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もののけ姫[ a ]は、宮崎駿が脚本・監督を務めた1997年の日本のアニメーション歴史ファンタジー映画です。日本の室町時代を舞台に、呪われた腕を治すために西へ旅する蝦夷の王子アシタカが、神々の森と近くの町との争い、そして町の指導者であるエボシ御前と狼に育てられた人間の少女サンとの確執に巻き込まれる物語です。鈴木敏夫がプロデュース、スタジオジブリがアニメーション制作、東宝が配給し、松田洋司、石田ゆり子、田中裕子、小林薫、西村昌彦、上条恒彦、三輪明弘、森光子、森繁久也らが声優を務めています。
宮崎駿は1980年に初期の構想を練り始め、後に日本の文学古典である『方丈記』（1212年）を映画化することを検討した。両方の要素が最終的に映画へと大きく発展した。1995年に『オン・ユア・マーク』を監督するために一時中断した後、彼は23億5000万円の予算で製作を指揮し、当時最も高額なアニメーション映画となった。手描きアニメーションとコンピューターグラフィックスやその他のデジタル技術が併用されたのは、宮崎にとって初めてのことだった。この映画は、宮崎が読んだ小説の歴史や文化研究に部分的に影響を受けた環境保護主義と社会的多様性のテーマを探求し、登場人物をフェミニスト的に描いている。また、時代劇のスタイルに影響を受けた中世日本の歴史描写に幻想的な要素を融合させている。音楽は、宮崎の長年の協力者である久石譲が作曲した。
『もののけ姫』は1997年7月12日に日本で劇場公開され、数々の興行記録を塗り替えた。鈴木敏夫がこの映画のマーケティングを主導し、当時日本最大規模の広告キャンペーンとなった。最終的にこの映画は日本で最も興行収入の高い映画となった。徳間書店とウォルト・ディズニー・スタジオの間で配給契約が締結された後、スタジオジブリ作品として初めて国際的に公開され、ミラマックス・フィルムズが英語吹き替え版を制作し、北米で配給することになった。ニール・ゲイマンが翻訳を担当し、アメリカの観客向けに大幅な変更を加えたが、吹き替え版は興行的に振るわなかった。2026年現在本作は、劇場公開やホームメディアでのリリースを通じて、 2億3130万ドルの興行収入を記録した。日本とアメリカの両国で批評家から概ね好評を博し、毎日映画賞や日本アカデミー賞など、数々の主要な日本の賞を受賞した。その後も根強い人気と文化的影響力により、カルト映画としての地位を確立している。
室町時代の日本。蝦夷の最後の王子、足隆は、村を守るために巨大な鬼を退治するが、その呪いによって腕に傷を負ってしまう。かつて猪神名護であったその鬼は、体内に埋め込まれた鉄球によって堕落していたのだ。呪いがやがて自分を死に至らしめることを知った足隆は、名護の憎しみの源を探り、呪いを解くために西へと追放される。
旅の途中、アシタカは呪いが自分に超人的な力を与えていることに気づく。彼はジゴという僧侶に出会い、近くの山にいる森の精霊に答えを求めるよう助言される。森の精霊とは、 鹿のような姿をした生と死の神で、日没時には巨大な夜行神に変身する。小さな木霊に導かれ、アシタカは神々の森を通り抜け、そこで森の精霊を垣間見る。一方、エボシ御前とその部下たちは、狼の女神モロと彼女の養女である人間のサンが率いる狼の群れの襲撃を撃退する。
アシタカはタタラ場に到着する。タタラ場は鉄を採掘するために周囲の森林を伐採し、森の動物神々と対立している集落である。この町には元娼婦やハンセン病患者が住んでおり、彼らは銃器の製造に従事している。町のリーダーであるエボシは、ナゴを撃ち、彼を堕落させた憎しみを植え付けたことを認める。彼女はまた、神々を根絶し、タタラ場を繁栄させるために森の精霊を殺す計画も明かす。アシタカの呪われた腕がエボシを攻撃しようとするが、彼はその影響に抵抗する。エボシはジゴと協力しており、ジゴは 不老不死をもたらすと信じられている森の精霊の首を天皇 に届けることで莫大な報酬を得ようとしている。
狼たちが襲撃する中、町の人々が「もののけ姫」と呼ぶサンがタタラ場に潜入し、エボシと決闘する。アシタカは二人を制圧するが、町の人に撃たれてしまう。呪いの力で強くなったアシタカは、倒れる前にサンを町から連れ出す。サンはエボシを助けたアシタカを殺すと脅すが、アシタカが彼女の美しさを褒めたことに驚く。サンはアシタカを森の精霊のところへ連れて行き、精霊は彼の傷を癒すが、呪いは残す。翌日、盲目の神オッコト率いるイノシシの一族が、同族が衰退するよりは戦死を選ぶとして、タタラ場への攻撃を宣言する。アシタカは回復し、サンを一緒に逃がしてくれるようモロに懇願するが、森から追放されてしまう。
イノシシたちはタタラ場の軍勢を襲撃するが、彼らの武器によって全滅させられる。サンと瀕死のオッコトは森へ退却するが、エボシとジゴは知らず知らずのうちに彼らを追っており、倒れたイノシシの血を使ってオッコトを騙し、森の精霊の元へ案内させようとする。サンは彼を止めようとするが、彼の苦痛が彼を悪魔に変え、彼女を飲み込んでしまう。モロの残された力で、彼女とアシタカはサンを解放する。森の精霊はオッコトとモロに安らかな死を与える。精霊がナイトウォーカーに変身すると、エボシはそれを斬首する。精霊の体は暗く混沌とした液体となって爆発し、その頭部を求めて広がり、触れるものすべて （森も含む ）を殺し、一時的にモロの頭部を蘇らせ、エボシの腕を食いちぎる。
人間を助けることに抵抗を感じながらも、サンはアシタカと共にジゴを追って森の精霊の首を取り戻す。ナイトウォーカーの体がタタラ場に流れ込む中、アシタカはタタラ場から人々を避難させ、サンと共にジゴから首を取り戻し、ナイトウォーカーに返す。太陽が昇ると、ナイトウォーカーは死に、風に消え去る。荒廃した土地には豊かな植物が生い茂り、アシタカの呪いは解ける。悔い改めたエボシはタタラ場をより良い場所に再建することを決意し、アシタカはタタラ場に残って手伝うことを選ぶ。サンはアシタカに愛を告白するものの、人間を許すことができず、森に残る。二人はできる限り頻繁に会うことを約束する。
宮崎駿は、最初の映画『ルパン三世 カリオストロの城』（1979年）を公開した後、1980年に『もののけ姫』の構想を練り始め、森で野獣と暮らす王女のスケッチを描いた。[ 4 ] [ 5 ]物語は、日本の時代設定で、おとぎ話『美女と野獣』 （1740年）を大まかにベースにしている。 [ 6 ]野獣は、貴族の娘である主人公が結婚を強いられる動物の精霊（もののけ）として具現化された。 [ 7 ]宮崎は、いくつかの制作会社に映画企画を持ち込んだがうまくいかず、1983年に構想を本にまとめた。[ 8 ]この本は2014年に『もののけ姫：最初の物語』として再版された。[ 9 ]彼はこの企画の様々なアイデアを、 『となりのトトロ』（1988年）や『紅の豚』 （1992年）などの作品で再利用している。[ 10 ]特に『シュナの旅』 （1983年）は、主人公がヘラジカに乗って神々の国へ旅立つという点で、最終的な映画に最も近い類似点を持っている。 [ 11 ] 1980年のコンセプトのいくつかの基本的なアイデアは最終的な映画にも登場するが、キャラクターデザインとプロットは全く異なる。[ 12 ]映画研究者のラズ・グリーンバーグは、オリジナルのコンセプトは「暴政の終焉を鮮やかに描写」しており、敵対者の要塞が破壊され、奴隷が解放される様子を描いているのとは対照的だと書いている。[ 13 ]映画研究者のレイナ・デニソンによれば、オリジナルのアイデアと最終的な映画との大きな違いは、その時期の宮崎駿の映画製作哲学の根本的な変化を示している。[ 4 ]彼は日本の民話、特に痣のある王女の物語からヒントを得ており、それが時を経てアシタカの呪いへと発展した。[ 14 ]
堀田佳恵の著作に触発された宮崎駿は、人生のはかなさを描いた日本の文学古典『方丈記』（1212年）の映画化も検討した。 [ 16 ]これは歌人鴨長明が政情不安と自然災害の時代に書いたもので、アニメーション研究者のスーザン・J・ネイピアは、映画制作当時の日本文化における「脆弱性の高まり」と共鳴するものだと感じた。[ 17 ] [ c ]しかし、宮崎駿はこの構想は「常識からかけ離れている」と感じ、商業的に成功する見込みはないと考えていた。[ 18 ]彼はこの構想を進めることはなかったが、歴史劇の制作を検討し続けた。[ 17 ]宮崎駿は漫画シリーズ『風の谷のナウシカ』 （1982年～1994年）の完成後、1994年8月に映画の企画書の作成に取り掛かった。[ 19 ]しかし、 12月にスランプに陥り、サイドプロジェクトとして短編映画『オン・ユア・マーク』（1995年）の監督をするために制作を中断した。 [ 20 ]宮崎駿は1995年4月に映画に戻り、5月に絵コンテの作成に取り掛かった。[ 21 ]映画の広範な範囲と高いレベルのディテールにより、プリプロダクションのプロセスが長引いた。[ 22 ]その月、宮崎駿は4人の美術監督を連れて屋久島を訪れた。[ 23 ]屋久島は既に『風の谷のナウシカ』のいくつかの環境に影響を与えており、宮崎駿が描こうとしていた環境描写を実現した。[ 24 ]島の比較的未開発な状態が、映画に登場する神々の森のスケッチに影響を与えた。[ 25 ] 5人目の美術監督である男鹿一雄は、蝦夷村のインスピレーションを得るために白神山地へ行った。 [ 26 ]
『もののけ姫』は当時、日本で制作されたアニメーション映画の中で最も高額な作品だった。[ 27 ]当初は20億円の予算が割り当てられていたが、制作途中で23億5000万円に拡大され[ 29 ] 、スタジオジブリの過去のどの作品よりも2倍以上になった。[ 27 ]宮崎駿監督は「スタジオが倒産しても構わない」と述べている。[ 30 ]アニメーション制作は1995年7月に開始された。[ 21 ]宮崎監督は連載漫画の制作方法と同じ手法で絵コンテを作成し、シーンを描きながら映画のストーリーを執筆した。[ 31 ]視力の低下により当初は特大サイズの紙を使用していたが、絵コンテの制作速度を上げるために通常サイズに戻した。[ 32 ]この作業はアニメーション制作と並行して行われ、映画の結末を概説する最終絵コンテが完成したのは1997年1月だった。[ 29 ]
潤沢な予算のおかげで、背景の描写や背景キャラクターのアニメーションには非常に高いレベルのディテールが盛り込まれた。[ 33 ]また、本作に5人の美術監督を起用するという決定も前例のないものだった。[ 34 ]それぞれが異なる側面を担当し、例えば、1人が昼間のシーンを担当し、別の1人が夜間のシーンを担当した。[ 35 ]本作では約14万4000枚のセル画が使用され、そのうち8万枚がキーフレームアニメーションであり、これは他のスタジオジブリ作品よりも多い。[ 36 ]宮崎駿監督自身も約8万枚のセル画を描いたり修正したりしたと推定されている。[ 37 ]最終ショットは1997年6月に完成し、公開日の1か月前だった。[ 21 ]
この映画は手描きアニメーションとコンピュータ生成画像の組み合わせで制作されました。約 5 分間は完全にデジタル処理でアニメーション化されています。さらに 10 分間はデジタルインクとペイントを使用しており、これはその後のすべてのスタジオ ジブリ映画で使用されている技術です。[ 39 ]同社の手描き方法は 1990 年代後半には時代遅れになりつつあり、[ 40 ] 1997 年までにスタジオ ジブリのコンピュータ グラフィックス チームのメンバーは、採用は主に必要に迫られて行われたと感じていました。[ 41 ]宮崎駿 と同時代の押井 守によると、デジタル ペインティングはスタジオ ジブリのシニア カラーリストである安田道代の主張により採用されました。[ 42 ]スタジオ ジブリは数年前にすでに『平成狸合戦ぽんぽこ』（1994 年）でデジタル技術の実験を開始していましたが、コンピュータ グラフィックス部門は『もののけ姫』 の制作中に開設されました。[ 43 ]
宮崎駿監督がデジタルアニメーション技術を嫌っていたことは、映画公開前から日本でよく知られていたため、彼がコンピュータグラフィックスを使用したことは驚きだったとデニソンは述べている。[ 44 ]彼は制作の初期段階で新しい技術を使用することを決定し、オープニングシーケンスの魔神から始めた。[ 45 ]特定のシーケンスは3Dツールを使用して作成され、その後、スタジオの依頼でマイクロソフトが開発したトゥーンシェーダーと呼ばれるプログラムを使用して、従来のアニメーションシーケンスに似せるように処理された。 [ 46 ]この作業の一部はアニメーションスタジオの東洋リンクスに外注された。[ 47 ]アニメーションには3つの大きなカテゴリのデジタル技術が適用された。手描きのフレームに色を付けるためのデジタルインクとペイントの使用、手描きの画像を3次元環境に配置して視覚的な奥行きを増やす3Dレンダリングとデジタル合成、そして追加のディテールとより滑らかな遷移を作成するモーフィングとパーティクルエフェクトである。[ 48 ]コンピュータグラフィックス部門長の菅野義則は、デジタル技術の最も複雑な使用例は、画面上のデジタル要素と手描き要素の間の遷移をマスキングすることだったと回想している。一部のキャラクター、特に神々は、異なるショットでレンダリング手法が交互に使用される。[ 38 ]
環境保護は『もののけ姫』の中心的なテーマである。[ 49 ]森の神々とタタラ場の人間との戦いにおいて、アシタカは仲介役を務める。[ 50 ]同様のテーマを扱った多くの西洋作品とは異なり、この映画はこれらの立場を完全な対立として提示せず、[ 51 ]近代性やテクノロジーを真っ向から否定することもない。[ 52 ]学者のトレイシー・ダニエルズ＝ラーバーグとマシュー・ラーバーグは、この映画はむしろ「残された不確実性から生じる予測不可能な結果を受け入れている」と述べている。[ 51 ]映画の世界では、人間と自然の両方に同等の地位が与えられており、ネイピアは、この映画は「単純な二分法の対立の寓話ではなく、密に織り込まれたデザインとしての生命のビジョンを提供している」と述べている。[ 53 ]さらに、この映画は、紛争の両陣営の内部の争いを描いている。異なる精霊の一族は紛争の対処方法について意見が異なり、人間はさまざまな理由で互いに争っている。[ 54 ]ダニエルズ＝ラーバーグとラーバーグによれば、アシタカと両陣営との関係は不安定で、「時には不満さえある」。彼らは、この不安感は、映画が葛藤に厳密な論理ではなく感情に焦点を当てていることに起因すると考えている。[ 55 ]映画評論家のロジャー・エバートによれば、『もののけ姫』は「単純な善悪の物語ではなく、人間、森の動物、自然の神々が、新たに出現する秩序の分け前を求めて戦う物語」である。[ 56 ]
映画研究者のコリン・オデルとミシェル・ル・ブランは、この映画は人類による自然界の虐待を批判すると同時に、技術進歩を促進するためにいくつかの紛争は避けられないことを「渋々認めている」と述べている。[ 57 ]タタラ場は社会の虐げられた人々にとっての安息の地として描かれ、彼らは正直な生活を送る機会を得て、エボシから公正な扱いを受けることができるが、[ 58 ]紛争は、この集落が周囲の環境に与える害から生じる。グリーンバーグはこの力学を、社会問題への解決策としてユートピアモデルを提示するのが一般的だった宮崎駿の初期作品から著しく複雑化していると指摘した。 [ 13 ]宮崎駿は、日本の環境に関する議論において人類の役割が一般的に排除されていることに言及し、「環境問題の扱い方に異議を唱えるつもりだった」と述べている。[ 59 ] [ 60 ]歴史家中尾佐助の生態学に関する著作、特に彼の「常緑樹林文化論」は、宮崎監督が映画に登場する神々の森を創造する際に大きな影響を与えた。[ 61 ]宮崎監督は、 「中尾の本は、私が何の子孫であるかを教えてくれた」と述べ、彼が嫌っていた多くの伝統的な日本史の描写に代わるものを提供してくれた。[ 62 ]
ネイピアはこの映画を「失われた日本への挽歌」と捉え、それは現代の父権社会以前の、自然に支配されていた日本の姿だと考えた。[ 63 ]映画の舞台を室町時代に設定したことで、宮崎は森林伐採や稲作による改変以前の日本を描くことができた[ 64 ]。また、アニメーションライターのジョナサン・クレメンツとヘレン・マッカーシーによれば、この映画は「人類が自然を服従させた」歴史的瞬間に位置づけられている。[ 65 ]宮崎は神々を「人間に苦しめられる生きている動物」として描こうとしており、それは自然と人類の関係を描く上で重要な側面だと考えていた。[ 66 ]彼は映画の構想において、森の神の死と人類の滅亡を描いた古代叙事詩『ギルガメシュ叙事詩 』 （紀元前2100年頃～1200年頃）からインスピレーションを得た。 [ 67 ]ギルガメシュ（1988 年）という戯曲を書いた哲学者梅原剛は、以前、宮崎駿に自分の作品を映画化することを提案していた。宮崎は当時その申し出を断ったが、後に『もののけ姫』に無意識のうちに戯曲と似た要素を取り入れたと述べている。[ 68 ]この映画は、宮崎が 1994 年に完成させた漫画『風の谷のナウシカ』といくつかのテーマを共有している。 [ 69 ]ネイピアによれば、それは「環境災害、技術と戦争の役割、人間と非人間種との相互作用」である。[ 70 ]クレメンツとマッカーシーは、この映画は、環境テーマが突然デウス・エクス・マキナによって解決された漫画の映画化（1984 年）の物語に対する宮崎の不満が部分的に原因となって構想されたと書いている。[ 65 ]
宮崎駿の映画製作スタイルは、湾岸戦争やソ連崩壊後のユーゴスラビア紛争など、さまざまな地政学的紛争に対応して、1990年代に大きく変化した。[ 71 ]彼は特に、日本が湾岸戦争で軍事援助を行った決定を批判し、それは日本国憲法第9条に違反すると考えていた。[ 72 ]これらの出来事は宮崎を落胆させ、彼はそれらを第一次世界大戦の前文になぞらえ、歴史が繰り返されているように感じた。[ 73 ] 1995年には、日本の文化に著しい悪影響を与えた2つの災害が発生した。数千人が死亡し、1923年以来最悪の記録となった阪神・淡路大震災と、オウム真理教による東京地下鉄サリン事件である。ネイピアは、これらが「心理的レベルと環境的レベルの両方」に影響を与え、1992年の日本の資産価格バブル崩壊後の国の文化的「空虚さ」を増大させたと書いた。 [ 17 ]『紅の豚』を完成させた後、宮崎駿は、以前の作品の逃避主義的な哲学を避け、学術的な議論を認める「実質的な映画」を作ることを決意した。 [ 74 ]彼は代わりに、「物事がどんなに混乱しても、私たちは生き続けるしかない」という哲学を描こうとした。[ 75 ]
ネイピアは『もののけ姫』の中で「壊れた異質な世界の感覚がはっきりと表れている」と書いた。[ 63 ]この映画は、社会の落伍者や大和起源ではない人々を描写することで、均質な日本人民族（民族）の存在といった一般的な文化的信念に異議を唱えている。 [ 77 ]蝦夷族は現代のアイヌ民族と関連があり、[ 78 ]宮崎駿監督はこの違いを映画の中で強調している。アシタカは訪れる多くの村ですぐによそ者として扱われる。[ 79 ]映画研究者のエイジャ・ニスカネンは、この映画は日本に関する民族主義理論のグループである日本人論も批判していると書いている。日本人論は、日本の文化は他とは異なると主張し、国民を均一であると描写している。[ 79 ]映画研究者の吉岡史郎は、この点で、もう一人の歴史学者である網野義彦の著作が宮崎監督の著作に影響を与えたと感じている。[ 68 ]デニソンによれば、彼の探求の結果、紛争の両陣営の登場人物や参加者は極端に二極化し、「怪物」と化すという。[ 80 ]宮崎は、近年の歴史研究は貴族以外の庶民の生活様式にますます焦点を当てており、その多くは民族の理論とは一致しないと述べた。[ 81 ]彼はまた、東京の自宅近くにある多摩全松園療養所を訪れた後、ハンセン病患者を描くことにインスピレーションを受けた。彼はその後、「どんなに悲惨な状況の中にも喜びと笑いがある。曖昧になりがちな人間の生活の中で、これほど明確にそれを示している場所を見たことがない」とコメントした。[ 82 ]
ネイピアは、この映画が、均一性の欠如と女性の役割を強調する、将来の日本のアイデンティティの可能性を提示していると感じた。[ 63 ] 映画のプロデューサーであり、宮崎の長年の友人である鈴木敏夫は、宮崎はフェミニストであり、ジェンダー平等の理想を仕事だけでなくフィクション作品にも持ち込んだと述べた。 [ 83 ]しかし、マッカーシーは、宮崎の以前の女性描写は根本的に家父長制的な世界観に基づいていると感じた。宮崎の女性キャラクターは、最終的に男性によって支配される社会で機会を与えられた場合にのみ成功する。[ 84 ]彼女は、主人公のアシタカとサンは、宮崎の作品のさまざまな前例を通して段階的に構築されたと主張した。[ 85 ]彼の初期の映画では、若いキャラクターが世界を変える能力と意欲を持っているように描かれていたが、それはここでは引き継がれていない。[ 13 ]ネイピアによれば、サンは「宮崎がますます愚かで混沌とした世界だと感じるようになったものに対する怒りの具現化」である。[ 86 ]彼女はまた、サンが血まみれの顔で映画に初登場することで、暴力、野性、そして「魅惑的というよりは対立的な攻撃的なセクシュアリティ」の鮮烈なイメージが作り出されていると指摘した。[ 87 ]マッカーシーは、サンは宮崎駿監督作品の中で唯一、家父長制から完全に解放された女性主人公であり、アシタカへの愛にもかかわらず家庭生活を受け入れることを拒否していると書いた。[ 88 ]明らかに楽観的な見通しで終わる宮崎駿監督のこれまでの作品とは異なり、この映画は曖昧な形で終わる。森の精霊の死によって自然は蘇るが、野生の森は伐採されたままであり、[ 89 ]アシタカとサンは一緒にいるのではなく、時折会うことに同意する。[ 90 ]
ネイピアは、この映画の相反する哲学が、『ルパン三世 カリオストロの城』の伯爵や『天空の城ラピュタ 』（1986年）のムスカのような敵役の登場を妨げていると感じた。[ 91 ]エボシの最初の人物描写は、彼女を悪役として位置づけている。環境紛争の好戦者であり、名護の悪魔的な腐敗の原因である。[ 92 ]しかし、この印象は、彼女のリーダーシップと世話をする資質の描写によって繰り返し覆される。タタラ場のコミュニティは彼女を心から尊敬しており、元娼婦やハンセン病患者を匿う彼女の行動は、多くの伝統的な女性の役割に反している。[ 93 ]宮崎駿が鉄を加工する女性キャラクターやハンセン病患者が武器を製造する様子を描写していることは、歴史的な見方から大きく逸脱している。[ 76 ]ネイピアは、女性キャラクターをこの指導的立場に置くという決定は、彼女の立場が抑圧的な軍国主義の決まり文句や、テクノロジーを本質的に有害なものとして解釈することを防ぐと強調した。[ 94 ]彼女は、エボシは悪人ではなく、進歩的なコミュニティを守るために攻撃者にならざるを得ないため、悲劇的なキャラクターと見なすことができると書いた。[ 95 ]エボシとサンは正反対の見解を表しているが、多くの指導的特性と育成特性を共有しており、[ 96 ]学者アリス・ヴァーノンは、エボシがサンの将来の可能性のあるイメージを表している共生関係として、2人の関係を考察した。[ 97 ]
『もののけ姫』は、宮崎駿が初めて時代劇のスタイルを探求した作品である。時代劇とは、歴史上の日本人の生活に焦点を当てた時代劇である。 [ 99 ]彼は特に、このジャンルでいくつかの重要な映画を監督した黒澤明の作品を高く評価していた。 [ 17 ]この映画は、天皇や侍を神聖で高貴な存在として描くなど、時代劇の多くの伝統的な要素を覆している。 [ 86 ]宮崎駿は、京都の都で高度な文化や禅の美学が発展したなど、室町時代の典型的な描写に沿うことを選ばなかった。[ 100 ]ネイピアは、神々の森は室町時代の自然の典型的な描写をも覆していると書いている。丁寧に手入れされた禅庭園とは対照的に、それは手つかずで暴力的で、人間にはほとんど避けられている。[ 101 ]この映画は、物語を容易にするために、その歴史的視点を誇張している。例えば、タラの町は主に中国の金属加工集落[ 102 ]や島根県のたたら炉[ 1 ]から着想を得ている。宮崎監督は蝦夷の人々の衣服に関する歴史的な資料を持っていなかったため、アシタカの村の少女たちが着ている服はブータンやタイのスタイルに影響を受けており[ 103 ]、他の登場人物の刺繍布は伝統的なアイヌの衣服に似ている[ 98 ]。伝統的な武器の代わりに、銃が映画の紛争における主要な武器となっている[ 104 ] 。宮崎監督の長年の友人であり、同じく監督である高畑勲は、この映画は「観客に歴史に対する誤った印象を与える危険性がある」と述べている[ 105 ]。ネイピアは、この映画はテーマを支えるために「リアリズムを超えている」と書き[ 53 ]、批評家の小松和彦は、その世界は歴史的事実と一致することもあるが、本質的には宮崎監督の空想であると感じている。[ 106 ]
ネイピアによれば、この映画は『方丈記』のテーマに触発され、宮崎のこれまでの作品よりもはるかに「陰鬱な」トーンを示している。 [ 107 ]彼女は、宮崎のこれまでの歴史的設定の描写と、この映画の室町時代の描写を対比させ、「強調する中世の歴史を感傷的にすることを拒否している」と書いている。[ 108 ]この映画は、飛行シーンがない点で宮崎のフィルモグラフィーの中では異例である。ネイピアは、垂直方向の動きよりも水平方向の動きに重点を置いていることが、この映画が提示する「閉じ込められた感覚と絶望感」と結びついていると示唆した。[ 109 ]スタジオジブリは、1990年代初頭までに、短期契約でスタッフを雇用するという業界標準とは対照的に、フルタイムのアニメーターを雇用し始めていた。デニソンは、これがスタジオが時間をかけてアニメーションの「ハウススタイル」を開発するのに役立ったと書いている。[ 110 ]宮崎は、このスタイルの重要な側面は、スタジオが自然界を描写する能力であると感じていた。[ 111 ]デニソンは美術監督へのインタビューから、彼らのアプローチは「自然の本質的な意味を単純化し、風刺すること」であり、周囲の風景をじっくりと観察し、意識する瞬間を優先することだと指摘した。[ 34 ]この映画では、森の描写に宮崎駿作品でよく使われるパステルカラーとは対照的な、より暗い緑や茶色の色調が用いられている。[ 101 ]ネイピアは、実写に比べてアニメーションという媒体は、この映画のテーマを探求するのに適していると強調した。[ 112 ]この映画には多くの動物や神々が登場するが、彼女はそれらが人間とは全く異なると指摘した。特に、森の精霊は穏やかでありながら全く異質な姿をしている。[ 113 ]
宣伝戦略を主導したのは鈴木敏夫で、1997年までに彼はスタジオジブリの過去の作品を宣伝する中でメディア業界との関係を築いていた。[ 114 ]ネイピアは、このマーケティングによって本作が初めてスタジオジブリのブランドで公開されたと指摘した 。それまでの作品は主に宮崎駿監督作品として分類されていたが 、これは鈴木がスタジオの主要プロデューサーとして地位を高めていることを反映していると感じた。[ 115 ]鈴木によれば、このキャンペーンの3つの重要な要素は、認識可能なタイトルロゴの繰り返し使用、映画からの重要なイメージ、そしてキャッチフレーズだった。[ 116 ]キャッチフレーズは何度か修正され、鈴木の意見もあって最終的に「Live」というフレーズが選ばれた。[ 117 ]また鈴木は、宮崎監督が当初の承認を得ずに、当初の意図であった「アシタカの伝説」[ e ]というタイトルを、あまり面白くないと感じたため変更した。[ 119 ]映画の宣伝に割り当てられた予算は少なくとも26億円で、[ f ]製作費よりも高く、当時日本最大の映画宣伝キャンペーンとなった。[ 120 ]吉岡は、巨額の製作費を補うためには『もののけ姫』が商業的に成功することが不可欠だと主張し、その結果、キャンペーンの規模は以前の映画よりも大幅に拡大された。[ 114 ]ぬいぐるみのこだまやサンのマスクのレプリカなど、数種類のグッズが販売された。[ 121 ]口コミで映画を宣伝するために、公開前に多数の試写会が企画された。当初130回が予定されていたが、最終的に70回開催された。映画研究家の加納誠司は、この回数を今でも「驚くべき」と評している。宮崎駿監督の前作『紅の豚』は、比較するとわずか23回しか上映されていなかった。[ 122 ]
ウォルト・ディズニー・スタジオとスタジオジブリの当時の親会社である徳間書店が1997年に配給契約を結んだ後、この映画は宮崎駿監督の作品の中で初めて世界公開されることになった。この取り決めによりスタジオの活動範囲は新たな地域に広がったものの、この発表は主に現地の観客を引き付けるために行われた。 [ 123 ]また、宮崎監督は映画公開後に引退をほのめかし、観客の関心をさらに高めた。[ 124 ]この映画はアニメとアートハウス映画の中間のような作品として宣伝され、公開前に主流メディアでの宣伝は避けられた。[ 125 ]デニソンはこの選択が、スタジオが当初この映画の商業的成功に自信を持てなかったこと[ 126 ]と、財政的なリスクに対する認識を示していると感じた。[ 127 ]宮崎駿と頻繁に仕事をした徳間書店の社長、徳間康義は、公開前のインタビューで、映画に投資した金額を回収するだけでも「大成功」だと語っていた。[ 128 ]しかし、デニソンは、マーケティングキャンペーンの規模は、スタジオの最終的な目的が商業的成功を収めることにあることを示していると主張した。[ 126 ]彼女はこのアプローチを「計算された」ブロックバスター映画のローカル版と解釈した。[ 129 ]
『もののけ姫』は徳間書店、日本テレビ、電通によって企画され、東宝によって1997年7月12日に日本で公開された。[ 130 ]この映画は国民の大きな期待を集め、国内1800館の映画館のうち260館で上映され、[ 131 ]多くの映画館でチケット購入のためにこれまでにない数の観客が列を作ったと報告された。[ 124 ] 1980年代からスタジオジブリと密接な関係にあった徳間書店の専門誌『アニメージュ』は、他のいくつかの出版物と同様に、この映画の特集号を発行した。[ 132 ]新聞は、この映画の公開を「もののけ現象」と呼び始め、[ 124 ]公開初週の終わりまでに、この映画は100万人以上の観客を集め、興行収入は15億円に達した。 [ 133 ]この映画の宣伝では、大ヒット作と銘打たれ、ハリウッド映画の『ロスト・ワールド/ジュラシック・パーク』（ 1997年）など、日本市場で話題の映画とますます競合するようになった。 [ 134 ] 11月までに、配給レンタル売上高は96億5000万円を超え[ h ] 、 『E.T.』 （1982年）が保持していた国内記録を破った。[ 133 ]その期間中、当時の日本の人口の1割にあたる1200万人が劇場でこの映画を鑑賞した。[ 135 ]公開から1年後、観客動員数は1420万人を超え[ 133 ] 、興行収入は113億円[ i ]に達し[ 114 ] 、国内歴代興行収入最高額を記録した。[ 26 ] [ j ]
ディズニーと徳間との契約の一環として、この映画は当時ディズニーの子会社であったミラマックス・フィルムズに引き渡され、米国およびその他の地域で吹き替えと配給が行われた。 [ 136 ]吹き替えは、以前に『魔女の宅急便』などのスタジオジブリ作品の吹き替えを手がけたジャック・フレッチャーが監督し、[ 137 ]脚本はファンタジー作家のニール・ゲイマンが執筆した。デニソンによれば、当時アニメのローカライズにゲイマンが起用されるのは異例のことだったという。[ 138 ]ゲイマンは、当時ミラマックスの社長だったハーヴェイ・ワインスタインが、当初は映画監督のクエンティン・タランティーノにこの役をオファーしたが、タランティーノが代わりにゲイマンを推薦したと主張している。ゲイマンは、石が雨に濡れるシーンに感銘を受けるまではオファーを断るつもりだったが、「こんなのは見たことがない。これこそが真の映画製作だ」と言ったという。[ 139 ]スタジオジブリの幹部であるスティーブ・アルパートが翻訳を手伝った。[ 140 ]
デニソンは、ミラマックスの吹き替えへのアプローチは「日本国外で映画の新たなアイデンティティを形成することを目的とした、いわば土着化プロジェクト」と呼べるかもしれないと書いた。[ 141 ]言語学者のジェニファー ・E・ニコルソンは、英語吹き替えの変更は翻訳というより翻案に近いと書いた。[ 142 ]映画の中で特に日本的な要素が議論されていることで、アメリカと日本の文化の違いが強調され、2つの言語と文化が混ざり合った脚本になった。[ 143 ]ゲイマンは、アメリカの観客には分かりにくい文化概念を説明するために、画面外の登場人物のセリフを挿入した。[ 138 ]特にユーモアには大幅な変更が必要だった。ゲイマンは、元のセリフがなぜユーモラスなのかを考えるのではなく、セリフの「感情的な同等物」を探すことでこの問題に取り組んだ。[ 144 ]しかし、タイトルとセリフには日本語の「もののけ」が残されており、ニコルソンは、サンの名前が「もののけ姫」であるという誤解を生む可能性があるだけでなく、サンという名前の日本語的な意味合いを軽視することになると主張した。[ 145 ]ゲイマンは後に、脚本執筆過程を監督していたにもかかわらず、自分の知らないうちに脚本の変更が行われたことを回想している。変更の中には、酒をワインに置き換えたり、日本や中国への言及を削除したりするなど、舞台設定を特定する用語を削除するものもあった。[ 146 ]ニコルソンは、これらの決定はミラマックスが映画から文化的背景を剥ぎ取り、歴史から完全に切り離そうとする意図を示していると考えた。[ 147 ]ゲイマンはまた、自分の草稿がミラマックスとスタジオジブリの両方から矛盾する修正を受けたことを回想しており、それに対して彼は2つの改訂版を書き、「自分たちで争ってくれ」と答えた。[ 148 ]
この映画には、伝統的な演技と声優の両方で人気を博した様々な有名声優が出演した。[ 149 ]デニソンは、日本文化の要素をさらに排除し、「映画をナレーションする『アメリカ風』の声」で映画を彩るために、様々なアメリカ英語とイギリス英語のアクセントが選ばれたと書いている。[ 150 ]英語での公開は主にアートハウス映画として宣伝され、[ 138 ]メディア研究者のエマ・ペットは、ファミリー映画向けのブエナ・ビスタ・レーベルではなくミラマックス・レーベルを選んだことで、主流から外れた「中流階級で文化的に洗練された観客」をターゲットにできたと感じている。[ 151 ]この頃には、ワインスタインは海外映画を輸入して国内の観客にアピールするためにカットするという評判を確立していた。[ 139 ]しかし、配給契約の条件の中には、スタジオジブリが翻訳を承認し、最終的な管理権を持ち、映画はカットされないというものがあった。[ 140 ]ワインスタインは宮崎と鈴木を説得しようとしたが、うまくいかなかった。[ k ]ゲイマンは、ミラマックスが計画していたマーケティングキャンペーンを撤回し、ごく限られた数のスクリーンで映画を公開したと述べた。[ 139 ]英語吹き替え版は、1998年2月11日に第48回ベルリン国際映画祭で初上映され、 [ 137 ] 1999年9月26日にニューヨーク市のエイブリー・フィッシャー・ホールでプレミア上映された。[ 156 ]アメリカの興行収入は期待外れで、わずか230万ドルしか稼げなかった。[ 139 ]
この映画は、1997年にブエナ・ビスタ・ホーム・エンターテイメントから日本でVHSで、 1998年に徳間書店からレーザーディスクで発売された。 [ 157 ]映画のセル画を基にした漫画シリーズ、初期のスケッチやストーリーボードを収録したアートブック、さまざまな学者による参考書など、関連書籍がいくつか出版されている。[ 158 ]英語吹き替え版は、日本語字幕付きで2000年4月29日に日本で劇場公開された。アメリカでは「もののけ姫」というタイトルのドキュメンタリーが同時公開された。[ 159 ]これらの上映やその他の国際的な上映により、英語吹き替え版の総収益は当時1億5900万ドルに達した。 [ 160 ]この映画は、ヨーロッパやアジアのさまざまな地域でホームメディアでも発売されている。[ 158 ]
北米でのDVD発売当初、日本語音声トラックは収録されない予定だった。日本語音声トラックの収録を求めるオンライン署名運動が開始され[ 161 ]、その結果、2000年8月に予定されていた発売は延期された[ 162 ] 。ミラマックスは2000年12月19日にDVDを発売し、オリジナル日本語音声、英語吹き替え音声、予告編やドキュメンタリーなどの特典映像を収録した[ 163 ] 。日経ビジネスは、 2007年時点で日本国内で440 万枚のDVDが販売されたと報じた。[ 164 ]
ウォルト・ディズニー・スタジオ・ホーム・エンターテイメントは2014年に本作をBlu-rayでリリースし、2015年には宮崎駿監督作品集に収録された。[ 165 ] GKIDSは2017年にDVDとBlu-rayで再リリースした。[ 166 ] 2020年10月現在 この映画は、米国でのBlu-ray販売で920万ドルの興行収入を上げています。 [ 167 ]その後、GKIDSが主催する毎年恒例のスタジオジブリフェストを含め、世界中で複数回劇場再上映されています。 [ 168 ] GKIDSは2025年3月にIMAXシアターでこの映画を公開し、 4K解像度のリマスター版を上映しました。スタジオジブリの副社長である奥井敦氏は、オリジナルのネガは10年以上前に保存され、4Kで再スキャンされたと述べています。[ 169 ]リマスター版は北米の興行収入で680万ドルを稼ぎ出し、 [ 168 ] 2026年2月時点で全世界での累計興行収入は2億3130万ドルに達しました。 [ 167 ]
宮崎駿監督のこれまでの作品のほとんどと同様に、『もののけ姫』の音楽は久石譲が作曲した。[ 170 ]マッカーシーによれば、この音楽の制作は、これまでの作品よりも久石と宮崎監督の緊密な協力によって行われたという。[ 171 ]久石はまず、完成した音楽の前段階となるデモや音楽スケッチを集めたイメージアルバムを作曲し、宮崎監督と鈴木清順と共有した。[ 171 ]未使用のタイトル「アシタカの伝説」が、オープニングテーマのタイトルとしてここで使用されている。[ 172 ]彼らの意見を取り入れて、デモは東京シティフィルハーモニー管弦楽団によって演奏される最終的な音楽に組み込まれた。[ 173 ]徳間書店は、1996年7月にイメージアルバムを、1997年7月にサウンドトラックアルバムを発売した。[ 174 ]カウンターテナー歌手のメラ・ヨシカズが歌う主題歌は、映画公開前にシングルとして発売され、日本の観客に人気を博した。[ 175 ]交響楽団用に編曲され、チェコ・フィルハーモニー管弦楽団によって演奏されたサウンドトラックの3番目のバージョンは、1998年にリリースされました。3つのアルバムはすべて、2020年にアナログレコードで発売されました。 [ 176 ]
英語吹き替え版では、アメリカ人歌手のサシャ・ラザードがボーカルテーマを再録音した。デニソンは、これはミラマックスが映画の日本的な要素を取り除こうとした努力の一環だと主張したが、同時に、このスコアが典型的なハリウッドスタイルの作曲アプローチから大きく逸脱していることも認めた。例えば、登場人物や設定を表すためによく使われるライトモチーフは、より重要な物語上の出来事の間の移行的な瞬間に使われている。[ 175 ]マッカーシーは、この映画は音楽と会話が登場するシーンを、沈黙と環境音を多用して特定の瞬間の緊張感を高めており、アメリカのスコアリングアプローチとは大きく異なると書いている。[ 177 ]音楽学者のステイシー・ジョコイは、映画の壮大な物語を彩るために金管楽器が強調的に使われていることを強調した。 [ 178 ]久石は西洋の調性と組み合わせて日本のペンタトニックスケールを使用しており、 [ 171 ]ジョコイはサンのテーマでこのスケールを特徴とするメロディーを「平和と美」への彼女の願望の象徴として分析した。対照的なクラスターコード（彼女はそれがイゴール・ストラヴィンスキーの「春の祭典」（1913 年） のものと似ていると感じた）は、サンの攻撃性を表すために使用されている。[ 179 ]
この映画は日本国内の批評家から概ね好評を博し、加納氏は興行収入の成功を受けて日本のメディアで「賞賛の嵐」があったと述べている。[ 182 ]朝日新聞の秋山昇氏は、この作品は「芸術性が高い」と感じ、アニメーション雑誌の多くのレビューではその映像の忠実さが強調された。[ 183 ] いくつかの出版物では、批評家や学者による映画制作のさまざまな側面を扱った記事や主要スタッフへのインタビューが掲載された。[ 184 ]吉岡氏によると、日本の文化史などのテーマは比較的「扱いやすいテーマ」であることや、宮崎駿氏が日本社会で文化人としての地位を高めていることなどから、さまざまな学者がこの映画について執筆することに惹かれたという。 [ 185 ]映画の成功に貢献した要因について推測する学者もおり、若い観客の反応についてコメントした学者もいた。彼らはテーマを自分たちの個人的な苦悩と結びつけ、希望のモチーフに共感した。[ 186 ]ネイピアはまた、自然や精霊界との葛藤と共存というテーマが日本の観客に強く響いたと書いている。[ 91 ]この映画を批判するレビューはごくわずかで、その中で加納は多くのコメントを「非常に疑わしい」と評した。[ 187 ]週刊文春の堀井健一郎はテキストの解釈が難しいと感じ、宮崎が作り上げたファンタジーに失望した人もいた。また、一部の批評家は女性キャラクターの性的魅力の欠如を批判した。[ 188 ]
アメリカの興行収入では振るわなかったものの、この映画はアメリカの批評家から広く賞賛された。[ 189 ]レビュー集計サイトMetacriticでは、29人の批評家による加重平均スコアが100点満点中76点となり、「概ね好意的」な評価を示している。 [ 190 ] Rotten Tomatoesでは、119人の批評家によるレビューの93%が肯定的で、平均評価は10点満点中8点となっている。同サイトの総評は、「壮大なストーリーと息を呑むような映像で、『もののけ姫』はアニメーションの世界における金字塔である」となっている。[ 191 ] 2018年、Pettはアメリカとイギリスで発表された1065件の批評のメタ分析を行った。 [ 192 ]初期のレビューでは、映画が示す文化的な違いや、ミラマックスがプレゼンテーションに加えた変更点について議論されることが多かった。エンターテインメント・ウィークリーのタイ・バーは概ね好意的だったが、「アメリカの観客がこれを受け入れられるかどうか非常に興味がある」と感じていた。[ 193 ]ニューヨーク・タイムズのジャネット・マスリンは、この映画は「日本の本質を失うことなく効果的に翻訳されている」と感じていたが、[ 194 ]マイケル・アトキンソンはミスター・ショービズで「翻訳の過程で何かが大量に失われた」と書いている。[ 195 ]
多くの批評家は、この映画を、主にディズニーが制作し、アメリカにおけるアニメーションの観客の期待を決定づけた家族向け作品と比較した。[ 196 ]バラエティ誌のレナード・クラディは、この映画はミュージカルナンバーや子供向けに書かれた物語を避け、「西洋の一般的なアニメーションに真っ向から反している」と書いた。 [ 197 ]スティーブン・ハンターはワシントン・ポスト紙の記事で、このアニメーションは「非常に鮮やかで精緻に描かれている」が、ディズニー作品のような流麗さに欠けるとコメントした。[ 198 ]批評家はまた、暴力や大人向けのテーマが子供には不適切であると指摘した。[ 199 ]バーらは、この映画のファンタジー要素を、数か月前に公開されたスター・ウォーズ エピソード1/ファントム・メナス （1999年）や、指輪物語（1954～1955年）やナルニア国物語（1950～1956年）などの小説と 比較し、好意的に評価した。[ 200 ]シカゴ・サンタイムズのロジャー・エバートは、この映画を宮崎駿の最高傑作とみなし、アカデミー賞ノミネートを推薦した。[ 201 ]しかし、イギリスでは、この映画のレビューはごくわずかで、批評家からは酷評された。ペティとジャーナリストのアンドリュー・オズモンドは、これを当時のイギリス社会におけるアニメに対する一般的な否定的な認識に起因するものとし、その根底には、暴力や性的に露骨なアニメーションによって引き起こされた論争があったとしている。[ 202 ]
いくつかの出版物が『もののけ姫』を最高の映画リストに取り上げています。アニメージュは2001年のベストアニメ100のリストで47位にランク付けしました。[ 203 ]エンパイアは500の偉大な映画のリストで488位にランク付けし[ 204 ]、2024年の偉大なアニメーション映画50のリストで3位にランク付けしました。[ 205 ]また、ペーストのベストアニメ映画100のリストで13位[ 206 ] 、タイムアウトとトータルフィルムの偉大なアニメーション映画のリストで26位にランクインしました。 [ 207 ]
日本は 第70回アカデミー賞外国語映画賞に『もののけ姫』を提出したが[ 208 ]、ノミネートされなかった[ 209 ] 。
ネイピアによれば、この映画は宮崎駿監督の最も重要な長編映画として広く認識されている。[ 70 ]彼女は、この映画は繊細で入り混じったテーマと前例のない規模の制作のため、宮崎監督のフィルモグラフィーにおける「新たな章」を刻んだと書いている。[ 69 ]この映画は、それまでのスタジオジブリ作品の中で最も長く、制作費も高額だったため、ネイピアは、宮崎監督を含む全スタッフに高いレベルのストレスを与え、「ほとんど超人的な努力」を要求したと報告している。映画の制作で疲弊した一部のベテラン社員は、その後スタジオジブリを去り、宮崎監督自身も広報活動からますます身を引いていった。[ 22 ]鈴木氏は、宮崎監督は絵コンテ、音楽、音声録音の監修で過労状態にあり、「全身全霊を捧げた」と語っている。[ 225 ]映画公開前のインタビューで、宮崎監督は「肉体的にもう無理だ」と語っている。[ 226 ]彼は1998年に辞任したが、スタジオジブリで宮崎駿の後継者となるはずだった近藤喜文の死去に伴い、すぐに復帰して『千と千尋の神隠し』 （2001年）を監督した。 [ 227 ]
『もののけ姫』は宮崎駿が学術論文を直接参照した最初の映画であり、これは彼が日本社会で文化人としての地位を確立するのに大きく貢献し、彼の作品がさらなる学術的研究の対象となるきっかけとなった。[ 228 ]『新世紀エヴァンゲリオン』 （1995～1996年）と並んで 、この映画はアニメが学者や批評家による研究の対象となる基礎を築いた。[ 71 ]吉岡は、宮崎の名声の高まりが後の作品を制約した可能性があると示唆した。彼は『もののけ姫』 以降、初期のアクションアドベンチャー作品のようなスタイルの長編映画を制作しておらず、それが彼を公の場から引退させる動機となった。[ 229 ]しかし、マッカーシーは、この映画は女性キャラクターが男性と比較されることなく自己表現できる新しい女性像を提供していると感じたが、宮崎は「この素晴らしい可能性の扉を開いた」ものの、後の作品では伝統的な物語とキャラクターの原型に戻ってしまったと書いている。[ 230 ]
吉岡は、この映画の広範な成功により宮崎駿が国際舞台で「現代日本映画の象徴」となり、その後の彼の多くの作品が商業的に成功する準備が整ったと感じた。[ 231 ]それ以来、ファンの間で根強い人気によりカルト映画となり、 [ 232 ]ペトは、この映画が今では「確立された文化的試金石」であると書き、この映画が影響を与えた他の多くの作品を挙げた。[ 233 ] 例えば、ジェームズ・キャメロンは、この映画が彼のSF映画『アバター』 （2009年）に影響を与えたと述べている。[ 224 ]批評家はまた、オリと盲目の森 （2015年）[ 234 ]やゼルダの伝説 ブレス オブ ザ ワイルド （2017年）[ 235 ]など、この映画の影響を受けた多くのビデオゲームを挙げている。ペトは、サンをフェミニストの人物として再解釈する批評的記述の変化を指摘した。[ 236 ] 2013年4月、スタジオジブリはイギリスの制作会社ホールホッグシアターと提携し、映画の舞台化を制作した。[ 237 ] 1年前にチケットが完売した後、ロンドンのニュージオラマシアターで初演され、 [ 238 ]その年の後半に東京に移った。[ 237 ] 2025年、深海に生息する新種のアマダイが、サンというキャラクターにちなんでBranchiostegus sanaeと名付けられた。 [ 239 ]
