ポリクローム

ポリクロームとは、「建築要素や彫刻などを様々な色で装飾する手法」です。^{[1]この用語は、特定の}スタイルの建築物、陶器、彫刻を複数の色で 装飾することを指すために使用されます。

古代やヨーロッパ中世の芸術作品や建築物を見ると、人々はそれがモノクロームであると信じがちです。実際には、ルネサンス以前の過去は色彩に満ちており、現在では白、ベージュ、または灰色となっているすべてのギリシャ・ローマ彫刻やゴシック様式の大聖堂は、当初は明るい色で塗装されていました。アンドレ・マルローは次のように述べています。「アテネは決して白ではなかったが、色彩を失ったその彫像は、ヨーロッパの芸術的感受性を条件付けてきた。[...] 過去全体が無色のまま私たちに伝わってきた。」^{[2]多色彩は、}西洋世界に限られた慣習ではありませんでしたし、今もそうであるわけではありません。中国の寺院、オセアニアの ウリ像、マヤの陶器の花瓶など、西洋以外の芸術作品も色彩で装飾されています。

他の地域の古代美術と同様に、古代近東の美術は多色彩で、明るい色彩がよく使われていました。今日では多くの彫刻が元の色彩を失っていますが、それを保っている例もまだあります。最も優れたものの 1 つが、バビロン市内(現在のイラク、バビル県、ヒッラの地域) への 8 番目の門であるイシュタル門です。この門は、紀元前 575 年頃、ネブカドネザル 2 世の命により、街の北側に建設されました。この門は、街に通じる壮大な壁で囲まれた行列の道の一部でした。壁が施釉レンガで作られていたため、色彩は当時と同じように豊かです。

古代近東の彫刻の多くも色彩が塗られていました。今日では灰色ですが、王宮を飾った アッシリアのレリーフはすべて非常に彩度の高い色彩で描かれていました。

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  ニムルド（現在のイラク）の北西宮殿のギョーシェ模様の縁取りが施されたアッシリアのタイル、紀元前883-859年、釉薬をかけた陶器、大英博物館、ロンドン^[3]
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  イシュタル門の再建、紀元前605-539年頃、施釉レンガ、ペルガモン博物館^[4]
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  アッシリア宮殿のホールの再現、サー・オースティン・ヘンリー・レイヤード作、1849年
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   アルベール・ラシネ[fr]著『L'Ornement Polychrome』より、アッシリアの模様とモチーフ、1888年
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  ペルガモン博物館にある、当初の姿を示す色彩が投影されたアッシリアのパネル。色彩は数千年の間に消え、19世紀に行われた遺物の過度な清掃によって損傷を受けた。

エジプトの乾燥した気候のおかげで、円形彫刻、レリーフ、絵画、その他さまざまな古代の彫刻の本来の色彩がよく保存されている。古代エジプトの建築物で最もよく保存されている例のいくつかは、内部が鮮やかな色彩で描かれたレリーフ彫刻やフレスコ画で覆われた墓である。エジプトの芸術家は、主に黒、赤、黄、茶、青、緑の顔料を使用していた。これらの色彩は、粉砕した鉱物、合成材料（エジプシャンブルー、エジプシャングリーン、ガラスや陶磁器の釉薬を作るのに使われるフリット）、炭素ベースの黒色（すすや木炭）から作られたものである。鉱物のほとんどは、地元の供給源から入手できた。たとえば、酸化鉄顔料（赤黄土、黄黄土、アンバー）、エジプトの広大な石灰岩の丘陵地帯で見つかる炭酸カルシウムから作られた白、アズライトとマラカイトから作られた青と緑である。

装飾的な効果のほかに、色彩は象徴的な意味合いでも使われた。彫刻、棺、建築物に描かれた色彩は美的価値と象徴的価値の両方を持っていた。古代エジプト人は黒を肥沃な沖積土の色とみなし、豊穣と再生と関連付けた。黒は死後の世界とも関連付けられ、アヌビスのような葬祭神の色でもあった。白は純潔の色で、緑と青は植生と再生と関連付けられていた。このため、オシリスは緑色の肌で描かれることが多く、第26王朝の棺の顔は緑色であることが多かった。赤、オレンジ、黄色は太陽と関連付けられていた。赤は砂漠の色でもあり、セト神や破壊の力と関連付けられていた。^{[5] [6]}

その後、19世紀には、古代エジプトの芸術と文化をカタログ化する目的で探検が行われた。Description de l'Égypteは、19世紀初頭に刊行された一連の出版物で、古代エジプトの記念碑や遺物の挿絵が満載である。ほとんどは白黒だが、中には色鮮やかなものもあり、過去の多彩さがわかる。壁や柱、彫刻に塗料の痕跡がわずかしか残っていないものもあったが、挿絵を描いた人たちは、建物の元の状態をうまく描写しようとした。^[7]

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  寺院のレリーフの断片、紀元前2150-1991年、彩色石灰岩、大英博物館、ロンドン^[8]
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  模型の漕ぎ船、紀元前1981-1975年頃、木材、塗料、石膏、麻紐、麻布、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  ツタンカーメンの巨大像、紀元前1355-1315年頃、彩色珪岩、大エジプト博物館、ギザ、エジプト
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  ネフェルティティの胸像、紀元前1352年～1336年頃、多色石灰岩と石膏、新美術館、ベルリン、ドイツ
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  セティ1世とハトホルのレリーフ、紀元前13世紀、石灰岩、ルーブル美術館
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  複合パピルス柱頭、紀元前380～343年頃、多色砂岩、メトロポリタン美術館
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  ジェドトティウエファンクの石棺の破片、紀元前 332-305 年、木と色鮮やかなガラス、エジプト博物館、トリノ、イタリア
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  アヌビスの像、紀元前332-30年、漆喰塗り・彩色木製、メトロポリタン美術館
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  エジプト、メディネト・ハブ神殿群の洞窟に描かれた翼のある太陽。建築家不明、制作年不明
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  エジプト、ラムセス神殿の無傷の内部。 『エジプト記述』の挿絵、挿絵作者不明、1809年
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  エジプトの模様、モチーフ、首都、イラストレーター不明、L. Prang & Co. 発行、1874 年
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  アルベール・ラシネ作『ローヌマン・ポリクローム』のエジプトのモチーフ、1888 年
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  古代エジプトの多色大文字のさまざまな例、作者不明、19世紀
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  古代エジプトのコーニッシュのさまざまな例、作者不明、19世紀

ミノア 文明のクレタ島では、青銅器時代のファイストス遺跡などから、非常に初期の多色陶器が発掘されている。^[9]古代ギリシャの彫刻は鮮やかな色で塗装されていた。塗料は衣服や髪の毛などを表現する部分に限られ、皮膚は石の自然な色のまま残されることが多かった。しかし、彫刻全体を覆うこともできた。ギリシャ彫刻の絵画は、彫刻の形を引き立てるだけのものとして捉えるべきではなく、独特の芸術様式の特徴を持っている。例えば、アイギナ島のアファイア神殿のペディメント彫刻は、最近^{[いつ? ]}、大胆で精巧な模様で塗装されており、他の細部とともに模様のある衣服が描かれていることが実証された。石像の多色表現は、象牙石彫刻における皮膚、衣服、その他の細部を区別するための素材の使用や、リアーチェ青銅器のような高品質の青銅における唇、乳首などの表現に金属が使用されることと並行している。現代のデジタル手法と技術の利用により、科学的に健全な方法で古代の3D多色表現を再構築および視覚化することが可能になり、過去数年間に多くのプロジェクトでその可能性が検討されてきた。^[10]

多色装飾の初期の例は、アテネのアクロポリスの頂上にあるパルテノン神殿で発見されました。しかし、18世紀にヨーロッパで好古趣味が始まった頃には、古典的な建物に塗られていた塗料は完全に風化していました。そのため、好古家や建築家がこれらの遺跡に対して抱いた第一印象は、古典的な美は形と構成のみで表現されており、鮮やかな色彩に欠けているというもので、その印象が新古典主義建築に影響を与えました。しかし、ジャック・イグナス・ヒットルフなどの古典学者の中には、古典建築に塗料の痕跡があることに気づいた人もおり、徐々にそれが受け入れられるようになりました。その後、顕微鏡などの手段で微細な色の痕跡を観察することでこのような受け入れが加速し、ヒットルフや彼の同時代人が作り出せたよりも大胆な復元が可能になりました。古代ギリシャ建築の多色装飾の例は、米国テネシー州ナッシュビルに展示されているパルテノン神殿の実物大のレプリカで見ることができます。

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  紀元前530 年頃の古代コレのペプロスに刺繍模様を描いた絵の具の跡。大理石製。ギリシャ、アテネのアクロポリス博物館所蔵。
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  ペプロス・コレの多彩彩画、紀元前530年頃、パリア大理石、アクロポリス博物館
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  ペプロス・コレのカラー復元
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  アイギナ島アファイア神殿のトロイアの弓兵の再現された配色
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  パエストゥムのヘラ神殿の屋根の彫刻と彩色が施された断片、紀元前520年頃、イタリア国立考古学博物館^[11]
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  アマトゥス石棺、紀元前475-450年頃、石灰岩、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  ハデスとペルセポネ、紀元前340年頃、大理石の顔料、アイガイ王墓博物館、ヴェルギナ、ギリシャ^[12]
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  アギオス・アタナシオスの古代墓のファサード、紀元前325～300年頃、マケドニア、ギリシャ
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  タナグラ出土の青と金箔の衣をまとった女性のテラコッタ像、紀元前325～300年、ベルリン古代博物館、ドイツ
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  パルメットの墓（ギリシャ、ミエザ）、紀元前3世紀前半^[13]
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  カオリンと多色彩の痕跡のある若い女性のテラコッタ像、紀元前3～2世紀、リービークハウス、ドイツ^[14]
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  ネプチューンとアンフィトリテのローマ時代のモザイク、c。紀元前 70 年、モザイク、Casa di Nettuno e Anfitrite、ヘルクラネウム考古学公園、エルコラーノ、イタリア^[15]
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  ローマの盾、3世紀半ば、塗装された木と皮、イェール大学美術館、ニューヘイブン、アメリカ^[16]
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  シチリア島セリヌンテのエンペドクレス神殿の再建、ジャック・イグナチェ・ヒットルフ作、1830年（1851年出版）^[17]
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  ヘレニズム時代のコライ胸像に残った赤い塗料の痕跡、パオロ・オルシ考古学博物館、シラクサ、シチリア島
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  ポンペイで発見された、紀元前 1 世紀から紀元後 1 世紀にかけてのリウィアの像に塗られた塗料の痕跡
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  ジャック・イグナチェ・ヒットルフによる、シチリア島セリヌンテのT神殿正面正面の復元立面図。1859年以前。

ウィキメディア・コモンズには、古代美術におけるポリクロミーに関連するメディアがあります。

中国美術は鮮やかな色彩の使用で知られている。仰韶文化で作られたもののような新石器時代の中国の陶磁器には、黒と赤の顔料が使われている。後に、仏教の普及の結果として、墓や宗教的な彫刻が登場する。中国の仏教彫刻で最も一般的な神は、仏陀と観音 菩薩の姿である。彫刻に描かれた金色と鮮やかな色の痕跡は、今でもその効果を物語っている。漢と唐の時代には、召使、芸人、小作人、兵士を象った多色の陶器の像が上流階級の人々の墓に置かれていた。これらの像は鋳型で大量生産された。中国の磁器は青白磁で最もよく知られているが、明と清の時代には色鮮やかな陶器の花瓶や像が数多く生産された。同じ二つの王朝時代には、銅線（七宝）と鮮やかなエナメルを使用した七宝焼きの器も製造されていました。

中国で起きていたことと同様に、538年（あるいは552年）に日本に仏教が伝来し、多色刷りの仏像が作られるようになった。それまで日本の宗教的イメージは、霊界に祈りを伝えるために使われた使い捨ての土偶で構成されていた。^[18]

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  莫高窟の唐代の建築壁画。
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  南洋観音像（中国）、11-12世紀、彩色・金箔張り木製、ネルソン・アトキンス美術館、カンザスシティ、アメリカ^[19]
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  学者の官僚（中国）、618-907年、彩色・釉薬を施した陶器、陝西歴史博物館、西安、中国^[20]
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  都楽寺観音閣、中国、薊県、建築家不明、984年
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  龍興寺の阿弥陀堂にある明代の彩花装飾。
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  道教の神像（中国）、 1488-1644年頃、磁器、大英博物館、ロンドン^[21]
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  天壇正殿、北京、建築家不明、1703-1790年
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  楊貴妃（中国人）、19世紀、七宝焼き、東京国立博物館、東京、日本
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  宋代の「五彩彩花」（五彩彩画） -英草誌に詳しく記載されている豆公の装飾ガイド
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  アルベール・ラシネ作『ローヌマン・ポリクローム』の中国モチーフ、1888 年
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  L'Ornement Polychromeの中国と日本の七宝モチーフ
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  L'Ornement Polychromeの日本の七宝モチーフ

中世ヨーロッパでは、木やその他の素材で作られた宗教彫刻は、教会の建物の内部と同様に、明るい色で塗られていた。これらは、プロテスタント宗教改革の偶像破壊の時期やフランス革命などの動乱の時期に破壊されたり、白塗りされたりすることが多かったが、ヴィクトリア＆アルバート博物館、クリュニー美術館、ルーブル美術館などの美術館にいくつか残っている。教会の外観も塗装されていたが、残っているものはほとんどない。風雨にさらされ、時とともに嗜好や宗教的承認が変化したことで、保存が困難になった。トロ教会の「マジェスティ・ポータル」は、完成からわずか1世紀後に礼拝堂が建設され、風雨から守られたため、最も広範囲に渡って残っている例である。^[22]

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  ロマネスク様式- 最後の審判のティンパヌム、サント・フォワ修道院教会、コンク、フランス、12世紀初頭^[23]
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  ロマネスク様式 - 聖母子像、12世紀、クルミ材、銀、銀メッキ銅、多色刷り、オルシヴァルのノートルダム大聖堂 [fr]、オルシヴァル、フランス^[24]
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  ゴシック様式-サント・シャペル、パリ、ピエール・ド・モントルイユ作、1243-1248 ^[25]
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  ゴシック様式- エッケハルトとウータ、ナウムブルクの巨匠の作品とされる、1245-1260年、石灰岩と多色彩、ナウムブルク大聖堂、ナウムブルク、ドイツ^[26]
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  ゴシック様式 -聖ウルスラの聖遺物箱の祭壇画、 1325年頃、金メッキ・彩色木製、マリエンシュタット修道院教会、シュトライトハウゼン、ドイツ^[27]
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  ゴシック - トロ教会の入り口
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  ゴシック - 聖母マリアの胸像、 1390-1395年頃、テラコッタに彩色、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  ゴシック様式 - 聖母マリアの彫刻を描くクラタンの娘イレーヌ、フランス、1401 ～ 1402 年。ジョヴァンニ・ボッカッチョの『De Claris mulieribus (有名な女性について)』の詳細、1403 年版、フランス国立図書館、パリ
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  ゴシック様式 -オテル デュー ド ボーヌ、フランス、ボーヌ、ジャック ヴィスクレール作、1451 ^[28]
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  ゴシック - 聖母マリアの玉座、 1490-1500年頃、ライムウッドにジェッソ、ペイント、金箔、メトロポリタン美術館
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  ブルゴス大聖堂の入口、ブルゴス、スペイン、建築家不明、建設年不明
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  モスクワの生神女就寝大聖堂のロシア風の扉、アリストテレス・フィオラヴァンティ作、1475-1479年^[29]

石や金属の彫刻は、古典作品と同様に通常は無色のままですが、スペインの芸術家、フアン・マルティネス・モンタニェス、グレゴリオ・フェルナンデス（17 世紀）、ドイツのイグナツ・ギュンター、フィリップ・ヤコブ・シュトラウブ（18 世紀）、ブラジルのアレイジャジーニョ（19 世紀）によって多色の木彫りが制作されました。

ボッロミーニやグアリーニの考えを参考にして、後期のダイナミックなバロック様式でも建築オーダーの単色カラーソリューションがデザインされた。単色の石材外装が使用された。明るい砂岩は、ゲオルクとレオンハルト・ディエンツェンホーファー（1686-1693）が設計したバンベルクのイエズス会教会（Gunzelmann 2016）のファサード、レナード・ディエンツェンホーファー（1696）によるミヒェルスベルクの修道院教会のファサード、JBノイマン（1747-1792）によるネレスハイムの修道院教会のファサードに見られる。^[31]

現在のドイツでは、18世紀にアサム兄弟（エギド・クィリン・アサムとコスマス・ダミアン・アサム）が波打つ壁、湾曲したボルケンのペディメント、多色彩の教会を設計しました。^[32]ドイツ語圏では、パステルカラーの多色スタッコと柱を備えたロココ様式の教会や図書館が数多く建てられました。そこでは、人工大理石の柱が木の柱から作られ、多色スタッコの層で覆われています。多色スタッコは、石膏、石灰、顔料の混合物です。これらの材料を混ぜると、均一な色のペーストが作られます。大理石の外観を実現するために、暗いペーストと明るいペーストを薄く混ぜて、縞模様が現れ始めます。すべて手作業で大まかに混ぜます。材料が硬化すると、目の細かいサンドペーパーでこすって磨かれ、この多色スタッコの層は光沢があり、非常にリアルな大理石を模倣します。ドイツのウルムにあるヴィブリンゲン修道院の図書館がその好例です。スタッコで作られた人工大理石は、19 世紀から 20 世紀初頭にかけても使用され続けました。スタッコは屋外では水に触れると溶けてしまうため、屋内にのみ使用されます。

ワラキアでは、17世紀後半から18世紀初頭にかけて、建築と装飾芸術においてブランコヴェネスク様式が人気を博しました。この様式は、コンスタンティン・ブランコヴェアヌ公の治世中に発展したことから名付けられました。この様式の教会の中には、ルーマニアのブカレストにあるスタヴロポレオス修道院の教会のように、壁画で飾られた多色のファサードを持つものもあります。

18 世紀後半は、新古典主義が台頭した時代です。これは、古代ギリシャ、ローマ、エトルリア文明、そして時にはエジプトのスタイルを復活させようと全力を尽くした運動です。ルイ 16 世の治世 (1760-1789) の間、ルイ 16 世様式のインテリアは、ポンペイやヘルクラネウムの古代の家屋で発見されたものに触発されたアラベスク模様で装飾されるようになりました。それらはパステルカラーで塗装され、白く塗られて華麗な装飾部分が金箔で飾られたり、多色彩で塗られたりしています。スコットランドのインヴァレリー城のステート ダイニング ルームは、2 人のフランス人画家によって装飾され、多色彩のルイ 16 世様式のインテリアの良い例です。

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  バロック様式-ベルサイユ宮殿の大使館、ベルサイユ、フランス、フランソワ・ドルベイとシャルル・ルブラン作、1674年から1679年、ルイ15世のもとで1752年に取り壊された^[33]
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  バロック -ヴェルサイユ宮殿の鏡の間、ジュール・アルドゥアン＝マンサール作、1678-1684年^[34]
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  バロック様式 -サンフランシスコ アカテペック教会、サン アンドレス チョルーラ、メキシコ、建築家不明、17 ～ 18 世紀
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  バロック - キリストの埋葬、ルイサ・ロルダン作、1700-1701年、多色テラコッタ、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  ロココ- メッテン大図書館の内部 [de]、メッテン、ドイツ、建築家不明、1722-1726 ^[35]
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  ブランコヴェネスク-スタヴロポレオス修道院教会、ブカレスト、ルーマニア、建築家不明、1724年^[36]
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  ロココ -シュタインハウゼン城壁の首都 [デ] 、シュタインハウゼン、ドイツ、ドミニクス・ツィンマーマン作、1728-1733
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  バロック -ケレスの夏、四季の擬人化胸像シリーズの一部、ルーアンのファイアンス焼きの多色例、 1730年頃、ファイアンス焼き、ルーヴル美術館^[37]
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  ロココ -ヘルブリングハウス、オーストリア、インスブルック、もともとは 15 世紀のゴシック様式のタウンハウスで、18 世紀初頭に改装され、1732 年にアントン ギグルによって完成しました。
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  ロココ -聖ヨハン・ネポムク、ミュンヘン、ドイツ、エギト・クィリン・アサムとコスマス・ダミアン・アサム作、1733-1746年^[38]
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  ロココ -デュ・バリー夫人のアパートメント、ヴェルサイユ宮殿、ヴェルサイユ、フランス、アンジュ＝ジャック・ガブリエル作、18世紀
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  ロココ - 18 世紀のカルトゥーシュのイラスト、アルベール ラシネ作「L'ornement Polychrome」より、1888 年
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  ロココ - 4番目の客室、いわゆるヴォルテールルーム、サンスーシ、ポツダム、ドイツ、ゲオルク・ヴェンツェスラウス・フォン・クノーベルスドルフの設計、ヨハン・ミヒャエル（父）とヨハン・クリスティアン・ホッペンハウプト（子）の装飾、1752-1753年^[39]
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  ロココ - ヴィースの巡礼教会、シュタインガーデン、ドイツ、ドミニクスとヨハン・バプティスト・ツィマーマン作、1754年^[40]
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  ロココ - トビアスと天使、イグナス・ギュンター作、1763 年、ライムウッド、ビュルガーザール教会、ミュンヘン、ドイツ^[41]
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  シノワズリ-中国館(エケロ市、スウェーデン)、1763 ～ 1769 年、カール フレドリック アデルクランツ作^[42]
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  新古典主義- アームチェア、 1780年頃、彫刻と多色塗装が施されたクルミ材、ベージュのシルク ブロケードで張られた状態で納品、現在は現代の綿と麻のベルベットで張られている、メトロポリタン美術館
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  ルイ16世様式-英国スコットランド、インヴァレリー城の国家食堂の天井に花飾りが施されている。ジラールとギナン作、1784年^[43]

18世紀にヨーロッパから磁器が伝来すると、色彩豊かな鮮やかな陶器の置物がとても人気になりました。磁器は9世紀に中国で開発されました。その製法は他国には秘密にされ、15世紀になってようやく日本人とベトナム人によって模倣されました。18世紀には、錬金術師ヨハン・フリードリヒ・ベトガーと物理学者エーレンフリート・ヴァルター・フォン・チルンハウスに始まり、ドイツの窯がようやく磁器の製造方法を解明しました。 1709年にヨーロッパ初の磁器が作られました。翌年、マイセン磁器工場が設立され、ヨーロッパを代表する磁器メーカーとなりました。その後、他の窯が製法を盗んだり、独自の磁器技術を考案したりしました。もう一つの有名な工房はセーヴルで、18世紀、19世紀、20世紀にフランスの上流階級のために素晴らしい磁器を生産していました。^[44]

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  ロココ- 象頭の花瓶 (花瓶 à tête d'éléphant)、セーヴル磁器工場製、c. 1756～1762年、ソフトペースト磁器、メトロポリタン美術館
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  ロココ - 壁取り付け用燭台 (ブラ ド シュミネ)、セーヴル磁器工場製、c. 1761年、ソフトペースト磁器と金銅、メトロポリタン美術館
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  ロココ - 香水瓶、チェルシー磁器工場製、 1761年頃、軟質磁器と光沢のある金地、メトロポリタン美術館
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  ロココ -猿の群れの一部であるシンガーリーの置物、マイセン磁器工場製、 1765年頃、磁器、エナメル、金箔、シカゴ美術館、シカゴ、米国
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  ロココ - 音楽のレッスン、チェルシー磁器工場作、 1765年頃、軟質磁器、メトロポリタン美術館
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  ルイ16世様式- 花瓶（グレック・デュプレシス・レクティフィエ）、デザインはジャン＝クロード・シャンベラン・デュプレシス、彩色装飾はヴァンサン・タヤンディエ [fr]、金箔はジャン・ピエール・ブーランジェ、セーヴル磁器工場製、1780年、彩色・金箔を施した硬質磁器、金箔ブロンズ、アムステルダム国立美術館、オランダ

18 世紀と比較すると、19 世紀には多色彩がより広まっていました。しかし、ほとんどの建物のファサードは白色のままで、ほとんどの彫刻は塗装されておらず、ほとんどの家具は素材の色合いのままでした。色彩は通常、建物では釉薬をかけた陶器、彫刻ではさまざまな種類の石、家具ではほとんどの場合絵画やインターシャによって追加されました。18 世紀と同様に、磁器は非常にカラフルであり、多くの像が生き生きとしています。外観とは対照的に、裕福な人々の多くの家の内部は、しばしばボワズリー、スタッコ、および/または塗装で装飾されていました。18 世紀後半と同様に、多くの青銅製の時計や装飾品は、金メッキと緑青によって 2 色調になっています。磁器の要素も追加され、より多くの色彩が表現されました。

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  ゴシック リバイバル時計、 1835-1850年頃、金メッキおよび緑青加工を施したブロンズ、パリ装飾美術館
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  ゴシック・リバイバル-セント・ジャイルズ・カトリック教会の内部、イギリス、スタッフォードシャー州チードル、オーガスタス・ピューギン作、1840-1846年^[45]
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  ゴシック・リバイバル -カーディフ城のチョーサー・ルームにある暖炉、カーディフ、イギリス、ウィリアム・バージェス作、1877年頃-1890年^[46]
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  ゴシック・リバイバル -ウェールズ、トングウィンライスのカステル・コッホの応接室、ウィリアム・バージェス作、1891年^[47]
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  ボザール様式-ルーマニア、ブカレストのStrada Plantelor 4 番地の天井の漆喰の断片、建築家不明、1891 年
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  アール・ヌーヴォー-科学の前に姿を現す自然、ルイ・エルネスト・バリアス作、1899年、大理石、アラバスター、方解石、マラカイト、ラピスラズリ、オルセー美術館、パリ

古代ギリシャの建築物や彫刻に多色彩の証拠が発見されているにもかかわらず、新古典主義建築のほとんどは白またはベージュのファサードと黒い金属細工でできている。1840年頃、フランスの建築家ジャック・イグナス・ヒットルフはシチリアの建築に関する研究を発表し、色彩に関する広範な証拠を記録した。「多色彩論争」は10年以上にわたって激化し、ヨーロッパ中の新古典主義建築家にとって課題となった。^[17]

18世紀にローマの都市ポンペイとヘルクラネウムでフレスコ画が発見されたため、18世紀と19世紀の新古典主義の家の多くには、色鮮やかなポンペイ風のフレスコ画で内装が飾られている。それらはしばしば「ポン​​ペイアン・レッド」として知られる明るい赤を特徴としている。ポンペイ風の絵画の流行により、部屋は鮮やかな色の塊で仕上げられるようになった。例としては、ケンブリッジシャーのヒンクストン・ホールのポンペイアン・ルーム、アシャッフェンブルクのポンペイヤヌム、マルメゾン城の皇后ジョゼフィーヌの寝室、ランブイエ城のナポレオンの浴室などがある。19世紀初頭までには、画家たちは木目を模倣するために大理石模様や木目模様の効果も作り出せるようになった。

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  エンパイア スタイル-ランブイエ城のナポレオンの浴場、ランブイエ、フランス、ゴダールとジャン ヴァセロによって描かれた、1806 年
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  帝政様式 - 花瓶、セーヴル磁器工場製、1814年、プラチナ地と金銅の台座付き硬質磁器、ルーヴル美術館^[48]
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  新古典主義– パリ国立シルクの多色ファサード、ヤコブ・イグナス・ヒトルフ作、1840年^[49]
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  新古典主義 – グランド フォンテーヌのプット (レオポルド ロベール通り)、ラ ショー ド フォン、スイス、マクシミリアン ルイ ブルジョワ [fr]作、1888
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  ルーマニア、ブカレストのニコラエ フィリペスク通り 45 番地にある新古典主義 - ポンペイ様式の壁、建築家または画家不明、1890年頃
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  アテネアカデミーの正面玄関前にある多色彩の格天井。1885年に完成。

「多ければ多いほど良い」というのが、ビクトリア朝時代に守られた美的原則でした。マキシマリズムは、陶磁器、家具、カトラリー、食器、ファッション、建築、本の挿絵、時計など、ビクトリア朝時代の多くのデザインに見られます。装飾への欲求にもかかわらず、それらの多くは、特に家具では、数色のみで装飾されたままです。陶磁器は、多色使いが広く普及した分野です。オブジェクトに加えて、多色使いの陶磁器は、建築、一部の家具、タイルを通した建築にも見られました。

このページのギャラリーに表示されている 19 世紀の物や建物は、間違いなく印象的です。今日、私たちはそれらの装飾、色彩、スタイルに魅了されています。しかし、ポストモダニズムの台頭により、人々がモダニズムに疑問を持ち、前近代の過去の物を評価するようになった 1960 年代までは、ビクトリア朝のデザインに対する評価は良くありませんでした。20 世紀初頭、そしてそれらが作られた当時でさえ、ビクトリア朝時代は、これまでに作られた中で最も醜い物のいくつかを提供してきた時代であると表現する人もいました。「美的怪物」や「装飾の醜悪さ」などの表現は当時からありましたが、状況は悪化するばかりでした。 19世紀末、ミントン社で働いていた陶芸デザイナーのマルク＝ルイ・ソロン（1835-1913）は、この時代は「まったく悪趣味の象徴である」と評したが、これは珍しいことではなかった。 ^[50]時が経つにつれ、否定的な意見は悪化するばかりだった。先駆的近代建築家の アドルフ・ロースとル・コルビュジエは、このような作品は単に悪いだけでなく、非常に侮辱的であるため違法にすべきだと考えた。^[51]

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  ロココ・リバイバル香炉（ブリュレ・パルファム）、ジャコブ・プティ作 [fr]、 1834-1848年頃、硬質磁器、彩色・金箔仕上げ、パリ装飾美術館
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  ロココ リバイバル様式のボトル ​​2 個セット、ジェイコブ プティ作、 1840年頃、硬質磁器、彩色・金箔仕上げ、パリ装飾美術館
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  ロココ リバイバル様式の円錐形の花瓶と時計、ニコラ ビュジェール作、19 世紀中頃、硬質磁器、彩色・金箔仕上げ、パリ装飾美術館
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  パリ、ルーブル宮殿、サロン・デ・セプト・シュミネの天井にある新古典主義の彫刻装飾、フランシスク・デュレ作、1851年^[52]
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  ルーヴル宮殿のサロン・カレ天井の新古典主義彫刻装飾、ピエール＝シャルル・シマール作、1851年^[53]
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  モナコ、モンテカルロオペラ座のボザール様式のモザイク、シャルル・ガルニエ設計、1879年
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  米国インディアナ州ケンダルビルの正体不明の建物の多色建築詳細、建築家不明、1892年
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  フランス、ナントのラ・シガールの内部。エミール・リヴォディエールが設計し、エミール・ゴーシェの彫刻とジョルジュ・ルヴローの絵画で飾られている。1895年

多色煉瓦積みは1860年代に登場した建築煉瓦積みのスタイルで、異なる色（茶色、クリーム色、黄色、赤、青、黒）の煉瓦をパターン化した組み合わせで使用して建築の特徴を強調します。これらのパターンは窓のアーチの周りに作られたり、壁に直接貼られたりしました。これはしばしば隅石の効果を再現するために使用されました。初期の例では帯状の模様が特徴で、後期の例では複雑な斜め、十字形、階段状の模様が見られ、場合によっては煉瓦を使って文字が書かれていました。^[54]より複雑な装飾には、細部にまでこだわった釉薬をかけた陶器の要素も使用されました。

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  オールセインツ教会の内部、ロンドン、マーガレットストリート、1850-1859年、ウィリアム・バターフィールド作^[55]
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  アンプトンロード12番地、エッジバストン、バーミンガム、イギリス、ジョン・ヘンリー・チェンバレン作、1855年^[56]
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  ペルノ ビスケット工場の詳細 (Rue Courtepée no. 10-18)、ディジョン、フランス、1879
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  （現在の）スリナム大使館のファサード（ラヌラグ通り 94 番地）、パリ、建築家不明、1885 年
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  ミニム通り No. 58、ヴァンセンヌ、フランス、ビクター・フランシオーネ作、1905年^[57]

ルーマニア王国では、19世紀末にルーマニア復興様式が登場した。これは、同時期に北欧で人気を博した国民ロマン主義様式のルーマニア版である。この運動は、 17世紀後半から18世紀初頭にワラキアで人気を博したブランコヴェネスク建築に大きく影響を受けている。第一次世界大戦前に建てられたこの様式の住宅の内部は、さまざまな明るい色彩で装飾されていることが多い。いくつかの建物では、カラフルな釉薬をかけたセラミックタイルを使用することで、外装にも多色使いが施されている。この様式は20世紀にさらに人気が高まった。さまざまな色彩で際立つルーマニア復興様式の住宅としては、ブカレストのゲオルゲ・ペトラシュク邸（ピアツァ・ロマナ第5号）がある。スピル・チェガネアヌ設計、1912年^[58]

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  ゲオルゲ・イオネスク・ギオンハウス (Strada Logofătul Udriřte no. 11)、ルーマニア、ブカレスト、イオン N. ソコレスク作、1889 ^[59]
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  ブカレスト中央女子校、イオン・ミンク作、1890年^[60]
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  ゲオルゲ・ペトラシュク邸の天井（ロマネ広場第5番）、ブカレスト、スピル・ツェガネアヌ作、1912年^[61]
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  ブカレストのゲオルゲ・ペトラシュク邸の天井、スピル・ツェガネアヌ作、1912年^[62]

20 世紀には、ヨーロッパ全土で流行したアール ヌーヴォーから、アール デコやアール モデルヌの国際的な隆盛、そして20 世紀後半のポストモダニズムの発展まで、建築における多彩さが顕著に表れた時代がありました。これらの時代、レンガ、石、タイル、スタッコ、金属のファサードは、新しい色彩や模様の使用に重点を置いて設計され、建築家はイスラムのタイルからイギリスのビクトリア朝のレンガまで、歴史的な例からインスピレーションを得ることが多かったのです。

20 世紀初頭、世界大戦前、リバイバル主義(新古典主義やゴシック リバイバルを含む) と歴史的スタイルの折衷主義がデザインや建築で非常に人気がありました。19 世紀について語られることの多くは、この時代にも当てはまります。この時代の建物の多くは、タイル、モザイク、スタッコ、壁画など、色彩豊かな内装が施されています。外装に関しては、ほとんどの多色ファサードはセラミック タイルで装飾されています。

アール・ヌーヴォーも1900年代には西側諸国で流行しました。しかし、1911年までに分裂し、それ以降は徐々に衰退し、第一次世界大戦で消滅しました。一般的なアール・ヌーヴォーの建物の中には、ファサードが色鮮やかな釉薬をかけた陶器の装飾で飾られているものがあります。使用される色は、新古典主義で使用された強烈な色に比べて、より土っぽくくすんだ色であることが多いです。デザインや建築の他の動きと比較すると、アール・ヌーヴォーは複数の国でさまざまなバージョンが存在する動きでした。ベルギーとフランスの形式は、有機的な形、植物界から取られた装飾、しなやかな線、非対称性（特にオブジェクトのデザインに関しては）、むち打ちのモチーフ、ファム・ファタール、その他の自然要素によって特徴付けられます。オーストリア、ドイツ、イギリスでは、リバイバル主義と折衷主義への抗議の形として、より様式化された幾何学的な形をとりました。グスタフ・クリムトの絵画やコロマン・モーザーの家具に見られる幾何学的な装飾は、ウィーン分離派（オーストリア・アール・ヌーヴォー）の代表例です。一部の国では、芸術家は国の伝統や民間伝承にインスピレーションを見出しました。たとえば英国では、複数の銀細工師がケルト美術から取り入れた織り合わせを使用しました。同様に、ハンガリー、ロシア、ウクライナの建築家は、通常は色鮮やかな陶器の装飾を通して、多色の民間伝承のモチーフを建物に使用しました。

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  ロココ リバイバル- ブーランジェリー (ボーマルシェ大通り 28 番)、パリ、1​​900 年、ブノワ エ フィス作^[63]
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  フランスのアールヌーボー- フーケ美術館、カルナヴァレ美術館、パリ、アルフォンス・ミュシャ作、c.  1900年^[64]
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  フランスのアール・ヌーヴォー - 花瓶、クレマン・マシエ作、 1900年頃、ラスター彩、ジェイソン・ジャック・ギャラリー、ニューヨーク^[65]
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  フランスのアールヌーボー様式 - ガリエニ通りパリ 14 番地、ウジェーヌ・クーロン作、1903 ～ 1904 年
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  フランスのアールヌーボー様式 - ジャン・ベルガンブ通り no. 21、ドゥエー、フランス、ペペ・アルベール作、1904年^[66]
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  フランスのアールヌーボー - レ・シャルドンビル (ウジェーヌ・マニュエル通り 2 番) の釉薬タイルで装飾されたエントランス、パリ、1​​903 年、シャルル・クライン作^[67]
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  ウクライナのアールヌーボー - ポルタヴァ行政ビル、ウクライナ、ポルタヴァ、ヴァシル・クリチェフスキー作、1903–1907 ^[68]
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  オーストリアのアールヌーボー -プットーと花の滝のある2つの豊穣の角、ミヒャエル・ポヴォルニー作、1907年頃デザイン、 1912年制作、陶器、ベルリン工芸博物館、ベルリン、ドイツ^[69]
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  ロシア復興- モスクワ、チフヴィンの聖母教会の窓、ニコライ・マルティアノフ作、1911-1912年
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  ムーアのリバイバル- フィリッティ ハウスの天井 (Calea Dorobanśilor  [ro] no. 18)、ブカレスト、エルネスト ドナウス作、16 世紀頃1910年^[70]
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  ボザール–ロマーナ広場の天井にパテを施したスタッコブカレスト 3 番地、ジークファイア・コフシンスキーと C. クレショイウ作、1912 年

戦間期から20世紀半ばにかけて、モダニズムが流行した。モダニストにとって、形は装飾よりも重要だったため、形を強調しコントラストを生み出すために、強い色の単色ブロックがよく使われた。原色と白黒が好まれた。これは、1917年に始まったオランダのデ・スティル運動にまさに当てはまる。このスタイルでは、対象物（絵画であれデザインであれ）を本質にまで削減し、黒、白、原色のみを使用し、直線と平面の単純な幾何学を描く。ヘリット・リートフェルトの「赤と青の椅子」（1917-1918年）やユトレヒトのリートフェルト・シュレーダー邸（1924年）は、この色使いをよく表している。モダニズムデザインにおける多色性は、デ・スティルに限ったことではない。ル・コルビュジエが開発した住宅類型であるユニテ・ダビタシオンには、平面的でカラフルな部分がある。

アールデコのオブジェクト、建物、インテリアの中には、多色性と鮮やかな色使いが目立つものもある。アンリ・マティスの絵画のような彩度の高い色使いのフォーヴィスムは、アールデコのデザイナーに影響を与えた。多色性に影響を与えたもう1つの例はバレエ・リュスである。レオン・バクストの舞台デザインは、パリの芸術界に鮮やかな色彩への熱狂をもたらした。^[71]

装飾がほとんどないにもかかわらず、ルシエンヌ・デイのテキスタイル、チャールズ＆レイ・イームズのハング・イット・オール・コートハンガー（1953年）、アーヴィング・ハーパーのマシュマロソファ（1956年）など、ミッドセンチュリーモダンのデザインの多くは色彩豊かに装飾されている。個々のオブジェクトとは別に、ミッドセンチュリーモダンのインテリアも非常にカラフルだった。これは、第二次世界大戦後、プラスチックがキッチン用品やキッチンユニット、照明器具、電化製品、おもちゃの素材としてますます人気が高まったこと、そしてプラスチックが翡翠色から赤まで幅広い色で生産できたことにも起因している。^[72]

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  デ・ステイル-赤と青の椅子、ヘリット・リートフェルト作、1917年、漆塗りの木製、トレド美術館、オハイオ州トレド、アメリカ
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  デ・ステイル -オランダ、ノールトワイケルハウトの家、ヴァカンティハウス・デ・フォンク [nl]の外面にある多色レンガのパネル、テオ・ファン・ドースブルク作、1917-1919 ^[73]
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  エジプト復興とアールデコの融合：ル・ルクソール [fr]映画館、パリ、アンリ・ジプシー作、1919-1921年^[74]
• 
  プエブロ・リバイバルとアール・デコの融合（プエブロ・デコ）：キモ・シアター、アルバカーキ、米国、ボラー・ブラザーズ、1927年
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  アールデコ - ブカレスト、ブレヴァルドゥル フリスト ボテフ 26 番地の玄関ホールの床、建築家不明、1930 年代
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  アールデコ - ブカレスト、ストラダ・ピタル・モシュ27-29番地の玄関ホールの大理石張り、サンディ・ヘリヴァン作、1931-1933年^[75]
• 
  アールデコ様式 -ルイ ブレリオ通り 1 番通りのファサードのモザイクパリ40番地、マーテロワ&ボーン作、1932年^[76]
• 
  インターナショナルスタイル-居住統一、フランス、マルセイユ、ル・コルビュジエ作、1952 ^[77]
• 
  ミッドセンチュリーモダン-マシュマロソファ、アーヴィング・ハーパー作、ジョージ・ネルソン・アソシエイツ、1956年、金属フレームに円形のフォームディスクを被せたもの、所在不明^[78]
• 
  キューバ、ハバナ、フスターランディア、ホセ・ロドリゲス・フスター作、1975年^[79]
• 
  ドナ・イ・オセル、ジョアン・ミロ作、1983年、釉薬タイルモザイク、バルセロナ、スペイン^[80]

The use of vivid colours continued with Postmodernism, in the 1970s, 1980s and 1990s. Compared to Mid-century modern objects, which often had intense colours but were monochrome, Postmodern design and architecture stand out through the use of a variety of colours on single objects or buildings. Postmodern architects working with bold colors included Robert Venturi (Allen Memorial Art Museum addition; Best Company Warehouse), Michael Graves (Snyderman House; Humana Building), and James Stirling (Neue Staatsgalerie; Arthur M. Sackler Museum), among others. In the UK, John Outram created numerous bright and colourful buildings throughout the 1980s and 90s, including the "Temple of Storms" pumping station. Aside from architecture, bright colours were present on everything, from furniture to textiles and posters. Neon greens and yellows were popular in product design, as were fluorescent tones of scarlet, pink, and orange used together. Injection-moulded plastics gave designers new creative freedom, making it possible to mass produce almost any shape (and colour) quickly and cheaply.^[81]

An artist well known for her polychrome artworks is Niki de Saint Phalle, who produced many sculptures painted in bold colours. She devoted the later decades of her life to building a live-in sculpture park in Tuscany, the Tarot Garden, with artworks covered in vibrant colourful mosaics.^[82]

• 
  Proust armchair, by Studio Alchimia, 1978, wood and fabric, Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, USA^[83]
• 
  Sheraton chair with applied decoration, by Robert Venturi for Knoll, 1978-1984, bent laminated wood, Milwaukee Art Museum, Milwaukee, USA^[84]
• 
  Plaza dressing table and stool, by Michael Graves for the Memphis Group, 1981, painted wood, natural rosehips, mirrors, and bulbs, Museum of Decorative Arts, Paris
• 
  Carlton Bookcase, by Ettore Sottsass for the Memphis Group, 1981, wood veneer and plastic laminate, Museum of Decorative Arts, Paris
• 
  Super Lamp, by Martine Bedin for the Memphis Group, 1981, glazed stoneware, rubber and chrome-plated steel, Museum of Decorative Arts, Berlin, Germany
• 
  Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Germany, by James Stirling, 1984^[85]
• 
  Louis XVI, lowboy, by Robert Venturi for Arc International, c.1985, laminated wood, Indianapolis Museum of Art^[86]
• 
  Isle of Dogs Pumping Station, London, John Outram, 1988^[87]
• 
  No 1 Poultry, London, by James Stirling, designed in 1988 but built in 1997^[88]
• 
  Oudhof (Rokin no. 99), Amsterdam, Netherlands, by Mart van Schijndel [nl], 1988-1990^[89]
• 
  Main hall of the Judge Business School, University of Cambridge, England, by John Outram, 1995^[90]
• 
  Duncan Hall, Rice University, US, by John Outram, 1996^[91]
• 
  L'Ange Protecteur, by Niki de Saint Phalle, 1997, unknown materials, Zürich Hauptbahnhof, Zürich, Switzerland

Polychrome building facades later rose in popularity as a way of highlighting certain trim features in Victorian and Queen Anne architecture in the United States. The rise of the modern paint industry following the American Civil War also helped to fuel the (sometimes extravagant) use of multiple colors.

The polychrome facade style faded with the rise of the 20th century's revival movements, which stressed classical colors applied in restrained fashion and, more importantly, with the birth of modernism, which advocated clean, unornamented facades rendered in white stucco or paint. Polychromy reappeared with the flourishing of the preservation movement and its embrace of (what had previously been seen as) the excesses of the Victorian era and in San Francisco, California in the 1970s to describe its abundant late-nineteenth-century houses. These earned the endearment 'Painted Ladies', a term that in modern times is considered kitsch when it is applied to describe all Victorian houses that have been painted with period colors.

John Joseph Earley (1881–1945) developed a "polychrome" process of concrete slab construction and ornamentation that was admired across America. In the Washington, D.C. metropolitan area, his products graced a variety of buildings — all formed by the staff of the Earley Studio in Rosslyn, Virginia. Earley's Polychrome Historic District houses in Silver Spring, Maryland were built in the mid-1930s. The concrete panels were pre-cast with colorful stones and shipped to the lot for on-site assembly. Earley wanted to develop a higher standard of affordable housing after the Depression, but only a handful of the houses were built before he died; written records of his concrete casting techniques were destroyed in a fire. Less well-known, but just as impressive, is the Dr. Fealy Polychrome House that Earley built atop a hill in Southeast Washington, D.C. overlooking the city. His uniquely designed polychrome houses were outstanding among prefabricated houses in the country, appreciated for their Art Deco ornament and superb craftsmanship.

Native American ceramic artists, in particular those in the Southwest, produced polychrome pottery from the time of the Mogollon cultures and Mimbres peoples to contemporary times.^[92]

In the 2000s, the art of designing art toys was taking off. Multiple monochrome or polychrome vinyl figurines were produced during this period, and are still produced during the 2020s. A few artists who designed vinyl toys include Joe Ledbetter, Takashi Murakami, Flying Förtress, and CoonOne1.

During the 2010s and the early 2020s, a new interest for Postmodern architecture and design appeared. One of the causes were memorial exhibitions that presented the style, the most comprehensive and influential one being held at the Victoria & Albert Museum in London in 2011, called Postmodernism: Style and Subversion 1970–1990. The Salone del Mobile in Milan since 2014 showcased revivals, reinterpretations, and new postmodern-influenced designs.^[93] Because of this, multiple funky polychrome buildings were erected, like the House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014^[94] or the Miami Museum Garage, Miami, USA, by WORKac, 2018.^[95]

Besides revivals of Postmodernism, another key design movement of the early 2020s is Maximalism. Since its philosophy can be summarized as "more is more", contrasting with the minimalist motto "less is more", it is characterized by a wide use of intense colours and patterns.

• 
  Cosmos Ball, by Takashi Murakami, 2000, molded plastic, Honolulu Museum of Art, Honolulu, USA
• 
  Roof of the Santa Caterina Market, Barcelona, Spain, by Benedetta Tagliabue and Enric Miralles, 2004^[96]
• 
  Buildings in El Alto, Bolivia, by Freddy Mamani (architect), after 2005^[97]
• 
  House for Essex, Wrabness, Essex, the UK, by FAT and Grayson Perry, 2014^[98]
• 
  Xiafu Activity Center, Xiafu, Taiwan, by IMO Architecture + Design and JC Cheng & Associates, Architects & Planners, 2017^[99]
• 
  Memphis Group-inspired mural on a 7-storey building, Brooklyn, NYC, by Camille Walala, probably 2018, mural on a brick wall
• 
  Miami Museum Garage, Miami, USA, by WORKac, 2018^[100]
• 
  The Colour Palace, Dulwich Picture Gallery, London, by Pricegore and Yinka Ilori, 2019^[101]
• 
  Biomuseo, Panama City, Panama, by Frank Gehry, partially opened in 2014, completed in 2019^[102]
• 
  Presence in Hormoz 02, Hormoz Island, Hormozgan, Iran, by ZAV Architects, 2020^[103]

The term polychromatic means having several colors. It is used to describe light that exhibits more than one color, which also means that it contains radiation of more than one wavelength. The study of polychromatics is particularly useful in the production of diffraction gratings.

• Encarnación Spanish form of polychrome sculpture
• Monochrome (opposite of polychrome)

• Bergdoll, Barry (2000). European Architecture 1750-1890. Oxford University Press. ISBN 978-0-19-284222-0.
• Fortenberry, Diane (2017). The Art Museum (Revised ed.). London: Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-7502-6. 2021年4月23日時点のオリジナルよりアーカイブ。2021年4月23日閲覧。
• ロジャース、リチャード、ガムチジャン、フィリップ、ジョーンズ、デナ（2014）。アーキテクチャー・ザ・ホール・ストーリー。テムズ＆ハドソン。ISBN 978-0-500-29148-1。

• 古代多色彫刻の分野の研究 ドイツ語
• 色彩豊かなアミアン大聖堂
• Polychromatic、Reference.com の定義。