風景画

風景画（ランドスケープアートとも呼ばれる）は、山、谷、川、樹木、森林などの自然の風景を、特に広い範囲を主題として、その要素を一貫した構成に配置して描いた絵画である。他の作品では、人物の風景の背景が依然として作品の重要な部分を形成することがある。空はほぼ常に景色に含まれており、天気はしばしば構成の要素である。詳細な風景を独自の主題として描くことは、すべての芸術的伝統に見られるわけではなく、他の主題を表現する洗練された伝統がすでに存在する場合に発展する。^[1]

2 つの主要な伝統は、西洋絵画と中国美術から生まれ、どちらも千年以上前に遡ります。風景画における精神的要素の認識は、道教やその他の哲学的伝統に根ざした東アジア美術ではその始まりから存在していますが、西洋ではロマン主義で初めて明確になってきました。

芸術における風景画は、完全に想像上のものである場合もあれば、さまざまな精度で現実からコピーされたものである場合もある。絵画の主な目的が、特に建物を目立つように含めて、実際の特定の場所を描くことである場合、それは地形図と呼ばれる。^[2]西洋では版画として非常に一般的なこのような風景画は、美術の風景画よりも劣っていると見なされることが多いが、その区別は必ずしも意味があるわけではない。同様の偏見は中国の芸術にも存在し、文人画は通常想像上の風景を描き、プロの芸術家は現実の景色を描いた。^[3]

「landscape」という単語は、 17世紀初頭にオランダ語のlandschapの英語化であるlandskip （様々な綴り）として現代英語に入り、純粋に芸術作品を指す言葉として使われ、絵画を指す言葉として初めて使われたのは1598年でした。 ^[4] 数十年後には詩の中で眺望を表現するのに使われるようになり、^{[5]最終的には実際の景色を指す言葉になりました。しかし、同義語の}landscaefまたはlandskipeという開墾された土地を表す言葉は古英語に存在していましたが、中英語には記録されていません。^[6]

世界中の最も古い芸術形態には、地面の線や、時には山、木、その他の自然の特徴が描かれているものの、風景と呼べるものはほとんど描かれていない。人物が描かれていない最も古い「純粋な風景」は、紀元前1500年頃のミノア美術のフレスコ画である。 ^[7]

狩猟シーン、特に古代エジプトのナイル川デルタの葦原の閉鎖された眺望を舞台にしたシーンは、場所の感覚を強く伝えることができるが、全体的な風景の設定よりも、個々の植物の形や人間や動物の姿に重点が置かれている。現在大英博物館にあるネバムンの墓のフレスコ画（紀元前1350年頃）は有名な例である。

風景全体を首尾一貫して描写するには、遠近法の大まかな体系、つまり距離に応じた尺度が必要であり、文学的証拠から、これはヘレニズム時代の古代ギリシャで最初に開発されたと思われるが、大規模な例は残っていない。紀元前1世紀以降、特にポンペイ、ヘルクラネウムなどの遺跡に保存されている部屋を飾る風景画のフレスコ画やモザイクなど、古代ローマの風景画が残っている。^[8]

中国の水墨画の伝統である山水画、つまり「清浄な」山水画では、人間の生活の唯一の兆候は通常、賢者かその小屋の姿のみであり、洗練された風景画の背景を使用して主題を描き、この時代の山水画は中国の伝統の中で古典的かつ模倣の多い地位を保っています。

ローマと中国の伝統はどちらも、空想上の風景の壮大なパノラマを描き、通常は壮大な山々を背景に描きます。中国では滝が描かれることが多く、ローマでは海、湖、川が描かれることが多いです。これらは、図の例のように、人物のいる前景と遠くのパノラマ風景の間のギャップを埋めるためによく使われますが、これは風景画家にとっての永遠の課題です。中国風では、一般的に遠景のみを描くか、その難しさを避けるために死角や霧を使いました。

西洋と東アジアの風景画の大きな違いは、西洋では19世紀まで風景画がジャンルのヒエラルキーの中で低い位置を占めていたのに対し、東アジアでは中国の古典的な山水画が伝統的に最も権威のある視覚芸術の形態であったことである。両地域の美学理論では、芸術家から最も想像力を必要とするとみなされる作品に最高の地位が与えられていた。西洋ではこれは歴史画であったが、東アジアでは空想の風景画であり、有名な画家は少なくとも理論上はアマチュアの文人であり、中国と日本の皇帝も数人含まれていた。彼らはまた、詩人でもあり、その詩行とイメージは互いに図示し合っていた。^[9]

しかし、西洋では、歴史画には適切な場合に広範な風景画の背景が必要となるため、この理論は風景画の発展に完全に反対するものではありません。数世紀にわたって、風景画は、典型的には宗教的または神話的な物語の場面を作るために小さな人物が追加されることにより、定期的に歴史画の地位に昇格しました。

初期の西洋中世美術では、風景への関心はほぼ完全に消え去り、ユトレヒト詩篇などの後期古代の作品の写しの中でのみ生き続けてきた。この資料の最後の改訂版である初期ゴシック版では、それまでの広大な風景が、構図の隙間を埋める数本の木に縮小され、全体的な空間感覚は失われている。^[10]自然への関心の復活は、当初は主にホルトゥス・コンクルススやミルフルール・タペストリーのような小さな庭園の描写に現れた。アヴィニョン教皇宮殿にある、密集した木々を背景に作業や遊びをする人物のフレスコ画は、おそらく一般的な主題が生き残ったユニークな例だろう。^[11]ヴィラ・デ・リウィアなどのローマの邸宅からは、庭園のフレスコ画がいくつか残っている。^[12]

14世紀、ジョット・ディ・ボンドーネとその追随者たちは、作品の中に自然を取り入れるようになり、絵画の中の人物の動きの背景として風景の要素をますます取り入れるようになった。^[13] 15世紀初頭、風景画は、人間の活動の背景として、しばしば宗教的な主題で表現される、例えば『エジプトへの逃避の休息』、『東方三博士の旅』、『砂漠の聖ヒエロニムス』などのテーマとして、ヨーロッパでジャンルとして確立された。豪華な装飾写本は、風景画の初期の発展において非常に重要であり、特に『ベリー公の非常に豊かな時祷書』に見られるような月日ごとの労働の連作は、慣習的に小さな風俗画の人物をだんだん大きくなる風景の中に描いていた。特に、あまり知られていない『トリノ=ミラノの時間画』は、現在では大部分が火災で焼失しており、その発展は世紀の残りの初期フランドル絵画に反映された。おそらくファン・エイク兄弟の一人である「ハンドG」として知られる画家は、光の効果と、前景から遠景への自然な流れを再現することに特に成功していた。^[14]これは他の画家たちが1世紀以上もの間困難だと感じていたことであり、しばしば欄干や窓枠の上から、まるでかなりの高さからであるかのように風景の背景を描くことでこの問題を解決していた。^[15]

15世紀には、様々なタイプの絵画における風景画の背景がますます目立つようになり、巧みに描かれた。15世紀末ごろには、レオナルド・ダ・ヴィンチ、アルブレヒト・デューラー、フラ・バルトロメオらによる純粋な風景画や水彩画が見られるようになったが、絵画や版画における純粋な風景画の主題は、まだ小規模ではあったが、16世紀初頭にアルブレヒト・アルトドルファーらドイツ・ドナウ派によって初めて制作された。[ 16 ^{]しかし、}ヘラルト・ダヴィドによる「1510年から1515年頃」の三連祭壇画の翼の外側は、低地諸国、おそらくヨーロッパで最も古いものである。 ^[17] 同じ頃、オランダのヨアヒム・パティニールは「世界風景画」という、小さな人物と高い空中視点を使ったパノラマ風景画のスタイルを考案し、ピーテル・ブリューゲル（父）によって使用され完成され、1世紀にわたって影響力を持ち続けました。イタリアの徹底したグラフィック遠近法のシステムの発展は、今やヨーロッパ中に知られるようになり、大規模で複雑な景色を非常に効果的に描くことを可能にしました。

風景画は理想化され、主にジョルジョーネと若きティツィアーノによって初めて完全に表現された古典詩から引き出された田園的な理想を反映し、とりわけ丘陵の森に覆われたイタリアの風景と結び付けられていました。それは、中国や日本の平野に住む文人が険しい山々を描いたのと同じように、イタリアを訪れたことのない北欧の芸術家によって描かれました。若い芸術家はイタリアの光を体験するためにイタリアを訪れるよう勧められることが多かったものの、多くの北欧の芸術家はわざわざイタリアに行かなくてもイタリア風の風景画を売って生計を立てることができました。実際、特定のスタイルは非常に人気があり、何度も模倣されるような定型となりました。^[18]

1559年と1561年にアントワープで、小風景画の巨匠と呼ばれる匿名の画家の素描を基にした合計48点の版画2シリーズ（小風景画）が出版されたが、これは世界の風景画が宗教的な内容を持つ空想的で遠い風景から、日常生活を送る人々が住む田舎の屋敷や村を目の高さでクローズアップして描くものへと移行したことを示している。世界の風景画をパノラマ的に描くという視点を捨て、質素で田舎風、さらには地形的なものに焦点を当てることで、小風景画は17世紀のネーデルラントの風景画の基盤を築いた。小風景画の出版後、ネーデルラントの風景画家たちは世界の風景画を描き続けるか、小風景画が提示した新しい様式に従った。^[19]

異国情緒あふれる風景画の人気は、1636年から1644年にかけてブラジルを旅行した後、残りの人生をブラジルの風景画に費やした画家フランス・ポストの成功に見て取れます。アルプスを越えなかった他の画家たちは、ラインラントの風景画を売って金を儲けることができ、また、コルネリス・デ・マンが1639年に描いたスメーレンブルクの風景画のように、特定の注文のために空想的な風景画を描いて金を儲けた画家たちもいました。

ルプッソワールのような要素を使った構図の公式が開発され、それは現代の写真や絵画にも影響を与えている。特に、17世紀ローマに住んでいたフランス人芸術家のプッサン^[20]とクロード・ロランは、主に古典的な主題、または同じ風景の中に設定された聖書の場面を描いている。イタリアとフランスの風景画家たちは、オランダの同時代人とは異なり、古典神話や聖書の場面を表す小さな人物を描くことで、歴史画というジャンルのヒエラルキー内での分類を維持しようとすることが多かった。サルヴァトール・ローザは、山賊が住むことが多い南イタリアの荒々しい田舎を描くことで、風景画に絵画的な興奮を与えた。^[21]

17世紀のオランダの黄金時代の絵画では、多くの芸術家が専門とする風景画が劇的に成長し、光と天候を描くための極めて繊細な写実主義的技法が発達しました。さまざまなスタイルと時代があり、海洋画と動物画のサブジャンルがあり、イタリア風の風景画の独特のスタイルもあります。オランダの風景画のほとんどは比較的小規模でしたが、フランドルのバロック絵画の風景画は、通常、まだ人が描かれており、非常に大きいものが多く、特にピーテル・パウル・ルーベンスが自宅用に描いた一連の作品が顕著でした。風景版画も人気があり、レンブラントの作品やヘラクレス・ゼーゲルスの実験的な作品が通常最も優れていると考えられていました。

オランダ人は小さな家のために小さな絵を描く傾向があった。当時の目録に名前が挙がっているオランダの風景画の名物としては、戦闘場面のBatalje ^[22]、月明かりの場面の Maneschijntje [23]、森林^の場面のBosjes ^[24]、農場の場面のBoederijtje ^[25]、村の場面のDorpje ^{[26]などがある。当時は特定のジャンルとして名付けられていなかったが、ローマ時代の遺跡の人気に触発されて、当時の多くのオランダの風景画家たちが、}ベールデン嵐の後に破壊された修道院や教会など、自らの地域の遺跡を描くようになった。^[27]

ヤコブ・ファン・ロイスダールは、オランダ黄金時代の風景画家の中で最も多才な画家であると考えられています。^{[28]オランダにおける風景画の人気は、}カルヴァン派社会における宗教画の事実上の消滅を反映したものでもあり、18世紀から19世紀にかけてヨーロッパ全土で宗教画が衰退したこととロマン主義が相まって、19世紀の芸術において風景画は以前よりもはるかに大きな、より権威ある地位を獲得しました。

イギリスでは、風景画は当初、主に肖像画の背景として描かれ、地主の公園や領地を暗示するものであったが、そのほとんどはロンドンで描かれたもので、モデルの広大な土地を一度も訪れたことのない画家によって描かれたものであった。イギリスの伝統は、アンソニー・ヴァン・ダイクやイギリスで活動していた他の主にフランドル出身の画家たちによって築かれたが、18世紀にはクロード・ロランの作品が熱心に収集され、風景画だけでなく、ケイパビリティ・ブラウンらのイギリスの風景庭園にも影響を与えた。

18世紀には、水彩画、主に風景画がイギリスの専門となり、プロの作品の市場が活況を呈し、多くのアマチュア画家が誕生した。その多くはアレクサンダー・コーゼンズらの著書に見られるような人気のシステムに従っていた。19世紀初頭までに、最も高い評価を得たイギリスの芸術家は、主に風景画を専門とする画家で、ジョン・コンスタブル、JMWターナー、サミュエル・パーマーの作品に見られるような、イギリスの風景に対する幅広いロマン主義的解釈を示している。しかし、これらの画家はいずれも、歴史画や肖像画が依然として好まれていた現代美術市場で地位を確立するのに苦労した。^[29]

ヨーロッパでは、ジョン・ラスキンが言ったように^[30]、そしてケネス・クラーク卿が認めたように、風景画は「19世紀の主要な芸術的創造物」であり「支配的な芸術」であり、その結果、次の時代の人々は「自然美の鑑賞と風景画は、私たちの精神的活動の正常で永続的な一部であると想定する傾向があった」^[31]。クラークの分析によると、風景の複雑さを観念に変換するヨーロッパの根底にある方法は、4つの基本的なアプローチでした。記述的シンボルの受け入れ、自然の事実に対する好奇心、自然に対する根深い恐怖を和らげるためのファンタジーの創造、そして取り戻せるかもしれない調和と秩序の 黄金時代への信念です。

18 世紀は地形図の絶好の時代でもあり、風景画ではほとんど見られなかったような、現実の景色を多かれ少なかれ正確に描写しました。当初、地形図は主に建物を中心に描かれていましたが、世紀が進むにつれてロマン主義運動の発展とともに、純粋な風景画が一般的になりました。額装して壁に掛けられる地形図は、20 世紀に入っても非常に人気のある媒体でしたが、想像上の風景画よりも低級な芸術として分類されることが多かったです。

紙に描く風景画は、特にイギリスで独特の専門分野となり、他の国々とは異なり、風景画の水彩画のみ、またはほぼすべてを描く才能ある芸術家の特別な伝統が発達しました。これらは非常に多くの場合、実際の風景でしたが、時には芸術的な効果のために構成が調整されていました。絵画は比較的安価に販売されましたが、制作ははるかに迅速でした。これらの専門家は、同様に絵を描く「アマチュア軍団」を訓練することで収入を増やすことができました。^[32]

代表的な芸術家には、18世紀後半には ジョン・ロバート・コーゼンズ、フランシス・タウン、トーマス・ガーティン、マイケル・アンジェロ・ルーカー、ウィリアム・パース、トーマス・ハーン、ジョン・ワーウィック・スミスなどがおり、19世紀初頭にはジョン・グローバー、ジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナー、ジョン・ヴァーリー、ジョン・セル​​・コットマン、アンソニー・コプリー・フィールディング、サミュエル・パーマーなどがいた。^[33]

ロマン主義運動は風景画への既存の関心を強め、以前の風景画で繰り返し登場していた人里離れた野生の風景がより目立つようになった。ドイツ人のカスパー・ダーヴィト・フリードリヒはデンマークでの教育の影響を受けた独特のスタイルを持っていた。デンマークでは、17世紀のオランダを例にとった独特の国民的スタイルが発達していた。これに彼は準神秘主義的なロマン主義を加えた。フランスの画家は風景画の発展に時間がかかったが、1830年代頃からジャン＝バティスト＝カミーユ・コローとバルビゾン派の他の画家たちがフランスの風景画の伝統を確立し、それは1世紀にわたってヨーロッパで最も影響力のあるものとなり、印象派とポスト印象派が初めて風景画をあらゆる種類の絵画における一般的なスタイル革新の主な源泉とした。

17世紀オランダの風景画が人気を博した要因の一つは、新オランダ連邦共和国のナショナリズムであった。19世紀には、他の国々が独自の民族絵画の流派を発展させようとしたため、祖国の風景の特殊性を表現しようとする試みが一般的な傾向となった。ロシアでは、アメリカと同様に、絵画の巨大さ自体がナショナリズムの表明であった。19世紀後半のポーランドの風景画の代表的な画家は、マクシミリアン・ギェリムスキ、ユゼフ・チェルモンスキ、スタニスワフ・マスウォフスキであった^{[34] [35] [36]}

スペインでこのジャンルの主な推進者は、 1857年以来マドリードのサンフェルナンド美術アカデミーで最も活発な風景画教授の一人であったベルギー生まれの画家カルロス・デ・ハースであった。彼はフランドルの風景画の巨匠たちから学んだ後、屋外で絵を描く技術を開発した。^[37]スペインに戻ると、ハースは学生たちを連れて田舎に絵を描きに行った。彼の指導のもと、「画家たちは急増し、新しい鉄道システムを利用して国の地形の最も遠い隅々まで探検した。」^{[38] [39]}

米国では、19世紀中期から後半にかけて活躍したハドソン・リヴァー派が、おそらく風景画における最もよく知られた独自の発展である。これらの画家たちは、インスピレーションの源となった風景の壮大なスケールをとらえようとした、巨大な作品を制作した。この派の創始者として広く認められているトーマス・コールの作品は、ヨーロッパの風景画の哲学的理想、つまり自然美を熟考することで得られる精神的な利益に対する一種の世俗的な信仰と多くの共通点がある。アルバート・ビアスタットなど、後期のハドソン・リヴァー派の画家の中には、自然の生々しさ、さらには恐ろしさの力に（かなりのロマン主義的な誇張を伴って）重点を置いた、あまり心地よくない作品を制作した者もいる。コールの弟子であるフレデリック・エドウィン・チャーチは、同時代の画家たちの考えをヨーロッパのオールド・マスターたちの考えや、ジョン・ラスキンやアレクサンダー・フォン・フンボルトの著作と統合し、 20世紀を代表するアメリカの風景画家となった。^[40]カナダの風景画の最も優れた例は、1920年代に活躍したグループ・オブ・セブンの作品に見ることができます。 ^[41]

第一次世界大戦後の時期には確かにそれほど支配的ではなくなったものの、エドヴァルド・ムンク、ジョージア・オキーフ、チャールズ・E・バーチフィールド、ニール・ウェリヴァー、アレックス・カッツ、ミルトン・エイブリー、ピーター・ドイグ、アンドリュー・ワイエス、デイヴィッド・ホックニー、シドニー・ノーランに代表される多くの著名な芸術家が、多種多様なスタイルで風景画を描き続けました。

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  ジョン・コンスタブル、1821年、「干し草の荷馬車」。初期ロマン主義
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  ジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナー、 『ペットワース・ハウスの公園』、1830年頃
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  フレデリック・エドウィン・チャーチ、『アンデスの心』、 1859年。チャーチはアメリカのハドソン・リバー派の一員だった。
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  イヴァン・アイヴァゾフスキー、 1863年、コーカサス。後期ロマン主義
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  ジャン＝バティスト＝カミーユ・コロー、c. 1867年、ヴィル・ダヴレー 国立美術館、ワシントンDC。バルビゾン派
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  カミーユ・ピサロ、ロードシップ・レーン駅、イースト・ダリッジ、ロンドン、イギリス、1870年頃。印象派。
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  ポール・セザンヌ『サント・ヴィクトワール山』 1882-1885年、メトロポリタン美術館。ポスト印象派
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  フィンセント・ファン・ゴッホ『星月夜』1889年、ニューヨーク近代美術館。ポスト印象派
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  クロード・モネ、ジヴェルニー近郊のセーヌ川の支流、 1897年。印象派の画家たちは、必ずしもそうではなかったものの、しばしば戸外で絵を描きました。
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  イワン・シーシキン「オークの森の雨」 1891年、トレチャコフ美術館。ペレドヴィジニキ
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  イサク・レヴィタン、『永遠の平和の上に』、 1894年。
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  ヘンリー・ベイツ・ジョエルの 1890 年代の「スコットランド高地」は、ビクトリア朝絵画の典型的な後期ロマン主義様式の自然表現です。
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  ジョージ・ウィリス・プライス著「道案内」
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  スタニスワフ・マスウォフスキ、ポーランドの 風景画家 -月の出、1884 年、キャンバスに油彩、国立博物館、クラクフ、スキエンニツェ美術館部門。
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  スタニスワフ・マスウォフスキ、ウビン – ドロガ・ポルナ(ルパン– カートの道)、水彩、1909 (ワルシャワ国立美術館)

風景画は「世界芸術に対する中国の最大の貢献」^[44]と呼ばれており、その特別な性格は中国文化における道教の伝統に負っている。^[45] ウィリアム・ワトソンは「中国絵画における風景画の役割は西洋における裸体画の役割に相当すると言われている。それ自体は不変のテーマだが、視覚と感情の無限のニュアンスを伝達する媒体となっている」と述べている。^[46]

漢代以降、狩猟、農耕、動物などの人物を描いた風景画の背景には、ますます洗練されたものが登場し、現存する例は主に墓の石や粘土のレリーフであるが、これらは当時の絵画の一般的なスタイルに従っていると推定されており、間違いなく元の絵画の完全な効果を捉えていない。^[47] 10世紀以前の有名な画家（その多くは文献に記録されている）による評判の高い作品の後代の模写の正確な状況は不明である。一例として、帝国コレクションの有名な8世紀の絵画「明皇の蜀行」がある。これは、後代の絵画に典型的なタイプの、めまいがするほどの山々を馬で駆け抜ける一行を描いているが、明らかに人気があり流行していた宮廷様式で、フルカラーで「ほぼペルシャ風の全体的なパターンを生み出している」。^[48]

人物をほとんど描かないモノクロームの風景画スタイルへの決定的な転換は、詩人としても有名な王維（699–759）によるものとされ、その作品のほとんどは模写しか残っていない。^[49] 10世紀以降、オリジナルの絵画がますます多く残存し、宋朝（960–1279）の南派の最高傑作は、今日まで途切れることのない伝統の中でも最も高く評価されている作品の一つである。中国の慣習では、アマチュアの学者であり詩人でもある紳士の絵画が、専門家が描いたものよりも高く評価されていたが、状況はそれよりも複雑であった。^[50]人物が描かれている場合、それは山を眺めるそのような人物、または賢者である場合が非常に多い。有名な作品には赤い「鑑賞印」が数多く押されており、後代の所有者が詩を付け加えたことも多い。乾隆帝（1711～1799年）は、先代の皇帝に倣って自らの詩を数多く書き加えた人物だった。

山水の伝統は、八景の慣例のように実際の場所の名前が付けられていても、実際の場所を表すことを意図したことはなかった。^[51]プロの宮廷芸術家の工房で制作された別のスタイルでは、皇帝の巡幸や儀式の公式の景色が描かれ、高い視点から見た混雑した都市や壮大な儀式の非常に詳細なシーンに主眼が置かれていた。これらは非常に長い巻物に鮮やかな色で描かれた（下の例）。

中国の彫刻は、3 次元で効果的な風景を創り出すという難しい偉業も成し遂げています。「観石」を鑑賞する長い伝統があります。観石とは、山の川岸の石灰岩が浸食されて奇抜な形に形成された、自然に形成された丸石のことです。これらは、文人の中庭や庭園に運ばれました。おそらくこれと関連しているのは、はるかに小さな玉石のヒスイやその他の半貴石を山の形に彫り、その中に僧侶や賢者の小さな像を彫る伝統です。中国の庭園は、西洋の庭園よりずっと早く、高度に洗練された美学も発達させました。禅宗の枯山水は、庭園を彫刻作品にさらに近づけ、高度に抽象化された風景を表現しています。

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  李成（中国語：李成;ピンイン：LĐ Chéng ;ウェイド・ジャイルズ：Li Ch'eng ; 919–967）、遠くの山間の豊かな森、詳細、遼寧省博物館、10世紀中国
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  范寛（中国語：范寬、ピンイン：Fàn Kuān、ウェード・ジャイルズ：Fan K'uan、960年頃-1030年頃）『山行旅』、絹本墨彩、寸法6¾フィート×2½フィート。11世紀、中国。^[52] 国立故宮博物院、台北^[53]
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  夏桂の最も重要な作品の一つである「清遠渓山図巻」の細部、13 世紀中国
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  李完『竹と岩』 1300年頃、中国
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  道済、17世紀後半の中国
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  唐寅『秋の漁師』 1523年、中国
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  沈周『山上の詩人』 1500年頃。沈周の絵画と詩：「白い雲が帯のように山の腰を囲み、石段は狭い道が遠くまで続く虚空へと高く登っていく。私は一人、素朴な杖に寄りかかって、ぼんやりと遠くを眺める。笛の音への憧れは、峡谷のせせらぎに応えてくれる。」^[54]
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  蔡漢と金小竹、「秋の花と白雉」、17世紀、中国。
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  石濤、「泉近くの松亭」 、1675年、上海博物館所蔵、17世紀、中国。

日本の美術は当初、物語のテーマへの関心を反映して中国の様式を取り入れ、同じ高い視点から宮殿や都市の風景を描き、必要に応じて屋根を省略した風景画を混ぜ合わせた。これらは、主に12世紀と13世紀の源氏物語やその他の主題を描いた非常に長い大和絵の巻物に登場した。紳士アマチュア画家という概念は封建時代の日本ではほとんど共感を呼ばなかった。封建時代の日本では、芸術家は一般に、師匠やその流派と強い結びつきを持つプロフェッショナルであり、中国の画家がインスピレーションを得る傾向にあった遠い過去の古典的な芸術家とは異なっていた。^[55]絵画は当初、完全に色彩豊かで、明るい色彩であることも多く、風景画が人物を圧倒することはなかった。人物はしばしばかなり大きかった。

下に示した『一遍上人伝』の場面は、全長37.8cm×802.0cmの巻物から取られたもので、仏教僧の生涯を描いた12巻のうちの1巻に過ぎない。西洋の類似作品と同様に、修道院や寺院はこのような作品を多数発注し、宮廷の同等品よりも残存する可能性が高かった。^{[56]風景画}の屛風や 掛け軸の残存はさらに稀少で、宮廷では一般的だったようだ。『源氏物語』には、宮廷の人々がコレクションから最高の絵画を競うというエピソードがある。これらは中国の山水画に近いが、それでも完全に彩色されていた。^[57]

15 世紀以降には、より純粋な風景画の主題が数多く残されています。主要な画家の中には禅僧侶が数人おり、中国風の筆遣いを重視したモノクローム スタイルで作品を制作しています。一部の流派は、より小さな視点で前景を強調する、あまり洗練されていないスタイルを採用しています。日本の画家にとって永続的な魅力があり、「日本風」と呼ばれるようになったタイプの画像は、実は中国で最初に発見されました。これは、前景に 1 羽以上の大きな鳥、動物、または木を描き、通常は横に横に並べ、その向こうに広い風景を描きます。風景は、多くの場合、背景の一部のみを覆います。このスタイルの後のバージョンでは、風景の背景がまったく省略されることがよくありました。

16世紀以降に発展した浮世絵のスタイルは、最初は絵画で、その後安価で広く入手可能な色木版画で発展し、当初は人物の個別または集団に焦点を当てていました。しかし、18世紀後半から北斎と広重のもとで風景画の浮世絵が発展し、日本の風景画芸術の最もよく知られたタイプになりました。^[58]

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  天正周文は禅僧であり、日本における中国様式の復興の先駆者です。竹林で読書をする様子、 1446年、日本
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  狩野正信（ 15世紀、19世紀まで日本の筆絵を支配した狩野派の創始者）の作品「周茂樹観蓮図」掛け軸^[59]
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  宇比の橋は有名な屛風作品で、16世紀や17世紀に多くの版が残されており、専門画家たちの色彩豊かで抽象的なスタイルが表れています。^[60] 大和絵様式の日本画。
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  一遍上人伝 大和絵巻の一場面、1299年

初期の芸術にも風景画の要素はいくつかあるが、ペルシアのミニアチュールの風景画の伝統は、主に中国の影響を受けたイルハン朝時代に始まった。岩山が好まれ、そこにはたくさんの動物や植物が描かれ、岩層も同様に注意深く個別に描かれている。この伝統で発達した高い視点という独特の慣習により、縦型の絵画スペースのほとんどが風景画で埋め尽くされているが、空には雲も典型的には描かれており、これは中国芸術から引き継いだカールした慣習で示されている。通常、見られるものはすべて鑑賞者のかなり近くにあり、遠景はほとんどない。通常、すべての風景画には人物が登場する物語的な場面が描かれているが、アルバムには純粋な風景画がいくつか描かれている。

ヒンドゥー教の絵画では、描かれた物語の多くで要求されたように、緑豊かな植物に囲まれた長い舞台が描かれていました。ムガル絵画では、このスタイルとペルシャのスタイルが融合され、王家の狩猟のミニチュアには広い風景が描かれることが多かったです。モンスーンの雨季に設定された、暗い雲と稲妻の閃光のあるシーンが人気です。後期には、ヨーロッパの版画の影響が明らかになりました。

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  ペルシャの英雄ルスタムが眠る中、彼の馬ラクシュがライオンを撃退している。おそらくスルタン・モハメッド（1515～20年）の初期の作品。
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  サダの饗宴、22ページ、シャー・タフマースブ（スルタン・モハメッド）のシャー・ナーマより、1525年頃
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  フスローは、1548 年に、お気に入りのシーンであるプールで水浴びするシーリンを発見しました。黒い水流は酸化した銀です。
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  スダマはドワールカにあるクリシュナの黄金の宮殿を一目見て頭を下げます。 1775 ～ 1790 年頃のパハリの絵画。
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  ムガル帝国の皇帝 ジャハーンギールのライオン狩り、1615年頃、ペルシャ風の風景画
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  西洋風の国で、ハヤブサと一緒に狩りをするジャハーンギール。
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  ゴーピたちがクリシュナに衣服を返すよう懇願する、1560年代

初期の風景画のほとんどは明らかに想像上のものだが、ごく初期の頃から町並みは明らかに実際の都市を描写することを意図しており、正確さの度合いはさまざまである。創作された構図では、自然の形のランダムさを模倣するためにさまざまな技法が使われた。中世のチェンニーノ・チェンニーニによる、小さな荒々しい岩からごつごつした岩山を模写するというアドバイスは、プッサンとトーマス・ゲインズバラの両者が従ったようで、ドガは光にかざしたくしゃくしゃのハンカチから雲の形を模写した。^[61]アレクサンダー・コーゼンズのシステムでは、ランダムなインクの染みを使って創作された風景画の基本的な形を作り、それを芸術家が作り上げた。^[62]

コンラート・ヴィッツの『奇跡の漁獲』 （1444年）に描かれたレマン湖越しにル・モール峰を望む特徴的な背景の風景は、特定の場面を描いた最初の西洋の田園風景画としてよく引用される。 ^[63]デューラーの風景画の習作は明らかに実際の場面を表しており、多くの場合、実際の場面と特定でき、少なくとも部分的にはその場で描かれたものである。フラ・バルトロメオの素描も明らかに自然をスケッチしたものと思われる。デューラーの完成作品は一般に架空の風景を使用しているように見えるが、彼の版画『ネメシス』の壮大な鳥瞰図は、アルプスの実際の風景に要素を加えて描いている。数人の風景画家が自然を題材にした素描や水彩画のスケッチを描いたことが知られているが、初期の油絵が屋外で描かれたという証拠は限られている。ラファエル前派は、この方向に特別な努力を払いましたが、1870 年代にチューブ入りの既製油絵具が導入され、その後、携帯可能な「ボックスイーゼル」が登場して初めて、戸外での絵画制作が広く行われるようになりました。

風景の背後に山々のカーテンを描くのは、ローマの広大な風景画では標準的であり、中国の風景画ではさらに標準的である。どちらの伝統においても、初期の作品では空に与えられるスペースは比較的小さい。中国人は山々の間に霧や雲をよく使い、また西洋の芸術家よりずっと早く空に雲を描くこともあった。西洋の芸術家は当初、主に雲を神や天空の支えや覆いとして使っていた。写本の板絵とミニチュアはどちらも、1400 年頃まで地平線上に模様のある、または金色の「空」または背景が描かれていたが、ジョットや他のイタリアの芸術家によるフレスコ画では、ずっと以前から単色の青空が描かれていた。1399 年にシャンモルのために完成したメルキオール・ブローデルラムの祭壇画のうち唯一現存するものには、神と天使だけでなく、飛んでいる鳥も描かれた金色の空が描かれている。トリノ・ミラノ時祷書の海岸の風景には、注意深く観察された雲で覆われた空が描かれている。木版画では、大きな空白があると印刷中に紙がたるんでしまう可能性があるため、デューラーや他の芸術家はこれを避けるために雲や鳥を表す波線をよく描き入れます。

中国のモノクロームの伝統では、その始まりから絹や紙にインクが使われ、山腹の「しわ」や風景のその他の特徴を定義するために、個々の筆使いに重点が置かれてきました。西洋の水彩画は、下絵が見える場合でも、より色調のある媒体です。

伝統的に、風景画は地球の表面を描きますが、月面風景など他の種類の風景画もあります。

• 空の景色や雲の景色は、雲、天候、大気の状態を描写したものです。
• Moonscapes は月の風景を描きます。
• 海の風景画は海や海岸を描きます。
• 川の風景画は川や小川を描きます。
• 都市景観または町並みは、都市（都市の風景）を描写します。
• 戦闘シーンは軍事絵画の区分の一つで、遠くからの戦いを描写する際に、風景、海景、あるいは都市の景観の中に描かれます。
• ハードスケープは、道路や歩道、大規模なビジネス複合施設や住宅開発地、工業地域などのエリアに舗装されます。
• 空中風景画は、特に飛行機や宇宙船から見た、上空から見た地表または地面を描きます。(視点が真上から下を見ている場合、もちろん地平線や空は描かれません。) このジャンルは、ジョージア・オキーフの空中雲風景画、ナンシー・グレイブスの空中月面風景画、イヴォンヌ・ジャケットの空中都市風景画のように、他のジャンルと組み合わせることもできます。
• インスケープは、精神を三次元空間として捉える精神分析的見解を伝えようとする、風景画のような（通常はシュールレアリスト的または抽象的な）芸術作品です。[この発言の出典については、インスケープ（視覚芸術）の記事を参照してください。]
• ヴェドゥーテはイタリア語で景色を意味し、一般的には描かれた風景画、特に 18 世紀の絵画の一般的なテーマであった都市の風景画に使用されます。
• 風景写真

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  アルバート・ピンカム・ライダー、『月光の海岸』、1890年、フィリップス・コレクション、ワシントンD.C.トーナリズムに関連するプロト・アメリカン・モダニスト。
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  ワシリー・カンディンスキー、デア・ブルー・ライター、1903年。デア・ブルー・ライター、1911年から1914年まで活動した表現主義グループ。
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  アンリ・マティス、「コリウールの風景」、1905年、ニューヨーク近代美術館。フォーヴィスムは1900年から1907年まで活動したパリのモダニズム運動です。
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  アンドレ・ドラン、1905年、Le séchage des voiles (The Drying Sails)、キャンバスに油彩、82 × 101 cm、プーシキン美術館、モスクワ。 1905年のサロン・ドートンヌに出品
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  ジャン・メッツィンガー、1906年、クーシェ・ド・ソレイユ no. 1 (風景)、キャンバスに油彩、72.5 × 100 cm、クレラー・ミュラー国立美術館、オッテルロー、オランダ
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  パブロ・ピカソ、1908年、ペイサージュ・オ・ドゥ・フィギュア（二人の人物のある風景）、キャンバスに油彩、60 x 73 cm、ピカソ美術館、パリ
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  アンリ・ルソー『夢』1910年、ニューヨーク近代美術館
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  エルンスト・ルートヴィヒ・キルヒナー、「裸で遊ぶ人々」、1910 年。1905 年以降に活動した表現主義グループ「ブリュッケ」。
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  アルベール・グレーズ、1911年、ル・シュマン、ペイサージュ・ア・ムードン、ペイサージュ・アヴェック・パーソンナージ、キャンバスに油彩、146.4 × 114.4 cm。第二次世界大戦中に収集家アルフォンス・カンの家からナチスの占領者によって盗まれた

中国

• 南方学派、8世紀～16世紀、文人学派とも呼ばれる
• 元代の四大君
• 明代の四大巨匠
• 清代初期の六大名人、四王を含む

日本—王朝時代が多い

• 土佐派 14世紀または15世紀から19世紀
• 狩野派15世紀から19世紀
• 長谷川派 16世紀中期から18世紀初頭
• 南画（「南画」）、江戸時代の専門家が中国の文人画の影響を受けた - 17世紀から19世紀

パレスチナの風景画

19世紀以前

• ドナウ流派

19世紀と20世紀

• アメリカのバルビゾン派
• アメリカ印象派
• アムステルダム印象派
• バルビゾン派
• デュッセルドルフ絵画派
• エッチングの復活
• フォーヴィスム
• G7（カナダ）
• ハーグ校
• ハイデルベルグ学校（オーストラリア）
• フージャーグループ
• ハドソンリバースクール
• 印象派
• ルミニズム（アメリカ）
• ルミニズム（印象派）
• マッキアイオリ
• 新印象派
• ノーリッチ校
• ペレドヴィジニキ
• ポンタヴェン学校
• ポスト印象派
• ラファエル前派
• 10人
• 調性主義
• ホワイトマウンテンアート
• ランドアート

• クロード・グラス
• ランドスケープアーキテクチャ
• ヴェーデルソルスタヴラン
• 視覚芸術
• 超高層ビル
• カテゴリー:風景画

• クラーク、サー・ケネス、風景から芸術へ、1949年、ページ参照はペンギン社1961年版を参照
• ドライカウゼン、マーガレット、「空中知覚：航空機と宇宙船から見た地球と現代美術への影響」（Associated University Presses：クランベリー、ニュージャージー州、ロンドン、ミシサガ、オンタリオ州：1985年）ISBN 0-87982-040-3 
• 成長、ポール・アーリング・ウィルソン、クリス、Everyday America: JB Jackson 以降の文化的景観研究、2003 年、カリフォルニア大学出版局、ISBN 0-520-22961-4、9780520229617、Google ブックス 
• ヒュー・オナーとジョン・フレミング著『世界美術史』第 1 版、1982 年およびそれ以降の版、マクミラン、ロンドン、ページ参照は 1984 年マクミラン第 1 版ペーパーバックを参照。ISBN 0-333-37185-2 
• インゴールド、ティム、「Being Alive」、2011年、Routledge、アビンドン
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• ペイン、ロバート・トリート、ペイン、RT およびソパー A、「日本の美術と建築」、ペリカン美術史、第 3 版 1981 年、ペンギン (現在はイェール美術史)、ISBN 0-14-056108-0 
• プレス、アンドレイ、ピットレスクとメランコリー：自然とヨーロッパの文化の感情を分析する、ソモジの芸術、2007
• ライトリンガー、ジェラルド『嗜好の経済学 第1巻：絵画価格の上昇と下落 1760-1960』、バリー・アンド・ロックリフ、ロンドン、1961年
• シックマン、ローレンス、シックマン L & ソパー A、「中国の芸術と建築」、ペリカン美術史、第 3 版 1971 年、ペンギン (現在はイェール美術史)、LOC 70-125675
• シルバー、ラリー『農民の風景と風景：アントワープのアート市場における絵画ジャンルの台頭』ペンシルバニア大学出版、2012年
• スライヴ、シーモア。ヘティンク、ヘンドリック・リチャード、「ヤコブ・ファン・ロイスダール」（アブヴィル出版：ニューヨーク：1981 ISBN 978-0-89659-226-1 ） 
• カナダ図書館・文書館のカナダの歴史的芸術のオンライン展示会「バーチャル・ボールト」
• ウィルトン、アンドリュー、TJ バリンジャー、テート・ブリテン（ギャラリー）、ペンシルバニア美術アカデミー、ミネアポリス美術館。アメリカの崇高さ：1820～1880 年の米国の風景画（プリンストン、ニュージャージー ：プリンストン大学出版、2002 年）
• ワトソン、ウィリアム、中国美術のスタイル、1974年、ペンギン、ISBN 0-14-021863-7 
• ワトソン、ウィリアム、大日本博覧会：江戸時代の美術 1600-1868、1981年、ロイヤル・アカデミー・オブ・アーツ/ワイデンフェルド＆ニコルソン
• アンドリュー・ウィルトン＆アン・ライルズ『英国水彩画の黄金時代 1750-1880』1993年、プレステル、ISBN 3-7913-1254-5 
• クリストファー・S・ウッド、アルブレヒト・アルトドルファーと風景の起源、1993年、Reaktion Books、ロンドン、ISBN 0-948462-46-9 

• アメリカの楽園：ハドソン川派の世界。ニューヨーク：メトロポリタン美術館。1987年。ISBN 978-0-87099-496-8。
• ビュットナー、ニルス。「風景画の歴史」、ニューヨーク/ロンドン、2006年
• フォン・ウェン・C.他 (2008)。『明晰で輝く風景：王徽（1632-1717）の芸術』ニ​​ューヨーク：メトロポリタン美術館。ISBN 978-1-58839-291-6。
• 20世紀アメリカ美術における風景画、メトロポリタン美術館所蔵、リッツォーリ社、ニューヨーク、1991年、ISBN 0-8478-1303-7 。ロバート・ローゼンブラムによる序文、ローリー・ストークス・シムズとリサ・メッシンジャーによるエッセイ。 ^[1] 

ウィキメディア・コモンズの風景画に関連するメディア

• ヨーロッパの風景画の歴史（国立美術館所蔵）