクリス・ウィリアムズの新監督によって『ボルト』として作り直され、2008年に公開され、ディズニーの長編アニメ映画としては『リロ・アンド・スティッチ』以来最高の批評家からの評価を受け、^[230]興行的にもそこそこの成功を収め、アカデミー賞長編アニメ映画賞にノミネートされました。^[231]

童話『カエルの王子様』と2002年の小説『魔法のキス』を基にロン・クレメンツとジョン・マスカーが監督した『プリンセスと魔法のキス』は、スタジオにとって5年ぶりの手描きアニメ映画となった。1990年代のミュージカル・コメディ形式に戻り、ランディ・ニューマンが歌を担当した^[232]この映画は、2009年に公開され、批評家から好評を博し、アカデミー賞で3部門にノミネートされ、そのうち2部門は最優秀歌曲賞だった。 ^[233] 『プリンセスと魔法のキス』の興行成績は、製作費1億500万ドルに対して世界中で2億6700万ドルの売り上げだったが、 『アバター』 との競争により期待外れと見られていた。 ^[231]興行成績が振るわなかったのは、タイトルに「プリンセス」という言葉が含まれていたためとも言われ、その結果、当時製作中だったプリンセスを題材にしたディズニー映画には、性別を問わない象徴的なタイトルが付けられた。『ラプンツェル』は『塔の上のラプンツェル』に、『雪の女王』は『アナと雪の女王』になった。 ^{[214] [234] [235] [236]} 2014年、元ディズニーアニメーターのトム・シトは、この映画の興行成績を『グレート・マウス・ディテクティブ』 （1986年）の興行成績と比較した。『グレート・マウス・ディテクティブ』は、1985年の映画『黒い魔法瓶』の劇場公開からステップアップした作品だった。 ^{[237] 2009年、スタジオは}ABCテレビネットワークコンピューターアニメーションのホリデースペシャル『Prep & Landing』^{も製作した。 [238]}

『プリンセスと魔法のキス』の後、スタジオはグリム童話『ラプンツェル』をアラン・メンケンとグレン・スレイターの歌でCGI化したミュージカル『塔の上のラプンツェル』をリリースした。2002年以来グレン・キーンの下で積極的に開発が進められ、^{[199]バイロン・ハワードと}ネイサン・グレノが監督した『塔の上のラプンツェル』は2010年にリリースされ、批評的にも商業的にも大成功を収め^{[239] [240] 、}いくつかの賞にノミネートされた。この映画は世界中で5億9200万ドルの興行収入を上げ、スタジオのこれまでで3番目に成功した作品となった。^[241]

2011年にはA・A・ミルンの同名小説を基にした新作長編映画『くまのプーさん』が手描きで公開され、好評を博した。同スタジオの最新手描き長編映画となっている。^[242]この映画は手描きの短編『ネッシーのバラッド』と同時公開された。^[243]リッチ・ムーア監督の『シュガー・ラッシュ』は2012年に公開され、批評家の絶賛と商業的成功を収めた。ビデオゲームの悪役がヒーローとして名誉挽回するコメディアドベンチャーで、アニー賞、放送映画批評家協会賞、キッズ・チョイス賞の最優秀長編アニメ映画賞など数々の賞を受賞し、ゴールデングローブ賞とアカデミー賞にノミネートされた。^[244]この映画は世界中で4億7100万ドルの興行収入を上げた。^{[245] [246] [247]}さらに、スタジオは『シュガー・ラッシュ』と同時に劇場公開された『ペーパーマン』で、44年ぶりに短編映画でアカデミー賞を受賞した。^{[248] [249]}ジョン・カーズ監督の『ペーパーマン』では、スタジオで独自に開発された新しいソフトウェア『ミーンダー』が使用され、同じキャラクターに手描きとコンピュータアニメーションの技術を融合させてユニークな「ハイブリッド」を生み出している。プロデューサーのクリスティーナ・リードによると、スタジオは将来のプロジェクトのためにこの技術の開発を続けているとのことで、^[249]長編アニメも含まれる。^[242]

2013年、ディズニーはニック・ラニエリやルーベン・A・アキノを含む9人の手描きアニメーターを解雇したため、^[250]アニメーションブログではスタジオが伝統的なアニメーションを放棄しているのではないかという憶測が飛び交ったが、スタジオはこれを否定した。^[251]同年11月、ハンス・クリスチャン・アンデルセンの童話「雪の女王」にインスピレーションを得たCGIミュージカル映画『アナと雪の女王』が公開され、広く称賛され大ヒットとなった。クリス・バックとジェニファー・リーが監督し、ブロードウェイチームのロバート・ロペスとクリステン・アンダーソン＝ロペスが歌ったこの作品は、^[252]ディズニーのアニメーション映画として初めて世界中で興行収入10億ドルを超えた作品となった。^{[244] [252] [253]} 『アナと雪の女王』は、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの作品としては初めてアカデミー長編アニメ映画賞（2001年に新設された部門）を受賞した。また、同スタジオの長編映画としては『ターザン』以来、複数回アカデミー賞を受賞した作品としても『ポカホンタス』以来の快挙となった。^{[254] 同}作品は、白黒手描きアニメーションとフルカラーCGIアニメーションを組み合わせた新しいミッキーマウスのアニメ『ゲット・ア・ホース！』と同時に劇場公開された。 ^[255]

スタジオの次の長編映画『ベイマックス』は、同名のマーベルコミック シリーズにインスパイアされたCGIコメディアドベンチャー映画で、2014年11月に公開されました。^[256]この映画のために、スタジオはHyperionと呼ばれる新しいライトレンダリングソフトウェアを開発し、スタジオはその後のすべての映画でそれを使い続けました。^[257]ベイマックスは批評家の称賛を受け、2014年の最高の興行収入を記録したアニメ映画となり、アカデミー賞長編アニメ映画賞も受賞しました。^{[258] [259] [260] [261]}この映画と同時に劇場で公開された短編アニメ『フィースト』は、アカデミー賞短編アニメ映画賞を受賞しました。^{[262] [263]}ベイマックスが公開された同じ月に、ゼネラルマネージャーのアンドリュー・ミルスタインがウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの社長に昇進したことが発表されました。^{[208] [264] [265] [266]}

2016年3月、同スタジオは擬人化された動物たちが住む現代の世界を舞台にしたCGIバディコメディ映画『ズートピア』を公開した。^[267]この映画は批評的にも商業的にも成功し、全世界で10億ドル以上の収益を上げ、アカデミー長編アニメ映画賞を受賞した。^{[268] [269] [270] [271]}

CGIファンタジーアドベンチャー映画『モアナと^{伝説の海』は2016年11月に公開されました。 [272]}この映画は短編アニメ『 Inner Workings』と同時に劇場で上映されました。 ^[273] 『モアナと伝説の海』はスタジオにとってもう一つの商業的、批評的な成功であり、全世界で6億ドル以上の収益を上げ、アカデミー賞に2回ノミネートされました。 ^{[274] [275]}

2017年11月、ジョン・ラセターはスタッフへのメモで従業員に対する自身の行動における「失策」を認めた後、6か月間の休職を取ると発表した。さまざまな報道機関によると、ラセターは従業員に対する性的不正行為の疑いのある前科があった。^{[276] [277] [278]} 2018年6月8日、会社が契約を更新しないことを決定したため、ラセターは年末にディズニーとピクサーを離れるが、契約が満了するまでコンサルタントの役割を担うことが発表された。[ ^{279] [280]} 2018年6月19日、ジェニファー・リーがラセターの後任としてディズニー・アニメーションの最高クリエイティブ責任者に就任することが発表された。 ^{[280] [281]}

2018年6月28日、スタジオの部門であるディズニートゥーン・スタジオが閉鎖され、75人のアニメーターとスタッフが解雇された。^[282] 2018年10月23日、エド・キャットマルが年末に退職し、2019年7月まで顧問として留まることが発表された。^[283]

2018年11月、スタジオは『シュガー・ラッシュ』の続編『シュガー・ラッシュ：オンライン』をリリースした。^[284]この映画は世界中で5億2900万ドル以上の収益を上げ、ゴールデングローブ賞とアカデミー賞の両方で長編アニメ映画賞にノミネートされた。^{[285] [286] [287] [288]}

2019年8月、アンドリュー・ミルスタインが社長を退任し、ロバート・ベアードとともにブルースカイ・スタジオの共同社長に就任することが発表された。一方、クラーク・スペンサーがディズニー・アニメーションの社長に任命され、ウォルト・ディズニー・スタジオ会長アラン・バーグマンの直属となり、最高クリエイティブ責任者ジェニファー・リーとともに働くことになった。^{[3] [4]}

『アナと雪の女王』の続編『アナと雪の女王2』は2019年11月に公開された。 ^[289]この映画は世界中で10億ドル以上の収益を上げ、アカデミー賞最優秀オリジナル主題歌賞にノミネートされた。 ^{[290] [291]}

2020年から2022年にかけて、ディズニーアニメーションはディズニー+ストリーミングサービス向けに実験的な短編シリーズ「ショート・サーキット」^{を制作した。短編の最初のパックは2020年1月にリリースされ、 [292] [293] [294]}、2番目のパックは2021年8月にリリースされた。^{[295] [296]}その期間中、ディズニーアニメーションは手描きアニメーションの作業に戻り、手描きの「At Home with Olaf」ウェブ短編「Ice」^[297] 、ディズニー+向けの手描きアニメーションのグーフィー短編3本^[298]、手描きアニメーションの「ショート・サーキット」と題された手描きアニメーション「Dinosaur Barbarian」をリリースした。^[299] 2022年4月、エリック・ゴールドバーグはスタジオ内で手描きアニメーション映画やシリーズを開発する計画を確認した。^[300]その年には、ディズニー+のドキュメンタリー『ミッキー：ねずみの物語』の一部として公開された手描きの短編『ミッキー・イン・ア・ミニッツ』と、ディズニーが2006年にこのキャラクターの権利を取得して以来、ディズニーアニメーションが制作したタイトルキャラクターの最初のアニメーション短編となった『オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット』が公開された。 ^{[301] [302]}

2020年12月、同スタジオはテレビシリーズの制作に進出することを発表した。この事業は通常はディズニー・テレビジョン・アニメーション部門が担当している。開発中のプロジェクトのほとんどはDisney+向けである。^[303]制作されたCGシリーズには、ベイマックス! (ベイマックスのスピンオフ)、ズートピア+ (ズートピアの世界を舞台にしたアンソロジーシリーズ)、Iwájú (イギリスを拠点とする汎アフリカ系 エンターテイメント会社Kugali Mediaと共同制作したオリジナルの長編SFアンソロジーシリーズ) などがある。 ^{[304]さらに、ディズニー・アニメーションの従業員は、}ピクサーのモンスターズ・インクフランチャイズに基づいた ディズニー・テレビジョン・アニメーションシリーズモンスターズ・アット・ワークに関わっている。^[305]

CGIファンタジーアドベンチャー映画『ラーヤと龍の王国』は、2021年3月に公開されました。COVID-19パンデミックのため、劇場とディズニー+プレミアアクセスで同時に公開されました。 ^[306]劇場では、この映画と同時に短編アニメ『Us Again』も公開されました。 ^[307] 『ラーヤと龍の王国』は興行収入1億3000万ドルを超え^{、 [308]}ディズニー+のプレミアアクセスの料金が終了した後、ストリーミングチャートでヒットし、2021年に3番目にストリーミングされた映画タイトルになりました。 ^{[309] [310] [311]}この映画は、アカデミー賞長編アニメ映画賞にもノミネートされました。 ^[312]

2021年8月、ディズニー・アニメーションがバンクーバーに新しいアニメーションスタジオを開設すると報じられた。^{[313 ]}バンクーバースタジオの運営は2022年に開始され、元ディズニー・アニメーションの財務責任者であるアミール・ナスラバディがスタジオの責任者に就任する。 [313]バンクーバースタジオは、ディズニー+限定の長編シリーズと将来のディズニー+スペシャルのアニメーションに取り組んでおり、短編シリーズはバーバンクスタジオでアニメーション化されている。^[313]長編シリーズとスペシャルのプリプロダクションとストーリーボードもバーバンクスタジオで行われている。^[313]

2021年11月、同スタジオはCGIミュージカルファンタジー映画『エンカント』^{を公開した。 [314]} COVID-19パンデミックのため、この映画は劇場で30日間の独占劇場公開となり、2021年12月24日にDisney+で公開された。^[315] 2D/CGハイブリッド短編『ファー・フロム・ザ・ツリー』と同時に劇場公開された。^[316] 『エンカント』は1億2000万～1億5000万ドルの製作費に対して2億5600万ドルの興行収入で損益分岐点に達することはできなかったが、[ ^{317] [318] [319] [320] [321] 2021年の}ホリデーシーズン中に口コミで広がり、Disney+でデジタル公開された後、より広い商業的成功を収めた。^{[322] [323] [324]この映画は}アカデミー賞長編アニメ映画賞を受賞し、アカデミー賞の作曲賞と主題歌賞にもノミネートされた。^[325]

2022年11月、同スタジオはCGIアクションアドベンチャー映画『ストレンジ・ワールド』を公開した。^[326]この映画は好評を博したものの、興行的には失敗に終わり、製作費1億3,500万～1億8,000万ドルに対して全世界で7,300万ドルの収益しかあげられず、損失は1億～1億4,700万ドルと推定された。^{[327] [328]}

2023年までに、スタジオは手描きアニメーターのための新しい見習いプログラムを開設しました。^[329]同年、2023年10月に迎えるディズニー創立100周年を記念して、実写/アニメーションの短編映画『ワンス・アポン・ア・スタジオ』が公開されました。^[330]

2D/CGハイブリッドミュージカルファンタジー映画『ウィッシュ』は2023年11月に公開された。映画のテーマはディズニー100周年に触発されている。^{[331] [332]}批評家からは賛否両論の評価を受け、1億7500万～2億ドルの制作費に対して世界中でおよそ2億5500万ドルの収益を上げ、推定1億3100万ドルの損失となった。^{[333] [334] [335]この映画は}ゴールデングローブ賞長編アニメ映画賞を含むいくつかの賞にノミネートされた。^{[336] [337]}

2024年9月、リーはディズニーアニメーションの最高クリエイティブ責任者の職を退き、スタジオでフルタイムの映画製作に復帰することを発表した。具体的には、『アナと雪の女王3』の監督と脚本、『アナと雪の女王4』の脚本と製作総指揮を務める予定である。^[338] 後任にはジャレッド・ブッシュが指名された。 ^[338]

スタジオは続編『モアナと伝説の海』を2024年11月に公開した。このプロジェクトはもともとディズニー+のシリーズとして開発されていたが、その後劇場公開映画に作り直された。^[339]

2007年の制作ロゴの元となったミッキーマウスの短編映画「蒸気船ウィリー」の抜粋

ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオのロゴ

2007年まで、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは伝統的な制作ロゴを使用せず、代わりに標準のウォルト・ディズニー・ピクチャーズのロゴを使用していました。2007年の映画『ルイスと未来泥棒』から、蒸気船ウィリーに基づいたオンスクリーン制作ロゴが追加されました。^{[340]このロゴには、2012年の映画}『シュガー・ラッシュ』のピクセル化など、バリエーションがあります。^[341]

蒸気船ウィリーは1928年に出版されたため、2024年1月1日にパブリックドメインとなりました。ロゴは引き続き使用されています。^[342]

• ジャレッド・ブッシュ、最高クリエイティブ責任者（2024年9月～現在）
• クラーク・スペンサー、社長（2019年8月～現在）
• ステイシー・スナイダー最高経営責任者
• ジョン・ナレン、最高執行責任者
• 最高法務責任者 ヴィエット・ディン
• スティーブ・トムシック、最高財務責任者
• ジョン・ゲルケ、グローバルオペレーション担当副社長
• J・ヤング シニア副社長、成長担当
• ジェラルド・デヴァン、APACグループエグゼクティブ
• ステファニー・グルーバー、テレビグループエグゼクティブ
• クリストファー・グリーヴ、営業担当副社長

• アンドリュー・ミルスタイン会長（2014年11月～2019年7月）^{[3] [281]}
• エドウィン・キャットマル、会長（2007年6月 – 2019年7月）^[283]
• デイビッド・ステイントン、会長（2003年1月-2006年1月）^{[343] [344]}
• トーマス・シューマッハ、会長（1999年1月-2002年12月）^{[345] [343]}
• ピーター・シュナイダー、会長（1985年 - 1999年1月）^[346]
• ジョン・ラセター、最高クリエイティブ責任者（2006年1月 – 2018年6月）^{[347] [348]}
• ジェニファー・リー、最高クリエイティブ責任者（2018年6月 – 2024年9月）^{[349] [350]}
• ロイ・E・ディズニー会長（1984年 - 2003年）^[351]

1995年以来、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオはカリフォルニア州バーバンクのロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルに本社を置いている。このビルは、ウォルト・ディズニー・スタジオのリバーサイド・ドライブ向かいに位置し、元々のアニメーション・ビル（現在は企業オフィスが入居）がある。ディズニー・アニメーション・ビルのロビーには、ファンタジア（1940年）の「魔法使いの弟子」の有名な帽子の大きなバージョンが飾られており、このためこのビルは非公式に「帽子のビル」と呼ばれている。^[352]

1990年代半ばまで、ディズニーアニメーションは、グレンデール市の東約2マイル（3.2 km）にある旧グランドセントラル空港[ ^{353]の跡地にある工業団地、グランドセントラルビジネスセンター内の古い格納庫、オフィスビル、トレーラーの集合体であるエアウェイコンプレックス[103]で運営されていました。}ディズニートゥーンスタジオユニットはグレンデールに拠点を置いていました。ディズニーアニメーションのアーカイブは、以前は「モルグ」（死体安置所のファイルに似ていることから）と呼ばれ、現在はアニメーションリサーチライブラリ^[354]として知られていますが、これもグレンデールにあります。^[355]バーバンクの建物とは異なり、ARLはディズニーのグランドセントラルクリエイティブキャンパス近くの目立たないオフィスビルにあります。12,000平方フィートのARLには、1924年にさかのぼる6,400万点以上のアニメーションアートワークが収蔵されています。会社にとって重要なため、訪問者はグレンデール内の正確な場所を明かさないことに同意する必要があります。 ^[355]

以前は、フランスのセーヌ＝サン＝ドニ県モントルイユ（パリ郊外）^[143]やフロリダ州ベイ・レイク（オーランド近郊、ディズニー・ハリウッド・スタジオ内）^[186]など、世界各地に長編アニメーションのサテライトスタジオがあった。パリのスタジオは2002年に閉鎖され、^[197]フロリダのスタジオは2004年に閉鎖された。^[197]フロリダのアニメーションビルはオフィスビルとして存続し、ビルのかつてのマジック・オブ・ディズニー・アニメーションのセクションにはスター・ウォーズ・ローンチ・ベイが置かれている。^[356]

2009年のロイ・E・ディズニーの死去を受けて、バーバンク本社は2010年5月にロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルとして再オープンした。^{[357] [358]}

2014年11月、ディズニー・アニメーションはロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルの16か月にわたる改修工事を開始した。 ^{[359] [360]}これは、当時のスタジオ社長エドウィン・キャットマルが「地下牢のような」と評した内部を改修するためであった。^[361]例えば、内部は狭すぎて、全従業員が出席する「タウンホール」ミーティングを簡単に開催することはできなかった。^[360]改修工事のため、スタジオの従業員はバーバンクから、ディズニーが管理する最も近いスタジオスペース、グレンデールの工業団地にあるディズニートゥーン・スタジオと、ボブ・ホープ空港の西側にあるノースハリウッドの旧イマジニアリング倉庫（トゥジュンガ・ビル）に一時的に移動した。^{[222] [362]}改修工事は2016年10月に完了した。^[362]

ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは、伝統的なアニメーション、コンピュータアニメーション、両者の組み合わせ、実写シーンと組み合わせたアニメーションなど、一連のアニメーション技術で長編アニメーションを制作してきました。スタジオの最初の映画『白雪姫』は1937年12月21日に公開され、^[363]最新の映画『モアナと伝説の海』は2024年11月27日に公開されました。

チキン・リトル（2005年）から始まり、ほとんどの映画の制作費は1億5000万～1億7500万ドルとなっている。塔の上のラプンツェル（2010年）は同スタジオの最も製作費の高い映画で、制作費は2億6000万ドルである。^{[364] [365] [366]}

同スタジオの次回作は続編『ズートピア2』で、2025年11月26日に公開予定。^[367]未発表の映画が2026年11月25日に公開予定。^[368]もう一つの続編『アナと雪の女王3』は2027年11月24日に公開予定。^[369]

1920年代の『アリス・コメディ』以来、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは、1956年にアニメスタジオ部門が閉鎖されるまで、ミッキーマウスのアニメやシリー・シンフォニー・シリーズを含む一連の有名な短編映画を制作してきました。これらの短編の多くは、スタジオが映画製作プロセスで使用する新しいテクノロジーを試す媒体を提供しました。たとえば、『蒸気船ウィリー』（1928年）でのサウンドの同期、^[25]、『花と木』（1932年）での3ストリップテクニカラープロセスの統合、 ^{[34] 、} 『オールド・ミル』（1937年）でのマルチプレーンカメラ、 ^{[46] 、『}ゴリアテ2』 （1960年）でのゼログラフィープロセス、^{[370] 、} 『オフ・ヒズ・ロッカーズ』（1992年）、^[371]、 『ペーパーマン』（2012年）、^[249]、 『ゲット・ア・ホース』（2013年） 、 ^[255]、『フィースト』（2014年）での手描き/CGIハイブリッドアニメーションなどです。 ^[372]

ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは2020年にテレビ番組への進出を発表し、現在は『ティアナ』（未定）を含むディズニー+向けのオリジナル番組を制作している。 ^[373]

このリストには、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオが制作した劇場映画、短編映画、テレビシリーズ、またはディズニー・テレビジョン・アニメーションやディズニートゥーン・スタジオなどのディズニーのビデオ/テレビ部門が長年にわたって制作したそれらの続編、および実写映画をフィーチャーした映画シリーズやフランチャイズが含まれます。

† 2024 年 12 月 13 日から始まる週に劇場で上映される映画を示します。

• ウォルト・ディズニー・カンパニー
• ディズニーのナイン・オールドメン
• アニメーションの12の基本原則
• ウォルト・ディズニー・ホームビデオ（VHS）
• ウォルト・ディズニー・トレジャーズ
• ディズニーアニメーション：生命の幻想
• アメリカの現代アニメーション：ディズニー
• ウォルト・ディズニー・カンパニーが所有するアニメーションスタジオ
• ディズニートゥーンスタジオ
• サークルセブンアニメーション
• ピクサー
• ピクサーカナダ
• ブルースカイスタジオ
• 20世紀のアニメーション
• ディズニー劇場公開アニメーション映画の一覧
• ディズニーテレビアニメーション
• アニメーションスタジオ一覧

• ウォルト・ディズニー・スタジオの旅（1937年、短編）
• 不本意なドラゴン（1941年、舞台化された「モキュメンタリー」）
• フランクとオリー（1995）
• ドリーム・オン・シリー・ドリーマー（2005）
• 眠れる森の美女の目覚め（2009）
• ウォルト＆エル・グルーポ（2009）
• ハワード（2018）