アメリカのモダニズム

アメリカのモダニズムは、モダニズム運動全般と同様に、近代化の時代における文化と社会の広範な変化から生じた哲学的思想の潮流である。アメリカのモダニズムは、20世紀初頭に始まり、第一次世界大戦から第二次世界大戦までを中心とする米国の芸術的、文化的運動である。ヨーロッパのモダニズムと同様に、アメリカのモダニズムは啓蒙思想の拒絶から始まり、より工業化された新しい世界の現実をよりよく表現しようとした。^[1]

特徴としては、モダニズム芸術は抽象化の傾向があり、革新的で、美的で、未来的で、自己言及的です。視覚芸術、文学、音楽、映画、デザイン、建築、ライフスタイルが含まれます。歴史主義、芸術的慣習、芸術の制度化に反発します。芸術はアカデミー、劇場、コンサートホールで扱われるだけでなく、日常生活に組み込まれ、誰もが利用できるものでなければなりませんでした。さらに、文化機関は美術に集中し、学者はモダニズムの革命的なスタイルにほとんど注意を払いませんでした。狂騒の20年代の米国の経済的および技術的進歩は、広範なユートピア主義を生み出し、一部のモダニズム芸術家に影響を与えましたが、他の芸術家はテクノロジーの受け入れに懐疑的でした。第一次世界大戦での勝利は、国際的なプレーヤーとしての米国の地位を確固たるものにし、人々に自信と安心感を与えました。この文脈において、アメリカのモダニズムは、それまでヨーロッパの伝統に従って形成されてきた芸術的慣習を打ち破り、ヨーロッパの趣味とは別個で独立したアメリカ芸術の始まりを示しました。

アメリカのモダニズムは移民文化の多様性から恩恵を受けました。芸術家たちはアフリカ、カリブ海、アジア、ヨーロッパの民俗文化にインスピレーションを受け、そのエキゾチックなスタイルを作品に取り入れました。

アメリカのモダニスト運動は、20 世紀のアメリカの生活を反映したものでした。急速に工業化が進む世界と急速な生活のペースの中で、個人が物事の広大さに飲み込まれ、目的を失ってさまようのは容易でした。人種、階級、性別、富、宗教における社会的境界が揺らぎ始めました。社会構造が新しい考え方によって揺らぎ始めると、伝統的な基準と社会構造の境界が崩れ、アイデンティティの喪失が残り、最終的には孤立、疎外、そしてあらゆる種類の「全体」からの分離感へとつながりました。戦争で結集した国の統一は死につつあり、それとともに兵士や国民に売りつけていたお世辞の幻想も消え去りました。世界は暴力的で、下品で、精神的に空虚なものになりました。

中流階級の労働者は、明らかに目立たない立場に陥り、はるかに大きな機械の中で認められるには小さすぎる歯車となった。国民は自分の無力さに打ちひしがれた。若者の夢は失敗で打ち砕かれ、限界と喪失を認識して幻滅した。幻滅した人々や追放された人々の生活が、より焦点となった。勤勉さと機知によって自分を定義し、従来の手段に頼らずに自分自身のビジョンを作り上げることができる能力が、高く評価されるようになった。一部の作家はこれを支持し、F・スコット・フィッツジェラルドなど他の作家は、特権の価値がいかに魅力的でありながら破壊的な誤りになり得るかを疑問視した。

近代主義のアメリカは、もはや信仰が統一されていない世界の中で、共通の基盤を見つけなければなりませんでした。見出された統一は、すべての人間の経験における共通の意識という共通の基盤にありました。個人の重要性が強調され、人間の経験の真に限られた性質が、人種、階級、性別、富、宗教のあらゆる橋を越えた絆を形成しました。このようにして、社会は混乱の中にあっても共通の意味を見つけました。

モダニズムを 19 世紀の美学と「芸術のための芸術」運動の伝統とみなす人もいます。クレメント グリーンバーグは、モダニズム芸術は「自分自身以外のものはすべて排除する」と主張しています。ブルースやジャズ音楽などのモダニズム芸術を感情や気分の媒体とみなす人もいます。また、多くの作品がフェミニズムや都市生活などの現代の問題を扱っています。一部の芸術家や理論家は、アメリカのモダニズムに政治的側面を加えました。

アメリカのモダニズムのデザインと建築は、人々が現代的な生活を送ることを可能にしました。1920 年代の経済の好転により、仕事と家庭生活は根本的に急速に変化しました。米国では、自動車が普及し、多くの人々にとって手頃な価格となり、余暇と娯楽が重要視され、女性に仕事の場が開かれました。生活をより効率的にするために、デザイナーと建築家は家事の簡素化を目指しました。

1920年代末から1930年代にかけての大恐慌は、国民に国の経済的安定に対する幻滅感を与え、ユートピア主義的な考え方を蝕んだ。第二次世界大戦の勃発と恐怖は、さらに考え方の変化をもたらした。その後の戦後時代は後期モダニズムと呼ばれた。[ 2 ^]ポストモダニズム時代は、1980年代から始まる20世紀後半の芸術の特徴であると一般的に考えられていた。

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  アルフレッド・ヘンリー・マウラー『アレンジメント』 1901年
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  モーガン・ラッセル、『宇宙のシンクロミー』（1913–14年）、シンクロミズム。キャンバスに油彩、41.28 cm × 33.34 cm、マンソン・ウィリアムズ・プロクター芸術研究所。
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  マースデン・ハートリー『ドイツ将校の肖像』 1914年
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  オスカー・ブルーマー、「形と光、西ニュージャージーのモチーフ」（1914年）
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  アンドリュー・ダスバーグ、即興、 1915年頃- 1916年
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  スタントン・マクドナルド・ライト1920年、黄色とオレンジ色の飛行機のシンクロミー、 シンクロミズム
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  チャールズ・デムス、春、 1921年
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  スチュアート・デイヴィス、『ラッキー・ストライク』、1921年
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  チャールズ・デムス、金の像5、1928 年
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  パトリック・ヘンリー・ブルース、絵画、キャンバスに油彩、23 3 ⁄ 4 × 36 3 ⁄ 8インチ (60.3 × 92.4 cm) 1929 年 - 1930 年頃
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  チャールズ・ローゼン、サイドホイール・イン・ザ・ラウンドアウト、1920 年代 (プレシジョニズム)

アメリカにおける近代の始まりについては、特定の日付というものはありません。20 世紀初頭には、何十人もの画家が活躍していたからです。この時代は、最初のキュビズムの風景画 (プレシジョニズム)、静物画、肖像画が登場した時代であり、明るい色が画家のパレットに加わり、最初の非具象絵画がギャラリーに展示された時代でした。

形成期のモダニズム運動は、1913年までにニューヨーク市でも人気が高まり、ウィルヘルミナ・ウェーバー・ファーロング（1878-1962）のマンハッタンの人気スタジオギャラリーや、1918年のホイットニースタジオクラブの活動を通じて人気が高まった。 ^{[3] [4]}デイビッドソンによると、アメリカのモダニズム絵画の始まりは1910年代にさかのぼることができる。この期間の初期は25年間続き、1935年頃に終了した。この頃、モダンアートは、グリーンバーグがアヴァンギャルドと呼んだものと呼ばれていた。

1913 年にニューヨーク市で開催されたアーモリー ショーでは、アメリカ人だけでなくヨーロッパのアーティストの同時代作品も展示されました。印象派、フォーヴィスム、キュビズムの絵画は、従来の芸術に慣れていた多くのアメリカ人観客を驚かせました。しかし、見たものに触発され、多くのアメリカ人アーティストが急進的で新しいアイデアに影響を受けました。

20 世紀初頭は、芸術的表現のさまざまな技法や方法が模索された時期でした。ウィルヘルミナ・ウェーバー、マン・レイ、パトリック・ヘンリー・ブルース、ジェラルド・マーフィーなど、多くのアメリカ人芸術家がヨーロッパ、特にパリに芸術制作のため出向きました。さまざまな芸術団体が結成されたことで、視覚芸術に多様な意味が生まれました。アッシュカン派はリアリズム(ロバート・アンリまたはジョージ・ルクス)を中心に集まり、スティーグリッツ派はニューヨーク市の抽象的なビジョンを称賛しました (マックス・ウェーバー、エイブラハム・ウォーコウィッツ)。色彩派は色鮮やかで抽象的な「シンクロミー」の方向に進化しました (スタントン・マクドナルド・ライト、モーガン・ラッセル)。一方、プレシジョン主義はアメリカの工業化された風景をシャープでダイナミックな幾何学化の形で視覚化しました (ジョセフ・ステラ、チャールズ・シーラー、モートン・リヴィングストン・シャンバーグ、チャールズ・ローゼン、チャールズ・デムス)。最終的には、チャールズ・バーチフィールド、マースデン・ハートリー、スチュアート・デイヴィス、アーサー・ダブ、アメリカモダニズムの母とみなされていたジョージア・オキーフ、ジョン・マリン、アーサー・ビーチャー・カールス、アルフレッド・ヘンリー・マウラー、アンドリュー・ダスバーグ、ジェームズ・ドーハティ、ジョン・コバート、ヘンリエッタ・ショア、ウィリアム・ゾラック、マーガレット・トンプソン（ゾラック）、マニエール・ドーソン、アーノルド・フリードマン、オスカー・ブルーマーナーなどの芸術家が、ニューヨーク・スクールにモダニズムの時代を先導しました。

視覚芸術における焦点の移行と主題の多様性も、アメリカのモダニズム芸術の特徴である。例えば、「ザ・エイト」というグループは、近代都市に焦点を合わせ、さまざまな市民階級の多様性を強調した。「ザ・エイト」の最も重要な代表者であるロバート・ヘンリーとジョン・スローンは、社会的多様性についての絵画を制作し、工業化都市のスラム街の住民を主な主題とすることが多かった。1920年代後半から1930年代は、アメリカ絵画において（他の多くの運動の中でも）地域主義と社会的リアリズムという2つの運動が起こった時期であった。地域主義はアメリカの風景の色彩豊かさと田舎暮らしの複雑さに焦点を当てたのに対し、社会的リアリストは大恐慌、貧困、社会的不正義といった主題に踏み込んだ。社会的リアリストは、人間の不平等の問題に対して偽善的で偏見があり無関心であるように思われる政府と体制に抗議した。抽象、風景、音楽は、20世紀前半のモダニズムの人気テーマでした。1928年に傑作「金色の五の字を見た」を制作したチャールズ・デムス、モートン・シャンバーグ（1881年 - 1918年）、チャールズ・シーラーなどの芸術家もプレシジョニスト運動と密接な関係がありました。シーラーは、 1948年の絵画「アモスケグ運河」に代表されるように、都市の風景や産業建築を主に描きました。ジャズと音楽は、1940年の「6色のための熱い静止画 - 7番街スタイル」に代表されるように、スチュアート・デイビスによって即興的に表現されました。

モダニズムは、芸術とアメリカの社会的に多様な観客との間の溝を埋めました。一般大衆に近代性をもたらすことを目指した美術館やギャラリーが増えました。進歩、技術、都市生活の祝福に対する当初の抵抗にもかかわらず、視覚芸術はアメリカ人の自意識と認識に大きく貢献しました。新しいモダニズムの絵画は、観客の感情的および精神的状態に光を当て、それがアメリカ人のアイデンティティの形成に不可欠でした。

アメリカの「モダニズム」のさまざまな方向性は、一貫したひとつのスタイルを生み出すことはなかった。

• スティーグリッツグループ
• アーレンスベルクサークル
• カラー画家
• 精密主義
• 独立派
• フィラデルフィア学派
• ニューヨークの独立系
• シカゴと西へ

ジョージア・オキーフは「アメリカモダニズムの母」として知られ、^[5] 1920年代からアメリカモダニズムの主要人物である。彼女は、近代アメリカの芸術スタイルの限界に挑戦したことで広く認められている。彼女は主に、抽象と具象を融合させた花、岩、貝殻、動物の骨、風景画で知られている。^{[6] 1935年の} 「ラムズヘッドの白いタチアオイと小さな丘」は、オキーフのよく知られた絵画である。

アーサー・ダヴは抽象画や抽象風景画を制作するために、幅広い媒体を、時には型破りな組み合わせで使用しました。 1937年の「私と月」はアーサー・ダヴの抽象風景画の好例であり、彼のキャリアの頂点とも言われています。^{[7]ダヴは1920年代に実験的なコラージュ作品シリーズを制作しました。彼はまた、}ワックスエマルジョンの上に手で混ぜた油絵の具やテンペラ絵の具を組み合わせるなどの技法を試しました。

アフリカ系アメリカ人画家のアーロン・ダグラス（1899年 - 1979年）は、最も有名で影響力のあるアフリカ系アメリカ人のモダニズム画家の一人です。彼の作品は、アフリカ系アメリカ人の伝統と文化の独特の特徴と密接に関係する美的運動の発展に大きく貢献しました。ダグラスは、特にハーレム・ルネッサンス期にアフリカ系アメリカ人の視覚芸術に影響を与えました。

ダグラスの最も人気のある絵画の 1 つに『磔刑』があります。これは 1927 年にジェームズ ウェルドン ジョンソンの『神のトロンボーン』に掲載されました。絵画に描かれた磔刑の場面には、明確な描写、影と光の変化、様式化された人体、直線的な形とは対照的な同心円としての幾何学的図形など、ダグラスの芸術を構成するいくつかの要素が表れています。絵画のテーマは、聖書の場面に似ているだけでなく、アフリカ系アメリカ人の宗教的伝統への言及としても見ることができます。特大の黒いイエスは十字架を背負っており、その目は天に向けられており、そこから光が信者たちに降り注いでいます。様式化されたローマ兵が尖った槍を手に、この場面の両側に立っています。その結果、鑑賞者は、例えばアフリカ系アメリカ人の福音の伝統だけでなく、抑圧の歴史も思い出します。ボーフォード・デラニー、チャールズ・アルストン、ジェイコブ・ローレンス、ロマーレ・ベアデンもまた、後続の世代の芸術家たちにインスピレーションを与えた 重要なアフリカ系アメリカ人の モダニズム画家でした。

アメリカのモダニズムの始まりの頃、写真はまだ芸術の一形態として認識されるのに苦労していました。写真家のアルフレッド・スティーグリッツは次のように説明しています。「私の初期の写真を見た芸術家たちは、私を羨ましがる、私の写真は彼らの絵画よりも優れていると思う、しかし残念ながら写真は芸術ではない、と言い始めました。芸術家たちが私の作品を羨ましがりながら、同時に機械で作られたものだと非難するのは理解できませんでした。」(スティーグリッツ:8) 1902年、スティーグリッツはエドワード・スタイケン、ガートルード・ケーゼビア、クラレンス・ハドソン・ホワイトなどのメンバーとともにフォト・セセッション・グループを設立しました。このグループの目的は、芸術写真の水準を高め、認知度を高めることでした。その時点で、彼らの主なスタイルはピクトリアリストで、当時の絵画やエッチングのスタイルを模倣するために、ソフトフォーカス、特殊フィルター、またはエキゾチックな印刷プロセスを使用して写真を修正することで知られていました。運動の推進力となったスティーグリッツは、出版の手段として雑誌『カメラワーク』を創刊し、運動を代表すると感じたアーティストの作品を同誌に掲載した。また、291（1905年 - 1917年）、「インティメイト・ギャラリー」（1925年 - 1929年）、「アメリカン・プレイス」（1929年 - 1947年）という3つのギャラリーを次々に経営した。特に291は、アーティストや作家が集まる場所として機能し、アンリ・マティス、オーギュスト・ロダン、アンリ・ルソー、ポール・セザンヌ、パブロ・ピカソなど、ヨーロッパのアーティストによる初期モダニズムの作品を米国で初めて展示した場所であった。ヨーロッパの前衛芸術とのさらなるつながりは、マン・レイによって確立された。アメリカで生まれ、スティーグリッツのギャラリーで見た作品に触発されたレイは、1921年にパリに移住し、ヨーロッパのダダやシュルレアリスム運動の芸術家たちとともに、レイオグラフ（感光紙の上に物体を直接置く） などの新しい写真技術を生み出しました。

1920年代初頭、写真家たちはいわゆるストレート フォトグラフィーへと向かっていった。ピクトリアリスト スタイルとは対照的に、彼らは写真撮影プロセスにおけるあらゆる種類の操作 (ソフト レンズ、特殊な現像または印刷方法など) を拒否し、現実を捉える独自の手段としてカメラの利点を活用しようとした。彼らのモチーフは、可能な限り客観的に見えるようにする必要があった。古典的な肖像画やピクトリアリスト スタイルから焦点を移し、写真家たちは日常生活の厳しい現実を表現する手段として写真を使い始めたが、同時に細部の美しさや全体的な美的構造を探そうとした。機械や工場の作業、高層ビルや技術革新が主要なモチーフとなった。1932年、若い写真家たち (アンセル アダムス、イモージェン カニンガム、ウィラード ヴァン ダイク、エドワード ウェストンなど) がストレート フォトグラフィーの理想に基づいてグループ f/64を立ち上げ、これは当時最も進歩的な団体となった。

アメリカのモダニズム文学は、第一次世界大戦から第二次世界大戦までの間にアメリカ文学の主流となった。モダニズム時代は、詩や散文の形式や言語における革新を強調し、人種関係、ジェンダー、人間の状態など、数多くの現代的なテーマを取り上げていた。多くのアメリカのモダニストがこの時期にヨーロッパに亡命し、T.S.エリオット、エズラ・パウンド、ガートルード・スタインのように、ヨーロッパの運動の支持者になることが多かった。これらの作家はしばしば「失われた世代」として知られていた。^[8]

この傾向への反応として、多くのアメリカ人作家や詩人が「ネイティビズム」の傾向を開始し、アメリカにおける現代アメリカ人の経験を表現しようとしました。この傾向に貢献した著名な人物には、ウィリアム・カルロス・ウィリアムズ、ウォレス・スティーブンス、マリアンヌ・ムーアなどがいます。これらの詩人は、エリオットやパウンドなどの海外在住作家の作品に対して批判的であることが多かったことが、 「春」や「すべて」などの詩に表れています。

第一次世界大戦の影響を受けた多くのアメリカのモダニスト作家は、戦争体験による心理的傷や精神的な傷跡を探求した。1930年代初頭のアメリカの経済危機も、ジョン・スタインベックの『怒りの葡萄』などの文学に影響を与えた。関連する問題は、労働者が都市生活の背景に消え、自己定義を切望する機械の中の気づかれない歯車になるにつれて、自己の喪失と自己定義の必要性である。アメリカのモダニストは、フィッツジェラルドの『グレート・ギャツビー』で示されたテーマである「自己構築」の試みに焦点を当てた19世紀半ばを反映した。狂気とその兆候は、ユージン・オニールの『皇帝ジョーンズ』、ヘミングウェイの『戦士』、フォークナーの『夕陽』に見られるように、モダニストのもう一つのお気に入りのテーマであるようだ。それにもかかわらず、これらすべての否定的な側面は、同時代の人々だけでなく、アメリカのモダニズム文学の架空の登場人物にとっても、新たな希望と願望、そして新たな始まりの探求につながりました。

モダニズム文学は、アメリカ文学における地域的傾向の発展も可能にした。ハーレム・ルネッサンスや南部モダニズムなどである。ハーレム・ルネッサンスは、ニューヨークのハーレム地区を中心とするアフリカ系アメリカ人の芸術の復活を象徴するものである。アラン・ロック、クロード・マッケイ、ラングストン・ヒューズ、ゾラ・ニール・ハーストンなどの作家や思想家がこの運動の重要人物であった。この運動は、ジャズ音楽の人気にも見られるように、アフリカ系アメリカ人文化の流行と結びついており、多くの作家が白人のパトロンから資金援助を受けていた。^[9]この運動の多くの作家は、アフリカ系アメリカ人の生活を表現するためにモダニズムの手法を用いた。^[10]たとえば、ジャズ音楽のリズムとアフリカ系アメリカ人文化の方言を詩や散文に取り入れた。^[11]南部モダニズムも同様に、モダニズムの美学を用いて南部の生活と独特の経験を表現した。ウィリアム・フォークナーやテネシー・ウィリアムズなどの著名人がその代表である。^[12]

1930 年代から 1960 年代にかけて、ニュー クリティシズムは米国で批評の力となりました。それは、アメリカの文学批評において最も強力な視点でした。その代表者は、ジョン クロウ ランサム、アレン テイト、クリーンス ブルックス、ロバート ペン ウォーレンです。「これらの詩人教授が開発した影響力のある批評方法は、精読スキルの研ぎ澄ましを強調しました。ニュー クリティシズムは、文学研究の正当化として詩の評価を重視しました。」ブルックスとウォーレンの「Understanding Poetry」 (1938 年) は、1930 年代の最も影響力のある大学の詩の教科書の 1 つとなり、1970 年代まで改訂され、再版されました。(Morrisson: 29)。

新しい批評は、エリオットやイェイツの詩などの作品に現れました。「新しい批評家の美的基準に最も適した詩は、重要な教室の教材集で強調されました」(モリソン: 29)。TS エリオットは、エッセイ「伝統と個人の才能」で伝統を再定義しました。彼は「客観的相関関係」などの批評概念を定式化し、ジェームズ朝の劇と形而上学的詩を高く評価することで文学の規範を再考しました。彼の作品は、アメリカの新しい批評に根本的な影響を与えました。

アメリカは、新しい高度な建築技術や建設技術に関するモダニズム運動において大きな役割を果たしました。建設技術革新の中には、鉄、鋼、鉄筋コンクリートなどの材料があります。ジョンとワシントン・ローブリング（1869-1883）によるブルックリン橋（詳細については、ジョン・ローブリング/ワシントン・ローブリングを参照）

ルイス・ヘンリー・サリバンは、機能的なデザインと現代的な素材の開発を特徴とする、いわゆるシカゴ建築学派のリーダーでした。サリバンの後継者であるフランク・ロイド・ライトは、彼の「リーベル・マスター」（親愛なる師匠）からドイツのロマン主義的な有機建築の伝統を吸収しました。彼は第一次世界大戦前に住宅設計に対する新しい独自のアプローチを開発し、それが「プレーリースタイル」として知られるようになりました。それは、オープンな計画原理と水平方向の強調、非対称のファサードの立面、そして広くて保護的な屋根を組み合わせたものです。シカゴのロビーハウス（1909年）とニューヨーク市のグッゲンハイム美術館（1946年～1959年）は、彼の独創的な作品の2つです。

ライトは作品の中で、荒削りの石材や木材を使い、常に親密で保護された避難所の効果を達成することを目指し、自然の形の地球に縛られた感覚にどんどん近づいていきました。

1920年代のリチャード・ノイトラ、ルドルフ・シンドラー、ウィリアム・レスカーズといった外国生まれの建築家たちは、アメリカ建築の発展に大きな役割を果たし、後にインターナショナル・スタイルと呼ばれるスタイルを生み出し、第二次世界大戦後の企業オフィスビルのデザインに反映された。ニューヨークにあるスキッドモア・オーウィングス・アンド・メリルのレバー・ハウス（1952年）やルートヴィヒ・ミース・ファン・デル・ローエのシーグラム・ビル（1956年 - 1958年）などの建物は、この新しいスタイルの例である。ヴァルター・グロピウスやミースといった有名なヨーロッパ人がアメリカに移住すると、多くのアメリカの建築学校がドイツのバウハウスの伝統の影響を受けるようになった。

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• アメリカの視覚芸術
• モダニズム映画

• メトロポリタン美術館所蔵のアメリカ絵画、完全デジタル化された全3巻の展覧会カタログ
• ペンシルベニア州立大学のインタビューでアメリカのモダニズム画家について議論