ロマンティックな音楽

ロマン派音楽は、19世紀のロマン派時代（またはロマン主義時代）と一般的に呼ばれる時期に関連する西洋クラシック音楽の様式的な動きです。ロマン主義は、1798年から1837年にかけて西洋文化で顕著になった知的、芸術的、文学的な運動であるロマン主義というより広い概念と密接に関連しています。^[1]

ロマン派の作曲家は、ロマン派の文学、詩、芸術、哲学の幅広い動向を反映して、個性的で感情的、劇的で、しばしばプログラム性のある音楽を作ろうとした。ロマン派の音楽は、自然、 ^[2]文学、^[2]詩、^{[2]超自然的要素、美術など、音楽以外の刺激に表面上は触発された（または呼び起こそうとした）ことが多かった。半}音階の増加などの特徴があり、伝統的な形式から遠ざかっていた。^[3]

ロマン主義運動は、18世紀後半のヨーロッパで始まり、産業革命への反応として強化された芸術、文学、知的運動であった。^[4]それは部分的には、啓蒙時代の社会的および政治的規範に対する反乱であり、自然の科学的合理化に対する反動であった。^[5]それは視覚芸術、音楽、文学、^[6]および教育^[7]に最も強く体現され、今度は自然史の発展の影響を受けた。^[8]

この用語が音楽に初めて重要な形で用いられたのは、1789年のフランス人アンドレ・グレトリーの『回想録』であるが、音楽ロマン主義の原理を確立したのは、 1810年に出版されたルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの交響曲第5番の長い評論と、1813年のベートーヴェンの器楽曲に関する論文の中で、ETAホフマンであった。これらの論文の最初のもので、ホフマンは音楽ロマン主義の始まりをハイドンとモーツァルトの後期の作品にまでさかのぼった。ホフマンが、古典派のモデルの抑制と形式主義に対抗して使われていた「ロマン派」という用語にすでに関連付けられていた考えを融合させたことで、音楽、特に器楽曲は、感情の表現に最も適した芸術としてロマン主義において卓越した地位にまで押し上げられた。ドイツ音楽が音楽ロマン主義の中心に据えられたのも、ホフマンや他のドイツ人作家の著作を通じてであった。^[9]

古典派の時代には短く断片的な主題の素材がよく使われたが、ロマン派の時代にはより長く、より明確に定義され、より感情を呼び起こす主題がより多く使われる傾向があった。^[10]

ロマン主義によく見られる特徴:

• 自然への新たな関心と服従^[11]
• 宗教的かつ超自然的な神秘主義や超自然主義への転換^[12]
• 夜行性、幽霊、恐ろしい、恐ろしいものに焦点を当てている。^[13]
• 国民的アイデンティティへの新たな注目^[11]
• 音楽の定式や慣習に対する不満^[11]
• 音楽的興味を維持するためにメロディーをより重視する。^[14]
• 色彩感覚の増加^[11]
• 伝統的な属調ではなく、主調から下属調または代替調への移行に基づく和声構造と、より複雑な和声進行の使用（ワーグナーとリストは実験的な進行で知られている）^[11]
• この時期には大規模で壮大なオーケストラが一般的でした。^[11]
• オーケストラに出演する名演奏者の増加^[11]
• 伝統的なクラシック音楽のジャンルに加えて、連作歌曲、夜想曲、演奏会用エチュード、アラベスク、ラプソディなどの新しい、あるいは以前はそれほど一般的ではなかった音楽構造の使用。 ^[14]
• プログラム音楽はやや一般的になった。^[14]
• 大規模なオーケストラに支えられた、例えばpppからfff（ピアニッシッシモ、つまり非常に静かな音からフォルティッシッシモ、つまり非常に大きな音まで）といった、より広い範囲のダイナミクスの使用。^[11]
• より広い音域（例えば、ピアノの最低音と最高音を使う）^[11]

音楽においては、ベートーヴェンの死後、音楽の構造と形式に比較的明確な境界線が引かれた。ベートーヴェンを「ロマン派」の作曲家とみなすかどうかは別として、彼の作品の幅広さと力強さは、古典的なソナタ形式、そして交響曲、ソナタ、弦楽四重奏曲の構造が使い尽くされたという感覚を生んだ。^[15]

思想、態度、発見、発明、歴史的出来事などの社会の出来事や変化は、しばしば音楽に影響を与えます。例えば、産業革命は18世紀後半から19世紀初頭にかけて本格的に起こりました。この出来事は音楽に大きな影響を与えました。ほとんどの木管楽器や金管楽器が依存している機械式バルブとキーに大きな改良が加えられました。新しい革新的な楽器はより簡単に演奏でき、信頼性も高まりました。^[16]

音楽に影響を与えたもう一つの発展は、中流階級の台頭であった。^[2]この時代以前の作曲家は貴族の庇護を受けていた。彼らの聴衆は多くの場合少数で、ほとんどが上流階級や音楽に詳しい人々で構成されていた。 ^[16]一方、ロマン派の作曲家は、必ずしも音楽のレッスンを受けたことのない大勢の有料の顧客を相手に、公開コンサートや音楽祭のために作曲することが多かった。^[16]エルガーのようなロマン派時代の作曲家は、「音楽の趣味に隔たりがあってはならない」 ^[17]こと、「目的は、聴いてもらうための音楽を書くことである」ことを世界に示した。 ^[18]

「ロマン派の作曲家によって作曲された音楽」は、以前の音楽の作曲方法よりも制約が少なく、作曲家の人間としての技能に重点を置いた方法で作曲されたため、「個人の重要性」を反映していました。^[2]

ロマン主義の時代には、音楽はより国家主義的な目的を帯びることが多くなった。作曲家たちは、母国と伝統を表す独特の音で作曲した。例えば、ジャン・シベリウスの「フィンランディア」は、ロシアの支配から独立することになるフィンランドの台頭を表すと解釈されている。^[19]

フレデリック・ショパンは、作品に民族主義的要素を取り入れた最初の作曲家の一人である。ジョセフ・マクリスは「ポーランドのツァーリ支配からの解放を求める闘争が、ポーランドの国民詩人を目覚めさせた。…音楽的民族主義の例はロマン派時代の作品に溢れている。ショパンのマズルカでは、民族的表現が顕著である」と述べている。 ^[20]彼のマズルカとポロネーズは、民族主義的なリズムの使用で特に有名である。さらに、「第二次世界大戦中、ナチスは、これらの作品に宿る強力な象徴性のため、ワルシャワでのショパンのポロネーズの演奏を禁止した」。^[20]

ベドジフ・スメタナなどの他の作曲家は、故郷を音楽的に描写した作品を書いた。特に、スメタナの『ヴルタヴァ』は、現在のチェコ共和国のモルダウ川を題材にした交響詩で、総称して「わが祖国」と題された6つの民族主義的交響詩のうちの2番目である。^[21]スメタナはまた、8つの民族主義的オペラを作曲しており、そのすべてがレパートリーに残っている。これらの作品により、スメタナはチェコ初の民族主義的作曲家であると同時に、1860年代に台頭した世代で最も重要なチェコのオペラ作曲家としての地位を確立した。^[22]

ウィーン古典主義からロマン主義への移行は、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの作品に見ることができる。彼の作品には、多くの典型的なロマン主義的要素が初めて登場する。これらの作品は、ここでは声楽とは対照的で、「純粋に」器楽である。ホフマンによれば、ウィーン古典音楽の純粋器楽、特にベートーヴェンのものは、素材やプログラムに縛られないため、ロマン主義の芸術理念を体現している。^[23]後期古典主義と初期ロマン主義のもう1人の最も重要な代表者は、フランツ・シューベルトである。なぜなら、彼の室内楽作品、そして後には交響曲によって、ドイツ語オペラにロマン主義的要素が取り入れられたのは、彼を通してのみだからである。この分野では、彼の作品はカール・レーヴェのバラードによって補完されている。カール・マリア・フォン・ウェーバーは、特に彼の人気の高い『魔弾の射手』によって、ドイツオペラの発展に重要である。さらに、ハインリヒ・マルシュナーによる幻想的で恐ろしい作品や、アルベルト・ロルツィングによる陽気なオペラがあり、ルイ・シュポーアは主に器楽で知られるようになりました。ヨハン・ネポムク・フンメル、フェルディナント・リース、フランス人のジョージ・オンスローの作品は、今でもクラシック音楽と大きく結びついています。

イタリアは、ロマン主義初期に、ジョアキーノ・ロッシーニ、ガエターノ・ドニゼッティ、ヴィンチェンツォ・ベッリーニの名で知られるベルカント・オペラの全盛期を迎えた。ロッシーニの喜劇オペラは今日では主に、しばしばその刺激的な序曲を通してのみ知られているが、ドニゼッティとベッリーニは悲劇的な内容を主に扱っている。この時代のイタリアの器楽作曲家で最も重要な人物は、伝説的な「悪魔のバイオリニスト」ニコロ・パガニーニである。一方、フランスでは、軽妙なオペラ・コミックが発達し、フランソワ＝アドリアン・ボワエルデュー、ダニエル＝フランソワ＝エスプリ・オーベール、アドルフ・アダンなどがその代表例で、アドルフ・アダンはバレエでも知られている。また、有名な風変わりな作曲家でハープ奏者のロベール・ニコラ＝シャルル・ボクサ（オペラ7作）の名も挙げられる。さらに、グランド・オペラには豪華な舞台装置、バレエ、大合唱団が生まれました。彼女の最初の代表者はガスパレ・スポンティーニであり、彼女の最も重要な人物はジャコモ・マイアベーアです。

音楽の発展は、現在では他のヨーロッパ諸国でも上昇傾向にあります。アイルランド人のジョン・フィールドはピアノのための最初の夜想曲を作曲し、フリードリヒ・クーラウはデンマークで活動し、スウェーデン人のフランツ・ベルワルドは非常に独特な交響曲を4 曲作曲しました。

最盛期のロマン主義は 2 つの段階に分けられます。第 1 段階では、実際のロマン派音楽が最高潮に達します。ポーランドの作曲家フレデリック ショパンは、ピアノのための人物小品や舞曲で、それまで知られていなかった感情の深みを探求しました。人生の終わりに精神的に没頭したロベルト シューマンは、悲劇に影を落とされた情熱的なロマン派の芸術家の原型を、人柄も音楽もほぼ体現しています。彼の独特なピアノ小品、室内楽作品、交響曲は、次の世代の音楽家に永続的な影響を与えるはずです。

ハンガリーのドイツ系少数民族出身のフランツ・リストは、一方では群を抜いたピアノの名手であったが、他方では、調和のとれた大胆な交響詩で進歩的な「新ドイツ楽派」の基礎も築いた。また、プログラム音楽には、オーケストラを大幅に拡大したフランス人エクトル・ベルリオーズの固定概念（ライトモティーフ）の技法が取り入れられた。フェリックス・メンデルスゾーンは、ここでもより古典主義的な形式言語を志向し、特にデンマーク人のニールス・ヴィルヘルム・ゲーデなどのスカンジナビアの作曲家たちの手本となった。オペラでは、リヒャルト・ワーグナーが最初のロマン派オペラを書いた頃、ドイツではオットー・ニコライやフリードリヒ・フォン・フロトウのオペラが依然として主流であった。ジュゼッペ・ヴェルディの初期の作品も、依然として古い世代のベルカントの理想に基づいていた。フランスでは、アンブロワーズ・トマとシャルル・グノーによってオペラ・リリックが発展しました。ロシア音楽は、ミハイル・グリンカとアレクサンドル・ダルゴミシュスキーのオペラに独自の言語を見出しました。

高等ロマン主義の第二段階は、文学や視覚芸術におけるリアリズムのスタイルと並行して進行する。ワーグナーは創作の後半で、ライトモティーフ技法を発展させ、アリアなしで作曲されたニーベルンゲンの四部リングをまとめた。オーケストラは交響曲的に扱われ、半音階はトリスタンとイゾルデで極限に達する。ピーター・コルネーリウスなど、多くの弟子がワーグナーの進歩的な考えの影響を受けています。一方、より保守的な作曲家たちからの反対が起こり、交響曲、室内楽、歌曲における古典音楽の論理的継続を求めたヨハネス・ブラームスは、感覚の深さと見事な作曲技法によりスケールのモデルとなりました。このパーティーには、ロベルト・フォルクマン、フリードリヒ・キール、カール・ライネッケ、マックス・ブルッフ、ヨーゼフ・ガブリエル・ラインベルガー、ヘルマン・ゲッツなどが含まれます。

さらに、重要な一匹狼の作曲家も登場したが、その中でも特に目立っているのがアントン・ブルックナーだ。彼はワーグナーの支持者ではあるが、彼の明瞭な形式のスタイルはワーグナーのそれとは大きく異なっている。例えば、ブルックナーの交響曲のブロックベースの楽器編成は、オルガンの音域に由来している。ワーグナーの敵対者とのイデオロギー闘争において、彼は信奉者からブラームスの相棒として描かれた。もともとリストから出発して「クラシック形式の未来音楽」を書いたフェリックス・ドレーゼケも、作曲においては両者の間に立っている。

ヴェルディもまた、ワーグナーとは異なる方法ではあったが、よく構成された楽劇への道に到達した。彼の計り知れないカリスマ性は、イタリアにおいて、アミルカレ・ポンキエッリや、ヴェルディの晩年のオペラ『オテロ』と『ファルスタッフ』の台本作家でもあるアリゴ・ボーイトを含む他のすべての作曲家を衰退させた。一方フランスでは、光のミューズが最初にジャック・オッフェンバックの社会批評的なオペレッタの形で勝利を収めた。叙情的なオペラはジュール・マスネの作品で最高潮に達し、ジョルジュ・ビゼーの『カルメン』では初めてリアリズムがもたらされた。ルイ・テオドール・グーヴィはドイツ音楽との様式上の架け橋を築いた。極めて多才なカミーユ・サン＝サーンスのオペラ、交響曲、室内楽作品は、レオ・ドリーブのバレエと同様、より伝統志向であった。エドゥアール・ラロとエマニュエル・シャブリエの作品には、オーケストラに新たな色彩が見出された。ベルギー生まれのセザール・フランクはオルガン音楽の復活を伴奏に迎え、それはシャルル＝マリー・ヴィドール、後にルイ・ヴィエルヌ、シャルル・トゥルヌミールによって引き継がれた。

特定の国民的ロマン主義は、この時までにほぼすべてのヨーロッパ諸国で出現していた。グリンカによって始まった国民的ロシアの潮流は、ロシアで「五人組」、すなわちミリイ・バラキレフ、アレクサンドル・ボロディン、モデスト・ムソルグスキー、ニコライ・リムスキー＝コルサコフ、そしてチェーザル・キュイによって引き継がれた。より西洋志向だったのはアントン・ルビンシテインとピョートル・チャイコフスキーで、彼らのバレエと交響曲は大きな人気を博した。 ベドジフ・スメタナは、リスト志向のオペラと交響詩でチェコの国民的音楽を確立した。一方、アントニーン・ドヴォルザークの交響曲、コンサート、室内楽作品は、ブラームスをモデルにしている。ポーランドではスタニスワフ・モニューシュコがオペラ作曲家として、ハンガリーではフェレンツ・エルケルが代表的な作曲家であった。ノルウェーは、叙情的なピアノ曲、歌曲、そして『ペール・ギュント』組曲などの管弦楽曲を作曲したエドヴァルド・グリーグなど、最もよく知られた作曲家を輩出しました。イギリスの声は、ブラームス志向のヒューバート・パリーや交響曲作曲家、そしてアーサー・サリヴァンの喜劇オペラによって響き渡りました。

後期ロマン主義（ポストロマン主義とも呼ばれる）では、音楽の伝統的な形式や要素がさらに解体される。ますます多彩なオーケストラのパレット、ますます広がる音楽手段、極限までの調性の広がり、誇張された感情、個々の作曲家のますます個性的な調性言語が典型的な特徴であり、音楽は近代性の境界へと導かれる。したがって、グスタフ・マーラーの交響曲はこれまで知られていなかった次元に達し、部分的に伝統的な4文節を放棄し、しばしば声楽の比率を含むようになった。しかし、記念碑的な外見の背後には、世紀末の現代的な表現力がある。この心理的な表現力は、フーゴ・ヴォルフの歌曲、声楽とピアノのための小劇にも含まれている。より伝統に忠実で、特にブルックナーに傾倒しているのは、フランツ・シュミットとリヒャルト・ヴェッツの交響曲であり、一方マックス・レーガーは数多くの器楽作品でバッハのポリフォニーに頼りながらも、それを極めて大胆に調和的に発展させた。レーガーの後継者の数多くの作曲家の中で、ユリウス・ヴァイスマンとヨーゼフ・ハースは際立っています。後期ロマン派の傑出した音響作家の中には、特異なハンス・プフィッツナーもいます。伝統主義者で現代潮流の断固たる反対者であったにもかかわらず、彼の作品の多くは当時の音楽の進歩に非常に近いものでした。彼の後継者には、主にオペラ作曲家として登場したヴァルター・ブラウンフェルスと、交響曲作曲家のヴィルヘルム・フルトヴェングラーがいます。オペラの舞台は、特に感情を高めるのに適していました。エンゲルベルト・フンパーディンク、ヴィルヘルム・キーンツル、リヒャルト・ワーグナーの息子ジークフリート・ワーグナーの民俗オペラやおとぎ話のオペラは、それでもかなり優れていました。しかし、オイゲン・ダルベルトやマックス・フォン・シリングスでさえ、ドイツ風のヴェリズムで神経を逆なでしました。アレクサンダー・フォン・ツェムリンスキーやフランツ・シュレーカーの舞台作品にはエロティックな象徴主義が見られます。リヒャルト・シュトラウスは、バラの騎士でより伝統的な道を歩む前に、サロメとエレクトラでさらに調性の限界にまで踏み込みました。シュトラウスの作品に関連したスタイルで、エミール・ニコラウス・フォン・レズニチェクスとパウル・グレーナースの作品が披露されます。

イタリアでは、この時期はまだオペラが主流だった。ここでヴェリズモが発達し、それはオペラの舞台では簡単に印象的でメロドラマチックなものに変わる誇張されたリアリズムだった。ルッジェーロ・レオンカヴァッロ、ピエトロ・マスカーニ、フランチェスコ・チレア、ウンベルト・ジョルダーノは、膨大な作品を残したにもかかわらず、一度にひとつのオペラを通してしか知られることはなかった。ジャコモ・プッチーニの作品だけがオペラハウスのレパートリーに完全に保存されているが、彼もまた感傷的であるとしばしば非難された。エルマンノ・ヴォルフ＝フェラーリは、ヴェリスティックな作品もあったが、主にオペラ・ブッファの復活と見なされていた。ドイツに住んでいて一時的に現代古典主義を擁護したフェルッチョ・ブゾーニは、かなり慣習的であまり上演されない作品を残した。そのため、器楽がイタリア音楽に再び定着したのは、印象派の影響を受けた オットーリーノ・レスピーギになってからだった。

印象派という用語は絵画に由来していますが、フランスでは絵画と同様に音楽でも発展しました。クロード・ドビュッシーの作品では、構造がリズム、ダイナミクス、音色の最も繊細なニュアンスに溶け込んでいました。この発展は、ヴァンサン・ダンディ、エルネスト・ショーソンの作品、そしてとりわけガブリエル・フォーレの歌曲と室内楽で準備されました。その後のフランスの作曲家はすべて、多かれ少なかれ印象派の影響を受けています。その中で最も重要なのは、優れた管弦楽の巨匠、モーリス・ラヴェルです。アルベール・ルーセルは、ラヴェルのような新古典主義の傾向を予見する前に、最初にエキゾチックな主題を扱っていました。ガブリエル・ピエルネ、ポール・デュカス、シャルル・ケクラン、フロラン・シュミットも、象徴的でエキゾチックな東洋の題材を扱っていました。孤独なエリック・サティは、紡ぎ出されたピアノ曲の作者であり、次世代のアイドルでした。それにもかかわらず、印象派は、それ自体の時代とはみなされないまでも、近代化の時代と結び付けられることが多い。 ヒューバート・パリーとアイルランド人のチャールズ・ヴィリアーズ・スタンフォードは、エドワード・エルガーを最初の重要な代表とする後期ロマン主義をイギリスで始めた。オラトリオを復活させて交響曲や協奏曲を書いたフレデリック・ディーリアスは、印象派の独自の変種で特に小規模な管弦楽曲に専念した。エセル・スミスは、ブラームスを彷彿とさせるスタイルで、主にオペラと室内楽を書いた。イギリスの民謡やルネサンス音楽に触発された作品を作曲したレイフ・ヴォーン・ウィリアムズは、母国で最も重要な交響曲奏者となった。グスターフ・ホルストは、ギリシャ神話とインド哲学を作品に取り入れた。近代化への移行期の非常に特異な作曲家パーソナリティには、ヘイヴァーガル・ブライアンとフランク・ブリッジもいた。

ロシアでは、アレクサンドル・グラズノフが伝統的な作曲技法に色彩豊かなオーケストラのパレットを添えました。神秘主義者のアレクサンドル・スクリャービンは、色彩、音、香りの融合を夢見ていました。セルゲイ・ラフマニノフは、メランコリックで哀愁漂うピアノ曲や、陶然とさせる技巧に満ちた協奏曲を書き、ニコライ・メトネルのピアノ曲はより叙情的です。

チェコ共和国では、モラヴィア地方の音楽に深く根ざしたレオシュ・ヤナーチェクが、オペラで言語のメロディーを発展させることで、新たな表現の領域を見出しました。ズデニェク・フィビフ、ヨゼフ・ボフスラフ・フェルステル、ヴィーチェスラフ・ノヴァーク、ヨゼフ・スークの音楽にも、その土地の音がはっきりと表れています。一方、ポーランドのカロル・シマノフスキの作品には、やや病的なエキゾチシズムと後期古典主義の尺度が見られます。デンマークで最も重要な作曲家は、交響曲とコンサートで知られるカール・ニールセンです。デンマークでさらに支配的なのは、憂鬱な表現力と明確な線描の交響曲作曲家でもあるフィンランドのジャン・シベリウスです。スウェーデンでは、ヴィルヘルム・ペーターソン＝ベルガー、ヴィルヘルム・ステンハンマー、ヒューゴ・アルヴェーンの作品に典型的な北欧保守主義が表れており、ノルウェーのクリスチャン・シンディングも伝統的な作曲をしています。

スペインの音楽も、最初はイサーク・アルベニスやエンリケ・グラナドスのピアノ作品で、その後は印象派の影響を受けたマヌエル・デ・ファリャのオペラ、バレエ、管弦楽曲で、長い年月を経て再び人気が高まりました。

最後に、エドワード・マクドウェルとエイミー・ビーチという、アメリカを代表する最初の重要な作家も登場しました。しかし、チャールズ・アイヴズの作品でさえ、後期ロマン主義に属するのは部分的にしかなく、その作品の多くはすでに急進的にモダンで、20世紀をはるかに超えていました。

新ドイツ楽派は、フランツ・リストとリヒャルト・ワーグナーが非公式に率いた作曲家と批評家の緩やかな集団であり、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンによって限界に達したと信じていた絶対音楽とは対照的に、半音階的和声と標題音楽の限界を押し広げようと努めた。^[24]

このグループはまた、交響詩の発展と革新、音楽形式の主題の変革、調性とハーモニーの根本的な変化を推進した。^[25]

この運動の他の重要なメンバーには、批評家のリチャード・ポール、作曲家のフェリックス・ドレーゼケ、ユリウス・ルーブケ、カール・クリンドワース、ウィリアム・メイソン、ピーター・コーネリアスなどがいる。

保守派は、絶対音楽の作曲と推進に固執したロベルト・シューマンの芸術的遺産を維持した幅広い音楽家と批評家のグループであった。^[26]

彼らは、独自の音楽言語を導入しながらも、クラシック音楽の型に則って交響曲のジャンルを作曲するというルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの足跡を継承することを信じていた。 ^[27]

このサークルの最も著名なメンバーは、ヨハネス・ブラームス、ヨーゼフ・ヨアヒム、クララ・シューマン、そしてフェリックス・メンデルスゾーンによって設立されたライプツィヒ音楽院でした。

マイティ・ファイブは、サンクトペテルブルクを中心とするロシアの作曲家グループで、1856年から1870年にかけて互いに協力し、独特のロシア民族様式のクラシック音楽を創り上げた。彼らは、クラシック音楽の作曲に対してより西洋的なアプローチを好んだ ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーとしばしば対立した。

ミリイ・バラキレフが率いるこのグループの主要メンバーには、セザール・キュイ、モデスト・ムソルグスキー、ニコライ・リムスキー＝コルサコフ、アレクサンドル・ボロディンも含まれていた。

ベリャーエフ・サークルは、1885年から1908年にかけてサンクトペテルブルクで会合を持ったロシアの音楽家たちの団体であり、彼らはチャイコフスキーの西洋の作曲スタイルに対してはるかに寛容であったものの、ロシア五大作曲家の足跡をたどり、国民的ロシアスタイルのクラシック音楽の発展を継続することを目指していた。

このグループは、ロシアの音楽出版慈善家ミトロファン・ベリャーエフによって設立されました。このグループの最も重要な作曲家は、ニコライ・リムスキー＝コルサコフとアレクサンダー・グラズノフの2人です。メンバーには、ウラジーミル・スターソフ、アナトリー・リャードフ、アレクサンダー・オソフスキー、ヴィトルド・マリシェフスキー、ニコライ・チェレプニン、ニコライ・ソコロフ、アレクサンダー・ウィンクラーもいました。

19世紀後半には、著名な作曲家たちが伝統的な調性システムの限界を模索し始めました。重要な例としては、リヒャルト・ワーグナーの「トリスタンとイゾルデ」^[28]やフランツ・リストの「調性のないバガテル」^{[29]などが挙げられます。この限界は、}グスタフ・マーラー^[30]などの作曲家の作品で進歩的な調性が示された後期ロマン派の時代にようやく到達しました。これらの発展により、ロマン主義は最終的にいくつかの新しい並行運動に分裂し始め、それに応じてモダニズムが生まれました。

ロマン主義の崩壊に反応して形成された注目すべき運動としては、アルノルド・シェーンベルクと第二ウィーン楽派が主唱した表現主義や、最も影響力のある作曲家であるイーゴリ・ストラヴィンスキーが指揮した原始主義などがある。

交響曲はルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンによって最高度にまで高められ、多くの作曲家が専念する最も権威ある形式となった。ベートーヴェンのモデルを最も保守的に尊重した作曲家には、フランツ・シューベルト、フェリックス・メンデルスゾーン、ロベルト・シューマン、カミーユ・サン＝サーンス、ヨハネス・ブラームスなどがいる。他の作曲家も、形式や精神においてこの枠組みを超える想像力を示しており、その中で最も大胆なのがエクトル・ベルリオーズである。

最後に、交響曲全体を通して物語を語る人もいます。フランツ・リストのように、彼らは交響詩という新しい音楽ジャンルを創作します。交響詩は通常、単一の楽章で構成され、テーマ、登場人物、または文学作品にインスピレーションを得ています。交響詩はライトモティーフ（主人公などの登場人物を特定するための音楽モチーフ）を中心に構成されているため、交響曲のプログラムを持つ音楽と比較されます。

この音楽ジャンルは、ロマン派時代にピアノフォルテからピアノへの進化とともに生まれました。リートは声楽であり、この楽器の伴奏が最も多く用いられます。歌はロマン派の詩から取られており、このスタイルにより声を感情にできるだけ近づけることができます。リートの作曲家として最も有名で最初の一人はフランツ・シューベルトで、エルクケーニヒを作曲しましたが、サン＝サーンス、デュパルク、ロベルト・シューマン、ヨハネス・ブラームス、フーゴ・ヴォルフ、グスタフ・マーラー、リヒャルト・シュトラウスなど、他の多くのロマン派の作曲家もリートのジャンルに取り組んでいます。

ロマン派の協奏曲の先駆けとなったのはベートーヴェンで、5つのピアノ協奏曲（特に第5番）と、古典主義の特徴を多く残すヴァイオリン協奏曲を作曲しました。彼の例に倣った作曲家は多く、この協奏曲は主要なオーケストラ編成のレパートリーの中で交響曲に匹敵する作品となっています。

最後に、この協奏曲では、ヴァイオリンのニコロ・パガニーニ、ピアノの フレデリック・ショパン、ロベルト・シューマン、フランツ・リストなど、器楽作曲家たちがその技巧を披露します。

ノクターンとは、アイルランドの作曲家ジョン・フィールドが最初に開拓した、短命の秘密の曲として発表された。ロマン派が好む夜の雰囲気に浸るこの曲は、ABA 構造であることが多く、非常に柔軟で華麗なメロディーと、左手の波打つアルペジオの伴奏が特徴である。テンポは通常遅く、中央部分はより激しいものとなることが多い。

フレデリック・ショパンは、最も有名な形式の夜想曲を作曲しました。彼は 1827 年から 1846 年にかけて 21 曲を作曲しました。最初は 3 曲 (作品 9 と 15) のシリーズで出版され、その後 2 曲ずつ (作品 27、32、37、48、55、62) にまとめられました。

ロマン派バレエは、特にロシアのピョートル・イリイチ・チャイコフスキーやフランスの レオ・ドリーブなどの作曲家によって、19 世紀を通じて発展しました。

19世紀にはロマン主義がオペラを席巻し、パリはその主要な中心地の一つとなった。ロマン派オペラのほとんどは、ルイジ・ケルビーニ、ガスパレ・スポンティーニ、フランソワ＝アドリアン・ボワエルデュー、ダニエル＝フランソワ＝エスプリ・オーベールなどフランス在住の作曲家によって作曲された。偉大なオペラのスタイルの頂点はジャコモ・マイアベーアの作品によって特徴づけられる。エクトル・ベルリオーズの『トロイアの人々』は最初は無視され、ベンヴェヌート・チェッリーニは初演時に議論され、シャルル・グノーの『ファウスト』は19世紀半ばの最も人気のあるフランスのオペラの一つである。

19 世紀後半、ジョルジュ・ビゼーは『カルメン』でオペラに革命を起こします。ニーチェによれば、これは「スペインの歌と踊りの使用に基づいた地方色」であり、「ワーグナーの理想の霧を晴らす地中海の光」です。「地方色」の作品への関心は、レオ・ドリーブの『ラクメ』やカミーユ・サン＝サーンスの『サムソンとダリラ』で裏付けられます。19 世紀後半の最も生産的なフランスのオペラ作曲家は、『マノン』、『ウェルテル』、『タイス』などの作品を作曲したジュール・マスネです。

『ホフマン物語』を作曲したジャック・オッフェンバックは、後にオペレッタと混同されることになるフランス・オペラ・フードという新しいジャンルを発明し、19世紀フランス・オペラ・コミック界の巨匠としての地位を確立した。

20 世紀初頭、フランスではロマン主義は徐々に廃れ、印象主義や象徴主義といった他の潮流が台頭し、特にクロード・ドビュッシーの『ペレアスとメリザンド』（1902 年）がその代表例となった。

カール・マリア・フォン・ウェーバーは『魔弾の射手』（1821年）でドイツ初のロマン派オペラを作曲しました。最初の重要なオペラはベートーヴェンの『フィデリオ』（1805年）で、この作曲家の唯一のオペラ作品です。

リヒャルト・ワーグナーは『翔ぶオランダ人』でライトモチーフと「周期的旋律」の手法を導入しました。ワーグナーはオペラに持続時間と楽器の力強さという革命をもたらしました。彼の代表作である四部作はドイツオペラの最高傑作の 1 つです。彼はオーケストラが登場人物と同じように主役となる「音楽劇」を創り出しました。1876 年、ワーグナーの作品のみを上演するバイロイト音楽祭が創設されました。

ワーグナーの影響は、エンゲルベルト・フンパーディンクの『ヘンゼルとグレーテル』にさえ、ほとんどすべてのオペラに引き継がれています。その支配的な人物は、独自の道を開拓しながらも『サロメ』や『エレクトラ』でワーグナーに似たオーケストレーションと声楽のテクニックを使用するリヒャルト・シュトラウスです。 『ばらの騎士』は、当時最も華々しい成功を収めたシュトラウスの作品です。

イタリアのロマン主義は、『セビリアの理髪師』や『チェネレントラ』などの作品を作曲したジョアキーノ・ロッシーニから始まります。彼は「ベルカント」スタイルを生み出し、同時代のヴィンチェンツォ・ベッリーニ やガエターノ・ドニゼッティもこのスタイルを採用しました。

しかし、イタリアオペラの顔はジュゼッペ・ヴェルディであり、彼のナブッコの奴隷合唱団はイタリア全体にとって非常に重要な賛歌です。リゴレット、イル・トロヴァトーレ、椿姫の三部作は彼の主要作品ですが、彼はキャリアの終わりにオテロとファルスタッフで芸術の頂点に達しました。彼は作品に比類のない劇的な活力とリズムの活力を与えました。

19 世紀後半、ヴェルディの紛れもない後継者であるジャコモ・プッチーニがリアリズムを超越してヴェリズムを実現しました。『ラ・ボエーム』、『トスカ』、『蝶々夫人』、『トゥーランドット』は、感情が込められたメロディアスなオペラです。

国民的インスピレーションを受けたその他の作品:

• ロシアでは、ミハイル・グリンカの『皇帝の生涯』や『ルスランとリュドミラ』などの国民的音楽学校が発展しています。その他のロシアの偉大な作品としては、ニコライ・リムスキー＝コルサコフの『サトコ』 、アレクサンドル・ボロディンの『イーゴリ公』、モデスト・ムソルグスキーの『ボリス・ゴドゥノフ』、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキーの『エフゲニー・オネーギン』や『スペードの女王』などがあります。
• チェコ共和国では、国民精神はベドジフ・スメタナの『売られた花嫁』 、アントニン・ドヴォルザークのルサルカ、ズデニェク・フィビヒのシャールカ、レオシュ・ヤナーチェクのイェヌファによって体現されている。
• イギリスでは、マイケル・ウィリアム・バルフが、イギリスのロマンティックなオペラの傑作『ボヘミアン・ガール』を作曲しました。彼はフランスの舞台でも作曲をしています。

• 音楽の歴史
• ロマン派の作曲家一覧
• ネオロマン主義（音楽）

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