中国美術

中国美術は、中国、中華圏、または中国の芸術家によって生まれた、または実践されている視覚芸術である。中国国外在住の中国人によって創作された芸術も、中国の文化、遺産、歴史に基づいている、またはそれらに依拠している場合は、中国美術の一部とみなされる。初期の「石器時代の芸術」は紀元前1万年に遡り、ほとんどが単純な陶器と彫刻で構成されていた。その時代以降、中国美術は中国の歴史と同様に、通常、数百年続いた中国皇帝の統治王朝の継承によって分類されるようになった。北京の故宮博物院と台北の国立故宮博物院には、中国美術の膨大なコレクションが収蔵されている。^{[1] [2]}

中国美術は、西洋における古典芸術の崩壊と徐々に回復に匹敵するものがなく、伝統の継続性と意識が異常なまでに高いのが特徴である。中国美術では装飾芸術が極めて重要であり、特に中国の陶磁器では、最も優れた作品の多くが大規模な工房や工場で、ほとんど無名の芸術家によって制作された。

陶磁器、織物、漆彫りの最高傑作の多くは、長い年月をかけて様々な皇室の工場や工房で生産され、宮廷で使用されただけでなく、皇帝の富と権力を示すために国内外に大規模に配布されました。対照的に、水墨画の伝統は、主に学者や宮廷画家によって実践され、風景、花、鳥を描き、西洋のものと似ているが、西洋で発展するずっと前からあった、芸術家の個人的な想像力と客観的な観察に依存する美的価値を発展させました。19世紀以降、西洋美術との接触がますます重要になって以来、ここ数十年、中国は世界的な現代美術に参加し、ますます成功を収めています。^[要出典]

中国における初期の芸術形態は、紀元前 6 千年紀に遡る新石器時代の仰韶文化に見られる。半坡遺跡などの考古学的発見により、仰韶人が陶器を作っていたことが明らかになった。初期の陶器は無彩色で、ほとんどの場合、紐模様が描かれていた。最初の装飾は魚や人の顔であったが、やがて対称幾何学的抽象デザインへと進化し、一部は彩色された。^[要出典]

仰韶文化の最も特徴的な点は、特に人物の顔、動物、幾何学模様などの彩色陶器を多用した点である。後の龍山文化とは異なり、仰韶文化では陶器作りにろくろを使用しなかった。発掘調査により、彩色陶器の壺に子供が埋葬されていたことがわかった。^[要出典]

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  2 つの「耳」がある赤い壺。沐里崗文化の作品。紀元前 6000 ～ 5200 年。陶器。上海博物館
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  半山型点文陶器壺。中国仰韶文化の作品。紀元前 2700～2300 年。甘粛省博物館（蘭州）
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  壺; 紀元前2650～2350年; 彩色装飾のある陶器; 高さ: 34 cm;メトロポリタン美術館(ニューヨーク市)
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  幾何学格子模様の壺。馬家窯文化の作品。紀元前2600～2300年。彩色陶工。上海博物館

良渚文化は、揚子江デルタにおける最後の新石器時代の玉器文化であり、約 1,300 年にわたって続きました。この文化の玉器は、コング円筒、ビ円盤、越斧などの精巧に作られた大型の儀式用玉器、また、透かし彫りの板、皿、小鳥、亀、魚の形のペンダントや装飾品が特徴です。良渚玉器はトレモライト岩石由来であり、埋葬地の水ベースの液体の影響により、白く乳白色の骨のような外観をしています。^{[引用が必要]}

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  コング、紀元前3千年紀
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  二匹の龍の指輪、商王朝初期（紀元前 2 千年紀）
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  西周の玉龍
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  翡翠の柄を持つ、周時代の錆びた剣、紀元前9世紀頃
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  16 個の彫刻された翡翠片が互いに固定された鎖。紀元前 8 世紀、楚の国。

中国の青銅器時代は夏王朝から始まった。この時代の例は山西省の二里頭文化の遺跡から発見されており、複雑だが飾り気のない実用的な品々が含まれている。次の商王朝では、多くの儀式用の器物を含む、より精巧な品々が作られた。商王朝は、その細部の鮮明さで知られる青銅の鋳造で知られている。商王朝の青銅器職人は、通常、都市の外の鋳造所で儀式用の器物、時には武器や戦車の装備品も作るために働いていた。青銅器は、神聖な儀式を行う際に使用されるさまざまな固体や液体を保管または提供する容器であった。坎や坎などの一部の形状は非常に優美であるが、最も力強いのは鼎であり、「猛烈な威厳の雰囲気」を持つと表現されることもある。^{[引用が必要]}

利用可能なすべての空間が装飾され、最も頻繁に使用されるのは実在の動物や想像上の動物の様式化された形で、これは発達した商様式の特徴である。最も一般的なモチーフは饕餮で、これは、水平面に押しつぶされたかのように正面から表現された神話上の生き物を左右対称のデザインにしたものである。饕餮の初期の意義は明らかではないが、周王朝後期にはそれに関する神話が存在していた。それは、邪悪な怪物から天国の一角を守るために追放された強欲な男、または頭だけを備え人間を食い尽くそうとするが自分だけを傷つける怪物であるなど、さまざまな意味を持つと考えられていた。

青銅器の機能と外観は、商代から周代にかけて徐々に変化しました。青銅器は宗教儀式での使用から、より実用的な目的へと移行しました。戦国時代までに、青銅器は美的楽しみの対象となりました。宴会や狩猟などの社交場面が描かれたものもあれば、金、銀、貴石、半貴石を象嵌した抽象的な模様が描かれたものもありました。

青銅器は漢代においても重要な意味と役割を持っていた。人々はそれを葬儀の目的で使用しており、漢代の美的、芸術的特質を反映している。^[5]中国江蘇省の墓から出土した青銅器の多くは、伝統的な中国の美意識を表す鼎、胡、荀などの様々な形をしている。^[5]これらの器は中国の天体芸術の古典的な表現であり、古代中国人が祖先の霊と交信する際に大きな役割を果たした。^[5]器以外にも、青銅製の武器、日用品、楽器も江蘇省の漢王族の墓から見つかっている。墓に汾鉋一式を納めることができるということは、漢代におけるその人の地位と階級を意味していた。なぜなら、この特定の種類の楽器は王族と富裕層のみが入手し所有していたからである。^[5]どうやら、汾鉋と音楽は漢の支配者が神と交信するための手段としても使われていたようだ。^[5]古代中国で発見された典型的で王室の楽器である枇杷の発掘は、漢王朝における複雑な音楽システムの発展を強調しています。^[5]枇杷のセットは多くの場合異なります。たとえば、江蘇省の枇杷の特定の発掘には、牛鐘や雍鐘などの異なる鐘のセットが含まれており、それらの多くは中国の伝統的な霊的動物である龍などの動物の形で現れます。^[5]

商の青銅器は、形やデザインだけでなく、地中に埋もれた際に化学反応で生じたさまざまな緑、青緑、さらには赤みがかった緑青が特徴で、宋代から収集され、珍重されるようになり、芸術作品として評価されるようになりました。初期の中国における青銅鋳造の研究は、美術史の専門分野です。

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  龍山杯、紀元前2500～2000年頃、1975年に山東省膠県で発掘
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  三星堆の青銅製の頭部、紀元前 2 千年紀
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  神聖な青銅の木、三星堆
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  祭壇セット、紀元前 11 世紀後半、青銅製、全体 (テーブル) の高さ: 18.1 cm (7 1 ⁄ 8インチ)、幅: 46.4 cm (18 1 ⁄ 4インチ)、奥行き: 89.9 cm (35 3 ⁄ 8インチ)、メトロポリタン美術館(ニューヨーク市、米国)
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  四角いレイ、商王朝、紀元前2千年紀
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  四つの羊頭飾りが付いた四角い尊、商王朝
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  後木偶丁、これまでに発見された最大の古代青銅器。紀元前1300年～1046年。中国国立博物館。
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  饕餮の彫刻が施された鼎（商後期、紀元前2千年紀）
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  大和鼎（大和方鼎; Dà Hé fāngdǐng）；商代；湖南省博物館。この儀式用の青銅器は、人の顔が描かれた非常に珍しい容器の 1 つです。
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  儀式用のワインサーバー（guang）；紀元前1100年；インディアナポリス美術館。^{[6] [7]}
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  西周の太宝丁、山東省で出土、紀元前10世紀頃
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  大玉鼎；紀元前1054年（西周）；高さ：101.9cm（40.1インチ）、幅：77.8cm（30.6インチ）；1849年、陝西省梅県で発見。
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  大科鼎、西周時代、高さ：93.1 cm（36.7インチ）、幅：75.6 cm（29.8インチ）（口径）、74.9 cm（29.5インチ）（内径）。1890年に陝西省扶豊県法門鎮で発見。上海博物館
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  鐘（莱鐘）；紀元前800～700年（西周時代）；70.3 × 37 × 26.6 cm（27 5 ⁄ 8 × 14 9 ⁄ 16 × 10 7 ⁄ 16インチ）；陝西省梅県出土；クリーブランド美術館。古代中国では音楽と儀式は政治的な意味を持ち、国家の権力と切り離せない関係にあった。
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  儀式用の容器を置くための青銅製の台。楚の荘王（在位紀元前613～591年）の息子の墓から出土。
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  シズン;​紀元前 1600 ～ 1046 年。高さ: 40 cm (16 インチ)。川興山（湖南省翔潭県）で発見。湖南省博物館

周の時代には、現存する考古学に記録されている彫刻、特に人間や動物の形の彫刻はほとんどなく、彫刻の伝統もあまりなかったようです。^{[8] [9]}その時期以前に中国で知られているごくわずかな彫刻の中には、陝西省韓城の梁帶村で発見された紀元前9世紀のものと思われる木製の人形4体^{[10] 、陝西省隴縣の}秦の王家の墓で発見された、おそらく輿を担ぐ外国人の木製の人形2体（紀元前700年頃）、浙江省紹興のミニチュアハウスにいた5世紀頃の青銅製の音楽家の小像がさらに多数、河北省平山県王墓で発見された4世紀の人型ランプスタンドなどがあります。塔兒騎馬像は、陝西省咸陽近郊の塔兒墓（塔兒墓）の墓から出土した周時代の戦士国家秦の兵馬俑で、紀元前4世紀から3世紀に遡る。ほぼ同じ形の小像がもう1体、同じ墓から出土していることが知られている。手には小さな穴があり、もともと片手に手綱を持ち、もう片手に武器を持っていたことを示唆している。^[11]これは中国で知られている最古の騎兵の表現である。^[11]

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  春秋時代の牛形容器、紀元前6世紀
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  龍に乗る男を描いた絹絵、紀元前4世紀
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  西周、紀元前11～9世紀
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  金の剣柄、東周
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  金と翡翠を象嵌した銀のベルト バックル、戦国時代、紀元前 4 世紀頃
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  東周の幾何学的な雲模様を象嵌した青銅製の匣鉢

古代中国における芸術の豊かな源泉は、揚子江流域で発展した楚国であった。楚の墓の発掘調査では、彩色された木彫、玉盤、ガラス玉、楽器、そして様々な漆器が発見されている。漆器の多くは、黒地に赤、または赤地に黒で細かく彩色されている。湖南省長沙の遺跡からは、これまでに発見された絹に描かれた最古の絵画がいくつか発見された。

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  楚の陶磁器は優雅で洗練されており、後漢の陶磁器に直接影響を与えました。
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  鳳凰の模様が描かれたハート型の漆器。
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  後ろ向きに並ぶ2頭の豚の形をした漆塗りの箱。
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  鳳凰は楚の芸術では人気のモチーフでしたが、その北方の他の国々では龍の方が人気がありました。
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  鳳凰を基調とした漆塗りの銅器。
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  ヒキガエル台に載った漆塗の羽人像
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  小さな漆塗りの衝立、楚の国、紀元前 5 世紀
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  荊門墓出土の漆器化粧箱
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  帝国以前の漢服の精巧なディテールが描かれた以前の陶器のクローズアップ

秦の始皇帝陵内にある兵馬俑は、紀元前210年から209年に中国最初の皇帝を自称した秦の始皇帝とともに埋葬された、実物大の兵馬俑7,000体以上からなる。兵馬俑は納骨堂に納められる前に塗装された。出土当初は元の色が見えていたが、空気にさらされて顔料が褪色したため、現在では出土した兵馬俑はテラコッタ色に見える。兵馬俑は、立っている歩兵、ひざまずく弓兵、馬を連れた戦車兵など、さまざまなポーズをとっている。それぞれの頭はそれぞれ異なっており、顔の特徴や表情、髪型も様々である。彫刻が示す見事なリアリズムは、秦王朝の芸術の進歩の証拠である。^[12]これは東アジアの芸術の歴史において前例のないことである。^{[13] [9]}

秦の時代には、秦琴と呼ばれる楽器が開発されました。中国の歴史において、楽器の美的要素は常に機能的な部分と同じくらい重要でした。秦琴には7本の弦があります。秦琴は、人々に腐敗した歴史の時代を思い出させることもありますが、平和と調和をもたらすものとみなされることもよくあります。^[14]

秦の時代には、統一をさらに進めるために、中国のフォント、計測システム、通貨がすべて標準化されました。^[16] 万里の長城は北からの侵入者に対する防御構造として拡張されました。^[16]

漢王朝は玉製の埋葬服で知られていた。中国美術における最古の風景画の一つは、鄭州近郊の前漢時代の墓から発見された一対の空洞の瓦扉板で、紀元前60年のものである。^[17]連続した奥行きのある後退した風景は、道路や庭の壁を表すジグザグの線によって伝えられ、丘の頂上から見下ろしているような印象を与える。^[17]この芸術的な風景画は、粘土がまだ柔らかくて焼く前に、標準的なスタンプを繰り返し押して作られた。^{[17]しかし、古典的な意味での風景画の伝統として知られている最古のものは、}隋代（581-618） の詹子謙の作品である。

翡翠の工芸品のほかに、青銅は硬くて耐久性があるため、芸術家が好んで使う素材である。青銅鏡は漢代（紀元前206年～紀元220年）に大量生産され、漢代の墓のほとんどに鏡が埋葬されている。^[18]反射面は通常、青銅、銅、錫、鉛で作られる。^[18]「鏡」という言葉は中国語で「映す」または「覗き込む」という意味で、青銅鏡は現実を映し出す比喩として使われてきた。^[18]古代中国人は、鏡が現実を映し出すものであり、現在の状況をより意識させてくれると信じていた。また、鏡は過去の出来事の反映を伝えたり提示したりする媒体としても使われていた。^[18]漢代に作られた青銅鏡は、反射しない側に常に複雑な装飾が施されており、その中には物語を語る物語が含まれているものもある。^[18]物語自体は常に漢民族の生活に共通するが本質的な理論を反映している。^[19]

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  表面に首輪の模様が描かれた釉薬をかけた陶器の犬。東漢、紀元 1 世紀。
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  漢代の漆器は、その複雑で優雅なデザインで有名でした。
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  典型的なプレ帝政時代のデザインの漆塗りのワインカップのセット。
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  クーラーとひしゃく、馬王堆
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  養蚕と絹の刺繍は漢の繁栄期に新たな高みに達した。
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  辛徽夫人（紀元前217年～紀元前168年）の棺には抽象的でありながら複雑な模様が見られた。
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  この内棺の曲がりくねった雲の周りには、来世に関する繊細なモチーフが描かれています。
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  馬王堆の宴会の人形、紀元前 2 世紀
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  古筝と笙を演奏する音楽家たち、紀元前 2 世紀
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  絹の葬祭旗、紀元前 2 世紀
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  半透明のシルクは生産が非常に困難であったため、最上級の貴族のみが使用できました。
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  龍と鳳凰の浮き彫りと、取っ手の饕餮文様が施された彩色陶器の壺。
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  劉法墓の飛龍、西漢
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  これらの図は、一日の特定の時間の守護霊を表しています。左の図は最初の時間（真夜中）を表しています。
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  漢族の夫婦が宴会をしている様子。洛陽、紀元220年頃
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  西漢の兵馬俑「漢神儀」に描かれた女性の使用人と男性顧問。
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  麒麟の青銅像、紀元1世紀
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  ナンニエ出土の翡翠の酒器、紀元前1世紀
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  哲学者孔子を描いた西漢の墓の壁画。紀元前202年～紀元後9年。山東省東平県出土。
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  会話に夢中になっている 2 人の紳士と、それを見守る 2 人の紳士。河南省洛陽近郊の墓から出土した陶器のタイルに描かれた絵。東漢時代(25～220 年)のものとされる。
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  中庭を描いた絵画レンガ、紀元前2世紀
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  このような印章は漢の王や皇帝の権威を象徴していました。
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  中国洛陽の墓から出土した、東漢（25～220年）のフレスコ画の一部。戦車9台、馬50頭、兵士70人以上が描かれている。
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  甘粛の飛馬。
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  鄭州にある後漢後期の大虎亭漢墓の壁画
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  住宅街のミニチュア模型。埋葬地から発見されました。
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  膨大な数のミニチュア模型により、当時の建築様式を知ることができます。
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  龍をモチーフにした金色のベルトバックル、西漢
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  河南省鄭州にある後漢後期の大虎亭漢墓の壁画
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  四川省ピ県宋家林の墓から出土した、青銅鏡を持つ東漢の陶器の女性座像
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  馬王堆では、あらゆる種類の複雑な模様が施された絹の束が発見されました。

中国では古くから兵馬俑が知られていたが、西域に赴いて匈奴と戦った漢の武帝の将軍、霍去兵（紀元前140年 - 紀元前117年）の陵墓の石像以前には、記念碑的な石像の例は知られていない。^[20]文献には、それより古い例と思われる紀元3世紀 - 4世紀の記録が1つだけある。秦の始皇帝の墓の上に、麒麟（中国のユニコーン）の記念碑的な石像が2体設置されたとされている。^{[21]霍去兵の彫像で最も有名なのは}、匈奴の戦士を踏みつける馬の像である。^[20]

霍去兵陵（茂陵、漢武帝陵）にはさらに15体の石像がある。これらは「匈奴を踏みつける馬」ほど自然主義的ではなく、石の自然な形を踏襲する傾向があり、人物の詳細は高浮き彫りでのみ浮かび上がっている。^[22]これらの初期の試みに続いて、記念碑的な石像の使用は西漢末期から東漢にかけて発展した。^[23]

記念碑的な石彫は、中国で記念碑的な仏教彫刻が始まると、西暦4世紀から6世紀にかけて主要な芸術形式になりました。 ^[24]

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  うずくまる虎、霍清廟
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  跳躍する馬、霍去兵廟
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  しゃがむイノシシ。フオ・クビン廟

顧凱之（348-405）作の『訓戒の巻』 。第二次アヘン戦争で略奪され、ひどく損傷している。

仏教は紀元1世紀頃に中国に伝来し（アショーカ王の治世中に僧侶が中国を訪れたという伝説もある）、8世紀まで仏教は仏教美術、特に彫像の分野で非常に活発かつ創造的に発展しました。中国は遠い宗教を受け入れ、すぐにその芸術表現に強い中国的特徴を取り入れました。

5世紀から6世紀にかけて、北朝は本来のインスピレーションの源泉からかなり離れ、図式的な線で、むしろ象徴的で抽象的な表現方法を開発する傾向がありました。彼らのスタイルは荘厳で荘厳であるとも言われています。この芸術の物質性の欠如と、悟りの純粋な理想をわかりやすく現実的な方法で表現するという仏教の本来の目的から離れたことから、次第に自然主義と写実主義への探求が進み、唐の仏教芸術の表現につながりました。

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  莫高窟の壁画、西魏（535-556年）
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  敦煌の壁画、6世紀半ば
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  仏教の洞窟壁画。オーケストラの演奏に合わせてダンサーが回転する。
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  龍門石窟、毘盧遮那仏、西暦500-900年
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  マーラによる釈迦の誘惑のイラスト
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  涅槃仏、盛唐時代

古代中国では、書画は宮廷で最も高く評価された芸術であり、ほとんどがアマチュア、貴族、学者官僚によって制作され、彼らだけが素晴らしい筆遣いに必要な技術と感性を磨く余裕を持っていました。書道は最高かつ最も純粋な絵画形式であると考えられていました。道具は動物の毛でできた筆と、松の煤と動物の膠でできた黒インクでした。絵画だけでなく書も絹に書かれていました。しかし、1世紀に紙が発明されてから、絹は徐々に新しい安価な素材に取って代わられました。有名な書道家によるオリジナルの書は中国の歴史を通じて非常に高く評価されており、絵画と同じように巻物にしたり壁に掛けたりしています。

王羲之は、西暦 4 世紀に生きた中国の有名な書家です。彼の最も有名な作品は、詩集の序文である『蘭亭序』です。この書体は、中国書道の歴史において、 行書体「行書体」の最高峰として称賛されることが多いです。

魏碩は東晋の著名な書家で、楷書に関する重要な規則を確立しました。彼女の有名な作品には、『名姬帖 Ming Ji Tie』や『衛氏和南帖Wei-shi He'nan Tie』などがあります。

顧凱之は無錫生まれの古代中国の有名な画家です。彼は絵画理論に関する3冊の本を著しました。『畫論』、『魏晋名画序』、 『畫雲臺山記』です。彼は「人物画では、服装や容姿はあまり重要ではない。目が精神であり、決定的な要素である」と書いています。顧凱之の絵画のうち、現在も残っているのは『女官訓戒』、『洛神賦』、『賢仁女人図』の3冊です。

他にも、墓から発見された金王朝の絵画の例があります。その中には、現在の南京近郊にある墓のレンガの壁に描かれた「竹林の七賢図」があり、現在は陝西省博物館に所蔵されています。それぞれの人物にはラベルが付けられており、飲酒、執筆、楽器演奏のいずれかの行為が描かれています。他の墓の絵画には、牛の群れで畑を耕す男性など、日常生活の場面も描かれています。

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  司馬金龍の墓から出土した葬祭用パネル、西暦 484 年
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  北斉時代（550-577年）、山西省太原の楼叡の墓の壁画に描かれた2人の騎手の場面
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  北斉の蓮華文花瓶、6世紀
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  西晋の獅子形燭台（紀元4世紀頃）
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  雲岡石窟から出土した5世紀から6世紀の北魏の壁画と彩飾像。
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隋の時代への移行に続いて、唐の仏教彫刻は、著しく生き生きとした表現へと進化しました。唐の時代は外国との貿易に開放的であり、シルクロードを通じて影響を受けたため、唐の仏教彫刻は、中央アジアのギリシャ仏教美術に触発され、かなり古典的な形をとっています。

しかし、唐の末期には外国の影響が否定的に捉えられるようになった。845年、唐の皇帝武宗は土着の道教を支持するため、すべての「外国」宗教（ネストリウス派キリスト教、ゾロアスター教、仏教を含む）を禁止した。彼は仏教の財産を没収し、信仰を地下に潜らせたため、中国における宗教とその芸術のさらなる発展に影響を及ぼした。

唐代の陶器で作られた、釉薬をかけた、または彩色された 墓の像は有名で、世界中の博物館によく展示されています。唐代の木製の彫刻のほとんどは現存していませんが、唐の国際様式の彫刻は今でも日本の奈良で見ることができます。石の彫刻の寿命ははるかに長いことが証明されています。最も優れた例のいくつかは、洛陽近郊の龍門、大同近郊の雲岡、甘粛省の炳霊寺で見ることができます。最も有名な中国の仏教塔の 1 つは、652 年に建てられた 大雁塔です。

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  敦煌の唐時代の絵画。
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  典型的な唐の建築を描いた敦煌のフレスコ画
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  ヴァルジャパニの絵画
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  中国の唐代の三彩磁器の馬（紀元後700 年頃）。黄色、緑、白の色が使われています。
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  このカップの形には中央アジアの影響が見られます。

董元（932-962）による「小湘図」 。董元は山水画の創始者の一人とみなされており、山水画のスケールはしばしば巨大で、小さいながらも精巧な牧畜民の主題が風景の相対的な巨大さを表現している。左にズームすると、一群の男性たちが地引網漁に従事しているのが見える。

唐代（618～907年）以降、絵画の主な主題は山水画として知られる風景画でした。これらの風景画は通常単色でまばらで、自然の外観を正確に再現するのではなく、むしろ感情や雰囲気を捉えて自然の「リズム」を捉えることが目的でした。

伝統的なスタイルの絵画は、基本的に書道と同じ技法で描かれ、黒または色のインクをつけた筆で描かれ、油は使用されませんでした。書道と同様に、絵画の最も一般的な素材は紙と絹でした。完成した作品は、掛けたり巻いたりできる巻物に貼り付けられました。伝統的な絵画は、アルバム、壁、漆塗り、その他の媒体でも描かれました。

董元は南唐の国で活躍した画家です。人物画と山水画の両方で知られ、その後 900 年間中国で筆画の標準となる優雅なスタイルを体現しました。中国の多くの画家と同様に、彼は官僚として働き、李思順や王維の既存のスタイルを学びました。しかし、彼はより洗練された遠近法、点描法、クロスハッチングの使用など、鮮明な効果を生み出すための技法の数を増やしました。

詹子謙は隋の時代の画家です。現存する唯一の作品は、山を遠近法で描いた『春遊図』です。純粋な山水画は17世紀までヨーロッパではほとんど見られなかったため、『春遊図』は世界初の山水画であると考えられます。

韓熙載夜話の全巻。10世紀に南唐で最初に描かれ、後に12世紀に複製された。

宋代（960～1279年）には、より繊細な表現の風景画が登場し、ぼやけた輪郭、霧の中に消える山の輪郭、自然現象の印象派的な描写などによって、計り知れない距離が表現されました。絵画の精神的な性質と、道教と仏教の概念に従って認識された人間と自然の内なる調和を表現する芸術家の能力に重点が置かれました。

梁楷は13世紀（宋代）に生きた中国の画家です。彼は「狂人梁」と名乗り、酒を飲みながら絵を描いて人生を送った。やがて彼は隠居して禅僧になった。梁は中国美術の禅派を創始したとされている。文通は11世紀に生きた画家です。彼は竹の水墨画で有名です。彼は片手に2本の筆を持ち、離れた2本の竹を同時に描くことができました。彼は竹をたくさん見ていたため、描いている間に竹を見る必要がなかったのです。

張沢端は横長の風景画『清明上河図』で有名な画家である。これは中国で最も有名な絵画の一つとされ、中国の歴史を通じて多くの有名なリメイク版が作られてきた。^[25]その他の有名な絵画には『韓熙載夜宴図』がある。これはもともと10世紀に南唐の画家顧鴻忠によって描かれたもので、彼の絵のよく知られたバージョンは12世紀の宋代のリメイク版である。これは大きな横長の手巻物で、貴族階級の男性が音楽家やダンサーに楽しませられ、女中が用意した食べ物、飲み物、洗面器を楽しんでいる家庭内の場面が示されている。2000年、現代美術家の王清松は、現代の服を着た人々が元の絵と似た表情、ポーズ、手振りをしている横長の写真でこの絵のパロディを作成した。

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  山中の仏教寺院、11世紀、絹本墨画、ネルソン・アトキンス美術館、カンザスシティ（ミズーリ州）。
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  観音菩薩坐像、木と顔料、11世紀、中国北宋時代、セントルイス美術館
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  宋代に流行した宋画の典型である鳥獣年鑑
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  梅、松、竹を描いた冬の三友図。中国圏の国々では今でも新年の飾りとして使われている。
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  雪の中の川下り。極めて精巧な細部が、歴史家に中世中国の造船技術についての洞察を与えている。
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  宋の徽宗皇帝は多作な画家であった。
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  李安中の「枝鳥図」 。もともと円形の扇子用に描かれたため、円形をしています。
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  枇杷と山鳥図南宋（1127-1279）；このような小さな画帖の葉は、貴族や学者官僚の間で人気がありました。
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  徽宗皇帝が1112年1月16日に開封城門の上の光景を描いた「吉祥鶴図」 。
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  春の潮は雨をもたらす李迪著
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  馬林の扇子画
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  冬の木にとまるモズ。西暦 1187 年。
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  崔白作「冬の雀」
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  谿山行旅(谿山行旅)、ファン クアン(c. 960 – 1032)
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  蘇漢塵（1094–1172）作「春に遊ぶ百童」
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  蘇漢塵の「雑貨行商人」。庶民の生活を描いた作品は、宋代の繁栄期に人気のモチーフとなった。

銭玄の「八花図」、13世紀。

陳容（1200年頃-1266年）作「九龍図」（絵画）

北宋時代の皇帝の行列で天主に敬意を表する図。武装した儀仗兵と役人が描かれている。1053年から1065年頃のもの。

1279年に宋王朝が滅亡し、その後モンゴルの征服者によって元王朝が樹立されて混乱が起こると、多くの宮廷芸術家や文人芸術家が社会生活から退き、風景画や唐時代の「青緑」様式の復活を通じて自然へと回帰した。^[26]

王孟もその一人で、彼の最も有名な作品の一つが『林洞図』である。趙孟馨は元代の中国の学者、画家、書家であった。彼が当時の上品で柔らかな筆遣いを拒絶し、8世紀のより粗野なスタイルを選んだことが、近代中国の山水画を生み出す革命をもたらしたと考えられている。また、宋の宮廷に仕え、愛国心からモンゴルへの従軍を拒否し、絵画の道に進んだ銭玄（1235-1305）による鮮やかで精緻な作品もあった。彼はまた、より唐風の絵画様式を復活させ再現したことでも有名である。

後期元朝は、いわゆる「四大巨匠」の作品によって特徴づけられる。その中で最も有名なのは黄公望（1269-1354）で、彼の冷静で抑制された風景画は、同時代の人々や後世紀の中国の文人画家たちから賞賛された。もうひとりの大きな影響力を持ったのは倪瓚（1301-1374）で、彼はしばしば、はっきりとした前景と背景を描きながら、中景を空虚な空間として残した。この構図は、後の明代や清代の画家たちによって頻繁に採用された。^[26]

中国の磁器は、粘土カオリンとペトゥンセと呼ばれる長石から作られた硬いペーストから作られ、容器を接着し、気孔を密閉します。中国は高品質の磁器の代名詞となっています。ほとんどの磁器の鍋は江西省の景徳鎮市で生産されています。景徳鎮磁器は、さまざまな名前で呼ばれ、少なくとも元朝以来、中国の磁器生産の中心となっています。

明朝の時代、中国文化は開花しました。宋代の絵画よりも幅広い色彩とより複雑な構成を持つ物語画は、当時非常に人気がありました。

文徴明（1470-1559）は蘇州で呉派のスタイルを発展させ、16世紀の中国絵画を支配した。^[27]

董其昌（1555-1636）は禅仏教の思想を吸収し、「南北派」理論を提唱することで東アジアの美術史にさらなる影響を与えた。 ^[28]

この時期、ヨーロッパ文化が中国美術に影響を与え始めた。イエズス会の司祭マテオ・リッチは多くの西洋美術作品を携えて南京を訪れ、遠近法や陰影の表現の仕方に多大な影響を与えた。^[29]

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  卞景昭の精巧な工壁は宋の様式を踏襲しつつ、他の芸術様式も取り入れている。
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  『三人の友達と百羽の鳥』、拡大すると詳細が表示されます。
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  天津で飾られた明皇后の鳳凰冠。
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  唐寅の『秋の漁師』
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  17 世紀初頭、明王朝の西王母の桃の節句。
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  15 世紀、梵鼻様式を取り入れた卞静昭の「雪梅双鶴図」 。
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  神宗皇帝と孝端皇后
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  鳥売り、16世紀。明代の繁栄は、庶民の生活を描いた芸術のルネッサンスを引き起こしました。
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  水土祭祀図乾神五鬼図宝寧寺 明代
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  マグノリアとエレクトロック(玉堂柱石圖)
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  明の肖像画も宋のスタイルを踏襲したが、簡素さと質素さへのこだわりは薄れた。
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  万暦帝の馬車が象に引かれ、騎兵に護衛されている様子を描いた「皇帝の接近図」の詳細（全景はこちら）

清朝初期は、正統派と個人主義の画家という2つの主要な流れで発展しました。どちらも董其昌の理論を踏襲していましたが、強調する側面は非常に異なっていました。^[30]清朝の宮廷絵画は、ジャン・ドニ・アティレ（1702–1768）やジュゼッペ・カスティリオーネ（1688–1766）などの西洋の芸術家からも大きな影響を受けました。^[28]

王堅（1598–1677）と王世民（1592–1680）を含む「四王」は正統派で特に有名で、過去のスタイル、特に古代の巨匠の筆遣いと書道の技術を再現することにインスピレーションを求めました。若い王元琦（1642–1715）は、古代の巨匠の作品に取り組んでインスピレーションを得るというアプローチを儀式化しました。彼自身の作品には、彼の絵画が巨匠のモデルとどのように関係しているかについての理論が注釈で添えられることが多かったです。^[31]

個人主義の画家には八大山人（1626-1705）や石濤（1641-1707）がいる。彼らは伝統を超越して独自の個人主義的スタイルを達成するという革命的な考えに多くを傾け、その点で正統派（公式には董其昌の直弟子であった）よりも董其昌のやり方に忠実に従っていた。^[32]

文人や貴族階級の伝統から外れた画家たちも名声を博し、金銭目的で絵を描く画家もいた。馬全（17世紀後半～18世紀）は学者の間では一般的ではない一般的な花や鳥、昆虫を描いた。しかし、こうした画家たちは正式な絵画流派から離れていたわけではなく、芸術的なスタイルや技法に精通していた。例えば、馬全は宋代の画法を手本にしている。^[33]同時に、唐代に金線画を描く際の準備段階として始まったと考えられている沒骨畫（中国語：沒骨畫）は、雲守平（1633年～1690年）やその子孫の雲兵などの画家によって継承された。^[34]

カラー印刷の技術が完成するにつれ、絵画芸術に関するイラスト入りのマニュアルが出版されるようになりました。 1679年に初めて出版された5巻の『芥子園花伝』は、それ以来、芸術家や学生の技術教科書として使用されてきました。

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  雍正帝が旧暦8月に楽しむ図。匿名の宮廷画家による作品。1723～1735年、北京故宮博物院所蔵。線遠近法が用いられている。
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  アルバムリーフ、ユン・ビン、17 世紀、メトロポリタン美術館、ニューヨーク、「骨なし」技法が示されています。
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  清朝の画家クン・カンによる1664年の中国絵画

年画は中国の色木版画の一種で、旧正月の装飾として絵が描かれています。19 世紀には年画がニュースの媒体として使われていました。

上海派は、清朝時代から20世紀にかけての中国の伝統芸術の非常に重要な流派です。この流派の巨匠たちの努力により、中国の伝統芸術は新たな頂点に達し、中国絵画（中國畫）、略して国華（國畫）の形で現在まで続いています。上海派は、中国美術の文人的伝統に挑戦し、それを打ち破りましたが、同時に古代の巨匠たちに技術的な敬意を払い、既存の伝統技法を改良しました。この流派のメンバーは、自らの地位や芸術の目的に疑問を抱くようになった教養ある文人であり、中国社会の差し迫った近代化を予期していました。急速な社会変化の時代に、上海派の作品は幅広く革新的で多様であり、思慮深くも微妙な社会評論を含むことが多かったです。この学校の最も有名な人物は、Ren Xiong、Ren Bonian、Zhao Zhiqian、Wu Changshuo、Sha Menghai、Pan Tianshou、Fu Baoshi、He Tianjian、およびXie Zhiliuです。その他の有名な画家としては、王振、徐谷、張雄、胡源、楊伯潤などが挙げられます。

伝統的な中国絵画は、中国の書道と同様に、黒または色のついたインクに浸した筆で描かれ 、油は使用されません。書道と同様に、絵画の最も一般的な材料は紙と絹です。完成した作品は、掛け軸や手巻などの巻物に載せることができます。伝統的な絵画は、アルバムシート、壁、漆器、屏風、その他の媒体 にも描かれます。

中国絵画の主な 2 つの技法は次のとおりです。

• 工筆は「細心の」という意味で、非常に細かい筆遣いで細部を非常に正確に描きます。色彩が豊かで、人物や物語の主題を描きます。宮廷や独立した工房で働く芸術家によってよく用いられます。花鳥画は、このスタイルで描かれることが多かったです。
• 水墨画は、中国語では「水墨」[35]とも^呼ばれ、水彩画や筆絵とも呼ばれ、中国の学者官僚階級の「四大芸術」の一つであったため、「文人画」としても知られています。^[36]理論的には、これは紳士が行う芸術であり、宋代の芸術に関する著作で区別され始めましたが、実際には、主要な代表者たちのキャリアにかなりの恩恵をもたらしました。^[37]このスタイルは「寫意」またはフリーハンドスタイルとも呼ばれています。

漢代から唐代にかけての芸術家たちは、主に人物を描いた。初期の中国の人物画について知られていることの多くは、絹の旗、漆塗りの物、墓の壁に描かれた絵画が保存されていた埋葬地から来ている。初期の墓の絵画の多くは、死者を守ったり、死者の魂が天国に行けるようにすることを目的としていた。他のものは、中国の哲学者、孔子の教えを描いたり、日常生活の場面を描いたりした。中国の肖像画のほとんどは、正式な全身正面図を描いており、家族の中で先祖崇拝のために使われた。皇帝の肖像画はより柔軟であったが、一般的には宮廷の外では見られず、他の文化のように肖像画が皇帝のプロパガンダの一部になることはなかった。

多くの評論家は、山水画を中国絵画の最高峰とみなしています。五代から北宋時代（907～1127年）は「中国山水画の黄金時代」として知られています。北方では、景浩、李成、范寛、郭熙などの画家が、力強い黒線、水墨画、鋭い点の筆使いで荒々しい岩を表現し、そびえ立つ山々の絵を描きました。南方では、董源、巨然などの画家が、故郷の田園地帯のなだらかな丘や川を、より柔らかく擦り合わせた筆使いで平和な風景として描きました。この2種類の風景と技法が、中国山水画の古典的なスタイルとなりました。

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  初秋;銭玄作; 13世紀 ; 紙巻に墨彩 ; 26.7 × 120.7 cm ;デトロイト美術館。腐った蓮の葉とよどんだ水の上を飛び回るトンボは、おそらくモンゴルの支配に対する暗黙の批判である^[38]
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  十一面観音として顕現する羅漢像 1178年頃 絹本墨彩 111.5 × 53.1 cmボストン美術館
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  梨の花の中の鸚鵡と昆虫。黄居才作。13 世紀後半。絹本墨彩。27.6 × 27.6 cm。ボストン美術館
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  Wang Xizhi watching geese; by Qian Xuan; 1235 – before 1307; handscroll (ink, color and gold on paper); Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  The eight hosts of Deva, Naga and Yakshi; 1454; hanging scroll, ink and color on silk; dimensions of the painting: 140.2 × 78.8 cm; Cleveland Museum of Art
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  Portrait of Zhu Youjiao; after 1620; painting; National Palace Museum, Taipei
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  Landscape, part of an album of eight leaves; by Lu Han; 1699; ink and color on paper; image: 30.5 × 22.9 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Another landscape, part of the same album of eight leaves; by Lu Han; 1699; ink and color on paper; image: 30.5 × 22.9 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Landscape; by Dong Yuan; turn of the 18/19th century; handscroll, ink on silk; 39.1 × 717.6 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Portrait; early 20th century (?); album of twenty leaves, ink and color on silk; 28.3 × 22.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Chinese Painting – Traveling on the Road.
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  Northern Song dynasty-Finches and bamboo
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  Strolling About in Spring, by Zhan Ziqian, artist of the Sui dynasty (581–618).
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  Court Ladies of the Former Shu by Tang Yin
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  Tang Yin – The Gathering at the Orchid Pavilion
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  Tang Yin – A beauty – Rhode Island School of Design Museum
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  Tang Yin – Making the Bride's Gown – Walters
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  Brooklyn Museum – The Chinese Buddhist Pilgrim Xuanzang
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  China, Qing dynasty – Portrait of Buddhist Monks of Obaku Sect – Cleveland Museum of Art

Chinese ritual bronzes from the Shang and Western Zhou dynasties come from a period of over a thousand years from c. 1500 BC, and have exerted a continuing influence over Chinese art. They are cast with complex patterned and zoomorphic decoration, but avoid the human figure, unlike the huge figures only recently discovered at Sanxingdui.^[39] The spectacular Terracotta Army was assembled for the tomb of Qin Shi Huang, the first emperor of a unified China from 221 to 210 BC, as a grand imperial version of the figures long placed in tombs to enable the deceased to enjoy the same lifestyle in the afterlife as when alive, replacing actual sacrifices of very early periods. Smaller figures in pottery or wood were placed in tombs for many centuries afterwards, reaching a peak of quality in the Tang dynasty tomb figures.^[40]

Native Chinese religions do not usually use cult images of deities, or even represent them, and large religious sculpture is nearly all Buddhist, dating mostly from the 4th to the 14th century, and initially using Greco-Buddhist models arriving via the Silk Road. Buddhism is also the context of all large portrait sculpture; in total contrast to some other areas in medieval China even painted images of the emperor were regarded as private. Imperial tombs have spectacular avenues of approach lined with real and mythological animals on a scale matching Egypt, and smaller versions decorate temples and palaces.^[41] Small Buddhist figures and groups were produced to a very high quality in a range of media,^[42] as was relief decoration of all sorts of objects, especially in metalwork and jade.^[43] Sculptors of all sorts were regarded as artisans and very few names are recorded.^[44]

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  Ritual tripod cauldron (ding); circa 13th century BC; bronze: height with handles: 25.4 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Wine vase (zun); 13th century BCE; bronze inlaid with black pigment; height: 40 cm; Metropolitan Museum of Art
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  One of the warriors of the Terracotta Army, a famous collection of terracotta sculptures depicting the armies of Qin Shi Huang, the first Emperor of China
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  Changxin Palace lamp; circa 172 BCE; bronze and gold; height: 48 cm; Hebei Provincial Museum (China); excavated from the tomb of Dou Wan
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  The Flying Horse of Gansu; circa 300; bronze; height: 34.5 cm, length: 45 cm; width: 13.1 cm; Gansu Provincial Museum, Lanzhou
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  Votive stele with Buddha Shakyamuni; dated 542 (Eastern Wei dynasty); limestone; Museum Rietberg (Zürich, Switzerland)
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  Sculpture probably of Amitābha; early 7th century; hollow dry lacquer with traces of gilt and polychrome pigment and gilding; height: 96.5 cm, width: 68.6 cm, depth: 57.1 cm; Metropolitan Museum of Art
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  The Leshan Giant Buddha, a 71 m tall stone statue, built between 713 and 803, Tang dynasty
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  Statue of a monk; 8th century; limestone with pigment; limestone with pigment; height (including the stone dowel): 175.3 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Statue of the luohan Tamrabhadra, one of the group of glazed pottery luohans from Yixian; 10th–13th century; glazed terracotta; height: 123 cm; Guimet Museum (Paris)
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  Bodhisattva Avalokiteshvara in water moon form (Shuiyue Guanyin); 11th century; wood (willow) with traces of pigment, multiple-woodblock construction; height: 118.1 cm, width: 95.3 cm, depth: 71.1 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Seated luohan; 18th–19th century; lapis lazuli; height: 18.1 cm, width: 25.4 cm; Metropolitan Museum of Art

Chinese ceramic ware shows a continuous development since the pre-dynastic periods, and is one of the most significant forms of Chinese art. China is richly endowed with the raw materials needed for making ceramics. The first types of ceramics were made during the Palaeolithic era, and in later periods range from construction materials such as bricks and tiles, to hand-built pottery vessels fired in bonfires or kilns, to the sophisticated Chinese porcelain wares made for the imperial court. Most later Chinese ceramics, even of the finest quality, were made on an industrial scale, thus very few individual potters or painters are known. Many of the most renowned workshops were owned by or reserved for the Emperor, and large quantities of ceramics were exported as diplomatic gifts or for trade from an early date.

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  Tomb guardian; early 700s; glazed earthenware, sancai (three-color) ware; Cleveland Museum of Art
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  Statuettes of dancers; 8th century; ceramic; Historical Museum of Bern (Switzerland)
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  The David Vases; 1351 (the Yuan dynasty); porcelain, cobalt blue decor under glaze; height: 63.8 cm; British Museum (London)
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  Two flasks with dragons; 1403–1424; underglaze blue porcelain; height (the left one): 47.8 cm, height (the right one): 44.6 cm; British Museum
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  Buddhist figurines; by Qiao Bin; circa 1503; glazed pottery; various dimensions; Metropolitan Museum of Art
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  Figure of an assistant to the Judge of Hell decorated in polychrome enamels with cold-painted details; 1522–1620; painted and glazed earthenware; height: 136 cm, width: 39 cm; British Museum
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  An assistant to the Judge of Hell, figure from a judgement group; 16th century; glazed earthenware and painted decoration; height: 148 cm, width: 36 cm, depth: 20 cm; British Museum
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  Jar: 18th century; porcelain painted in overglaze famille rose enamels; height: 61 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Vase; last quarter 18th century; porcelain with openwork medallions, painted in overglaze famille rose enamels, with engraved design: height: 29.8 cm, diameter: 19.1 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Vase with cover; 1662–1722; porcelain with underglaze blue decoration; overall: 46.2 cm; Cleveland Museum of Art
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  Republic of China period Porcelain Vase
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  early Yaozhou ware from the Five Dynasties period, 10th century AD
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  Chinese Porcelain Ewer, 17th century
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  Chinese Porcelain Guanyin, 17th–18th century
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  Chinese vase, Ming dynasty, porcelain with celadon glaze
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  Erotic Chinese porcelain plate
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  12th century; from the southern Song dynasty.
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  Jin Porcelain Pillow
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  Qing Tablet with Map of Imperial Porcelain Factory

As well as porcelain, a wide range of materials that were more valuable were worked and decorated with great skill for a range of uses or just for display.^[43] Chinese jade was attributed with magical powers, and was used in the Stone and Bronze Ages for large and impractical versions of everyday weapons and tools, as well as the bi disks and cong vessels.^[45] Later a range of objects and small sculptures were carved in jade, a difficult and time-consuming technique. Bronze, gold and silver, rhinoceros horn, Chinese silk, ivory, lacquer and carved lacquer, cloisonne enamel and many other materials had specialist artists working in them. Cloisonne underwent an interesting process of artistic hybridization in China, particularly in the pieces promoted by missionaries and Chinese Christian communities.^[46]

Folding screens (Chinese: 屏風; pinyin: píngfēng) are often decorated with beautiful art; major themes include mythology, scenes of palace life, and nature. Materials such as wood panel, paper and silk are used in making folding screens. They were considered ideal ornaments for many painters to display their paintings and calligraphy.^[47][48] Many artists painted on paper or silk and applied it onto the folding screen.^[47] There were two distinct artistic folding screens mentioned in historical literature of the era.

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  Covered box with pavilion and figures; 1300s (the Yuan dynasty); carved lacquer; Tokyo National Museum
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  Chinese low-back armchair; late 16th–18th century (late Ming dynasty to Qing dynasty); huanghuali rosewood; Arthur M. Sackler Gallery, Washington D.C.
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  Cup; early 17th century; rhinoceros horn; height: 10.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Folding screen; circa 1690; lacquered wood and paper; Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon
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  Plate; late 17th–early 18th century; cloisonné enamel; height: 4.4 cm, diameter: 25.7 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Incense burner in the shape of a rooster; 18th century; cloisonné enamel on copper; height: 19.4 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Vase; 18th century; cloisonné enamel; height: 36.8 cm, width: 17.8 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Chinese moon-gate bed; circa 1876; satinwood (huang lu), other Asian woods and ivory; Peabody Essex Museum (Salem, Massachusetts)

Chinese architecture refers to a style of architecture that has taken shape in East Asia over many centuries. Especially Japan, Korea, Vietnam and Ryukyu. The structural principles of Chinese architecture have remained largely unchanged, the main changes being only the decorative details. Since the Tang dynasty, Chinese architecture has had a major influence on the architectural styles of Korea, Vietnam, and Japan.

From the Neolithic era Longshan culture and Bronze Age era Erlitou culture, the earliest rammed earth fortifications exist, with evidence of timber architecture. The subterranean ruins of the palace at Yinxu dates back to the Shang. In historic China, architectural emphasis was laid upon the horizontal axis, in particular the construction of a heavy platform and a large roof that floats over this base, with the vertical walls not as well emphasized. This contrasts Western architecture, which tends to grow in height and depth. Chinese architecture stresses the visual impact of the width of the buildings. The deviation from this standard is the tower architecture of the Chinese tradition, which began as a native tradition^{[citation needed]} and was eventually influenced by the Buddhist building for housing religious sutras—the stupa—which came from Nepal. Ancient Chinese tomb model representations of multiple story residential towers and watchtowers date to the Han. However, the earliest extant Buddhist Chinese pagoda is the Songyue Pagoda, a 40 m (131 ft) tall circular-based brick tower built in Henan in the year 523 CE From the 6th century onwards, stone-based structures become more common, while the earliest are from stone and brick arches found in Han dynasty tombs. The Zhaozhou Bridge built from 595 to 605 CEis China's oldest extant stone bridge, as well as the world's oldest fully stone open-spandrel segmental arch bridge.

The vocational trade of architect, craftsman, and engineer was not as highly respected in premodern Chinese society as the scholar-bureaucrats who were drafted into the government by the civil service examination system. Much of the knowledge about early Chinese architecture was passed on from one tradesman to his son or associative apprentice. However, there were several early treatises on architecture in China, with encyclopedic information on architecture dating back to the Han dynasty. The height of the classical Chinese architectural tradition in writing and illustration can be found in the Yingzao Fashi, a building manual written by 1100 and published by Li Jie (1065–1110) in 1103. In it there are numerous and meticulous illustrations and diagrams showing the assembly of halls and building components, as well as classifying structure types and building components.

There were certain architectural features that were reserved solely for buildings built for the Emperor of China. One example is the use of yellow roof tiles; yellow having been the Imperial color, yellow roof tiles still adorn most of the buildings within the Forbidden City. The Temple of Heaven, however, uses blue roof tiles to symbolize the sky. The roofs are almost invariably supported by brackets, a feature shared only with the largest of religious buildings. The wooden columns of the buildings, as well as the surface of the walls, tend to be red in colour.

Many current Chinese architectural designs follow post-modern and western styles.

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  Relief from the Wu Family Shrines (Jiaxiang County, Shandong) that shows Han dynasty architecture, 151 CE
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  The Guanyian Pavilion of the Dule Monastery (Jixian, China), 984
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  The Songyue Pagoda, Henan, 523
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  Hall of Prayer for Good Harvests, the main building of the Temple of Heaven (Beijing), 1703–1790
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  The Longxing Temple in Hebei (Zhengding, China), 1052
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  Pagoda of Fogong Temple, Shanxi, 1056
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  The Dacheng Hall of the Temple of Confucius Qufu, Shandong, 1499

Chinoiserie is the European interpretation and imitation of Chinese and East Asian artistic traditions, especially in the decorative arts, garden design, architecture, literature, theatre, and music.^[49] The aesthetic of Chinoiserie has been expressed in different ways depending on the region. It is related to the broader current of Orientalism, which studied Far East cultures from a historical, philological, anthropological, philosophical, and religious point of view. First appearing in the 17th century, this trend was popularized in the 18th century due to the rise in trade with China and East Asia.^[50]

As a style, chinoiserie is related to the rococo style.^[51] Both styles are characterized by exuberant decoration, asymmetry, a focus on materials, and stylized nature and subject matter that focuses on leisure and pleasure. Chinoiserie focuses on subjects that were thought by colonial-era Europeans to be typical of Chinese culture.

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  The Chinese House, a chinoiserie garden pavilion in Sanssouci Park, from Potsdam, Germany
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  Kneehole writing table; circa 1760; mahogany, mahogany veneer and gilt bronze; 88.9 × 97.8 × 62.2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
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  Audience of the Chinese Emperor; 1766; hard-paste porcelain; overall: 39.8 × 33.2 × 21.7 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Drop-front secretaire (secrètaire à abattant); 1770–1775; painted and varnished oak, mahogany, purplewood and gilt-bronze mounts; 152.4 × 67.9 × 34 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Ornamental Design from "Nouvelle suite de cahiers chinois a l'usage des Dessinateurs et des peintres"; after 1775; etching with colored inks à la poupé on off-white laid paper; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum (New York City)
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  The Chinese Room in the Royal Palace (Berlin); 1850; brush and watercolor and gouache, graphite on white wove paper; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum
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  Pair of round and flat bodied bottles; 1870–1880; porcelain; first bottle: 26.4 × 21 × 10.6 cm, second bottle: 25.7 × 20.2 × 10.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  The Tea House at Myasnitskaya Street in Moscow (Russia)

The movement to modernize Chinese art started toward the end of the Qing dynasty. The traditional art form started to lose its appeal as the feudalistic structure of the society was dissolving. The modern view of the world had to be expressed in a different form. The explorations went on two main paths: one was to draw from the past to enrich the present (汲古潤今)*, the other was to "learn the new methods" (學習新法).*^[52]

The literati art for the social elite was not appealing to the bourgeois patrons. Wu Changshuo (1844–1927) was among the Shanghai-based artists responsible for flowers and plants as the subject matter. His paintings used bold colors and energetic brush strokes, making them more accessible to the general public. Qi Baishi (1864–1957) painted images like crabs and shrimps that were even more approachable to the common people. Huang Binhong (1865–1955) denounced the literati paintings of the Qing dynasty and created his own style of landscape paintings by extensive investigations in Chinese art history. Zhang Daqian (1899–1983) used wall paintings in the Dunhuang (敦煌) caves to help him move beyond the literati tradition.

The Lingnan School (岭南画派) made some borrowings from the language of Western art in their ink paintings. Gao Jianfu (1879–1951), one of the founders of Lingnan School, was an active participant in the revolutionary movement of Sun Yat-sen (1866–1925). He was innovative in that he intended to use his paintings to highlight national issues, a medium for positive change in society.

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  Flames on the Eastern Battlefront by Gao Jianfu, 1937 ink and colors on paper
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  Portrait of Madam Cheng (1941), oil on board, Xu Beihong

A more radical style change started with Kang Youwei (1858–1927), a reformer who admired the more reality-based art of the Song dynasty. He believed that Chinese art could be rejuvenated by employing the reality-oriented art techniques of Europe. Xu Beihong (1895–1953) took this idea to heart and went to Paris to acquire the necessary skills. Liu Haisu (1896–1994), on the other hand, went to Japan to learn western techniques. Both Xu, and Liu became presidents of prestigious art schools, instilling new concepts and skills in the next generation of artists. Cai Yuanpei (1868–1940) was one of the leaders in the "New Culture Movement" (新文化运动). Those involved believed that intellectual activities should benefit all, not just the elites. Cai's belief that art could play a public, socially reformist role was adopted by Lin Fengmian (1900–1991).

Together with Yan Wenliang (1893–1988), Xu, Liu, and Lin were considered the "Four Great Academy Presidents" (四大校長), who spearheaded the national modern art movement. However, the subsequent upheaval caused by the Sino–Japanese war and the civil war did not allow this movement to grow. The Chinese modern art movement after the war developed differently in the four the regions: the Mainland, Taiwan, Hong Kong, and overseas.

The postwar era is roughly from 1949, the end of Chinese civil war, to 1976, the opening of mainland China to the outside world.

The postwar era in mainland China could be divided into two periods: 1949 to 1966 is generally called "The 17 Years"; 1966 to 1976 is the period of the "Cultural Revolution".

Chinese artists adopted social realism as a form of expression; it was a combination of revolutionary realism and revolutionary romanticism. Artwork was not valued on its own terms but was subservient to a political purpose. According to Mao Zedong, art should be a "powerful weapon for uniting and educating the people, fighting and destroying the enemy". Praising political leaders and celebrating the achievements of socialism became the theme of all artwork. Western art forms, including Cubism, Fauvism, Abstraction, and Expressionism were deemed superficial and were categorized as formalism.

The biggest blow to art was the Anti-Rightist Campaign of 1957. Artists who were labeled as rightists were stripped of their right to create and even their jobs, and worse, the social standing of the artists and their families was placed at the lowest level, causing great mental suffering.

Some influential paintings from this period are:

• Li Keran, Reddening of Ten Thousand Mountains (李可染《万山红遍》)
• Huang Zhou, The Snowstorm (黄胄《洪荒风雪》)
• Dong Xiwen, The Founding Ceremony of the Nation (董希文《开国大典》) had gone through several revisions, due to the changing political situation. Gao Gang was taken out when he went out of favor, Liu Shaoqi was replaced by Dong Biwu for a while, then the prototype was restored.

These ten years could also be called the "Ten Years of Calamity" (十年浩劫). In order to destroy everything that supported the old social order, countless temples, historic sites, artworks, and books were ravaged and burnt. During this period the portrait of Mao and propaganda posters of revolution were everywhere. Anything that was remotely suspected of being out of line was destroyed, and the person behind it was prosecuted. For example, Owl by Huang Yongyu had one eye open and one eye closed; it was deemed an expression of dissatisfaction with current events. Zong Qixiang's painting, which shows three tigers, was deemed critical of the leader Lin Biao, whose name contained a character that had three tigers in it. Residual Lotus by Li Kuchan had eight lotus flowers; it was deemed to be critical of the eight communist approved movies (样板戏). Many prominent artists were persecuted during this time. For example, Yan, Xu, Liu, and Lin, the "Four Great Academy Presidents" 四大校長 (except for Xu who died before the Cultural Revolution), were all prosecuted and jailed, and all their work was destroyed during this time. However, despite the difficult environment, some noteworthy paintings were created. The following are some examples:

• Chen Yifei, The Yellow River (陈逸飞《黄河颂》)
• Sun Jingbo, New Song by Ah Xi (孙景波《阿细新歌》)

Hong Kong was a British colony from 1842 to 1997. The local art organizations were mostly run by Westerners who outnumbered Chinese painters until a large migration of Chinese from Southern China during Sino–Japanese War. Innovative art colleges were established after the war. The shows organized by local artists started in the early 1960s. After a reaction against the traditional Western artistic practices of the 1940s and the 1950s, some experimental works that combined both western and eastern techniques were made. Then came the call for a return to Chinese traditional art and the creation of forms of art that Hong Kong could call its own. The trend was led by Lui Shou Kwan. Some western concepts were incorporated into his Chinese ink paintings.^[53]

• Lui Shou Kwan, 1965

Many Chinese artists went to study western art in Paris in the early 1900s, for example: Fang Ganmin (方幹民), Wu Dayu (吳大羽), Ong Schan Tchow (翁占秋), Lin Fengmian (林風眠), Yan Wenliang (顏文樑), Wu Guanzhong (吳冠中), Zao Wou-Ki (趟無極). All except Zao completed their education before 1949 and returned to become leaders in the modern art movement. (Zao happened to be in Paris in 1949 and did not return.) Some Chinese artists went to stay there because of the rich international art environment, for example: Sanyu, Pan Yuliang (潘玉良), Chu Teh-Chun (朱德群). Zao, Sanyu, Pang, and Chu all had shows in Paris and the Republic. All their paintings had varying degrees of Chinese elements in them. These artists not only had a profound influence in Chinese modern art, but they also continued to engage Parisians with modern art from the East.^[54]

• Zao Wou-Ki, 1959

Li Tiefu (1869–1952) was an accomplished oil painter educated in Canada and the United States. He was an active participant in the revolutionary movement of Sun Yat-sen (1866–1925).

Zeng Youhe 曾佑和 (1925–2017)^[55] was born in Beijing. She started receiving international recognition in 1946, when Michael Sullivan began praising and writing about her work. Zeng moved to Honolulu in 1949 and visited Hong Kong and Taiwan in 1960. Like those of the Fifth Moon Group (五月畫會), her paintings were abstract; but the flavor of traditional Chinese ink paintings were not as pronounced.

• Zeng Youhe, 1961

Because of its history, traditional Chinese art does not have strong roots in Taiwan. The art forms in Taiwan were generally decorative, until youths growing up under the Japanese occupation received formal art education in Japan. Not burdened with traditional art form, their exploration generally followed the path of "learning the new methods" (學習新法). When the Nationalists arrived in Taiwan, a group of ambitious youths who came with the Nationalists continued the modern art movement. The most notable were the Fifth Moon Group (五月畫會) and the Ton-Fan Art Group (東方畫會).^{[citation needed]}

The original members of the group were alumni with art majors from the Academic Teachers College (師範大學), the only university with an art major at the time. Their first intention was to show that the effort to create new art was worthwhile in itself, even if it did not directly enhance art pedagogy. Later, it became a movement to modernize Chinese art.

The members of the Fifth Moon Group studied western art movements, and concluded that the abstract art form was the best medium for modern Chinese art. They felt the best the Chinese paintings were ones that de-emphasized realistic representation, and emphasized atmosphere and "vividness", which comes from the brush strokes and the natural interaction between ink and paper. To further that idea, one does not need representation of objects in painting, or strictly use ink and paper. The beauty of a painting can be appreciated directly from the forms, textures, and colors on the canvas without their relation to real objects. The group was active from 1957 to 1972. The main members are Liu Guosong, Chuang Che (莊喆), Hu Chi-Chung (胡奇中), Fong Chung-ray (馮鍾睿), and Han Hsiang-ning.

The members of this group were students who attended private art classes offered by Li Zhongsheng (李仲生), a mainland-born artist who had been one of the active participants in the modern art movement. He and a number of mainland artists who painted in a western style continued the modern art movement by publishing magazines and writing articles to introduce modern art to Taiwan. His teaching style was unconventional and socratic in nature.

The original intention of the group was to introduce modern art to the public. They believed there should be no restriction on the form or style of a modern Chinese painting, as long as the painting expressed meaning that was Chinese in nature. The group was active from 1957 to 1971. The main members were: Ho Kan (霍剛), Li Yuan-chia, Wu Hao (吳昊),^[56] Oyan Wen-Yuen (歐陽文苑), Hsia Yan (夏陽), Hsiao Chin (蕭勤), Tommy Chen (陳道明),^[57] and Hsiao Ming-Hsien (蕭明賢). The following are a sample of their paintings from that period:

• Ho Kan, 1967
• Hsia Yan, 1965
• Hsiao Chin, 1955 Archived July 19, 2019, at the Wayback Machine

Contemporary Chinese art (Chinese: 中國當代藝術; pinyin: Zhongguo Dangdai Yishu) often referred to as Chinese avant-garde art, continued to develop since the 1980s as an outgrowth of modern art developments post-Cultural Revolution.

Contemporary Chinese art fully incorporates painting, film, video, photography, and performance. Until recently, art exhibitions deemed controversial have been routinely shut down by police, and performance artists in particular faced the threat of arrest in the early 1990s. More recently there has been greater tolerance by the Chinese government, though many internationally acclaimed artists are still restricted from media exposure at home or have exhibitions ordered closed. Leading contemporary visual artists include Ai Weiwei, Cai Guoqiang, Cai Jin, Chan Shengyao, Concept 21, Ding Yi, Fang Lijun, Fu Wenjun, He Xiangyu, Huang Yan, Huang Yong Ping, Han Yajuan, Kong Bai Ji, Li Hongbo, Li Hui, Liu Bolin, Lu Shengzhong, Ma Liuming, Qiu Deshu, Qiu Shihua, Shen Fan, Shen Shaomin, Shi Jinsong, Song Dong, Li Wei, Wang Guangyi, Wenda Gu, Xu Bing, Yang Zhichao, Zhan Wang, Zheng Lianjie, Zhang Dali, Zhang Xiaogang, Zhang Huan, Zhu Yu, Wu Shaoxiang, Ma Kelu, Ding Fang, Shang Yang, Gao Minglu and Guo Jian.

Beginning in the late 1980s, there was unprecedented exposure for younger Chinese visual artists in the west to some degree through the agency of curators based outside the country such as Hou Hanru. Local curators within the country such as Gao Minglu and critics such as Li Xianting reinforced this promotion of particular brands of painting that had recently emerged, while also spreading the idea of art as a strong social force within Chinese culture. There was some controversy as critics identified these imprecise representations of contemporary Chinese art as having been constructed out of personal preferences, a kind of programmatized^{[clarification needed]} artist-curator relationship that only further alienated the majority of the avant-garde from Chinese officialdom and western art market patronage.

Today, the market for Chinese art, both antique and contemporary, is widely reported to be among the hottest and fastest-growing in the world, attracting buyers all over the world.^[58][59][60] The Voice of America reported in 2006 that modern Chinese art is raking in record prices both internationally and in domestic markets, some experts even fearing the market might be overheating.^[61] The Economist reported that Chinese art has become the latest darling in the world market according to the record sales from Sotheby's and Christie's, the biggest fine-art auction houses.^[62]

Contemporary Chinese art saw record sales throughout the 2000s. In 2007, it was estimated that 5 of the world's 10 best selling living artists at art auction were from China, with artists such as Zhang Xiaogang whose works were sold for a total of $56.8 million at auction in 2007.^[63] In terms of buying-market, China overtook France in the late 2000s as the world's third-largest art market, after the United States and the United Kingdom, due to the growing middle-class in the country.^[64][65] Sotheby's noted that contemporary Chinese art has rapidly changed the contemporary Asian art world into one of the most dynamic sectors on the international art market.^[66] During the global economic crisis, the contemporary Asian art market and the contemporary Chinese art market experienced a slow down in late 2008.^[67][68] The market for Contemporary Chinese and Asian art saw a major revival in late 2009 with record level sales at Christie's.^[69]

For centuries largely made-up of European and American buyers, the international buying market for Chinese art has also begun to be dominated by Chinese dealers and collectors in recent years.^[70] It was reported in 2011, China has become the world's second biggest market for art and antiques, accounting for 23 percent of the world's total art market, behind the United States (which accounts for 34 percent of the world's art market).^[71] Another transformation driving the growth of the Chinese art market is the rise of a clientele no longer mostly European or American. New fortunes from countries once thought of as poor often prefer non-Western art; a large gallerist in the field has offices in both New York and Beijing, but clients mainly hailing from Latin America, Asia and the Middle East.^[72]

One of the areas that has revived art concentration and also commercialized the industry is the 798 Art District in Dashanzi of Beijing. The artist Zhang Xiaogang sold a 1993 painting for US$2.3 million in 2006, which included blank faced Chinese families from the Cultural Revolution era,^[73] while Yue Minjun's work Execution in 2007 was sold for a then record of nearly $6 million at Sotheby's.^[74] Collectors including Stanley Ho,^[75] the owner of the Macau Casinos, investment manager Christopher Tsai,^[76] and casino developer Steve Wynn,^[77] would capitalize on the art trends. Items such as Ming dynasty vases and assorted Imperial pieces were auctioned off.

Other art works were sold in places such as Christie's including a Chinese porcelain piece with the mark of the Qianlong Emperor sold for HKD $ $151.3 million. Sotheby's and Christie's act as major market platforms for classical Chinese porcelain art pieces to be sold, including Ming dynasty, Xuande mark and period (1426–35) Blue and White jar (Five-Clawed Dragon Print), which was auctioned for Approx. USD 19,224,491.2, through Christie's in Spring 2016^[78] The International Herald Tribune reported that Chinese porcelains were fought over in the art market as "if there was no tomorrow".^[79]

A 1964 painting by Li Keran "All the Mountains Blanketed in Red" was sold for HKD $35 million. Auctions were also held at Sotheby's where Xu Beihong's 1939 masterpiece "Put Down Your Whip" sold for HKD $72 million.^[80] The industry is not limited to fine arts, as many other types of contemporary pieces were also sold. In 2000, a number of Chinese artists were included in Documenta and the Venice Biennale of 2003. China now has its own major contemporary art showcase with the Venice Biennale. Fuck Off was a notorious art exhibition which ran alongside the Shanghai Biennial Festival in 2000 and was curated by independent curator Feng Boyi and contemporary artist Ai Weiwei.

• National Art Museum of China (Beijing)
• Palace Museum (Forbidden City, Beijing)
• China Art Museum (Shanghai)
• Power Station of Art (Shanghai)
• National Palace Museum (Taipei, Taiwan)

• 798 Art Zone
• Chinese fine art
  • Chinese jade
  • Chinese papercut
• Chinese folk art
• Eastern art history
• History of China
  • Four Olds
• List of Chinese cultural relics forbidden to be exhibited abroad
• List of Chinese women artists
• Fruit pit carving
• Tian-tsui
• Jue
• Jian
• Oil paper umbrella
• Wuxia

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