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ロマンティック・バレエは、主に芸術や文学におけるロマン主義の思想がバレエの創作に影響を与えたバレエの時代によって定義されます。この時代は、19世紀初頭から中頃にかけて、主にパリ・オペラ座バレエ団の王立音楽アカデミー劇場とロンドンのハー・マジェスティーズ・シアターで起こりました。一般的には、1832年にバレリーナのマリー・タリオーニがバレエ『ラ・シルフィード』でパリデビューしたことから始まり、1845年にバレエマスターのジュール・ペローがロンドンで上演したディヴェルティスマン『パ・ド・カトル』の初演で頂点に達したと考えられています。ロマンティック・バレエはすぐに終焉を迎えたのではなく、むしろ緩やかな衰退をたどりました。アルチュール・サン＝レオンの1870年のバレエ『コッペリア』は、ロマンティック・バレエの最後の作品と考えられています。ロマンティック・バレエは、1830年から1840年までの絶頂期、1850年から1880年までの衰退期、そしてディアギレフ以前の1890年代の復興期という3つの主要な段階を経て発展したと考えられています。それぞれの段階は、特定の様式化されたバレエ作品の制作と同義です。[ 1 ]
この時代、ポワントワークの発展は、まだかなり基本的な段階ではあったものの、バレリーナに対する人々の認識に大きな影響を与えた。当時の多くの石版画には、つま先だけでバランスを取り、まるで宙に浮いているかのようなバレリーナの姿が描かれている。この無重力感は、『ラ・シルフィード』や『ジゼル』といったバレエ作品で最大限に活かされ、カルロッタ・グリジが『ラ・ペリ』で試みたとされる有名な跳躍にも反映されている。
ロマンティック・バレエの特徴として、脚本家または作者と振付家が明確に区別されていたこと、そして18世紀後半から19世紀初頭のバレエによく見られた寄せ集めの音楽ではなく、特別に作曲された音楽が用いられたことが挙げられる。ガス灯の発明により、緩やかな変化が可能になり、その柔らかな光によって多くのバレエ作品の神秘性が高まった。ワイヤーや落とし戸が広く用いられるようになり、イリュージョンの手法も多様化した。さらに、チュールの製造技術の進歩により、ロマンティック・チュチュが普及し、この時代を象徴する衣装となった。
ロマン主義時代は、それまで男性が支配していたバレエにおいて、バレリーナが中心的な役割を担うようになった時代でした。優れたダンサーへの賞賛は常にありましたが、バレリーナを有名人のレベルにまで高めることは、特に女性パフォーマーが理想化され、客体化されるようになった19世紀に本格的に始まりました。 [ 2 ]マリー・タリオーニは、叙情性が高く評価されたロマン主義バレリーナの典型となりました。ロマン主義バレリーナの動きのスタイルは、柔らかく丸みを帯びた腕と上半身の前傾が特徴でした。これにより、女性は花のようにしなやかで柳のような外観になりました。新しいチュチュの長さと技術水準の向上により、脚の動きはより複雑になりました。重要なロマン主義バレリーナには、マリー・タリオーニ、カルロッタ・グリジ、ルシール・グラン、ファニー・チェリート、ポーリーヌ・ルルー、ファニー・エルスラーなどがいます。多くのバレエ作品の筋書きは、精霊の女性たち――シルフ、ウィリ、幽霊――によって支配されており、彼女たちは人間の心と感覚を奴隷にし、彼らが現実世界で幸せに生きることを不可能にしていた。
バレリーナの技巧がますます高度化する一方で、男性ダンサーは特にパリでは希少になった（ただし、デンマークなど他のヨーロッパの地域では依然として一般的だった）。[ 3 ]これにより、男性役を演じる女性ダンサーである女装ダンサーの台頭につながった。女装ダンスはロマン主義時代以前にも存在していたが、一般的にはタブローやウォークオン（行進曲）の役で用いられていた。今ではそれは高い地位の職業となり、多くのプリマバレリーナが女装ダンスで名を馳せた。ファニー・エルスラーとその妹はどちらも女装役を演じた。[ 4 ]最も有名な女装ダンサーはウジェニー・フィオクレで、彼女は『コッペリア』のフランツ役を初めて演じたダンサーであり、多くのバレリーナ役も演じた。[ 5 ]
ロマン主義時代のバレエは主に男性によって脚本・振付されたため、これらのバレエにおける女性の役割は、ロマン主義における女性観や地位を概ね反映している。超自然的で無重力的なキャラクターを通して女性の官能性と純真さを強調することは、男性が異性を守り、同時に搾取したいという願望を露わにした。女性の魔法使いの役割はロマン主義時代の定番であり、バレエにおける男性の魔法使いの役割をはるかに上回っていた。ロマン主義時代は美と、女性性の性的側面と精神的側面という神秘的な二分法に魅了されていた。バレエにおける女性の重要性が高まったにもかかわらず、この時代は依然として広く受け入れられていた家父長制の概念によって特徴づけられていたため、女性は社会的にほとんど恩恵を受けなかった。舞台上で理想化された女性像と、彼女たちのために命を捧げる男性像の結果として、若いダンサーたちは、ロマン主義的な物語を通して提示された女性像を維持しようとする社会の男性によって搾取されることが多かった。[ 1 ]
ロマンティック・バレエのバレリーナの衣装はロマンティック・チュチュでした。これはチュールで作られた、ふっくらとした白い多層スカートです。バレリーナはチュチュの上に白いボディスを着用しました。ロマンティック・バレエの第2幕では、精神世界を表す場面で、コール・ド・バレエがロマンティック・チュチュを着て舞台に登場し、「白い幕」またはバレエ・ブランという言葉が生まれました。ガス灯とロマンティック・チュチュがロマンティック・バレエに取り入れられたことで、薄い生地を通してダンサーの脚のシルエットが露わになり、当時の観客は不気味な感覚を覚えました。19世紀以前はチュールは手織りだったため、衣装1着の製作には時間と費用がかかりました。1808年にボビネット機が発明されたことでチュールの生産が効率化され、ロマンティック・バレエの特徴的なスタイルを構成する衣装の大量生産が可能になりました。
ロマン主義時代の終わりには、チュチュの形がロマンティック・チュチュのベル型のふっくらとしたスカートから、クラシック・チュチュの特徴である短く硬いスカートへと変化しました。チュチュが短くなったのは、バレエのステップがますます複雑で難しくなったことが直接の原因です。1870年代までには、チュチュの長さはふくらはぎの真ん中からダンサーの膝上まで変化しました。1870年代後半のチャイコフスキーの「白鳥の湖」では、さらに短いチュチュが登場し、平らで幅広の形を保つためにフープと10層のネットで作られていました。クラシック・チュチュはすぐに最もよく知られたスカートの形となり、プリマ・バレリーナが技術と強さを披露するために使用されました。[ 6 ]
ロマン主義時代は、ダンサーが観客の目を奪うための基本的なポーズやトリックを超えて、レッスンやパフォーマンスにポワントワークを取り入れ始めた最初の時代です。ポワントシューズは当初、ダンサーが浮いているような効果を出すために導入されました。パフォーマンスでポワントシューズが初めて使用されたのは、マリー・タリオーニの『ラ・シルフィード』です。現代のポワントシューズの硬いシャンクとボックスとは異なり、タリオーニのポワントシューズは、つま先を保護するために靴の側面と先端に余分な縫い目を施した、当時の典型的なバレエシューズでした。靴のサポートが不足していたため、バレリーナは長時間ポワントで立つことができませんでした。[ 7 ]
バロック時代からロマンティック時代にかけてのバレエのテクニックは、動きの流動的な変化によって特徴づけられ、バロック時代のステップは失われ、また再解釈されました。[ 8 ]この時代には、ポワントワークがレッスンでますます普及しましたが、そのテクニックは特に革新的とは見なされませんでした。この時代のレッスンの記録では、ポワントワークはくだけた形で言及されており、ポワントワークは新しい現象ではなく、過去のバレエテクニックの自然な延長であると考えられていたことを示しています。レッスンにポワントワークが導入されたことで、男性ダンサーと女性ダンサーの両方の足の強化がより重視されるようになりました。[ 8 ]クーペなどのエクササイズは、ダンサーがブロックされていないポワントシューズで踊るために必要な筋力を養うために、この時代に初めて教えられました。これらのエクササイズはその後、現代のテクニックとともに進化し、新しい意味を持つようになりました。[ 9 ]
ロマンティック・バレエは、劇場における新たな演出効果、特にガス照明の発展に大きく影響を受けた。それまで劇場照明にはろうそくが使われていたが、ガス照明によって調光効果やその他の繊細な演出が可能になった。ロマンティック・チュチュの効果、つま先立ちでポーズをとるバレリーナ、そしてワイヤーを使ってダンサーを「空中に浮かせる」演出と組み合わせることで、演出家たちはガス照明を用いて舞台上に超自然的なスペクタクルを作り出したのである。