日本の音楽

日本では、音楽には伝統的なものから現代的なものまで、多種多様なジャンルが含まれます。日本語で「音楽」は「音楽」で、漢字の「音」と「楽」を組み合わせたものです。^[1] 日本は、物理メディア上の音楽の世界最大の市場であり^[要出典]、2017年の小売価値が27億米ドルで、音楽全体では世界第2位の市場です。 ^[2]

最も古い日本の伝統音楽は次のとおりです。

• 声明(または聲明)、または仏教の読経
• 雅楽、またはオーケストラの宮廷音楽

どちらも奈良時代(710 ～ 794 年) と平安時代 (794 ～ 1185 年) のものです。^[3] 雅楽は平安時代から宮廷で演奏されてきました。^[4]神楽歌、東遊び、大和歌は土着のレパートリーです。唐楽は、中国の唐時代(618 ～ 907 年) のスタイルに似ていると言われています。駒楽は朝鮮半島から来たのかもしれない。^[5] さらに、雅楽は管弦（器楽）と舞楽（雅楽に伴う踊り）に細分されます。

侍はこれらの音楽を聴き、演奏することで、生活を豊かにし、理解を深める習慣があった。^[6]

琵琶（中国語：pipa ）は、短い首を持つリュートの一種で、旅回りの演奏家（琵琶法師）のグループによって演奏されていました。琵琶音楽のルーツは平家物語です。^[7]琵琶法師はギルドのような協会を組織しました。琵琶は日本の伝統的な楽器です。^[要出典]

ラフカディオ・ハーンは著書『怪談』（1903年）の中で、「耳なし芳一」という、盲目の琵琶法師が『平家物語』を演じる日本の怪談を紹介しています。^[7]

瞽女として知られる盲目の女性は中世から旅回り、歌を歌い、膝の上で太鼓を叩いて伴奏を演奏した。^[要出典] 17世紀からは瞽女は琴や三味線を演奏するようになった。瞽女の組織は各地に生まれ、21世紀まで新潟県に存在した。^[要出典]

和太鼓は日本の太鼓で、様々なサイズがあり、様々な音楽ジャンルで使用されています。近年では、過去の様々な民俗音楽や祭礼音楽をレパートリーとする打楽器アンサンブルの中心楽器として特に人気が高まっています。このような太鼓音楽は、組太鼓と呼ばれる大規模な太鼓アンサンブルによって演奏されます。その起源は定かではありませんが、7世紀にまで遡ることができ、その時代には土製の太鼓奏者の像がその存在を記録しています。その後、中国の影響を受けましたが、楽器とその音楽は日本独自のものであり続けました。^{[8]この時期の太鼓は、戦闘中に敵を威嚇したり、命令を伝えたりするために使用されました。太鼓は、}仏教や神道の宗教音楽でも引き続き使用されています。過去には、演奏者は聖職者であり、特別な機会や小グループでのみ演奏していましたが、やがて世俗の男性（まれに女性）も盆踊りなどの半宗教的な祭りで太鼓を演奏するようになりました。

現代のアンサンブル太鼓は、 1951年に大口大八によって発明されました。^[9]ジャズドラマーであった大口は、自身の音楽的背景を、自らがデザインした大規模なアンサンブルに取り入れました。彼のエネルギッシュなスタイルにより、彼のグループは日本全国で人気を博し、北陸地方は太鼓音楽の中心地となりました。この人気の波から生まれた音楽グループには、小林誠道によって設立された大江戸助六太鼓などがあります。1969年には、座・鬼太鼓座と呼ばれるグループが登場しました。座・鬼太鼓座は、共同生活様式として使われていた新しいルーツリバイバル太鼓を革新した若い演奏者を集めました。1970年代には、日本政府が日本文化を保存するために資金を割り当て、多くの地域の太鼓グループが結成されました。世紀の後半には、太鼓グループは世界中に広がり、特に米国に広まりました。ビデオゲーム「太鼓の達人」は太鼓をテーマにしています。

日本の民謡はさまざまな方法でグループ化および分類できますが、主に次の 5 つのカテゴリに分けると便利です。

• 漁師の労働歌、農夫の労働歌
• 子守唄
• 宗教的な歌（神道の音楽の一種である佐藤神楽など）
• 結婚式、葬式、祭り（特にお盆）などの集まりで使われる歌
• わらべうた​​

民謡では、三味線と呼ばれる3弦の楽器、太鼓、尺八と呼ばれる竹の笛が歌手の伴奏としてよく使われる。^[10]伴奏として使われる他の楽器としては、篠笛と呼ばれる横笛、鐘と呼ばれる鈴、鼓と呼ばれる手鼓、琴と呼ばれる13弦の琴などがある。沖縄では三線が主な楽器である。これらは日本の伝統的な楽器だが、現代ではエレキギターやシンセサイザーなどの現代的な楽器も使われており、演歌歌手が伝統的な民謡をカバーすることもある（演歌は日本の音楽ジャンルの一つである）。^[11]

音頭は、一般的に、2/4 拍子のリズムとして聞こえる独特のスイングのある民謡を指します(ただし、演​​奏者は通常、ビートをグループ化しません)。お盆の踊りで聞かれる典型的な民謡は、通常、音頭です。節 (「メロディー」または「リズム」) は、独特のメロディーを持つ歌です。この単語が単独で使用されることはめったになく、通常は職業、場所、個人名などを指す用語が接頭辞として付きます。盆唄は、死者の灯籠祭りであるお盆の歌です。子守唄は子守唄です。民謡の曲名には、通常、最後に説明的な用語が含まれることがよくあります。たとえば、東京音頭、串本節、北海盆唄、五木の子守唄などです。

これらの歌の多くには、特定の音節に余分な強勢が置かれ、また、高低のある叫び声 (かけ声) も含まれています。 かけ声は一般的には歓声ですが、民謡では、しばしばコーラスの一部として含まれています。かけ声は数多くありますが、地域によって異なります。 たとえば、沖縄民謡では、「はーいやささ!」という一般的な言葉が登場します。 しかし、日本本土では、「あよいしょ!」「さて!」「それ!」の方が一般的です。 他には、「あどんとこい!」「どこいしょ!」などがあります。

近年、民謡の一部では、家元制度として知られるギルド制が実施されている。この制度は、もともと長唄、尺八、箏曲などの古典音楽の継承のために開発されたが、教師にとって利益をもたらし、技能検定を取得したい生徒にも支持されたため、民謡、津軽三味線、伝統的に非公式に継承されてきた他の音楽形式などにも広がり続けている。今日では、民謡の中にはこのような疑似家族組織で継承されているものもあり、長い徒弟制度が一般的である。

ウムイ（宗教歌）、シマ唄（踊り歌）、そして特にカチャーシー（陽気な祝祭音楽）は、すべて島で人気がありました。沖縄の民謡は、日本本土の民謡とはいくつかの点で異なります。

沖縄の民謡には三線が伴奏として使われることが多いが、日本本土では三味線が伴奏として使われる。その他の沖縄の楽器としては、サンバ （カスタネットに似たカチカチという音を出す）、太鼓、指笛と呼ばれる鋭い指笛などがある。

日本本土の民謡では、ペンタトニックスケールがよく使われる。このペンタトニックスケールでは、サブドミナントとリーディングトーン（西洋の長音階の音階度4と7 ）が省略され、各音の間に半音がない音階となっている（ソルフェージュではド、レ、ミ、ソ、ラ、または音階度1、2、3、5、6）。しかし、沖縄民謡では、西洋音楽の分野で分析すると、前述のペンタトニックスケールで省略された半音を含む音階が使用されている。実際、沖縄民謡で最も一般的な音階は、音階度1、2、3、4、5、6、7を含む。

明治維新で西洋音楽の教育が導入された後、伊沢修二は公教育で使用するために「オール・ラング・サイン」などの歌曲を編纂した。 ^[12]この時期に発展した2つの主要な音楽形式は、学校に西洋音楽を取り入れるために作曲された唱歌と軍歌であった。^[13]

19世紀後半、日本が代議制民主主義へと移行するにつれ、指導者たちは自分たちのメッセージを歌った歌を売るために歌手を雇った。指導者自身は公の場で話すことが禁じられていたからだ。「ドドンパ」と呼ばれる日本独特のタンゴが生まれた。歌謡曲は演歌の影響を受けた日本の伝統的な構造と結びつくようになった。有名な演歌歌手には、美空ひばり、北島三郎、吉幾三、三波春夫 などがいる。

伊沢修二（1851-1917）はブリッジウォーター師範学校とハーバード大学で音楽を学び、明治時代（1868-1912）の西洋の影響を受けた日本音楽の発展に重要な役割を果たした。1879年に帰国した伊沢は、西洋音楽の国立研究機関である音楽取調掛を設立した。これは後に東京音楽学校と改名された。1880年、伊沢のアメリカ人の友人であり教師であったルーサー・ホワイティング・メイソンが2年間の任期でその職に就いた。山田耕筰、中田喜直、武満徹は、現在日本クラシック音楽として知られる音楽を次々と発展させた日本の作曲家である。^[14]

西洋のクラシック音楽は日本で強い存在感を確立し、日本はこの音楽の伝統にとって最も重要な市場の一つとなった。^[15] 武満徹は前衛音楽、現代クラシック音楽、映画音楽を作曲した。^[16]

• 広島交響楽団
• 兵庫芸術文化センター管弦楽団
• 日本フィルハーモニー交響楽団
• 神奈川フィルハーモニー管弦楽団
• 名古屋フィルハーモニー交響楽団
• 新日本フィルハーモニー交響楽団
• NHK交響楽団
• オーケストラアンサンブル金沢
• 大阪フィルハーモニー交響楽団
• 大阪紫音ウインドオーケストラ
• 札幌交響楽団
• 東京佼成ウインドオーケストラ
• 東京都交響楽団
• 東京フィルハーモニー交響楽団
• 東京交響楽団
• 読売日本交響楽団

伝統的な交響楽団の他に、日本は吹奏楽の分野でも国際的に有名である。^[17]全日本吹奏楽連盟は国内の吹奏楽コンクールの統括団体である。

1930年代以降（第二次世界大戦中は敵国の音楽として弾圧されたが）^{[18] [19]、}ジャズは日本で強い存在感を維持した。^{[20]日本はジャズの重要な市場であり、}米国やヨーロッパでは入手できないレコードが日本で入手できることはよくある。ジューン（日本生まれ）や渡辺貞夫など、多くの日本のジャズミュージシャンは母国国外でも大きなファン層を持っている。^[要出典]

J-POPは、 Japanese Popの略で、1990年代に日本の音楽の主流となった、緩く定義された音楽ジャンルです。J-POPは、ビートルズなどの1960年代のポップやロックミュージックにルーツがあり、1970年代のロックバンドはロックと日本の音楽を融合させました。^[21] J-POPは、 1970年代後半にサザンオールスターズなどの日本のニューウェーブバンドによってさらに定義されました。 ^[22]最終的に、J-POPは日本の音楽シーンで歌謡曲（「抒情歌曲」、1920年代から1980年代の日本のポップミュージックを指す用語）に取って代わりました。^[23]この用語は、日本の音楽を外国の音楽と区別するために日本のメディアによって造られました。

日本のアイドルミュージシャンは市場の重要な部分を占めており、ガールズグループやボーイズバンドは定期的にシングルチャートのトップを占めています。これらには、2008年と2009年にシングルの売上トップを獲得したボーイズバンドの嵐や、 2010年代に毎年シングルの売上トップを獲得したガールズグループAKB48が含まれます。 ^[要出典] 2010年代末以降、ますます多くのアイドルグループが登場しました。彼らの成功は「アイドル戦国時代」と呼ばれることもあります。^[24] 2014年には、ももいろクローバーZのライブコンサートに約486,000人が参加し、この年の女性ミュージシャンの最高記録となりました。^[25]新型コロナウイルス感染症のパンデミック以降、多くのアイドルグループの売上が急落しています。例えば、AKB48のシングルの売上枚数は、1枚あたり100万枚以上から30万枚程度に落ち込んでいる一方、乃木坂46、櫻坂46、日向坂46などのグループは、最近のシングルの平均売上枚数が50万枚から70万枚と、それほど落ち込んでおらず、2020年代の日本のアイドルグループの中で最も人気があるグループとなっている。

1984年、アメリカのミュージシャン、マイケル・ジャクソンのアルバム「スリラー」は、日本のオリコンチャート史上初めて100万枚以上を売り上げた西洋アーティストのアルバムとなった。^{[26]彼のスタイルは日本の}ダンスミュージックのモデルの一つとして挙げられ、エイベックス・グループのミュージシャンやダンサーの人気を牽引した。^[要出典]

1990年、エイベックストラックスは日本でスーパーユーロビートシリーズの発売を開始しました。日本におけるユーロビートは、グループダンス形式パラパラの人気を牽引しました。 1990年代にはEvery Little Thingや浜崎あゆみなどのエイベックスのアーティストが人気を博しましたが、1990年代後半には宇多田ヒカルとモーニング娘。が登場しました。宇多田ヒカルのデビューアルバム「First Love」は700万枚以上を売り上げ、日本で最も売れたアルバムとなり、浜崎あゆみは日本で最も売れた女性ソロアーティストとなり、モーニング娘。は今でも日本のポップミュージック業界で最も有名なガールズグループの1つです。

1960年代には、多くの日本のロックバンドが西洋のロック、アパラチアのフォークミュージック、サイケデリックロック、モッドなどのジャンルの影響を受け、グループサウンズ（GS）と呼ばれる現象が起こりました。ジョン・レノンは日本で最も人気のある西洋のミュージシャンの一人になりました。^[27] 1960年代後半には、テンプターズ、タイガース、ゴールデンカップス、スパイダーズ、ジャガーズ、オックス、ヴィレッジ・シンガーズ、カーナビーツ、ワイルドワンズ、モップス^[28]などのグループサウンズバンドが人気を博しました。^[29]グループサウンズのブームの後には、フォークシンガーソングライターが登場しました。タイガースは、その時代で最も人気のあるグループサウンズバンドでした。後に、タイガース、テンプターズ、スパイダーズのメンバーの一部が、日本初のスーパーグループ、 ピグを結成しました。

沢田研二と萩原健一は、1970年代前半に、パワーハウス、ブルースクリエイションなどのロックバンドや、70年代後半のムラサキ、コンディショングリーン、バウ・ワウなどのハードロックバンドと共にソロキャリアをスタートしました。キャロル（矢沢永吉率いる）、RCサクセション、ファニーカンパニーは、ロックサウンドの定義に貢献しました。70年代後半には、クリエイションとCharがジェフ・ベック風のロックを演奏しました。60年代後半から、主に70年代にかけて、ミュージシャンはロックにアメリカンスタイルのフォークやポップスの要素を混ぜ合わせ、アコースティックギターを頻繁に使用することから、通常はフォークロックと呼ばれました。これには、チューリップ、バンバン、ガロなどのバンドが含まれます。ロックアーティストには、初期のサザンオールスターズが含まれます。

日本のミュージシャンは1970年代にエレクトロニック・ロックの実験を始めました。最も有名なのは冨田勲で、1972年のアルバム「Electric Samurai: Switched on Rock」では、現代のロックやポップソングの電子シンセサイザーによる演奏をフィーチャーしています。^[30]その他の初期のエレクトロニック・ロック・レコードの例には、井上陽水のフォークロックとポップロックのアルバム「Ice World」（1973年）や、喜多嶋修のプログレッシブ・サイケデリック・ロックのアルバム「弁財天」（1974年）があり、どちらも細野晴臣の協力によるものです。 [ ^{31] [32]細野は後に1977年にエレクトロニック音楽グループ「イエロー・マジック・バンド」（後に}イエロー・マジック・オーケストラとして知られる）を結成しました。 ^[33]

1980年代には、尾崎豊が若いロックファンの間で人気を博しました。CCB、東京ジャップ、レッドウォリアーズなどのポップロックグループがヒット曲を出しました。Boøwyは、少年ナイフ、ザ・ピロウズ、タマ&リトル・クリーチャーズなどのオルタナティブロックバンドや、ボアダムスなどの実験的なバンド、 GLAYなどの主流のバンドに影響を与えました。 1980年、アメリカ人ミュージシャンのフルオマとライ・クーダーは、前述の沖縄のバンド、チャンプルースの原動力である喜納昌吉とロックアルバムでコラボレーションしました。その後にサンディー&ザ・サンセッツが続き、日本と沖縄の影響をさらにミックスしました。また、1980年代には、日本のメタルバンドやロックバンドがヴィジュアル系と呼ばれるムーブメントを生み出し、その歴史の中でX Japan、BUCK-TICK、LUNA SEA、マリス・ミザーなどのバンドに代表され、近年、そのうちのいくつかは国内外で成功を収めています。

1990年代には、B'z、Mr.Children、L'Arc～en～Ciel、GLAY、サザンオールスターズ、ジュディアンドメリー、Tube、スピッツ、ワンズ、T-Bolan、Field of View、Deen、リンドバーグ、シャ乱Q、the Yellow Monkey、the Brilliant Green、Dragon Ashなどの日本のロックミュージシャンが商業的に大きな成功を収めました。^{[要出典] B'zは、}オリコンが集計を開始して以来、日本の音楽で最も売れているアーティストであり、 ^[要出典] Mr.Childrenがそれに続いています。^{[要出典] 1990年代には、ポップソングが}映画、アニメ、テレビ広告、ドラマ番組で頻繁に使用され、日本のベストセラーの一部になりました。^[要出典]使い捨てポップスの台頭はカラオケの人気と結び付けられており、カラオケが消費主義的であるという批判につながっている。ザ・ブームの宮沢和史は「買って聴いて捨ててカラオケバーで歌うという考え方を嫌う」と述べた。ビジュアル系バンドの中では、継続的な成功によりステージ上の衣装を控えめにしたルナシーが非常に成功したが、マリスミゼル、ラクリマクリスティ、シャズナ、ヤンヌ・ダルク、ファナティック・クライシスも1990年代後半に商業的な成功を収めた。^[要出典]

ロックバンドのスーパーカーは、「21世紀の日本のインディーロックにとってほぼ基礎的な重要性を持つ」と評され、^[34] 1998年に影響力のある最初のアルバムをリリースしました。 ^[35]彼らは2005年まで活動を続け、後のアルバムにはよりエレクトロニックロックが収録されました。^[35]

最初のフジロックフェスティバルは1997年に開幕しました。ライジングサンロックフェスティバルは1999年に開幕しました。サマーソニックフェスティバルとロック・イン・ジャパンフェスティバルは2000年に開幕しました。2000年代のロックシーンはそれほど強力ではありませんでしたが、バンプオブチキン、アジアンカンフージェネレーション、ワンオクロック、FLOW、オレンジレンジ、ラッドウィンプス、サンボマスター、レミオロメン、ユーバーワールド、アクアタイムズなどのバンドが成功を収めました。オレンジレンジはヒップホップにも進出しました。B'z、ミスターチルドレン、GLAY、ラルクアンシエルなどの定評のあるバンドは引き続きチャートのトップにランクインしましたが、長年にわたって高い売上を維持しているバンドはB'zとミスターチルドレンだけです。

日本のロックには活気のあるアンダーグラウンド・ロック・シーンがあり、^{[要出典]、}ボアダムスやメルト・バナナなどのノイズ・ロック・バンド、ボリスなどのストーナー・ロック・バンド、アシッド・マザーズ・テンプルなどのサイケデリック・ロック・バンド、少年ナイフ（欧米ではカート・コバーンが支持した）、ピチカート・ファイヴ、ザ・ピロウズ（1999年に映画「フリクリ」のサウンドトラックで世界的に注目を集めた）などのオルタナティブ・バンドで国際的によく知られている。イースタン・ユース、ザ・バンド・アパート、ナンバー・ガールなどのより伝統的なインディー・ロック・アーティストは日本である程度の成功を収めたが^[要出典]、母国国外ではほとんど認知されていない。その他の注目すべき国際ツアー中のインディー・ロック・バンドには、Monoやにせんねんもんだいなどがある。

パンク・ロックの初期の例としては、SS、スター・クラブ、ザ・スターリン、INU  [ja]、ガセネタ [ja]、ボムファクトリー、リザード（ザ・ストラングラーズがプロデュース）とフリクション（ギタリストのレックは東京に戻る前にティーンエイジ・ジーザス・アンド・ザ・ジャークスで活動していた）、ブルーハーツなどがある。初期のパンクシーンは石井聰亨が撮影しており、彼は1982年にパンクバンドやミュージシャンを起用した映画『爆裂都市』を監督し、ザ・スターリンのミュージックビデオも撮影した。1980年代には、 GISM、ガーゼ、コンフューズ、リップクリーム、システマティック・デスなどのハードコアバンドが登場し始め、クロスオーバーの要素を取り入れたものもあった。^[要出典]インディーズシーンには、アブラダコ、P-モデル、有頂天、オート・モッド、バックティック、ゲルニカ、ヤプーズ（どちらも戸川純が参加）、G-シュミット、突っ張りダンボール、じゃがたらなどの多様なオルタナティブ/ポストパンク/ニューウェーブアーティストや、非常階段や花垂らしなどのノイズ/インダストリアルバンドも含まれていた。

1990 年代後半から 2000 年にかけて活躍したスカ パンク バンドには、シャカラビッツや175R (「イナゴ ライダー」と発音) などがあります。

日本はメタルバンドにとって成功した市場です。注目すべき例としては、ジューダス・プリーストの『Unleashed in the East』、ディープ・パープルの『Made in Japan』、アイアン・メイデンの『Maiden Japan』、マイケル・シェンカー・グループの『One Night at Budokan』、ドリーム・シアターの『Live at Budokan』などがあります。

日本のメタルは1970年代後半に登場し、1975年にギタリスト山本恭司によって結成されたBow Wowや、1981年にギタリスト高崎晃によって結成されたLoudnessなどのバンドがその先駆けとなった。Earthshaker 、Anthem、44 Magnumなどの同世代のバンドは、80年代半ばになってようやくデビューアルバムをリリースした。海外での最初のライブは、1978年の香港でのBow Wow 、1982年のモントルー・ジャズ・フェスティバル、イギリスのレディング・フェスティバルであった。 ^[36] 1983年、Loudnessは米国とヨーロッパをツアーした。1985年、日本のメタルバンドが初めて米国の大手レーベルと契約した。1985年と1986年にリリースされたアルバム『Thunder in the East』と『Lightning Strikes』は、それぞれ74位（本国のオリコンチャートでは4位）、ビルボード200チャートで64位を記録した。 ^{[37] [38]} 80年代の終わりまで、米国でアルバムをリリースしていたのは、 EzoとDead Endの2つのバンドだけだった。80年代には、寺田恵子が率いる女性だけのバンドShow-Yaや、赤尾和枝がボーカルのTerra Rosaなど、女性メンバーがいるバンドはほとんどなかった。1989年9月、Show-Yaのアルバム『 Outerlimits』がリリースされ、オリコンアルバムチャートで3位に達した。^[39]ヘビーメタルバンドは1980年代後半にピークを迎え、その後1990年代半ばまでに多くが解散した。

1982年には、歌舞伎風のメイクをした聖飢魔IIや、ビジュアル系として知られる日本のムーブメントの先駆けとなり、最も売れたメタルバンドとなったX JAPANなど、日本初のグラムメタルバンドがいくつか結成された。 ^[40] 1985年、聖飢魔IIのアルバム『聖飢魔II ～悪魔が来たりてヘビーメタル～』がリリースされ、オリコンアルバムチャートで48位に達したものの、日本のメタルバンドとして初めて10万枚を超える売上を記録した。彼らのアルバムは1990年代半ばまでトップ10に定期的にランクインした。1989年4月、X JAPANの2枚目のアルバム『Blue Blood』がリリースされ、6位となり、チャートインから108週間後に712,000枚を売り上げた。^[41] 3枚目で最も売れたアルバム『Jealousy』は1991年7月にリリースされた。このアルバムはチャートのトップに立ち、111万枚を売り上げた。^[41] 2枚のナンバーワンスタジオアルバム『Art of Life 』と『Dahlia』、シングルコンピレーション『X Singles』はいずれも50万枚以上を売り上げ、^[42] 1997年に解散するまでに13曲のトップ5シングルを売り上げた。^[43]

日本のメタルは、2014年に「カワイイメタル」バンドBABYMETALの成功により世界的に注目されるようになった。彼女たちは「ギミチョコ!! 」のようなYouTubeでヒットした曲をレコーディングしたほか、イギリスのソニスフィア・フェスティバル2014やカナダのヘビー・モントリオールでメタリカやスレイヤーらと共演するなど、国際的なパフォーマンスも行った。BABYMETALは、レディー・ガガのArtRave: The Artpop Ball 2014ツアーの5つのコンサートのオープニングアクトを務めた。^{[44] [45] BABYMETALは、} Kerrang!のThe Spirit of Independence AwardやMetal HammerのBreakthrough Band Awardなど、数々の賞を受賞した。 ^[46]

日本のエクストリームメタルバンドは、アメリカやヨーロッパの流行を受けて結成されたが、1990年代まで大きな注目を集めることはなく、このジャンルは日本ではアンダーグラウンドの形をとっていた。^[要出典]最初のスラッシュメタルバンドは、デスメタルの要素を取り入れた音楽を持つUnitedやOutrageのように、1980年代初頭に結成された。 United は、1995年9月にロサンゼルスのメタルフェスティバル「Foundations Forum」で演奏し、北米で数枚のアルバムをリリースした。 1980年代半ばに結成されたDoom は、 1988年10月にアメリカのCBGBで演奏し、2000年に解散するまで活動していた。

ブラックメタル音楽を演奏した最初のバンドは、現在も活動しているSabbatと、1990年代初頭まで活動していたBellzllebです。その他の有名なバンドとしては、 Sigh、Abigail、Gallhammer などがあります。

ドゥームメタルは日本でも人気を集めました。日本のドゥームメタルバンドで最も有名なのは、Church of MiseryとBorisです。どちらも国外でかなりの人気を得ました。

2000年代には、東京のクリスタル・レイク、名古屋出身のコールドレインやデスゲイズ、神戸のフィアー・アンド・ロージング・イン・ラスベガス、大阪のクロスフェイスなどの日本のメタルコアバンドが結成されました。

ヒップホップは1980年代後半に登場し、現在も盛んに行われている。これは主に音楽界が「日本語の文章はアメリカのラッパーの曲にあるような韻を踏む効果を生み出せない」と考えていたためである。^[47]

ナイトクラブである現場のステージでは、さまざまな「ファミリー」のラッパーがパフォーマンスを披露する。ファミリーとは、基本的には東京の有名アーティストが率いるラップグループの集まりで、そのなかには弟子も含まれる。^[48]ファミリーが重要なのは、「グループ間のスタイルの違いを理解する鍵」だからだ。^[48]観客のヒップホップファンがクラブを支配している。ステージ上のラップコンテストで勝者を決めるのは彼らだ。その一例として、ラップアーティストのDabo (メジャーレーベルのアーティスト) とKan (インディーズアーティスト) の戦いがあげられる。Dabo のパフォーマンス中に Kan が Dabo に挑戦した。ここで取り上げたイベントは、「シーンの開放性とクラブの境界の流動性」を示した。^[49]

グライムはイギリスのエレクトロニック音楽のジャンル^{[50] [51]}で、2000年代初頭に登場したUKガレージやジャングル^[52]から派生したもので、ダンスホール、ラガ、ヒップホップの影響を受けています。^{[53]このスタイルは、一般的に}140bpm前後の高速でシンコペーションされたブレイクビーツが特徴で、^{[52] [54]}攻撃的またはギザギザしたエレクトロニックサウンドを特徴とすることがよくあります。^[55]ラップは重要な要素であり、歌詞は都市生活のざらざらした描写を中心に展開されることが多いです。^[56]

2004年、日本のDJがグライムをプレイし始めた。^[57] 2008年には、主に大阪出身のMCが登場し始めた。MCは、イギリスのグライムクルーRoll Deepと彼らのミックステープRules And Regulationsに触発された。大阪のMCは、先駆者であるMC Dekishi、MC Duff、MC Tacquilacciで構成されていた。^{[58] [59]} MC Dekishiは、2009年に「Grime City Volume 1」というタイトルの史上初の日本のグライムミックステープをリリースした。^[57]大阪のMCは非常に速いラップをすることで知られている。^{[60]東京の}渋谷では、 Carpainter、Double Clapperz、MC ONJUICY、PAKIN、Sakana Lavendaが率いる別のシーンが生まれた。 ^[58]

日本のシンセポップは、クラフトヴェルクなどのドイツのエレクトロニックやテクノのアーティストの影響を受けています。ヒカシュー、P-モデル、プラスチックスなどのニューウェーブやシンセポップのバンドが人気でした。1970年代から80年代にかけてポップミュージックで知られていた多くのミュージシャンが、CCBや矢野顕子などテクノの制作に転向しました。1990年代には電気グルーヴが結成され、日本のエレクトロニカシーンの主力となりました。ポリシックスなどのアーティストは、この時代に明確な敬意を表しています。カプセルの中田ヤスタカは、国内外で成功を収めた人気のエレクトロポップバンド、パフュームやきゃりーぱみゅぱみゅの舞台裏で関わっており、特にきゃりーは「カワイイ原宿大使」と呼ばれていました。

Kawaii Future Bass はFuture Bassのサブジャンルで、全体的に明るいサウンドで日本文化に大きく影響を受けており、日本語の歌詞やアニメや漫画への言及が含まれることが多い。2015年頃からSnail's Houseによって主に先駆けて成功し始めた。海外における日本の影響力の高まりにより、Kawaii Future Bass は世界中で人気を博した。

1980年代後半には、シャンシャンタイフーンやザ・ブームなどのルーツバンドが人気を博した。ネーネスやキーナなどの沖縄ルーツバンドも商業的にも批評的にも成功を収めた。これが、リンケンバンドの突然の成功に先導された沖縄音楽の第二波につながった。河内屋菊水丸率いるチャンプルスやキーナのカムバックなど、バンドが続いた。河内音頭によく似ているのが、桜川忠丸の郷州音頭である。

Jカントリーは、1960年代に西洋音楽が世界的に人気を博した時代に生まれたJポップの一種である。^[61]任天堂やソニーなどの大手企業は、日本国内でカントリー音楽や西洋音楽を制作し続けている。^{[62] [63]}

インドネシア、ジャマイカ、その他の音楽が同化されました。オルケスタ・デ・ラ・ルス（オルケスタ・デ・ラ・ルス）のようなアフリカのスークースやラテン音楽は、マイス・ティース、ミュート・ビート、ラ・ピッシュ、ホーム・グロウン、スカ・フレイムス、ディテミネーションズなどに代表されるジャマイカのレゲエやスカと同様に人気がありました。そして東京スカパラダイスオーケストラ。

日本の音楽として知られているもうひとつの形式はノイズミュージックで、日本人アーティストが作ったノイズミュージックを指す場合はジャパノイズとも呼ばれています。この形式の最も有名な代表者には、メルツバウ、マゾンナ、ハナタラシュ、ゲロゲリゲゲなどがいます。この音楽の挑戦的な性質にふさわしく、ノイズミュージックの演奏者の中には、身体的な怪我、楽器の破壊、演奏会場の損傷など（ただしこれらに限定されない）を含む、ステージ上での過激な行動で悪名高い人もいます。

映画、アニメ、特撮、ドラマのテーマ曲は、別の音楽ジャンルとみなされている。あらゆるジャンルのミュージシャンやバンドが日本のテレビや映画のテーマ曲をレコーディングしてきたが、多くのアーティストやグループがキャリアのほとんどを視覚メディアのテーマ曲の演奏やサウンドトラックの作曲に費やしてきた。そのようなアーティストには、子門真人（「およげ!たいやきくん」で日本で最も成功したシングルの世界記録保持者） ^{[64] 、}水木一郎、 JAM Projectの全メンバー（電撃戦隊チェンジマンやドラゴンボールZのオープニングを歌った影山ヒロノブなど）、串田アキラ、Project.Rのメンバー、ささきいさお、堀江美都子などがいる。日本のテーマ音楽の著名な作曲家としては、久石譲、大島ミチル、菅野よう子、佐橋俊彦、梶浦由記、中川幸太郎、菊池俊輔、林ゆうきなどが挙げられる。

最初の電子ゲームが販売されたとき、音楽を作成するための基本的なサウンドチップが搭載されていました。技術が進歩するにつれて、品質は劇的に向上しました。 最初に自分の音楽の功績を認められたゲームはゼビウスで、これは（当時）深く構築されたストーリーでも注目されていました。 ビデオゲーム音楽の歴史の中で最も重要なゲームの1つはドラゴンクエストです。サイボーグ009や長編映画ゴジラ対ビオランテを含むさまざまなアニメやテレビ番組の作曲をしたすぎやまこういち は、好奇心からこのプロジェクトに参加し、ゲームに本格的なサウンドトラックを付けることができることを証明しました。彼が参加するまでは、ビデオゲームの開発では音楽とサウンドがしばしば無視され、音楽の知識がほとんどないプログラマーがサウンドトラックも書かざるを得ませんでした。 技術的な限界にひるむことなく、すぎやまは8パートポリフォニーのみで、何時間もゲームをプレイしてもプレイヤーを疲れさせないサウンドトラックを作成しました。

よく知られているゲーム音楽の作者は植松伸夫です。植松がファミコン（米国ではNintendo Entertainment System）のゲームシリーズ、ファイナルファンタジー用に作曲した初期の作品は、フルオーケストラスコア用に編曲されました。2003年に、彼はロックベースの曲を元のMIDIフォーマットから取り出し、 Black Magesを作成しました。 光田康典は、ゼノギアス、ゼノサーガ エピソードI、クロノクロス、クロノトリガーなどのゲームの音楽を作曲しています。任天堂のサウンドマネージャーである近藤浩二は、ゼルダとマリオのテーマ曲を書きました。瀬上純はソニックザヘッジホッグの曲を作曲しました。彼はまた、ソニックアドベンチャー、ソニックアドベンチャー2、ソニックヒーローズ、シャドウザヘッジホッグ、ソニックと暗黒の騎士、およびその他のソニックゲームのテーマソングを作成したことで知られるクラッシュ40のメインギタリストでもあります。桜庭統は、 『テイルズオブ』、『ダークソウル』 、『エターナルソナタ』、『スターオーシャン』、『ヴァルキリープロファイル』、『黄金の太陽』、『バテン・カイトス』などのゲームのほか、数多くのマリオスポーツゲームの作曲を担当しました。古代祐三は、『リベンジ・オブ・シノビ』や『ベア・ナックルズ』シリーズ などのゲームで、電子音楽風のサウンドトラックを作曲しました。

宇多田ヒカル、水樹奈々、BoAなどのポップ歌手がゲームで歌うこともあります。

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• ジョンソン、H.編（2024）。『近代日本音楽ハンドブック』ライデン：ブリル社。
• マルム、ウィリアム P. (1959)、「日本の音楽と楽器(第 1 版)」、東京およびバーモント州ラトランド: CE Tuttle Co.
• マルム、ウィリアム・P.（1963）「長唄：歌舞伎音楽の心」、コネチカット州ウェストポート：グリーンウッド・プレス、hdl：2027/mdp.39015007996476、ISBN 9780837169002

• (フランス語)オーディオクリップ: 日本の伝統音楽。ジュネーブ民族学博物館。 2010 年 11 月 25 日にアクセス。
• BBCラジオ3オーディオ（60分）：民謡歌手と太鼓の演奏。2010年11月25日にアクセス。
• BBC Radio 3 音声 (60 分): 知名貞夫、ガネコヨリコ、ザ・リンケンバンド。 2010 年 11 月 25 日にアクセス。
• columbia.jp – 日本の伝統音楽
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• 日本の舞台芸術特別興味グループ、民族音楽学会（日本の音楽と舞台芸術を研究する国際的な学者のグループ）