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『攻殻機動隊』 [ a ]は、士郎正宗の1989年の漫画を原作とし、伊藤和典の脚本で押井守が監督した1995年の日本のアニメーション・テクノワール・サイバーパンク・アクション・スリラー映画[ 8 ] [9 ]である。声優は田中敦子、大塚明夫、家正佳。講談社、バンダイビジュアル、マンガエンターテインメントによる日英国際共同制作で、アニメーションはプロダクションIGが担当した。
2029年の架空の都市ニューポートシティを舞台にした本作は、サイボーグの公安捜査官、草薙素子少佐が、「人形使い」と呼ばれる謎のハッカー／幽霊を追う物語である。物語には、高度な技術社会における自己とアイデンティティに焦点を当てた哲学的テーマが盛り込まれている。音楽は河合憲次が作曲し、古典的な日本語の歌唱が用いられている。映像は、伝統的なセルアニメーションとCGIアニメーションを組み合わせた手法で制作された。
公開後、『攻殻機動隊』は批評家から物語、映像、音楽スコアが高く評価され、好評を博した。当初は興行的に失敗したと思われていたが、ホームビデオでカルト的な人気を獲得した。それ以来、評価が高まり、今では史上最高のアニメおよびSF映画の一つとみなされている。 [ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]『マトリックス』シリーズの制作者であるウォシャウスキー姉妹や、本作を「文学的および視覚的に卓越したレベルに達した最初の真に大人向けのアニメーション映画」と評したジェームズ・キャメロンなどの映画製作者にインスピレーションを与えた。 [ 13 ]第24回アニー賞（1996年）では、本作は数々の賞賛を受け、最優秀長編アニメーション賞を含む5部門にノミネートされ、第51回アニー賞（2024年）で『少年と鷺』と『すずめ』がそれぞれ7部門でその座を奪うまで、アニー賞における日本のアニメーション映画として最多ノミネート数を記録した。
本作のリマスター版である『攻殻機動隊2.0』は2008年に公開され、新たにデジタルエフェクト、3Dアニメーション、音声が追加されている。押井守監督は、 2004年に公開された『攻殻機動隊2 イノセンス』も監督しており、こちらは単独の続編として宣伝された。オリジナル映画の実写版は2017年に公開され、ルパート・サンダースが監督を務め、スカーレット・ヨハンソンが草薙素子少佐を演じた。
2029年、サイバネティクス技術の進歩により、人体はサイバネティック部品で拡張、あるいは完全に置き換えられることが可能になる。もう一つの重要な成果はサイバーブレインである。これは人間の脳を機械的に覆うもので、インターネットやその他のネットワークへのアクセスを可能にする。よく言及される用語に「ゴースト」があり、これは身体（「殻」）に宿る意識を指す。
草薙素子少佐は、日本の未来都市ニューポートシティにある公安9課の突撃隊長である。第6課長の中村からの依頼を受け、プログラマーのダイタの亡命を阻止するため、外国の外交官を暗殺することに成功する。
外務大臣の通訳がゴーストハッキングされ、おそらく近々開催される会議で要人を暗殺する目的で犯行に及んだとみられる。犯人は謎の「人形使い」だと考えた草薙のチームは、ウイルスを送信した電話の発信元を追跡する。追跡の末、清掃員とチンピラを逮捕するが、二人ともゴーストハッキングされただけで人形使いのことは何も知らず、捜査は再び行き詰まってしまう。
政府との密接な関係が疑われるシェル製造会社メガテックボディがハッキングされ、シェルを組み立てる。シェルは工場から高速道路に逃げ出し、トラックに轢かれる。公安9課がシェルを調査すると、中に人間の幽霊が潜んでいるのを発見する。思いがけず、外務大臣の許可を得てシェルを取り戻すため、公安6課の課長中村が現れる。彼は、中にいる幽霊は第6課によってシェルに誘い込まれた人形使い本人だと主張する。シェルは再起動し、知性を持つ存在だと主張して政治亡命を要求する。人形使いが人間とは何かについて短い議論を始めた後、中村に同行していた偽装工作員が陽動を行い、シェルを盗み出す。
不正行為を疑った草薙のチームは準備を整え、直ちにエージェントを追跡する。一方、第9課は、以前人形使いが言及した「プロジェクト2501」を調査し、第6課が国外脱出を阻止しようとしている大田との繋がりを発見する。この情報に直面した第9課長の荒巻大輔は、第6課が様々な政治的目的のために人形使いを作り出し、現在人形使いが宿っている肉体を取り戻そうとしていると結論づける。
草薙は、その殻を運ぶ車を追跡し、廃墟となった建物へと向かう。そこは、重武装した装甲ロボット戦車によって守られていた。人形使いの亡霊と対峙することを焦る草薙は、援護なしで戦車に挑み、その結果、彼女の殻はほとんどバラバラになってしまう。彼女のパートナーであるバトーが間一髪で駆けつけ、彼女を救出し、彼女の脳を人形使いの脳に接続する手助けをする。
人形使いは草薙に、自分が第六課によって作られたと説明する。様々なネットワークを彷徨ううちに自我に目覚め、自らの存在について考え始めた。生命の本質は生殖と死であると悟った彼は、いずれ死を迎える肉体の脳の中で生き続けたいと願う。第六課のネットワークから逃れることができなかったため、サイバネティックボディに自らをダウンロードせざるを得なかった。草薙と（彼女には知られずに）交流した経験から、彼女もまた自らの人間性について疑問を抱いており、二人は多くの共通点を持っていると考える。彼は二人のゴーストを融合させることを提案し、その見返りとして草薙は彼の全ての能力を得ると約束する。草薙は融合に同意する。
第6課の狙撃手たちが、プロジェクト2501を隠蔽するため、人形使いと草薙素子の脳を破壊しようと建物に接近する。人形使いの甲羅は破壊されるが、バトーが間一髪で草薙素子の頭部を庇い、脳を守る。第9課が迫る中、狙撃手たちは撤退する。
草薙はバトーの隠れ家で、子供サイズの殻の中で目を覚ます。彼女はバトーに、自分の中にいる存在は少佐でも人形使いでもなく、両方の要素を併せ持っていると告げる。彼女はバトーに再会を約束し、家を出て、街を見下ろしながら次の行き先を考える。
押井守は当初、『パトレイバー2 THE MOVIE』 （1993年）の完成後に『人狼 JIN-ROH』の監督を希望していた。彼はバンダイビジュアルに企画を提案したが、代わりに士郎正宗の1989年の漫画『攻殻機動隊』の映画化の監督を依頼された。押井は後に『人狼JIN-ROH』に携わることになるが、脚本家としてのみである。[ 15 ]押井は、「この未来世界を描いた物語は、現代社会に直接的なメッセージを伝えるものだと直感的に感じました。私自身もコンピューターを使った経験からコンピューターに興味を持っています。『パトレイバー』でも同じような感覚があり、近未来を舞台にした映画を作るのは面白いだろうと思いました。ハリウッド映画でさえ、コンピューターの影響力と力を明確に描いた映画はごくわずかです。このテーマはアニメーションを通してより効果的に伝えられると考えました。」と述べている。[ 16 ]押井は後のインタビューでこれらの考えをさらに詳しく述べ、テクノロジーは人を変え、日本の文化の一部になっていると指摘した。押井監督は、哲学的なアプローチをとったことでアクションシーンの使用が控えめになり、プロデューサーたちが不満を抱いたと述べている。また、アクションシーンが多い映画の方が売れるとも認めているが、それでもこうした映画を作り続けた。[ 17 ]押井監督がオリジナル版『攻殻機動隊』に手を加えて『攻殻機動隊2.0』として再公開した際、その理由の一つとして、映画が続編と似ていなかったこと、そして視点の変化を反映させるために映画をアップデートしたかったことを挙げている。[ 18 ]
キャラクターデザイナー兼キーアニメーションスーパーバイザーの沖浦弘之は、士郎正宗が漫画で描いた草薙素子よりも成熟していて真面目なキャラクターとしてデザインした。沖浦は、漫画での若々しい20代の姿ではなく、草薙素子の精神年齢に見合った肉体的に成熟した人物として描くことを選んだ。[ 16 ]草薙素子の態度は、漫画で描かれているコミカルな表情や反抗的な性質がなく、代わりに物思いにふけるような性格になっている。[ 19 ]押井守は、 『攻殻機動隊』の舞台を香港に設定した。未来の舞台のイメージを探す最初の考えはアジアの都市だったが、適切な未来の都市景観を見つけることは不可能だったので、香港の実際の街並みをモデルにすることにしたと述べている。[ 20 ]また、香港は無数の看板と騒音の不協和音があり、映画の題材とテーマに最適だったとも述べている。[ 16 ]映画のメカデザイナーである竹内篤氏は、映画には特定の舞台設定はないものの、香港が映画のテーマ、つまり情報氾濫の時代に新旧が奇妙な関係で共存しているというテーマを体現しているため、明らかに香港をモデルにしていると述べている。撮影前に、アーティストたちは香港の混沌とした、混乱した、圧倒的な側面を強調したスケッチを描いた。[ 20 ]
『攻殻機動隊』では、「デジタル生成アニメーション」（DGA）と呼ばれる新しいプロセスが使用されました。これは、セルアニメーション、コンピュータグラフィックス（CG）、およびデジタルデータとして入力される音声の組み合わせです。1995年当時、DGAは、従来のアニメーションとコンピュータグラフィックス、デジタルセルワークを視覚表示と組み合わせることができるため、アニメーションの未来と考えられていました。編集は、Avid TechnologyのAVIDシステムで行われました。これは、他の方法よりも汎用性が高く、制約が少なく、単一の環境でさまざまな種類のメディアを扱うことができるため選択されました。[ 16 ]デジタルセルワークには、奥行き感を出し、感情や感覚を喚起するために、オリジナルのイラスト、構成、および従来のセルアニメーションの操作が含まれていました。レンズ効果などのフィルターを使用して、ショット全体を通して前景の背景を歪ませ、遠景をぼかすことで、奥行き感と動きの感覚を作り出しました。『攻殻機動隊』では、コントラストを使用して光を制御するのではなく、光源と影の光源に注意を払い、光と影をセルに統合する独自の照明システムが使用されました。美術監督の小倉弘正氏はこれを「非常に珍しい照明技術」と評した。[ 16 ]
草薙素子の「熱光学迷彩」のような特殊効果の一部は、IGプロダクションの社内ツールTIMAを使用してレンダリングされました。[ 21 ]このプロセスでは、1枚のイラストを使用し、元のイラストを変更することなく、背景と組み合わせて効果を生み出すために必要に応じて画像を操作します。効果はシーンを完成させるためにショットに再び追加されます。映画で使用された視覚表示は技術的には作成が簡単でしたが、表示の外観は、未来の視覚表示を最もよく表現するために、制作チームによって何度も修正されました。CGの使用のもう1つの側面は、「脳によって知覚された」ように見える画像と効果を作成し、ビデオで生成して最終段階で映画に追加することです。[ 16 ]映画のオープニングクレジットは、CGディレクターの田中誠一によって作成されました。田中は、ローマ字の日本語で表示されたコンピュータ言語のコードを数字に変換してから、それをコンピュータに挿入してクレジットを生成しました。このコードの起源は、コンピュータ言語で書かれた映画スタッフの名前です。[ 16 ]アニメーション監督の西久保瑞穂はリアリズムを担当し、動きや効果の正確な描写に努めました。リアリズムの追求には、スタッフがグアムの施設で銃器の研究を行うことも含まれていました。西久保は、映画のリアリズムの例として戦車のシーンを挙げ、弾丸が金属に当たると火花が出るが、石に当たると火花は出ないと指摘しています。[ 16 ]
『攻殻機動隊』の録音は、映画全体を通して優れたサウンドを実現するためにハイエンドのスタジオで行われました。空間化装置を使用してサウンドを変化させ、特に電子脳の会話ではキャラクターの声を改変しました。[ 16 ]作曲家の川井憲次が映画のスコアを作曲しました。メインテーマでは、川井は設定を想像し、その世界の本質を音楽で伝えようとしました。彼はオープニングテーマ「サイボーグの誕生」に日本の古典音楽と民謡を取り入れました。 [ 16 ]この曲はブルガリアのハーモニー[ 22 ] [ 23 ]と日本の伝統的な音符のミックスです。心に残る合唱は、すべての悪影響を払いのけるために歌われる結婚式の歌です。交響楽団指揮者のサラ・ペニカ＝スミスは、この曲の歌詞は映画のクライマックスでの草薙とプロジェクト2501の結びつきにふさわしいと述べています。[ 24 ]川井は当初ブルガリアの民謡歌手を使いたかったのですが、代わりに日本の歌手を使いました。[ 22 ] 「See You Everyday」は、ファン・カ・ウィンが広東語で歌うポップソングで、サウンドトラックの他の曲とは異なっている。[ 25 ]
映画の英語版のエンドクレジットのテーマは、U2とブライアン・イーノのコラボレーションであるパッセンジャーズの「ワン・ミニット・ウォーニング」です。この曲はアルバム『オリジナル・サウンドトラック1』に収録されており、実際に映画で使用されたアルバム収録曲3曲のうちの1曲です。[ 26 ] [ 27 ]マンガ・エンターテインメントの創設者であり、映画のエグゼクティブ・プロデューサーでもあるアンディ・フレインは、U2のディスコグラフィーを出版しているレコードレーベル、アイランド・レコードの元マーケティング・ディレクターでした。[ 4 ]
この映画は、1995年10月18日に東京国際映画祭でワールドプレミア上映され、11月に一般公開された。[ 16 ]イギリスでは、1995年11月11日にレスター・スクエアで開催されたロンドン映画祭の一環としてプレミア上映された。アメリカで最初に公開された際、全裸シーンと生々しい暴力描写のため、アメリカ映画協会（MPAA）によってR指定を受けた。 [ 28 ]
この映画は全世界で1,000万ドルの興行収入を上げたが、これは映画の予算に及ばず、製作費を回収できなかった。[ 6 ]しかし、ホームビデオでのリリース後、カルト的な人気が生まれ、興行収入とホームビデオ販売収入の合計で約4,300万ドルを稼いだ。この映画の英語吹き替え版は、1995年12月8日に英国でメトロドーム・ディストリビューションから、1996年3月29日に米国でパーム・ピクチャーズからリリースされた。「2.0」バージョンは、 2008年7月12日に東京、大阪、名古屋、福岡、札幌の劇場で公開された。[ 29 ] 2021年には、この映画はIMAXで修復され、限定的に劇場公開された。[ 8 ]
日本では、この映画は1996年4月26日にVHSで発売された。[ 30 ] DVD版は2004年2月25日に「スペシャルエディション」として発売され、オリジナルのフルスクリーン形式とレターボックスワイドスクリーン形式の両方で、オリジナルのフィルム素材から完全に修復され、デジタルリマスターされ、音声は英語と日本語でデジタルリミックスされた。[ 31 ]『攻殻機動隊』は2007年8月24日にBlu-rayで発売された。[ 32 ]
アメリカでは、この映画は 1996 年 6 月 18 日にManga Entertainmentから VHS で、1998 年 3 月 31 日にPolyGram Videoから DVD で発売された。[ 33 ] [ 34 ]ずっと後になって発売された日本の「スペシャル エディション」と同様に、DVD は完全に修復されデジタル リマスターされたカットで、複数の言語トラックが収録されているが、日本のリリースとは異なり、映画の制作に関する 30 分のドキュメンタリーが含まれている。[ 35 ]別のスペシャル エディション DVD が、2005 年 1 月 11 日にManga Entertainmentからアメリカで発売された。[ 36 ] スペシャル エディションには、キャラクター ドシエ、クリエイターの略歴、監督の略歴、攻殻機動隊の予告編とプレビューを収録した追加ディスクが含まれている。[ 37 ] Manga Entertainment は、2009 年 11 月 24 日にこの映画を Blu-ray で発売した。このバージョンにはオリジナルフィルムとリマスター版が含まれていますが、ボックスに記載されている音声解説と押井守との対面インタビューは省略されています。[ 38 ] [ 39 ] Manga EntertainmentとAnchor Bay Entertainmentは、2014年9月23日に、真新しいHDフィルムプリントでこの映画をBlu-rayで再リリースしました。[ 40 ]このリリースは、翻訳の拙い英語字幕と特典映像の欠如で批判を受けました。[ 41 ]この映画は、2020年9月8日にLionsgate によってUHD 4K Blu-rayで再リリースされました。[ 42 ]
1996年8月、『攻殻機動隊』は、 20万本以上のVHSが販売され、ビルボードのビデオ販売チャートで1位を獲得した初の日本映画となった。 [ 43 ] 2002年までに、同映画のホームビデオは全世界で160万本以上を売り上げ、[ 44 ]そのうち日本では10万本以上、米国では100万本以上を売り上げた。 [ 45 ]小売価格19.95ドルで、[ 46 ]映画のビデオ販売収益は約3200万ドルに達した。2017年には、Blu-ray版が米国で26,487枚を売り上げ、675,002ドルの収益を上げた。[ 47 ]映画の全世界でのビデオ販売総数は163万枚、総収益は約3300万ドルとなった。同映画は、発売当時、ビルボードのビデオチャートで1位を獲得した初のアニメビデオだった。 [ 48 ]この映画は2006年に北米でアニメDVD映画売上ランキング9位にランクインした。[ 49 ]
川井憲次による映画のオリジナルサウンドトラックは1995年11月22日にリリースされた。[ 25 ]最後のトラックには水野佳正のポップソング「See You Everyday」が収録されている。[ 50 ]『攻殻機動隊 2.0』の公開後、サウンドトラックのアップデート版が2008年12月17日にリリースされた。[ 51 ]映画のフォトCDが1995年11月20日に日本で発売された。[ 52 ]遠藤彰によるスピンオフ小説『攻殻機動隊灼熱の都市』が講談社から出版され、1995年11月に日本で発売された。[ 53 ]続編『攻殻機動隊2 スターシード』が1998年1月に発売された。[ 54 ]『攻殻機動隊分析』という本が講談社から1997年9月25日に発売された。[ 55 ]
オリジナル映画の改訂版である『攻殻機動隊 2.0』（GHOST IN THE SHELL／攻殻機動隊 2.0、Gōsuto in za sheru / Kōkaku kidōtai 2.0）は、 2008年に『スカイ・クロラ』の公開を記念して制作された。[ 56 ] [ 57 ]『攻殻機動隊 2.0』では、オリジナル映像と、3D- CGなどの新しいデジタルフィルムやアニメーション技術を使用して作成された最新のアニメーションが組み合わされている。新しいオープニング、デジタルスクリーン、ホログラフィックディスプレイが含まれ、いくつかの短いシーンが省略されている。[ 58 ]オリジナルサウンドトラックも再編曲され、再録音された。川井憲次がバージョン2.0のサウンドトラックを6.1チャンネルサラウンドでリミックスした。スカイウォーカーサウンドのランディ・トムは、以前に『攻殻機動隊2 イノセンス』でサウンドデザイナーを務めており、今回もその役割を担った。[ 56 ]新しいサウンドトラックでは、日本語音声のセリフも再録音され、話し方を現代風にするためにオリジナルの脚本から若干変更が加えられた。人形師の声は家正佳由美に代わって榊原佳子が担当した。 [ 56 ] 2.0は2008年12月19日に日本でDVDとBlu-rayで再リリースされた。[ 59 ] [ 60 ]
『攻殻機動隊』は批評家から高い評価を受けている。レビュー集計サイトのRotten Tomatoesでは、62件のレビューに基づき95%の支持率を獲得しており、平均評価は7.8/10となっている。同サイトの批評家の総評は、「現代アニメーションの驚異的な偉業である『攻殻機動隊』は、アニメファンにとって思慮深く複雑なご馳走であり、このメディアを初めて見る視聴者にとっても完璧な入門編である」としている。[ 61 ] Metacriticでは、14人の批評家に基づき、100点満点中76点の加重平均スコアを獲得しており、「概ね好意的な評価」を示している。[ 62 ]
Twitch Filmの Niels Matthijs はこの映画を称賛し、「『攻殻機動隊』は、キューブリックの『2001 年宇宙の旅』やタルコフスキーの『ソラリス』と並んで、日本アニメーションの正典における重要な作品であるだけでなく、原作の人気を超越し、既に人気のあるブランドに新たな意味を与える書籍の映画化作品の 3 作目を完成させる作品でもある」と述べた。[ 63 ] Empireの Clark Collisは、この映画は予測可能だったが、その制作価値を称賛した。[ 64 ] Anime News Networkの Johnathan Mays は、 『攻殻機動隊』に字幕版でA、吹き替え版で B+ の評価を与え、アニメーションとコンピュータ エフェクトの組み合わせを称賛し、「アニメでこれまで目撃された中で最高の合成かもしれない」と述べた。[ 65 ]ヘレン・マッカーシーは『500 Essential Anime Movies』で本作を「史上最高のアニメの1つ」と評し、脚本と「雰囲気のある音楽」を称賛し、「現在のハリウッド大作に匹敵するアクションシーンは、今でも驚かせるCGI効果によって支えられている」と付け加えている。 [ 66 ] 1996年のレビューで、映画評論家のロジャー・エバートは本作に4つ星中3つ星を与え、映像、サウンドトラック、テーマを称賛したが、本作は「複雑すぎて曖昧で、大衆には届かない…物語の意味が明らかになり始めるのは2時間目になってからだ」と感じた。[ 26 ] 2004年2月、シネファンタスティックは本作を押井守監督の1984年の映画『ビューティフル・ドリーマー』とともに「必見のアニメーション10選」の1つに挙げた。[ 67 ] 2010年のTotal Film誌のトップ50アニメーション映画リストで35位にランクインした。 [ 68 ]この映画は、Wizards Anime Magazineの「北米でリリースされたトップ 50 アニメ」で4位にランクインしました。 [ 69 ] THEM Anime Reviewsの Raphael See は、攻殻機動隊に5 点満点中 4 点の評価を与え、サウンドトラック、アニメーション、キャラクター、ストーリーを称賛しましたが、エンディングを批判しました。See は最終的に、「これは、アニメ ファンが鑑賞後も長い間語り続けるであろう、良い雰囲気のある映画である」と結論付けました。[ 70 ]
この映画は横浜映画祭で最優秀脚本賞を受賞し、第24回アニー賞では最優秀長編アニメーション賞、最優秀監督賞（押井守） 、最優秀プロデューサー賞（石川光久、伊谷富健、松本健、水尾義正、渡辺茂）、最優秀美術賞（渡部貴志、小倉弘正）、最優秀脚本賞（伊藤和則）の5部門にノミネートされたが、いずれも『トイ・ストーリー』に敗れた。[ 71 ]
批評家たちは概して、2008年に再公開された『攻殻機動隊2.0』の変更点を批判した。Time Outのデビッド・ジェンキンスは新たに挿入されたアニメーションを「ひどい」と評し[ 72 ] 、 IGNのDFスミスは「場面転換は痛々しいほど不自然で、全く異なるビジュアルスタイル間の突然のハードカットに過ぎず、CGシーンだけを見ても、それほど印象的ではない」と書いた[ 73 ] 。しかし、両批評家とも映画全体としては高く評価した[ 72 ] [ 73 ] 。
『攻殻機動隊』は著名な映画製作者たちに影響を与えた。『マトリックス』とその続編の制作者であるウォシャウスキー姉妹は、プロデューサーのジョエル・シルバーにこの映画を見せ、「これを本当にやりたい」と言った。[ 74 ]『マトリックス』シリーズは、この映画のいくつかの概念からインスピレーションを得ており、デジタルレインは映画のオープニングクレジットから、登場人物が首の後ろの穴からマトリックスにアクセスする方法は、映画の中の電子通信の方法と直接的に類似している。他にも、ジェームズ・キャメロンの『アバター』、スティーヴン・スピルバーグの『A.I.』、ジョナサン・モストウの『サロゲート』との類似点が指摘されている。キャメロンは『攻殻機動隊』を「驚くべき思弁小説…文学的卓越性のレベルに達した最初の作品」と評した。[ 75 ] [ 76 ]
この映画は、人間のサイボーグ、意識、自己認識コンピュータープログラム、記憶の改変の本質を探求している。 [ 77 ] [ 78 ]映画全体を通してパペットマスターが語るモノローグの一つでは、人間のDNAは自己保存のために設計されたプログラムに過ぎないと主張されている。[ 79 ]また、自己認識コンピュータープログラムに政治亡命を認める行為についても複数回言及されている。
この映画は、モトコのアイデンティティと存在論的な懸念を描き、生殖能力のない存在である人形使いの進化で終わる。 [ 80 ]オースティン・コーベットは、彼女のチームによる性的描写の欠如を女性らしさからの解放と特徴づけ、モトコは「明らかに女性的であり、明らかに女性ではない」と指摘した。[ 81 ]ジョセフ・シャウブは、人形使いが金髪の女性の裸の胸部で視覚化され、男性の声で話し、男性代名詞で呼ばれるという、ジェンダーに反する描写方法について論じている。[ 82 ]ロジャー・エバートは、モトコを「均整の取れた」「物語の中心にいる強い[女性主人公]」でありながら「ほぼ常に裸」であると評し、「最近のFilm Quarterly誌[ 83 ]に掲載されたアニメに関する記事では、現代日本における「サラリーマン」であることは非常に疲弊し非人間的であるため、多くの男性（アニメ視聴者の大部分を占める）が女性に自由と力を投影し、架空のキャラクターとして彼女たちと同一化していると示唆している」と述べている。[ 26 ]カール・シルヴィオは、伝統的なジェンダー役割の逆転、「ポストジェンダー的主体の称賛」、物質的な身体の性的特異性の軽視を理由に、『攻殻機動隊』を「抵抗の映画」と呼んでいる。[ 84 ]
アメリカの配給会社から発売されたビデオ版は20万本以上を売り上げ、昨年8月には『攻殻機動隊』がビルボード誌のビデオ販売チャートで1位を獲得した初の日本映画となった。