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ロマン派音楽は、西洋古典音楽における様式運動であり、一般にロマン派時代（またはロマン派期）と呼ばれる19世紀の時代と関連付けられています。これは、1798年頃から1837年頃まで西洋文化で顕著になった知的、芸術的、文学的運動であるロマン主義というより広い概念と密接に関連しています。[ 1 ]
ロマン派の作曲家たちは、ロマン派文学、詩、芸術、哲学の運動におけるより広範な傾向を反映した、個性的で感情豊かで劇的、そしてしばしば標題音楽的な音楽を創造しようとした。ロマン派音楽は、自然[ 2 ]、文学[ 2 ] 、詩[ 2 ] 、超自然的な要素、美術などの非音楽的な刺激に触発された（あるいはそれらを喚起しようとした）ことが多かった。ロマン派音楽には、半音階の使用の増加などの特徴があり、伝統的な形式から離れていた[ 3 ] 。
ロマン主義運動は、18世紀後半にヨーロッパで始まり、産業革命への反動として強まった芸術、文学、思想運動である。[ 4 ]それは、啓蒙時代の社会・政治規範に対する反抗であり、自然の科学的合理化に対する反発でもあった。[ 5 ]それは視覚芸術、音楽、文学[ 6 ] 、教育[ 7 ]に最も強く体現され、自然史の発展にも影響を受けた。[ 8 ]
この用語が音楽に初めて本格的に適用された例の一つは、1789年にフランス人のアンドレ・グレトリが著した『回想録』である。音楽ロマン主義の原理を確立したのは、1810年に出版されたルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの交響曲第5番に関する長文の評論と、1813年に発表されたベートーヴェンの器楽曲に関する論文の中で、E.T.A.ホフマンであった。これらの論文のうち最初の論文で、ホフマンは音楽ロマン主義の起源をハイドンとモーツァルトの後期の作品に遡って考察している。[ 9 ]
ホフマンが「ロマン主義」という言葉にすでに結びついていた思想を融合させたことで、古典派の抑制と形式主義に対抗する形で、音楽、特に器楽が感情表現に最も適した芸術としてロマン主義において卓越した地位にまで高められた。また、ホフマンや他のドイツ人作家の著作を通して、ドイツ音楽が音楽的ロマン主義の中心に据えられた。[ 9 ]
古典主義時代は短い、あるいは断片的な主題素材を用いることが多かったのに対し、ロマン主義時代はより長く、より明確に定義され、より感情を喚起する主題をより多く用いる傾向があった。[ 10 ]
ロマン主義によく見られる特徴：
音楽においては、ベートーヴェンの死後、音楽の構造と形式に比較的明確な境界線が引かれた。ベートーヴェンを「ロマン派」作曲家とみなすかどうかは別として、彼の作品の幅広さと力強さは、古典的なソナタ形式、そして実際には交響曲、ソナタ、弦楽四重奏曲の構造が行き詰まったという感覚を生み出した。[ 15 ]
思想、態度、発見、発明、歴史的出来事など、社会の出来事や変化はしばしば音楽に影響を与えます。例えば、産業革命は18世紀後半から19世紀初頭にかけて本格化しました。この出来事は音楽に大きな影響を与え、ほとんどの木管楽器や金管楽器が依存する機械式バルブやキーに大きな改良が加えられました。新しく革新的な楽器はより簡単に演奏でき、信頼性も高くなりました。[ 16 ]
音楽に影響を与えたもう一つの発展は、中産階級の台頭でした。[ 2 ]この時代以前の作曲家は貴族の庇護のもとで生活していました。多くの場合、彼らの聴衆は少なく、主に上流階級の人々や音楽に精通した人々で構成されていました。[ 16 ]一方、ロマン派の作曲家は、必ずしも音楽のレッスンを受けたことのない大勢の有料聴衆を前に、しばしば公開コンサートやフェスティバルのために作曲しました。[ 16 ]エルガーのようなロマン派時代の作曲家は、 「音楽の好みを分離すべきではない」 [ 17 ]こと、そして「目的は聴かれるための音楽を作曲することである」ことを世界に示したのです。 [ 18 ]
ロマン派の作曲家が作曲した音楽は、以前の作曲方法よりも制約が少なく、作曲家個人の能力に焦点を当てた作曲方法が多かったことから、「個人の重要性」を反映していた。[ 2 ]
ロマン派時代には、音楽はしばしばより民族主義的な目的を帯びるようになった。作曲家たちは、自国や伝統を象徴する独特の音色で作曲した。例えば、ジャン・シベリウスの「フィンランディア」は、いつかロシアの支配から独立するフィンランドという新興国家を象徴するものと解釈されている。[ 19 ]
フレデリック・ショパンは、民族主義的な要素を作品に取り入れた最初の作曲家の一人です。ジョセフ・マクリスは、「ポーランドのツァーリ支配からの自由を求める闘争は、ポーランドの国民的詩人を奮い立たせた。 …ロマン派時代の作品には、音楽的民族主義 の例が数多く見られる。ショパンのマズルカには民謡の語法が顕著に表れている」と述べています。 [ 20 ]彼のマズルカとポロネーズは、民族主義的なリズムの使用で特に注目に値します。さらに、「第二次世界大戦中、ナチスは、これらの作品に宿る強力な象徴性のために、ワルシャワでショパンのポロネーズの演奏を禁じた」とも述べています。[ 20 ]
ベドルジヒ・スメタナなどの他の作曲家は、故郷を音楽で描写した作品を作曲しました。特に、スメタナの「ヴルタヴァ」は、現在のチェコ共和国のモルダウ川を題材にした交響詩で、「わが祖国」（ Má vlast）と総称される6つの民族主義的な交響詩のサイクルの2番目です。 [ 21 ]スメタナはまた、8つの民族主義的なオペラを作曲し、それらはすべてレパートリーに残っています。これらの作品により、彼は最初のチェコ民族主義作曲家として、また1860年代に頭角を現した世代で最も重要なチェコのオペラ作曲家としての地位を確立しました。[ 22 ]
ウィーン古典派からロマン主義への移行は、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの作品に見出すことができる。彼の作品には、典型的なロマン主義の要素が数多く初めて現れている。これらの作品は声楽曲とは対照的で、「純粋に」器楽曲である。ホフマンによれば、ウィーン古典派音楽、特にベートーヴェンの純粋器楽曲は、素材やプログラムから解放されているため、ロマン主義芸術の理念を体現している。[ 23 ]
後期古典主義と初期ロマン主義の最も重要な代表者のもう一人としてフランツ・シューベルトがいる。彼は室内楽曲や後の交響曲でドイツ語オペラにロマン派の特徴を導入した。[ 24 ]カール・レーヴェのバラードも影響力があった。カール・マリア・フォン・ウェーバーは、特に人気オペラ『魔弾の射手』でドイツオペラの発展に重要な役割を果たした。[ 25 ]ハインリヒ・マルシュナーによる超自然的なホラーオペラ[ 26 ]や、アルベルト・ロルツィングによる陽気なオペラもある。[ 27 ]ルイ・シュポアは主に器楽曲で知られるようになった。ヨハン・ネポムク・フンメル、フェルディナント・リース、フランス人のジョージ・オンスローの作品は、今でもクラシック音楽に大きく結びついている。
イタリアでは、初期ロマン主義時代にベルカント・オペラが全盛期を迎え、ジョアキーノ・ロッシーニ、ガエターノ・ドニゼッティ、ヴィンチェンツォ・ベッリーニといった作曲家がその代表格となった。ロッシーニの喜劇オペラは、その力強い序曲を通してのみ今日でも広く知られているが、悲劇作品においてはドニゼッティとベッリーニが圧倒的な存在感を示した。この時代のイタリアで最も重要な器楽曲作曲家は、伝説的な「悪魔のヴァイオリニスト」ニコロ・パガニーニであった。
フランスでは、軽妙なオペラ・コミックが発展した。その代表例としては、フランソワ＝アドリアン・ボワエルデュー、ダニエル＝フランソワ＝エスプリ・オーベール、アドルフ・アダムなどが挙げられる。アダムはバレエでも知られている。有名な奇才作曲家でハープ奏者のロベール・ニコラ＝シャルル・ボクサは7つのオペラを作曲した。グランド・オペラは、豪華な舞台装置、バレエ、大合唱団を用いた。このジャンルはガスパーレ・スポンティーニによって初めて導入され、ジャコモ・マイアベーアはそのような作品の著名な作曲家であった。
ヨーロッパの他の地域では、アイルランド人のジョン・フィールドがピアノのための最初の夜想曲を作曲した。フリードリヒ・クーラウはデンマークで活動した。スウェーデン人のフランツ・ベルヴァルトは、非常に個性的な交響曲を4曲作曲した。
盛期ロマン主義は大きく二つの段階に分けられる。第一段階では、ロマン派音楽そのものが頂点を極める。ポーランドの作曲家フレデリック・ショパンは、ピアノのための性格小品や舞曲で、感情の深淵を探求した。ロベルト・シューマンは精神疾患との闘いを、音楽においても人間としても、悲劇に影を落とされた情熱的なロマン派芸術家の典型として体現した。彼の個性的なピアノ曲、室内楽曲、交響曲は、後世の音楽家たちに永続的な影響を与えた。
ハンガリーの作曲家フランツ・リストは、名高いピアノの名手であると同時に、調和のとれた大胆な交響詩で革新的な「新ドイツ楽派」の基礎を築きました。エクトル・ベルリオーズもまた、固定観念の技法を用いて標題音楽を作曲しました。ベルリオーズはオーケストラの規模も大幅に拡大しました。フェリックス・メンデルスゾーンは古典主義的な形式言語に傾倒し、特にデンマークのニールス・ヴィルヘルム・ガーデのような北欧の作曲家にとって模範となりました。
オペラの世界では、リヒャルト・ワーグナーが最初のロマンティック・オペラを作曲した当時、ドイツではオットー・ニコライとフリードリヒ・フォン・フロトーのオペラが依然として主流だった。ジュゼッペ・ヴェルディの初期作品もまた、旧世代のベルカントの理想に基づいていた。フランスでは、アンブロワーズ・トマとシャルル・グノーによってオペラ・リリックが発展した。ロシア音楽は、ミハイル・グリンカとアレクサンドル・ダルゴムィシスキーのオペラにおいて独自の表現を見出した。
盛期ロマン主義の第二段階は、文学や視覚芸術におけるリアリズムの様式と並行して展開した。創作活動の後半において、ワーグナーはライトモチーフ技法を発展させ、アリアを用いずに作曲されたニーベルングの四部構成をまとめ上げ、オーケストラは交響曲的に扱われた。半音階主義は『トリスタンとイゾルデ』で極限に達した。多くの作曲家がワーグナーの革新的な思想に影響を受け、その中にはペーター・コルネリウスも含まれる。
こうした進歩的な思想は、より保守的な作曲家たちによって反対された。彼らにとって、交響曲、室内楽、歌曲において古典音楽の論理的な発展を追求したヨハネス・ブラームスは、その深い情感と卓越した音楽技法によって模範となった。こうした保守的な作曲家には、ロベルト・フォルクマン、フリードリヒ・キール、カール・ライネッケ、マックス・ブルッフ、ヨーゼフ・ガブリエル・ラインベルガー、ヘルマン・ゲッツなどがいた。
すべての作曲家が進歩派か保守派かにきれいに分類されたわけではない。中でもアントン・ブルックナーは際立っている。ワーグナーの支持者ではあったものの、彼の明快な形式はワーグナーとは大きく異なっている。例えば、ブルックナーの交響曲のブロックベースの楽器編成はオルガンのレジスターに由来する。ワーグナーの敵対者とのイデオロギー闘争において、ブルックナーは支持者によってブラームスの対極にある存在として描かれた。リストに触発されて「古典形式の未来音楽」を作曲したフェリックス・ドラゼケもまた、異彩を放っている。
ヴェルディは音楽劇にも大きな影響を与えた。彼の圧倒的なカリスマ性は、アミルカーレ・ポンキエッリや、ヴェルディの後期のオペラ『オテロ』と『ファルスタッフ』の台本作家でもあるアリーゴ・ボイトなど、イタリアの他の作曲家たちを影に追いやった。
フランスでは、ジャック・オッフェンバックの風刺的で喜劇的なオペレッタが人気を博した。叙情オペラはジュール・マスネの作品で頂点を迎えた。ジョルジュ・ビゼーの『カルメン』はオペラにリアリズムをもたらした。オーストリアでは、ヨハン・シュトラウス2世がウィーン風オペレッタに加え、ワルツやポルカを作曲した。
フランスでは、ルイ・テオドール・グーヴィがドイツ音楽との様式的な架け橋を築いた。非常に多才なカミーユ・サン＝サーンスのオペラ、交響曲、室内楽曲は、レオ・ドリーブのバレエ作品と同様に、より伝統的なものであった。エドゥアール・ラロとエマニュエル・シャブリエは、より革新的な作曲を行った。ベルギー生まれのセザール・フランクはオルガン音楽の復興を始め、シャルル＝マリー・ヴィドール、ルイ・ヴィエルヌ、シャルル・トゥルヌミールによってその流れは引き継がれた。
この頃には、ヨーロッパのほぼすべての国で、独自の国民的ロマン主義が芽生えていた。ミハイル・グリンカによって始まったロシア様式は、「五人組」と呼ばれるミリイ・バラキレフ、アレクサンドル・ボロディン、モデスト・ムソルグスキー、ニコライ・リムスキー＝コルサコフ、セザール・キュイによって受け継がれた。より西洋的な傾向を示したのは、アントン・ルービンシュタインとピョートル・イリイチ・チャイコフスキーで、彼らのバレエや交響曲は大きな人気を博した。
ベドルジヒ・スメタナは、進歩的なリスト楽派のオペラや交響詩でチェコ音楽の父とみなされている。アントニン・ドヴォルザークの交響曲、協奏曲、室内楽曲はブラームスのスタイルに近い。ポーランドではスタニスワフ・モニューシュコが、ハンガリーではフェレンツ・エルケルが主要なオペラ作曲家であった。ノルウェーは、叙情的なピアノ曲、歌曲、そして「ペール・ギュント組曲」などの管弦楽曲を作曲したエドヴァルド・グリーグという最も有名な作曲家を輩出した。イギリスでは、音楽的に保守的な交響曲作曲家ヒューバート・パリーが人気を博し、アーサー・サリバンの喜劇オペラも人気があった。
後期ロマン主義、あるいはポスト・ロマン主義とも呼ばれる時代には、音楽の伝統的な形式や要素はさらに崩壊していった。オーケストラの音色はますます色彩豊かになり、音楽的手法はますます多様化し、調性は極限まで広がり、感情表現は誇張され、作曲家個々の音の言語はますます個性を増していった。この時代の音楽はモダニズムへと近づいていった。グスタフ・マーラーの交響曲は特に革新的で、しばしば人間の声を用いた。
しばしば見られるのは、世紀末の表現力である。この心理的な表現力は、声楽とピアノのための小品劇であるフーゴー・ヴォルフの歌曲にも見られる。より伝統に忠実で、特にブルックナーの影響を強く受けているのは、フランツ・シュミットとリヒャルト・ヴェッツの交響曲である。マックス・レーガーは、数多くの器楽曲でバッハに触発されたフーガを用いたが、それを極めて大胆に和声的に展開した。
レーガー以降の数多くの作曲家の中で、ユリウス・ヴァイスマンとヨーゼフ・ハースが際立っている。後期ロマン派の重要な作曲家の中には、個性的なハンス・プフィッツナーがいる。伝統主義者であり、近代音楽の潮流に断固反対したにもかかわらず、彼の作品の多くは当時の音楽の進歩に近い。彼の後継者には、主にオペラ作曲家として知られるヴァルター・ブラウンフェルスや、交響曲作曲家のヴィルヘルム・フルトヴェングラーなどがいる。
オペラの舞台は、感情を高めるのに特に適した場所だった。エンゲルベルト・フンパーディンク、ヴィルヘルム・キーンツル、そしてリヒャルト・ワーグナーの息子であるジークフリート・ワーグナーの民話や童話を題材にしたオペラは、深い感動を与えた。オイゲン・ダルベールとマックス・フォン・シリングスは、ヴェリズモのドイツ版とも言える作品を生み出した。
アレクサンダー・フォン・ツェムリンスキーやフランツ・シュレーカーの舞台作品には、エロティックな象徴主義が見られる。リヒャルト・シュトラウスは『サロメ』や『エレクトラ』で調性の限界をさらに押し広げた後、 『ばらの騎士』でより伝統的な路線へと回帰した。シュトラウスの作品と関連のある様式で、エミール・フォン・レズニチェクとパウル・グレーナーの作品を紹介する。
イタリアでは、オペラが依然として主流であった。オペラ舞台では、誇張されたリアリズムが容易に劇的で印象的なものへと変化しうるヴェリズモが発展した。ルッジェーロ・レオンカヴァッロ、ピエトロ・マスカーニ、フランチェスコ・チレア、ウンベルト・ジョルダーノといった作曲家たちの膨大な作品にもかかわらず、現在上演されているのはごく一部に過ぎない。ジャコモ・プッチーニの作品だけがオペラハウスのレパートリーに完全に保存されているが、彼もまた感傷的であると批判されることが多かった。
写実的な作品もいくつかあるものの、エルマンノ・ヴォルフ＝フェラーリは主にオペラ・ブッファの復興者とみなされていた。ドイツに住んでいた近代古典主義の擁護者フェルッチョ・ブゾーニは、かなり型にはまった、あまり演奏されない作品を残した。印象派の影響を受けたオットリーノ・レスピーギによって、器楽曲はイタリア音楽の中で再び地位を確立した。
クロード・ドビュッシーの作品では、音楽構造がリズム、強弱、音色の極めて繊細なニュアンスへと溶け込んでいった。この発展の先駆けは、ヴァンサン・ダンディ、エルネスト・ショーソン、そしてガブリエル・フォーレの歌曲や室内楽曲に見出すことができる。その後、多くのフランス人作曲家が印象派の影響を受けた。中でも最も重要な作曲家の一人が、卓越したオーケストラ奏者であったモーリス・ラヴェルである。
アルベール・ルーセルは、ラヴェルのような新古典主義の傾向を先取りする以前に、異国情緒あふれる題材を最初に扱った。ガブリエル・ピエルネ、ポール・デュカス、シャルル・ケクラン、フロラン・シュミットも、象徴的で異国情緒あふれる、あるいは東洋的な題材を扱った。エリック・サティの音楽は印象主義から離れ、ピアノ曲を作曲し、大きな影響力を持った。とはいえ、印象主義は、それ自体が一つの時代と見なされることはないとしても、現代音楽の一部とみなされることが多い。 ヒューバート・パリーとアイルランド人のチャールズ・ヴィリアーズ・スタンフォードは、イギリスで後期ロマン主義を開始し、その最初の重要な代表者はエドワード・エルガーであった。フレデリック・デリウスはオラトリオを復活させ、交響曲や協奏曲を作曲したが、主に印象主義の独自の変奏曲で小規模なオーケストラ作品に専念した。
エセル・スミスは主にブラームスを彷彿とさせる作風でオペラや室内楽曲を作曲した。イギリス民謡やルネサンス音楽に影響を受けたラルフ・ヴォーン・ウィリアムズは、イギリスで最も重要な交響曲作曲家となった。グスターヴ・ホルストはギリシャ神話やインド哲学を作品に取り入れた。ハーヴァーガル・ブライアンとフランク・ブリッジは、近代への移行期における個性的な作曲家であった。
ロシアでは、アレクサンドル・グラズノフが伝統的な作曲技法に色彩豊かなオーケストラの音色を融合させた。神秘主義者のアレクサンドル・スクリャービンは、色彩、音、香りの融合を夢見た。セルゲイ・ラフマニノフは、憂鬱で哀愁漂うピアノ曲や、陶酔的な技巧に満ちた協奏曲を作曲した一方、ニコライ・メトネルのピアノ作品はより叙情的である。
チェコ共和国では、モラヴィアの故郷の音楽に深く根ざしたレオシュ・ヤナーチェクが、オペラの中で話し言葉の「旋律」を用いることで新たな表現領域を開拓した。ズデニェク・フィビヒ、ヨゼフ・ボフスラフ・フェルスター、ヴィーチェスラフ・ノヴァーク、ヨゼフ・スクの音楽にも、その土地特有の響きがはっきりと表れている。ポーランドのカロル・シマノフスキの作品には、やや病的な異国情緒と、後期の古典主義的なスタイルが見られる。
デンマークで最も重要な作曲家は、交響曲や協奏曲で知られるカール・ニールセンである。デンマーク国内では、フィンランドの作曲家ジャン・シベリウスがさらに大きな影響力を持っている。彼もまた、憂鬱な表現力と明快な旋律構成を持つ交響曲の作曲家である。スウェーデンでは、ヴィルヘルム・ペーターソン＝ベルガー、ヴィルヘルム・ステンハンマル、フーゴ・アルヴェーンの作品に典型的な北欧の保守主義が表れており、ノルウェーのクリスチャン・シンディングもまた伝統的な作曲スタイルを貫いた。
スペイン音楽は、まずイサーク・アルベニスとエンリケ・グラナドスのピアノ作品で、そして印象派の影響を受けたマヌエル・デ・ファリャのオペラ、バレエ、管弦楽曲で、より人気を博した。
アメリカ合衆国を代表する重要な画家としては、エドワード・マクダウェルとエイミー・ビーチも登場した。チャールズ・アイヴスの作品は、後期ロマン主義に部分的に属するにとどまり、その多くは既に根本的に近代的で、20世紀を遥かに先取りしていた。
新ドイツ楽派は、フランツ・リストとリヒャルト・ワーグナーが非公式に率いた作曲家と批評家の緩やかな集まりで、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの下で限界に達したと彼らが考えていた絶対音楽とは対照的に、半音階的ハーモニーと標題音楽の限界を押し広げようと努めた。[ 28 ]
このグループはまた、交響詩の発展と革新、音楽形式における主題の変容、調性と和声の根本的な変化を推進した。[ 29 ]
この運動のその他の重要なメンバーには、評論家のリチャード・ポール、作曲家のフェリックス・ドラエゼケ、ユリウス・ロイプケ、カール・クリントワース、ウィリアム・メイソン、ピーター・コーネリアスなどがいる。
保守派は、絶対音楽の作曲と普及に固執したロベルト・シューマンの芸術的遺産を維持した幅広い音楽家と批評家のグループであった。[ 30 ]
彼らは、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの足跡をたどり、古典的な様式で交響曲を作曲し続けることを信じていたが、独自の音楽言語を導入しようとしていた。[ 31 ]
このサークルで最も著名なメンバーは、ヨハネス・ブラームス、ヨーゼフ・ヨアヒム、クララ・シューマン、そしてフェリックス・メンデルスゾーンによって創設されたライプツィヒ音楽院であった。
「五大巨匠」とは、サンクトペテルブルクを中心とするロシアの作曲家グループで、1856年から1870年にかけて共同で、独特のロシア国民的なクラシック音楽様式を創造した。彼らは、より西洋的な作曲手法を好んだピョートル・イリイチ・チャイコフスキーとはしばしば対立した。
ミリイ・バラキレフが率いるこのグループの主要メンバーには、セザール・キュイ、モデスト・ムソルグスキー、ニコライ・リムスキー＝コルサコフ、アレクサンドル・ボロディンも含まれていた。
ベリャーエフ・サークルは、1885年から1908年にかけてサンクトペテルブルクで会合を開いたロシアの音楽家たちの集まりで、五大巨匠の足跡をたどりながら、ロシアの国民的なクラシック音楽様式の発展を継続しようと努めたが、チャイコフスキーの西洋的な作曲様式に対してははるかに寛容であった。
このグループは、ロシアの音楽出版社経営者で慈善家のミトロファン・ベリャーエフによって設立されました。このグループで最も重要な作曲家は、ニコライ・リムスキー＝コルサコフとアレクサンドル・グラズノフでした。メンバーには、ウラジーミル・スタソフ、アナトリー・リャードフ、アレクサンドル・オソフスキー、ヴィトルト・マリシェフスキ、ニコライ・チェレプニン、ニコライ・ソコロフ、アレクサンドル・ウィンクラーも含まれていました。
19世紀後半、著名な作曲家たちが伝統的な調性システムの限界を探求し始めた。重要な例としては、リヒャルト・ワーグナーの『トリスタンとイゾルデ』[ 32 ]やフランツ・リストの『無調のバガテル』[ 33 ]などが挙げられる。この限界は、グスタフ・マーラー[ 34]やアルノルト・シェーンベルク[35 ] 、アントン・ウェーベルン[ 36 ]などの作曲家の作品で漸進的な調性が示された後期ロマン派の時代に最終的に到達した。これらの発展に伴い、ロマン主義はついにいくつかの新しい並行運動に分裂し始め、モダニズムへの道を開いた。
ロマン主義の崩壊に対応して形成された注目すべき運動としては、アルノルト・シェーンベルクと第二ウィーン楽派を主な推進者とする表現主義、そしてイゴール・ストラヴィンスキーを最も影響力のある作曲家とする原始主義などが挙げられる。
ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンによって最高峰にまで高められた交響曲は、多くの作曲家が身を捧げる最も権威ある形式となった。ベートーヴェンの様式を最も忠実に守った作曲家には、フランツ・シューベルト、フェリックス・メンデルスゾーン、ロベルト・シューマン、カミーユ・サン＝サーンス、ヨハネス・ブラームスなどが挙げられる。一方、形式や精神においてこの枠組みを超越する想像力を示した作曲家もおり、その中でも最も大胆だったのがエクトル・ベルリオーズである。
最後に、交響曲全体を通して物語を語る作曲家もいます。フランツ・リストのように、彼らは交響詩という新しい音楽ジャンルを生み出しました。これは通常、単一の楽章で構成され、主題、登場人物、または文学作品から着想を得ています。交響詩はライトモチーフ（例えば主人公など、登場人物を識別するための音楽的モチーフ）を中心に構成されているため、交響曲のプログラムを持つ音楽と比較することができます。
この音楽ジャンルは、ロマン派時代にピアノフォルテからピアノへと発展する過程で登場しました。リートは声楽曲であり、多くの場合ピアノ伴奏で歌われます。歌はロマン派の詩から採られ、このスタイルによって声を感情に限りなく近づけることが可能になります。最初期で最も有名なリート作曲家の一人はフランツ・シューベルトで、代表作は「魔王」です。しかし、サン＝サーンス、デュパルク、ロベルト・シューマン、ヨハネス・ブラームス、フーゴー・ヴォルフ、グスタフ・マーラー、リヒャルト・シュトラウスなど、他にも多くのロマン派作曲家がリートというジャンルに力を注ぎました。
ロマン派協奏曲の先駆けとなったのはベートーヴェンであり、彼の5つのピアノ協奏曲（特に第5番）とヴァイオリン協奏曲には、古典派の特徴が色濃く残っている。彼の作風は多くの作曲家に受け継がれ、協奏曲は主要なオーケストラ編成のレパートリーにおいて交響曲に匹敵する地位を占めるようになった。
最後に、協奏曲は、ニコロ・パガニーニ（ヴァイオリン）、フレデリック・ショパン、ロベルト・シューマン、フランツ・リスト（ピアノ）といった器楽作曲家たちが、その卓越した技巧を披露する機会となるだろう。
音楽におけるラプソディは、エピソード的でありながらも統合された、自由奔放な構造を持ち、対照的なムード、色彩、調性を幅広く特徴とする単一楽章の作品です。自発的なインスピレーションと即興的な感覚が、変奏曲よりも形式的に自由度を高めています。最も有名なのはフランツ・リストの「ハンガリー狂詩曲」、特に「第2番」です。
ノクターンは、アイルランドの作曲家ジョン・フィールドが先駆者の一人として取り上げた、短命で内省的な楽曲です。ロマン派が好んだ夜の雰囲気に浸り、多くの場合ABA形式で構成され、非常に柔軟で装飾的な旋律が特徴で、左手は波打つようなアルペジオを奏でます。テンポは通常ゆっくりで、中間部はより激しい展開を見せることが多いです。
フレデリック・ショパンは、最も有名なノクターン形式を確立しました。彼は1827年から1846年にかけて21曲を作曲しました。当初は3曲ずつ（作品9と15）出版されましたが、その後2曲ずつ（作品27、32、37、48、55、62）にまとめられました。
ロマンティック・バレエは19世紀を通じて発展し、特にロシアのピョートル・イリイチ・チャイコフスキーやフランスのレオ・ドリーブといった作曲家によって発展しました。例としては、チャイコフスキーの『くるみ割り人形』や『白鳥の湖』 、ドリーブの『コッペリア』などが挙げられます。
19世紀、オペラはロマン主義に傾倒し、パリはその主要な中心地のひとつとなった。ロマン派オペラの多くは、ルイージ・ケルビーニ、ガスパーレ・スポンティーニ、フランソワ＝アドリアン・ボワエルデュー、ダニエル＝フランソワ＝エスプリ・オーベールといったフランス在住の作曲家によって作曲された。偉大なオペラ様式の頂点は、ジャコモ・マイアベーアの作品によって特徴づけられる。エクトル・ベルリオーズの『トロイア人』は当初無視され、ベンヴェヌート・チェッリーニは初演時に批判を浴びたが、シャルル・グノーの『ファウスト』は19世紀半ばのフランスオペラの中で最も人気のある作品のひとつとなった。
19世紀後半、ジョルジュ・ビゼーは『カルメン』でオペラに革命を起こした。ニーチェによれば、それは「スペインの歌と踊りを用いた地方色」であり、「ワーグナー的理想の霧を晴らす地中海の光」であった。レオ・ドリーブの『ラクメ』、カミーユ・サン＝サーンスの『サムソンとデリラ』によって、「地方色」作品への関心が確固たるものとなった。世紀末に最も多作なフランスのオペラ作曲家はジュール・マスネで、『マノン』、『ウェルテル』、『タイス』などの作品を作曲した。
『ホフマン物語』を作曲したジャック・オッフェンバックは、19世紀フランスのオペラ・コミックの巨匠としての地位を確立し、後にオペレッタと混同されることになるフランスのオペラ・ブッファという新しいジャンルを創り出した。
20世紀初頭、フランスではロマン主義は徐々に放棄され、印象主義や象徴主義といった他の潮流が台頭した。特にクロード・ドビュッシーの『ペレアスとメリザンド』（1902年）がその代表例である。
カール・マリア・フォン・ウェーバーは『魔弾の射手』 （1821年）で最初のドイツ・ロマン派オペラを創り上げた。最初の重要なオペラはベートーヴェンの『フィデリオ』（1805年）であり、これはこの作曲家にとって唯一のオペラ作品である。
リヒャルト・ワーグナーは、『さまよえるオランダ人』において、ライトモチーフと「循環旋律」の手法を導入しました。彼は、オペラの演奏時間と楽器の力強さにおいて革命を起こしました。彼の代表作である四部作は、ドイツ・オペラの最高傑作の一つです。彼は、オーケストラが登場人物と同様に主役となる「音楽劇」を創造しました。1876年には、ワーグナー作品のみを上演するバイロイト音楽祭が創設されました。
ワーグナーの影響は、エンゲルベルト・フンパーディンクの『ヘンゼルとグレーテル』を含め、ほぼすべてのオペラに及んでいる。その中でも特に影響力を持つのはリヒャルト・シュトラウスであり、彼は『サロメ』や『エレクトラ』でワーグナーと同様のオーケストレーションや声楽技法を用いながらも、独自の道を切り開いていった。『ばらの騎士』は、当時シュトラウスの作品の中で最も華々しい成功を収めた作品である。
イタリア・ロマン主義は、オペラ『セビリアの理髪師』や『ラ・チェネレントラ』などの作品を作曲したジョアキーノ・ロッシーニから始まった。彼は「ベルカント」様式を確立し、同時代のヴィンチェンツォ・ベッリーニ やガエターノ・ドニゼッティもこの様式を受け継いだ。
しかし、イタリア・オペラの顔といえばジュゼッペ・ヴェルディであり、彼の『ナブッコ』の奴隷合唱はイタリア全土にとって非常に重要な賛歌となっている。『リゴレット』、『イル・トロヴァトーレ』、 『椿姫』からなる三部作は彼の代表作だが、晩年の『オテロ』と『ファルスタッフ』で芸術の頂点に達した。彼は作品に比類なき劇的な力強さとリズミカルな躍動感を吹き込んだ。
19世紀後半、ヴェルディの紛れもない後継者であるジャコモ・プッチーニは、リアリズムを超越し、ヴェリスムへと昇華させた。『ラ・ボエーム』、 『トスカ』、『蝶々夫人』、『トゥーランドット』は、感情に満ちた旋律的なオペラである。
その他の国民的インスピレーションを受けた作品：