軍事芸術

軍事芸術とは、スタイルや媒体を問わず、軍事を題材とした芸術です。戦闘シーンは、先進文明における最も古いタイプの芸術の 1 つです。支配者は常に勝利を祝い、潜在的な敵を威嚇することに熱心だったからです。戦争の他の側面、特に死傷者や民間人の苦しみの描写は、発展するのにずっと長い時間がかかりました。軍人の肖像画だけでなく、戦場にいる無名の兵士の描写も非常に一般的であり、軍服の導入以来、そのような作品は、これらの多様性を示すことに集中することがよくあります。

海軍のシーンは非常に一般的であり、戦闘シーンや「船の肖像画」は主に海洋芸術の一分野と見なされています。軍用機や戦車などの他の大型軍事装備の発達により、これらを戦闘中または静止状態で描写する新しいタイプの作品が生まれました。20世紀の戦争では、軍隊の行動を描くために公式の戦争画家が雇用されていましたが、現在では芸術家が戦闘に非常に近いにもかかわらず、戦闘シーンは主に大衆グラフィックメディアと映画に任されています。戦争アートという用語は、主に戦時中に作成された20世紀の軍事アートに関連して使用されることがあります。^[1]

軍事を題材にした芸術は歴史を通じて存在してきた。^[2]エジプトの原王朝時代（紀元前3500年から3000年頃）の化粧用パレットである 戦場パレットは不完全だが、囚人が連行され、野生動物が死者を食らう様子が描かれている。同時代のナルメルパレットは、より象徴的な様式で軍事的勝利を描いている。紀元前2500年頃のハゲタカの石碑は、メソポタミアの「勝利の石碑」のうちの1つである。同じく紀元前2500年頃、包囲されている都市を描いた最古のものとして知られているものが、第5王朝後期に生きた上エジプト第21ノモスの役人インティの墓で発見されている。 ^[3]この場面では、エジプト兵が梯子を使って近東の要塞の壁をよじ登っている。^{[4]紀元前1274年の}カデシュの戦いは決着がつかなかったようです が、ラムセス2世が建てたレリーフには、彼が戦車で ヒッタイトの敵を蹴散らしている様子が描かれています。

現存するアッシリア美術は、主に軍事作戦や狩猟の詳細な場面を描いた大きな石のレリーフで構成されており、ラキシのレリーフは前者の例である。古代ギリシャのパルテノン神殿の彫刻には、都市の義勇騎兵隊の長い行進が描かれており、多くのギリシャの花瓶には戦闘の場面が描かれている。漢代の中国では、呉家の神殿から出土した紀元150年から170年頃の有名な石のレリーフに、董卓との戦役における騎兵隊の戦いが描かれている。^[5]

古代ローマ美術において、最も精巧に作られたローマの凱旋柱には、巨大な柱の周囲に軍事作戦を描いた非常に長いレリーフが描かれていた。最も印象的なものとしては、ローマのトラヤヌス帝とマルクス・アウレリウス帝の凱旋柱がある。アレクサンダーのモザイクは、アレクサンダー大王がペルシアのダレイオス3世を破った様子を描いた、大きくてドラマチックな戦闘場面である。ポンペイから出土した床のモザイクで、失われた絵画を模したものと思われる。^[6]ヘレニズム時代とローマ時代の石棺の 多くには、混雑した戦闘場面が描かれており、神話的なもの（アマゾノマキアとは、アマゾネスとギリシャ人の戦いの場面を指す）もあれば、通常は特定の戦いとは関係のないものもあった。これらは必ずしも軍事経験のある人々を埋葬するために使われたわけではない。このような場面は、ルネッサンス時代の戦闘場面に大きな影響を与えた。^[7]ローマ帝国後期 になると、硬貨の裏面には兵士が描かれ、「我が少年たち」を称える碑文が刻まれることが多くなった。これは間違いなく、次の軍事反乱を遅らせるためのものであった。

教会のために制作されたキリスト教美術では、一般的に戦闘シーンは避けられているが、まれに後期古代のモチーフには、将軍の服装をした勝利した皇帝に扮したキリストや、悪魔を征服したキリスト、獣を踏みつけるキリストなどの図像がある。アングロサクソンのエリート層の暴力的な趣味により、キリストが率いる悪魔の拠点への襲撃として考え出された地獄の苦難が、キリストの生涯を描く一連の標準的な場面群に加えられた。^[8] 軍服を着た聖人の兵士は非常に人気があり、槍の先がついた十字架で竜に姿を変えた悪魔を刺す大天使ミカエルの像も同様であった。いくつかの彩飾写本には旧約聖書の多くの戦いが描かれている。

世俗的なパトロンのために制作された世俗的な作品には、軍事をテーマとしたものが多くある。例えば、15世紀のルイ・ド・グルートフーゼのフロワサールによる歴史書の彩飾写本（BnF Fr 2643-6）では、112枚のミニアチュールのほとんどが軍事場面を描いている。ゴシック象牙の鏡箱によく見られる「愛の城の包囲戦」は、淑女たちが守る城を騎士が攻撃する様子を描いており、宮廷恋愛文学からの隠喩である。11世紀のバイユーのタペストリーは、1066年のノルマン征服とヘイスティングズの戦いを取り巻く出来事を線で描いたパノラマ物語で、^[9]裕福なアングロサクソン人が自宅を飾るために使っていた刺繍の垂れ幕の一種で唯一現存する例である。イスラム美術では、架空の叙事詩から取られることが多い戦闘シーンがペルシャのミニアチュールの頻繁な主題であり、採用された高い視点により、多くの西洋の絵画よりも戦闘シーンが理解しやすくなっていました。

イタリア・ルネサンス絵画では、一流の芸術家による軍事画の制作が大幅に増加し、戦闘画には同時代の場面を描いたものが多く見られるようになった。例えば 、パオロ・ウッチェロの『サン・ロマーノの戦い』（1445年頃）の巨大な3枚組キャンバスや、ミケランジェロの『カッシーナの戦い』（1504年 - 1506年）とレオナルド・ダ・ヴィンチの『アンギアーリの戦い』 （1503年 - 1506年）は、フィレンツェのヴェッキオ宮殿に向かい合って展示される予定だったが、どちらも完成しなかった。人物描写の新しい技術を身につけたルネサンス芸術家にとって、戦闘場面は複雑なポーズを描く技術を存分に発揮できる場であった。ミケランジェロは兵士たちが水浴びに驚いている瞬間を選び、登場人物のほとんどが裸体である。レオナルドの戦いは騎兵の戦いであり、その中央部分は破壊される前に広く見られ、多大な影響を与えた。美術史家フレデリック・ハートによれば、この作品は「戦闘画の考え方全体に根本的な変化をもたらし、その影響は後期ルネサンスからバロック、ナポレオンの画家たちの英雄的な機械、さらにはドラクロワの戦闘構成にまで及んだ」という。[ ^10]

これらはすべて、率直に言ってフィレンツェが近隣の都市を破った些細な戦いを描いたものだが、遠い歴史上の重要な戦いも同様に人気があった。アンドレア・マンテーニャの『シーザーの勝利』は、ジュリアス・シーザーのローマでの凱旋パレードを描いているが、軍隊よりも戦利品に焦点が当てられている。版画連作『マクシミリアンの勝利』は、神聖ローマ皇帝マクシミリアン2世が巨大な馬車に乗るまでの両方の場面を描いている。ジュリオ・ロマーノの『ミルウィウス橋の戦い』は、バチカン宮殿のラファエロの間に巨大で「画期的な」戦闘シーンをもたらした。^[7]アルブレヒト・アルトドルファーの 異例の『アレクサンドロス大王のイッソスの戦い』（1528年 - 1529年）は、計画された設定によって決定された縦長の形式にもかかわらず、あるいはそのせいで、ルネッサンスの戦闘シーンで最も高く評価される作品の1つを作ることに成功した。これは、さまざまな芸術家による8枚の戦闘画のセットのうちの1枚として委託された。 「それは当時最も詳細でパノラマ的な戦闘写真であった」^[6]。 そして、その空中からの視点はその後数世紀にわたって非常に広く模倣されることとなったが、これほど劇的な効果をもたらすことは稀であった。

特に北ヨーロッパでは、兵士の小集団が絵画、特に版画の人気の題材となった。ウルス・グラーフもその一人である。グラーフは長年スイスの傭兵として活躍したという点で異例である。これらの作品は、平時でも民間人にかなりの脅威となることが多かった兵士たちを、あまり英雄的ではない形で描き始めた。ランツクネヒトの派手な衣装はしばしば魅力的に扱われているが。^[11] ペーター・パレットにとって、ルネサンス以降、「中世美術にも当然存在していた現世の指導者とその政治体制の賛美が、軍事美術における決定的な解釈力としてのキリスト教信仰に取って代わった」。^[12]

海軍画は17世紀のオランダ黄金時代の絵画で慣例化され、それ以降、芸術家たちは海軍画に特化するか、挑戦しない傾向があった。他のことは別として、「海洋画家は常に、特に要求の厳しいパトロン層を相手にしてきた」。イギリスの「船乗りの王」ウィリアム4世が、不正確さを理由に彼の描いたトラファルガーの海戦を拒絶したとき、 JMWターナーはそれを悟った。ヘンドリック・ヴルームが最初の真の専門家であり、その後にウィレム・ファン・デ・ヴェルデの父子チームが続いた。ヴァン・デ・ヴェルデは1673年にロンドンに移住し、事実上イギリスの海軍画の伝統を築き上げ、「英蘭海戦の見事な視覚的記録を生み出し、その後150年間の海戦画の慣例を定めた」。ヴルームはイギリスのパトロンのためにも働いており、スペイン無敵艦隊の敗北を描いたタペストリーの大規模なセットをデザインしたが、1834年に国会議事堂が焼失した際に破壊された。^[13]

17世紀と18世紀には、戦闘の描写は、近くの丘から見ているかのような鳥瞰図がほとんどだった。そのため、描くのが面白くなくなり、主要な芸術家たちは戦闘を避ける傾向にあった。戦争に対するまったく異なる見方は、三十年戦争中にジャック・カロが制作した12枚のエッチング作品「戦争の不幸」に見られる。この作品では、兵士の一団が田舎を荒らし、最終的に味方に集められ処刑される様子が描かれている。^[14] また、17世紀前半のオランダ黄金時代の絵画には、むしろ無秩序な兵士たちを衛兵室の場面に特化する風俗画の一派があった。彼らは戦闘中ではなく、農家を荒らしたり、野営地の衛兵室で座り込んでいたりする。^[15]サルヴァトール・ローザ の絵画は、基本的には風景画で、南イタリアの田舎に潜む盗賊や兵士など様々な形で描写された集団を描いている。 ベラスケスの『ブレダの降伏』（1634-35年）は、両軍が町を降伏させるために平和的に会談する混雑した場面を描いている。このテーマは、陸上の軍事美術よりも海軍の絵画でよく模倣されている。^[6]

少なくとも15世紀後半から、タペストリーのセットは「公式の軍事芸術」の最も壮大な媒体となった。ポルトガルのパストラーナ・タペストリー（1470年代）はその初期の例である。マールバラ公のために制作された勝利を示すセットは、さまざまな顧客のために変更され、将軍の顔やその他の詳細を作り直した後、彼の敵の一人であるバイエルン選帝侯マクシミリアン2世エマヌエルに販売されたこともあった。^{[16] [17]}

18世紀半ば、特にイギリスでは、多くの芸術家が、英雄的な事件を題材にした大作で軍事芸術を復活させようとした。このジャンルは、ルネッサンス期のように歴史画で 再び前面に押し出された。当時の標準的な戦闘シーンは、地図や田舎の家の眺めを描いた地形画という低級なカテゴリーに分類される傾向があった。ベンジャミン・ウェストの『ウルフ将軍の死』（1771年）、ヨハン・ゾファニーの『ジェームズ・クック船長の死』（1779年）、1782年9月のジブラルタルでの浮き砲台の敗北、ジョン ・シングルトン・コプリーの『ピアソン少佐の死』（1784年）は、英雄的な題材には現代の衣装は不適切だという苦情を無視した新しいタイプの代表例である。しかし、このような作品はイギリスよりもフランスでより直接的な影響を与えた。^[18]

ナポレオン時代、フランスはロマン主義をそのスタイルに加え、個々の兵士をより個性的に描くようになった。戦争画は大きな公共の建物向けに制作されることが多くなり、かつてないほど大型になった。グロ男爵は主にナポレオンとその勝利を讃える作品を描いたが、1808年のアイラウの戦いの絵は凍てつく戦場での死者と負傷者の苦しみを無視していない。^[19]対照的に、おそらく意識的にグロへの反撃として考案されたゴヤの大作『1808年5月2日』と『1808年5月3日』 、および82枚のエッチングからなる関連シリーズ『戦争の惨禍』（スペイン語：Los Desastres de la Guerra ）は、スペイン半島戦争中のフランス軍の残虐性を強調している。^{[20] [21]イギリスによる}ナポレオン戦争 の描写は18世紀後半のパターンを継承し、しばしば規模が大きくなり、ホレーショ・ネルソン提督の死をきっかけにアーサー・ウィリアム・デヴィス（『ネルソンの死』1805年10月21日）やウェスト（『ネルソンの死』）による大作がすぐに制作された。ジェイ・MW・ターナーは『トラファルガーの海戦』でネルソンの勝利を描いた作品を制作した画家の一人である。^[22] 英国協会はイギリスの勝利を記念する美術のスケッチのコンクールを開催し、優勝作品はその後委託された。^[23]

この時期には、1人または複数の人物が立っている制服の詳細な描写に重点を置き、通常は手彩色された制服版画もヨーロッパ中で非常に人気が高まりました。他の版画と同様に、これらは通常書籍の形で出版されましたが、個別に販売されることもありました。英国では、トーマス・ローランドソンによる「ロンドンの忠実な義勇兵」(1797-98)の87枚の版画がルドルフ・アッカーマンによって出版され、古典期の始まりを示しています。ローランドソンは通常、ある程度の風刺を題材にしていましたが、ここでは兵士は「彼ら自身、特に制服の費用を負担した大佐が好む姿で表現」されており、これはそのような版画の通常の描写のままでした。^[24] 1812年の大陸軍の豪華な制服を描いたカール・ヴェルネの版画セットには、ほとんどの歩兵が2人1組で野営しており、一方は正面、もう一方は後ろから、さまざまなリラックスしたポーズで描かれています。著名な画家による、制服版画の精神で兵士を描いた珍しい油絵に、ジョージ・スタッブスが 1793 年に、後のイギリス国王ジョージ 4 世となる連隊の総司令官のために描いた「第 10 軽騎兵隊(「プリンス オブ ウェールズ オウン」)の兵士たち」がある。兵士 1 人を描いた他の絵画には、テオドール・ジェリコーの「突撃する猟兵」 (1812 年頃) のように、よりドラマチックなものがある。

ウジェーヌ・ドラクロワは、小規模な戦闘シーンも数多く描いており、1824年に『キオス島の虐殺』を完成させた。この作品では、ギリシャ独立戦争中にオスマン帝国軍がギリシャの民間人を襲撃したという当時悪名高かった事件が描かれているが、この作品では、民間人が完全に否定的に描かれている。この作品は、数年前に描かれたゴヤの『5月3日』（1808年）よりも、ヨーロッパ美術に即効性のある影響を与えた。ゴヤの『5月3日』は、プラド美術館にも数年後まで展示されていなかったようだ。対照的に、1830年のドラクロワの『民衆を導く自由の女神』は、戦闘を肯定的に描いているが、 7月革命の武装した民間革命家たちが、政府の見えない制服組軍に向かって進軍する様子を描いた「軍隊」ではない。^[25] トルコの残虐行為は19世紀の絵画、特に衰退するオスマン帝国から逃れた旧オスマン帝国領土で繰り返し描かれたテーマであり、以前は版画でしか見られなかった一般的な反軍感情も、大きな油絵で頻繁に描かれるようになった。

軍事芸術は19世紀の残りの期間、ヨーロッパのほとんどの地域で人気を保った。エルネスト・メッソニエ^[26] 、エドゥアール・デタイユ^[27]、アルフォンス・ド・ヌーヴィル^{[28]などのフランスの芸術家は、}パリのサロンで軍事風俗画を確立した。^[29] 1850年代に発展した新しい形式の軍事芸術は、イギリスの王立芸術院からかなりの反対に遭った。 ^[30]

一般的にアカデミックなスタイルで戦闘シーンを描くことでよく知られ、ナポレオン戦争やそれ以前の紛争を題材にすることが多かったヨーロッパの芸術家には、アルブレヒト・アダム^{[31] 、} ニカーズ・ド・ケイゼル^[32] 、ピョートル・ミハウォフスキ^[33]、 アントワーヌ・シャルル・オラース・ヴェルネ^[34]、 エミール・ジャン・オラース・ヴェルネ^[35] 、ヴィルヘルム・カンプハウゼン、エミール・ヒュンテンなどがいた。ナショナリズムの台頭により、ハンガリー（制服に大きな注意が払われた）、ポーランド（大規模な軍隊）、チェコスロバキアなどの国で戦闘画が促進された。ヤン・マテイコの巨大な『グルンヴァルトの戦い』（1878年）は汎スラヴ感情を反映しており、さまざまなスラヴ軍が合流してドイツ騎士団の力を打ち砕く様子を描いている。

「軍事芸術」という用語の使用法は19世紀半ばから進化してきた。フランスでは、シャルル・ボードレールが1859年のパリサロンで軍事芸術と写真の影響について論じた。 ^{[36] 1861年の}ロイヤルアカデミー展 のイギリス人評論家は次のように述べている。

イギリスの画家たちは軍事芸術に真剣に取り組んだことはなく、ただ端っこを漂い、触れて整えるだけだった。 –ウィリアム・マイケル・ロセッティ^[37]

対照的に、イギリスの画家エリザベス・トンプソン（バトラー夫人）は、「戦争の栄光のために描いたのではなく、戦争の悲哀と英雄的行為を描くために描いた」と説明している。^[38] 戦闘の余波は、 1874年に王立美術アカデミーで展示された「交戦後の点呼、クリミア」などの絵画に描かれている。この視点は、 「軍隊の残骸」にも見られ、ウィリアム・ブライドンが瀕死の馬に乗ってジャララバードに苦戦している様子が描かれている。ブライドン博士は、1842年のカブールからの撤退時に唯一の生存者であり、その際には16,000人がアフガニスタンの部族民によって虐殺された。^[39]

イギリスの市場は19世紀半ばに発展し始めました。^[40]国家と軍隊の関係、そしてその関係に暗示されているイデオロギーは、芸術作品、芸術家、そして芸術作品と芸術家の両方に対する一般の認識に影響を与えました。^[41]

南北戦争とクリミア戦争の頃には、写真家は野営地や戦闘後の光景の撮影で画家と激しく競い合うようになったが、露出時間が長すぎて戦闘の写真を効果的に撮ることができなかった。戦争写真はこの記事では取り上げない。新聞や雑誌のイラストは、おそらく画家よりも自信を持って英雄的なスタイルを続けた。メルトン・プライアーは、イラストレイテッド・ロンドン・ニュースで働きながら、何十年もの間、帝国の紛争地帯でイギリス軍を追いかけた。彼のシーンは「漫画の芸術に消えない痕跡を残したアクション・ドローイングのスタイルを確立するのに役立った」。^{[42]プライアーや}フレデリック・ヴィリアーズ などの「特別特派員」は「スペシャル」と呼ばれた。リチャード・ケイトン・ウッドヴィル・ジュニアとチャールズ・エドウィン・フリップは「スペシャル」であり、ロイヤル・アカデミーなどで展示した画家でもある。^[42]

第一次世界大戦は、前​​世紀末から衰退していた戦争賛美の終焉をほぼ確証した。^[43] 一般に、公式の戦争画家を採用する大規模な計画が確立されたにもかかわらず、戦争を描いた最も印象的な芸術は、その恐ろしさを強調したものである。公式の戦争画家は、情報や宣伝の目的で、また戦場での出来事を記録するために政府によって任命された。^{[44]しかし、多くの芸術家は、西部戦線で戦い、その後も生涯にわたってこの主題を描き続けたドイツ人の}ジョージ・グロスとオットー・ディックスを含め、通常の兵士として戦い、当時およびその後の体験を記録した。攻撃後の死者のバラバラになった死体を描いたディックスの「塹壕」（1923年）はスキャンダルを引き起こし、最初はカーテンの後ろに隠されたが、購入を計画していた美術館の館長を解雇する原因となった。その後、1937年に「退廃芸術」の巡回展で展示された後、ナチス政府によって焼却された。彼は 1924 年に「戦争」を題材にした 50 点の版画を制作しました。イギリス人アーティストのポール ナッシュは、西部戦線でアーティスト ライフル隊に所属して戦っているときに戦争の絵を描き始めました。負傷から回復した後、彼は公式の戦争画家として採用され、2 つの世界大戦でイギリス側の最も記憶に残るイメージの多くを制作しました。戦後、戦争記念碑の需要が急増したため、以下で説明する彫刻家やステンドグラス製作者が急増しました。

ポスターは1914年までに一般的になり、軍隊と「国内戦線」の両方でさまざまな目的で使用されました。募集では、英国のキッチナー卿があなたを望んでいます（実際にはスローガンではありません）が、米国ではアンクルサムで繰り返され、他の場所では同様のトーテム的な人物が使用されました。ソビエト連邦は、ラザール・マルコヴィッチ・リシツキーの「赤いくさびで白人を殴れ」などの非常にモダニズム的なポスターで始まりましたが、すぐに社会主義リアリズムに転向し、ソビエト連邦の第二次世界大戦のポスターのほとんどに使用され、ナチスの同等のポスターに似ていることもあります。第二次世界大戦中は、ポスターはさらに広く使用されました。^[45]ノーマン・ロックウェルなどのイラストレーターやスケッチアーティストも、第二次世界大戦後の軍事をテーマにした写真から離れ、写真の表紙が一般的に増加した傾向に従いました。

スペイン内戦が非戦闘員の民衆に与えた影響は、1937年のゲルニカ爆撃を描いたピカソの傑作『ゲルニカ』に描かれている。^[46]ヘンリー・ムーアの、ロンドン地下鉄の駅のプラットホームでブリッツ爆撃から身を守り眠る民間人を描いた絵では、同様の主題がまったく異なる方法で描かれている。第二次世界大戦の公式戦争画家の中には、撃墜されたドイツ機のスクラップ置き場を描いたポール・ナッシュの『Totes Meer』という力強い作品があり、風景画家のエリック・ラヴィリオスは1942年に撃墜され死亡する前に非常に優れた絵画を制作した。^[47]エドワード・アルディゾーネの絵は、兵士がくつろいだり日常の任務を遂行したりする様子を全面的に描いたもので、多くの兵士から賞賛された。「彼だけがこの戦争の雰囲気を捉えている」と、ピカソの友人で当時軍の医療部隊に所属していた美術評論家で歴史家のダグラス・クーパーは感じた。^[48] 写真と映画は動きの速いアクションを捉えることができるようになり、戦争中の戦闘や、特にベトナム戦争のようなその後の紛争を記録した記憶に残る画像のほとんどを生み出したと言っても過言ではない。ベトナム戦争では、ポスターやナンシー・スペロのようなアーティストの作品など、反戦抗議アートで特に注目された。^[49]現代の軍事芸術は、「軍事と大衆文化」のサブフィールドの一部である。^[50]

古代から、統治者は特に軍服を着用して描かれてきた。その違いは古代ローマの彫刻で特に簡単に見分けられる。そこでは将軍や、次第に多くなってきた皇帝が、甲冑と短い軍服を着て描かれている。中世の墓の彫像には、騎士、貴族、王が、実戦に参加したかどうかにかかわらず、甲冑を着て描かれることが多い。近世には、上級指揮官が戦場でも通常の乗馬服を着用する傾向があったため、軍人の肖像画と通常の肖像の区別は、主に背景、胸当て、または甲冑の下に着用する淡黄褐色の革の上着によって伝えられたが、18世紀半ばに将軍でさえ軍服を着用し始めると、区別は再び明確になった。^[51]当初、将校の制服はスマートな民間人の衣装に近かったにもかかわらず。

君主や将軍の全身肖像画や騎馬肖像画では、戦場にいる姿が描かれることが多かったが、戦闘は遠景で描かれていた。この特徴は、おそらくティツィアーノの威厳ある『カール5世の騎馬肖像』に遡ると思われる。この作品には、ミュルベルクの戦いでの勝利後の皇帝が描かれているが、他の兵士は描かれていない。ナポレオンの時代までは、君主が軍服を着て描かれることはあまりなかったが、19世紀には、軍服を着た姿が正式な肖像画の標準となった。おそらく、軍服を着た方が視覚的に魅力的だったからだろう。オランダ特有の絵画には、都市の民兵隊の裕福なパートタイム将校らが依頼した巨大な集合肖像画があり、レンブラントの『夜警』（1642年）が最も有名だが、その物語の設定はこのジャンルとしては異例である。ほとんどの作品では、将校たちが夕食を食べようとしているかのように並んでいるだけであり、実際に食事をしているものもある。^[52] それ以外では、19世紀まで将校の集合肖像画は意外にも珍しい。

古代から残っている戦闘シーンの彫刻のほとんどは、上で説明した石のレリーフです。ルネッサンス時代の芸術家やパトロンは、この形式の復活に熱心で、主に石やブロンズではるかに小さなシーンを作りました。ミラノにあるフランスの優秀な将軍、ガストン・ド・フォワ、ヌムール公の墓には、石棺の土台の周りに多数の大理石のレリーフがありました（石棺は完成しませんでした）。指揮官の彫像や墓碑は、ナポレオン戦争の時代にすべての死者を記念するより一般的な戦争記念碑が現れ始めるまで、最も一般的な場所であり続けました。ロンドンのネルソン記念柱は、今でも一人の指揮官を記念しています。土台の周りにはさまざまな芸術家による非常に大きなレリーフがありますが、これらは記念碑の他の部分よりも印象に残らないと一般的に考えられています。リバプールのウェリントン記念柱は「ワーテルロー記念碑」としても知られており、「死者は本質的に国家集団の名の下に戦った兵士として記憶された」というより現代的な概念に移行した。^[53]

アメリカ南北戦争では多くの犠牲者が出たため、初めて本当に大規模な戦争記念碑の彫刻作品が建てられ、個人の記念碑も数多く建てられた。芸術的に最も傑出しているのは、ボストンにあるオーガスタス・セント＝ゴーデンズ作のロバート・グールド・ショーと第54黒人 連隊の記念碑で、2番目の鋳造作品はワシントンのナショナル・ギャラリーにある。第一次世界大戦ではさらに大きな犠牲者が出たため、ほとんどの関係国の小さなコミュニティでさえもなんらかの形の記念碑を建てるようになり、オーストラリア、カナダ、ニュージーランドでこの形式が広く使われるようになり、需要が急増したことでパブリックアートの彫刻家が急増した。絵画以上に、戦争は様式の危機をもたらした。伝統的な英雄的様式は不適切だと世論が感じたからである。最も成功した英国の記念碑の1つは、ロンドンにある極めて写実的な王立砲兵隊記念碑で、戦争で3度負傷し、その後の10年間のほとんどを戦争の記念に費やしたチャールズ・サージェント・ジャガーの傑作である。敗戦国ドイツとオーストリアでは、政治的な側面をもった論争が特に激しく、ナチスによって過度に近代的とみなされた記念碑の多くが撤去された。ナチス自身の記念碑、例えばタンネンベルク記念碑は、第二次世界大戦後に撤去された。^[54]他の解決策としては、記念碑をより中立的なものにすること、例えばベルリンのノイエ・ヴァッヘ（その後何度も異なる団体に再奉納された）、ロンドンの戦没者記念碑（広く模倣された）やドイツのラーボエ海軍記念碑の威厳ある建築形式、無名戦士の墓や永遠の炎も論争を避ける方法であった。カナダ国立戦争記念碑やフランスの記念碑の大半のように、いくつかの記念碑は伝統的なスタイルを現代化することに満足していた。^[55]

第一次世界大戦の記念碑の多くは、第二次世界大戦、そしてしばしばその後の紛争の死者も含め、その範囲が単純に拡大された。戦争を描写する上で写真が現在支配的な役割を果たしていることは、1945年の象徴的な写真「硫黄島に国旗を掲揚」を再現した国立硫黄島記念碑に反映されている。1990年代のプロジェクトである国立ノルマンディー上陸作戦記念碑には、ワシントンのベトナム戦争戦没者慰霊碑とは対照的に、非常に写実的な彫刻が含まれている。より革新的な記念碑は、とりわけホロコーストの民間人犠牲者のために建てられることが多い。^[56]

軍事芸術は、平時における軍隊の行動を包含する。例えば、 2010年に唯一残っていたアメリカの公式戦争芸術家である米海兵隊のクリストファー・バトルズ軍曹は、 2010年の壊滅的な地震の後、統合対応作戦の一環として人道支援を行うため、アメリカ軍とともにハイチに派遣された。^[57]

戦争美術は、男性と女性が待機し、準備し、戦い、苦しみ、祝う様子を描き、軍事紛争の影響を示すことで、軍事紛争の視覚的な説明を作成します。^{[58] [59]}主題は、同盟国か敵国か、軍人か民間人か、軍事か政治か、社会的か文化的かにかかわらず、戦争の多くの側面と個人の戦争体験を網羅しています。テーマの範囲は、紛争の原因、経過、結果を網羅しています。^[60]

戦争美術は、あらゆる文化とその重要な遺産の重要な表現であり、芸術的機能とドキュメンタリー機能を組み合わせて、戦争の場面を絵画的に描写し、「戦争がどのように人生を形作るか」を示します。^{[60] [61] [62] [63] [64]}それは、暴力の性質と現実を受け入れようとする試みを表しています。^[65] 戦争美術は典型的には写実的で、事実や目撃者の詳細、および出来事の感情的な印象と影響を捉えています。^[66]芸術と戦争は、「想像の世界と行動の世界の争い」になり、出来事の実際の表現と芸術家によるそれらの出来事の解釈の間に絶え間ない緊張が生じます。^[67]

争いの一部には、複雑な戦争の場面をいかにして描くのが最善かを決めることが含まれる。例えば、 CEW Beanの『Anzac Book』は、2つの世界大戦の間に育ったオーストラリアの芸術家たちに影響を与えた。1939年以降に第2次多国間戦争を描くよう求められたとき、彼らが従うべき前例と形式があった。^[68]

戦争美術は、国家建設やその他の説得目的などのプロパガンダの手段として使用されてきました。^{[63] [69] [70]}戦争美術は、現代的な洞察を提供する風刺画にも描かれています。^[71] 西洋文明と美的伝統は、歴史を通じて軍事紛争によって明確に特徴づけられてきました。戦争が文化を動かし、文化が戦争を動かしました。戦争に触発された芸術作品の遺産は、文明の進化の地図の曲がりくねった道筋を記録した一連のマイルストーンのようなものです。^[72]

戦争画家は、現場の傍観者、直接的な戦争体験を描写したいという強い内なる衝動に駆られた軍人、または軍事活動の現場に赴いて記録するよう正式に依頼された個人として関与することがある。^[73]

戦争の記録をするための国家の努力の一例として、日本の公式戦争画家たちは、日本政府のために特定の戦争の文脈で芸術作品を作成するよう委託され、その中には戦争作戦記録画（「戦争作戦記録画」）が含まれていた。1937年から1945年の間に、日本の軍事作戦を描いた約200枚の絵が作成された。これらの絵は戦時中に大規模な展覧会で展示された。第二次世界大戦の終結後、アメリカ人は日本の芸術作品を所有した。^{[74] [75] [76]}

戦争アートを制作しないことを選択する人々もいる。第二次世界大戦中、イタリア人は戦争を記録したアートをほとんど制作しなかった。フランス人は1945年に戦争が終わった後にようやく戦争を描き始めた。^[77]

古典的な戦争美術の例としては、ギリシャのアファイア神殿の戦士のフリーズや、 1066年のノルマン征服とヘイスティングズの戦いを取り巻く出来事を線状のパノラマ物語として描いたバイユーのタペストリーなどがある。 ^{[9] [78]}

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  アルブレヒト・デューラー作「騎士、死、悪魔」（16世紀）。
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  ベルシェニーの軽騎兵隊、フランスの軽騎兵、1776 年。
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  1845 年頃の第 6マドラス軽騎兵隊の騎馬ソワールの肖像画。
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  1850 年代頃の英ペルシャ戦争中のクーシャブの戦いにおける騎兵隊。
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  スコットランドよ永遠に！ 、ワーテルローの戦いでのロイヤル・スコッツ・グレイの突撃開始を描いた作品。エリザベス・トンプソン作、1881年。
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  ラス・ケセラス・デル・メディオの戦いにおけるブエルヴァン・カラス、アルトゥーロ・ミケレナ作、1890年。これはベネズエラ独立戦争における重要な戦いであった。
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  フリートラントの戦いにおけるフランス第4軽騎兵隊、エドゥアール・デタイユ作、1891年。
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  フリートラントの戦い（1807年）でナポレオンに敬礼する胸甲騎兵、エルネスト・メッソニエ作、1875年。

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  ジャン＝ルイ＝エルネスト・メッソニエによる戦闘後のレリーフ、19世紀
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  1945 年、フィリピンの日本軍捕虜収容所にいたアメリカ人捕虜を描いたスケッチ

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  1776 年 12 月 25 日から 26 日の夜にデラウェア川を渡るワシントン。1850 年にデュッセルドルフのエマヌエル・ロイツェによって描かれた。
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  1796年にアルコレ橋を渡るナポレオン・ボナパルト。オラース・ヴェルネ作（1826年）
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  1877年6月15日、ジムニツァ近郊のロシア軍によるドナウ川横断。1883年にパリでニコライ・ドミトリエフ＝オレンブルグスキーが描いた。

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  ノーマン・リンゼイによるトランペットの演奏、オーストラリア、1914～1918年
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  アメリカの女性陸軍、米国、1918年
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  男の子には靴下が必要です - ちょっと編んでください、米国、1917-1918年
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  勝利の庭のポスター、米国、1945 年

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オーストラリア

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日本

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ニュージーランド

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南アフリカ

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ウクライナ

• Еволюція воєнного мистецтва: あなたは2時間です。 /Д。 В. Вєдєнєєв、О。 А. Гавриленко、С。 О. Кубіцький та ін.;ソ、ザ、グ。 ред。 В. В. Остроухова。 – К.: Вид-во НА СБУ、2017。

イギリス

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• ハリーズ、メイリオン、スージー・ハリーズ（1983年）。『戦争芸術家たち：20世紀イギリス公式戦争芸術』ロンドン：マイケル・ジョセフ。ISBN 978-0-7181-2314-7 ; OCLC 9888782 
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• シラーズ、スチュアート（1987年）。『第一次世界大戦時代のイギリスにおける芸術と生存』ニューヨーク：セント・マーチンズ・プレス。ISBN 978-0-312-00544-3 ; OCLC 14932245 
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• ソーニリーウォーカー、ジェーン（2006年）。 戦争美術：壁画とグラフィティ ― 軍隊生活、権力、転覆。ブーサム：英国考古学評議会。ISBN 978-1-902771-56-4 ; OCLC 238785409 

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• コルネイス、アルフレッド。(1991) 『塹壕からの芸術：第一次世界大戦におけるアメリカの制服を着た芸術家たち』カレッジステーション：テキサス A & M 大学出版局。ISBN 978-0-89096-349-4 ; OCLC 22892632 
• デンプシー、 L・ジェームズ（2007年）。『ブラックフット戦争美術：1880～2000年の保留地時代の絵文字』ノーマン・オクラホマ：オクラホマ大学出版局。ISBN 978-0-8061-3804-6 ; OCLC 70839712 
• フォリー、ウィリアム A. (2003)。『塹壕からのビジョン：パットンの幽霊部隊のライフル兵』。ニューヨーク：バランタインISBN 9780891418122および、 2010 年 1 月 22 日から 4 月 9 日までのプリツカー軍事図書館での体験と展示についてのアーティスト インタビュー 
• ギルキー、ゴードン『第三帝国の戦争美術』ベニントン、バーモント州：インターナショナル・グラフィックス・コーポレーション、1982年）。10-I
• ピーター・ハリントン、フレデリック・A・シャーフ（1988年）。 『華麗なる小戦争』、米西戦争1898年、芸術家の視点。 ロンドン：グリーンヒル。ISBN 978-1-85367-316-0 ; OCLC 260112479 

• 第一次世界大戦の陸軍美術。米国陸軍軍事史センター ：スミソニアン協会、国立アメリカ歴史博物館。1993年。ワシントン州立図書館のワシントン史古典コレクションを通じてオンラインで入手可能な印刷物
• 戦争アート、ニュージーランドの芸術作品 1500 点をオンラインで公開
• カーン記念館、1914-1918年の戦争、第一次世界大戦の芸術家
• 国防省（MoD）、MoD 美術コレクション、戦争芸術家
• 国立公文書館（英国）、兵法書
• アン・S・K・ブラウン軍事コレクション、ブラウン大学図書館
• 壁に掲げられた武器、イギリスの第二次世界大戦のポスター
• ニュージーランド公文書館、戦争美術のデジタル化