ダンス

コンサートダンスはオペラと同様に、その大規模な形式は一般的に物語的な劇的構造に依存している。振り付けの動きやジェスチャーは、主に登場人物の性格や目的、そして筋書きにおける彼らの役割を模倣することを意図している。 ^{[ 29 ]}このような演劇的な要求は、非物語的なダンススタイルで通常見られる動きよりも長く自由な動きにつながる傾向がある。一方、19 世紀に発展したバレエ ブランは、リズミカルなダンスの間奏曲を可能にし、20 世紀には完全に「筋書きのない」バレエへと発展し^{[ 30 ]} 、プティ アレグロのような速くリズミカルなダンスのステップを可能にした。よく知られた例としては、白鳥の湖の第 2 幕の白鳥の踊りがある。

バレエは16世紀と17世紀のフランスとイタリアの宮廷演劇から発展し、しばらくの間、ダンサーたちは音楽組曲でおなじみのダンスから発展したダンスを踊っていた^{[ 31 ]} 。それらはすべて、それぞれのダンスに密接に関連した明確なリズムによって定義されていた。これらはロマン主義的ナショナリズムの時代にキャラクターダンスとして現れた。

バレエはロマン主義時代に広く流行し、より大規模なオーケストラと、リズミカルな明瞭さには必ずしも適さない壮大な音楽的構想、そしてドラマティックなマイムを強調するダンスを伴った。より広いリズムの概念が必要とされ、ルドルフ・ラバンはそれを、性格、感情、意図を伝える動きの「リズムと形」と呼んだ^{[ 32 ]。}一方、他のダンススタイルに不可欠なステップと音楽の正確な同期を必要とするのは特定のシーンだけであり、ラバンによれば、近代ヨーロッパ人は「原始的なリズミカルな動き」の意味を全く理解できないように見えた^{[ 33 ]。}この状況は、20世紀にイゴール・ストラヴィンスキーの「春の祭典」のような作品によって変化し始め、その新しいリズミカルな言語は原始的な過去の根源的な感情を呼び起こした^{[ 34 ] 。}

バレエのようなインド古典舞踊は、しばしば劇的な形式をとるため、物語表現と「純粋な」舞踊の間には同様の相補性がある。この場合、両者は別々に定義されるが、必ずしも別々に演じられるわけではない。抽象的で技術的なリズム要素は、ニッタ（nritta）として知られている。しかし、このニッタと表現舞踊（ニリティヤ）はどちらも、リズム体系（タラ）と密接に結びついている。教師たちは、ボル（bol）と呼ばれる口頭のリズム記憶システムをダンサーのニーズに合わせて応用してきた。

歌舞伎や能などの日本の古典舞踊劇は、インドの舞踊劇と同様に、物語性のある舞踊作品と抽象的な舞踊作品を区別している。歌舞伎の主な3つのカテゴリーは、時代物、家事物、そして舞踊作品である。^{[ 35 ]}同様に、能は、筋書きの展開と行動の描写を中心とした激能能と、アクロバット、舞台装置、複数の登場人物、精緻な舞台動作を伴う舞踊作品である風龍能を区別している。 ^{[ 36 ]}

観客のためではなく参加を目的とした社交ダンスには、さまざまな形式のマイムや物語が含まれることがあるが、通常は音楽のリズムパターンに非常に近い形で設定されているため、ワルツやポルカといった用語は、ダンスそのものと同じくらい楽曲を指す。タップダンスのように、ダンサーの足のリズムが音楽の重要な部分を形成することもある。例えば、アフリカンダンスは、固定された基本ステップに基づいているが、高度なリズム解釈も可能である。足や胴体が基本の拍子を示し、肩、膝、頭がクロスリズムを拾い上げ、最高のダンサーはポリリズムパターンのすべての要素に同時に柔軟な表現を与える。^{[ 37 ]}

アフリカのダンスは社会に深く根付いており、コミュニティの主要な出来事はしばしばダンスに反映されます。ダンスは出産や葬儀、結婚式や戦争の際に踊られます。^{[ 38 ] : 13}伝統的なダンスは、宗教的伝統や性規範を含む文化的道徳を伝え、悲しみなどの抑圧された感情を発散させ、戦争や穀物の粉砕など、コミュニティのメンバーが協力するように促し、精神的な儀式を行い、社会的な結束に貢献します。^{[ 39 ]}

アフリカ大陸では何千ものダンスが上演されている。これらは、伝統的、新伝統的、古典的スタイルに分類できる。つまり、特定の社会の民俗舞踊、伝統的なスタイルを模倣して最近作られたダンス、学校や個人レッスンでより正式に伝承されたダンスである。^{[ 38 ] : 18}アフリカのダンスは、ヨーロッパの宣教師や植民地政府など、多くの力によって変化してきた。彼らはしばしば、地元のダンスの伝統を放蕩または気を散らすものとして抑圧した。^{[ 39 ]}現代のアフリカ文化では、ダンスは新しい文脈で伝統的な機能を果たし続けている。ダンスは、病院の開院を祝ったり、見知らぬ都市で農村からの移住者のためのコミュニティを構築したり、キリスト教の教会の儀式に組み込まれたりすることがある。^{[ 39 ] [ 40 ]}

インドの古典舞踊はすべて、程度の差こそあれ『ナティヤシャーストラ』に根ざしており、そのため共通の特徴を持っています。例えば、ムドラ（手の形）、いくつかの体の姿勢、脚の動き、そして劇的または表現力豊かな演技（アビナヤ）の取り入れなどが挙げられます。インド古典音楽が伴奏として用いられ、ほぼすべてのスタイルのダンサーは、打楽器の音色と対比し、補完するために足首に鈴を身につけます。

現在、インド古典舞踊には多くの地域的なバリエーションが存在する。数十年にわたる議論の末、現在のミティラ地方に起源を持つとされている「オドラ・マガディ」や、オリッサ地方の舞踊形式であるオディッシー（オリッシー）などは、異なる地域間の文化交流における舞踊の影響を示している。^{[ 41 ]}

インドとパキスタンにまたがるパンジャブ地方は、バングラ発祥の地です。音楽とダンスの両方のスタイルとして広く知られています。主に古代の収穫祭、愛、愛国心、社会問題に関連しています。その音楽は「ドール」と呼ばれる楽器によって演奏されます。バングラは単なる音楽ではなく、ダンスであり、人々がドール（太鼓）を叩き、ボリヤーン（歌詞）を歌い、踊る収穫祭です。シーク教徒のヴァイサキ祭とともにさらに発展しました。

スリランカの舞踊には、悪魔の舞（ヤクン・ナティマ）が含まれます。これは、スリランカの仏教以前の時代にまで遡る、綿密に考案された儀式で、古代の「アーユルヴェーダ」の病気の原因に関する概念と心理操作を組み合わせ、シンハラ人の宇宙観を含む多くの側面を融合させたものです。その影響は、スリランカの古典舞踊にも見られます。^{[ 42 ]}

インドネシアのダンスは、インドネシアの民族や文化の豊かさと多様性を反映しています。インドネシアには1,300以上の民族があり、オーストロネシア人やメラネシア人の文化的ルーツ、そしてアジアや西洋からの様々な文化的影響が見られます。インドネシアのダンスは、儀式的な動きや宗教的な儀式に由来しており、この種のダンスは通常、戦争のダンス、病気を治したり追い払ったりするためのシャーマンのダンス、雨乞いのダンスなど、儀式から始まります。1世紀にインドネシアでダルマ宗教が受け入れられると、ヒンドゥー教と仏教の儀式が様々な芸術的パフォーマンスで祝われました。ラーマーヤナ、マハーバーラタ、パンジなどのヒンドゥー教の叙事詩は、西洋の伝統の「バレエ」に似た「センドラタリ」と呼ばれる舞踊劇で上演されるインスピレーションとなりました。精巧で高度に様式化された舞踊法が考案され、今日まで、特にジャワ島とバリ島で受け継がれています。ジャワのワヤンウォン舞踊はラーマーヤナやマハーバーラタのエピソードから映像をとらえていますが、この舞踊はインド版とは大きく異なり、インドネシアの舞踊はインドの舞踊ほど「ムドラ」に注意を払わず、むしろ地元の形式を示すことに重点を置いています。神聖なジャワの儀式舞踊ベダヤは、14世紀のマジャパヒト時代、あるいはそれ以前に遡ると考えられており、この舞踊は処女の少女がシヴァ、ブラフマー、ヴィシュヌなどのヒンドゥー教の神々を崇拝するために行った儀式舞踊に由来しています。バリ島では、舞踊は神聖なヒンドゥー教の儀式に不可欠な部分となっています。一部の専門家は、バリ舞踊はジャワ島のより古い舞踊の伝統に由来すると考えています。14世紀の東ジャワの寺院のレリーフには、今日のバリ舞踊で使用されている頭飾りに似た冠や頭飾りが描かれています。イスラム教は、先住民の舞踊やダルマ舞踊がまだ人気だった頃にインドネシア諸島に広がり始めました。芸術家やダンサーは依然として以前の時代のスタイルを使用し、物語をよりイスラム的な解釈に置き換え、イスラムの教えに従ってより閉じた服装にしました。^{[ 43 ]}

中東のダンスは、通常、ある程度現代化された伝統的な円舞の形式です。これには、ダブケ、タムザラ、アッシリアの民族舞踊、クルドのダンス、アルメニアのダンス、トルコのダンスなどが含まれます。^{[ 44 ] [ 45 ]}これらのダンスの形式はすべて、通常、参加者が手や腕をつないで互いに関わり合うことを含みます（ダンスのスタイルによって異なります）。彼らはダンスフロアを回りながら、足と肩でリズミカルな動きをします。ダンスのリーダーは、一般的に杖またはハンカチを持ちます。^{[ 44 ] [ 46 ]}

ヨーロッパ各地のフォークダンスは多様で、数百年前、あるいは数千年前まで遡るものもあるが、多くのダンスには、コール役のリーダーによるグループ参加、参加者同士の手をつなぐことや腕を組むこと、キャロルと呼ばれる固定された音楽形式など、共通の特徴がある。^{[ 47 ]}メイポールダンスのように多くの国で共通しているものもあれば、ケイリーやポルカのように単一の文化に深く根付いているものもある。スクエアダンスのようなヨーロッパのフォークダンスの中には、新世界に持ち込まれ、その後アメリカ文化の一部となったものもある。

バレエは、リズム、ドラマ、詩、歌、衣装、ダンスを組み合わせた豪華な宮廷スペクタクルから、イタリアで、そしてフランスで発展しました。宮廷貴族がパフォーマーとして参加しました。ダンサーでもあったルイ14世の治世中、ダンスはより体系化されました。プロのダンサーが宮廷のアマチュアに取って代わり始め、バレエマスターはフランス政府によって認可されました。最初のバレエダンスアカデミーは、1661年にパリに開校した王立ダンスアカデミー（Académie Royale de Danse）でした。その後まもなく、アカデミーに付属する最初の制度化されたバレエ団が結成されました。このバレエ団は当初は男性のみのアンサンブルでしたが、1681年までに女性も参加するようになりました。^{[ 3 ]}

20世紀のコンサートダンスは、より自由なテクニックの探求を特徴とするダンススタイルの革新の爆発をもたらしました。モダンダンスとして知られるようになったものの初期の先駆者には、ロイ・フラー、イサドラ・ダンカン、メアリー・ウィグマン、ルース・セント・デニスなどがいます。音楽とダンスの関係は、エミール・ジャック＝ダルクローズが考案したユーリズミックスの基礎となっており、マリー・ランベールなどのアーティストを通じてモダンダンスとモダンバレエの発展に影響を与えました。ルドルフ・シュタイナーとマリー・シュタイナー＝フォン・ジーヴァースによって開発されたオイリュトミーは、伝統的なダンスを彷彿とさせる形式的な要素と新しい自由なスタイルを組み合わせ、ダンスに複雑な新しい語彙を導入しました。1920年代には、マーサ・グラハム、レスター・ホートン、ドリス・ハンフリーなどの新しいスタイルの重要な創始者が活動を開始しました。この時から、さまざまなダンススタイルが開発されました。モダンダンスを参照してください。

アフリカ系アメリカ人のダンスは、ダンススタジオ、学校、カンパニーではなく、日常の空間で発展しました。タップダンス、ディスコ、ジャズダンス、スウィングダンス、ヒップホップダンス、ロックンロール音楽と関係のあるリンディホップ、ロックンロールダンスは、世界的な影響を与えてきました。クラシックバレエのテクニックとアフリカ系アメリカ人のダンスを融合させたダンススタイルも、ヒップレットを含め、21世紀に登場しました。^{[ 48 ]}

ダンスはラテンアメリカの社会生活と文化の中心です。ブラジルのサンバ、アルゼンチンのタンゴ、キューバのサルサは国際的に人気の高いペアダンスであり、メレンゲ、クエカ、プレナ、ハラベ、ホロポ、マリネラ、クンビア、バチャータなどの他の民族舞踊は、それぞれの国の文化の重要な要素です。^{[ 49 ]}伝統的なカーニバル祭では、これらのダンスやその他のダンスが盛大な祝祭に取り入れられています。^{[ 50 ]}

ダンスは、ラテンアメリカ の多くの文化や民族グループの間で集団的アイデンティティを形成する上で重要な役割を果たしてきた。^{[ 51 ]}ダンスは、この地域の多くのアフリカ人、ヨーロッパ人、先住民を団結させる役割を果たしてきた。^{[ 49 ]}カポエイラなどの特定のダンスジャンルや身体の動き、特に特徴的なケブラダや骨盤の振りは、ラテンアメリカの歴史を通じて、さまざまな形で禁止されたり、称賛されたりしてきた。^{[ 51 ]}

プロのダンサーは通常、契約に基づいて、または特定の公演や作品のために雇用されます。ダンサーの職業生活は、一般的に、絶えず変化する仕事の状況、激しい競争圧力、そして低賃金で成り立っています。そのため、プロのダンサーは経済的安定を得るために収入を補う必要があることがよくあります。米国では、多くのプロのダンサーが、組合（アメリカ音楽芸術家組合、映画俳優組合、俳優組合など）に所属しており、組合員の労働条件と最低賃金を定めています。プロのダンサーは、高い運動能力を備えている必要があります。成功するキャリアを築くには、多くのダンススタイルに精通し、確かな技術的背景を持ち、健康を維持するために他の形態の身体トレーニングを行うことが有利です。^{[ 55 ]}

ダンス教師は通常、ダンスパフォーマンスの指導、競技ダンサーのコーチング、またはその両方に重点を置いています。彼らは通常、自分が教えたり指導したりするダンスの種類でパフォーマンス経験を持っています。たとえば、ダンススポーツの教師やコーチは、トーナメントダンサーまたは元ダンススポーツパフォーマーであることが多いです。^{[ 56 ]}ダンス教師は、ダンサーを訓練し、ダンス競技で成功するルーティンを振り付けるために、ダンス競技スタイルのジェネラリストとスペシャリストの両方である必要があります。ダンス教師は、年齢に適した曲を見つけること、制限時間内に収まるようにすること、特定のスタイルで競争するために最低限のテクニックのトリックを用意することなど、競技会で競争するために必要なすべてのロジスティクスを整理するために、競技会のサーキットを研究する必要があります。^{[ 57 ]}ダンス教師は、自営業の場合もあれば、ダンススクールやダンスプログラムのある一般教育機関に雇用されている場合もあります。プロのクラシックダンス（たとえばバレエ）やモダンダンスカンパニーと提携している大学のプログラムや他の学校で働く人もいます。その他は、さまざまなタイプのダンスのトレーニングとパフォーマンスコーチングを提供する小規模な私立ダンススクールに雇用されています。^{[ 56 ]}

振付師はダンスにおける動きをデザインする人で、多くの場合大学で訓練を受けており、通常は特定のプロジェクトのために雇用されるか、まれに特定のダンスカンパニーの常駐振付師として契約で働くこともあります。^{[ 58 ] [ 59 ]}

ダンススタジオは民間セクターの一部です。ダンススタジオは通常、商業ダンスや競技ダンスで人気のあるものに基づいてクラスを提供しています。提供されるクラスは、ヒップホップからジャズ、コンテンポラリー、バレエなど多岐にわたります。ダンススタジオ業界は2014年以降3.8%成長しました。2019年には業界規模が40億ドルに達しました。[ ^{60 ] 2017}年現在、米国には約32,000のダンススタジオがあります。^{[ 57 ]}

審査員は、ブロードウェイ、バレエ団、または商業ダンスでプロとして活動した経験のあるダンサーです。審査員はさまざまなダンスのバックグラウンドを持っているため、ダンスルーティンを審査する際にそれぞれ異なる意見を持つことになります。審査員は自分の意見を数値スコアに変換する必要があるため、審査システムは一貫性に欠けると批判されています。使用されている採点システムは、優れた競技ダンスの主要な要素に基づいています。審査員はダンサーにフィードバックを提供し、テクニック、パフォーマンススキル、ルーティンの改善を支援します。^{[ 57 ]}

競技会は2～3日間にわたって開催され、ダンススタジオが賞を獲得するために競い合います。競技会は地域レベルと全国レベルの両方で開催されます。ダンサーは、コンテンポラリー、リリカル、ジャズ、タップ、ヒップホップ、バレエなど、さまざまなスタイルで競い合います。ダンサーは通常約2分間の振り付けされたルーティンを披露し、資格のある審査員がルーティンを採点して順位付けします。審査員は、振り付け、感情表現、テクニック、全体的な印象の4つの主要なカテゴリに基づいてルーティンを採点します。全体的な印象には通常、衣装、選曲、その他の小さな要素が含まれます。^{[ 57 ]}ダンス競技会の目的は、ダンサーに安全で教育的な場所を提供することです。競技会はダンサーに観客の前でパフォーマンスする機会を与えます。多くの場合、競技会はプロの環境で開催されますが、高校の劇場などのパフォーマンス以外のスペースで開催されることもあります。競技カテゴリーに関しては、ほとんどの競技会はダンススタイル、年齢、経験レベル、ルーティンで競うダンサーの数に基づいてカテゴリーを設定しています。^{[ 57 ]}

メイン記事：社交ダンス

ボールルームダンスは、世界ダンス評議会（WDC）がどのダンスが標準的なボールルームダンスであるかを明確にしたことで、競技スポーツとなりました。WDCによると、標準的なダンスは、国際標準ワルツ、タンゴ、フォックストロット、ウィンナワルツ、ルンバ、クイックステップ、チャチャチャ、サンバ、パソドブレ、ジャイブです。世界ダンス評議会には、さまざまな国から59の会員がおり、ルールの維持に協力しています。標準化されたダンスは、ラテンダンスと標準ダンスの起源が混在しています。1950年代、評議会はダンススタイルを統一するために、さまざまなスタイルのルールを作成し始めました。ルールは、それぞれのダンスで使用される身体のスタイル的な動きと主要なステップを明確にするのに役立ちます。ダンサーは、特定のスタイルのマスターになるために長いプロセスを経なければなりません。彼らはクラス分けされていないダンサーとして始まり、最高国際レベルであるレベルSクラスになるために何年も努力します。ダンサーは、レベルアップするために、公認競技会でペアを組んで競います。多くの場合、ダンサーは何年も同じペアを組む。ペアはペアとしてスコアを受け取り、レベルアップするには上位3位以内に入らなければならない。レベルアップする回数は、競技の難易度と、ペアが何人に勝ったかに基づいて決まる。通常、ペアはレベルアップするために、小規模な地元の競技会から始める。レベルが上がると、全国レベルまたは国際レベルの大規模な競技会に出場し始める。通常、ペアは学校にも通いながら、これらの競技会に出場するために1～2日間一緒に他の国へ旅行する。審査員はスケートシステムを使用してペアを採点する。このシステムには、審査員が次のラウンドに進むペアを決定するのに役立つ11のルールがある。ルールの大部分は、各ダンスの数値スコアを作成し、同点を防ぐために、最終ラウンドでのみ適用される。^{[ 61 ]}

その他の主要なダンス競技の種類には、以下のようなものがあります。

• ハイランドダンスやアイリッシュダンスなど、単一のダンススタイルのみが許可される競技会。
• 多様なダンススタイルが認められるオープンコンペティション。
• オリンピックダンスは、1930年代からオリンピック競技への追加を目指してきた。2021年の夏季オリンピックでは、ブレイクダンスの決勝が正式に採用された。

ほとんどのダンスにおいて、足は動きの源であり、ダンスの種類、動きの激しさ、踊る場所の表面などに応じて、ダンサーの健康、安全、能力を向上させるために、特定の靴が必要となる場合がある。

ダンスシューズは、ダンサーの動きをサポートする可能性もあれば、制限する可能性もあります。^{[ 63 ]}シューズの効果は、足が本来意図されていない動作をしたり、難しい動きを容易にしたりする能力に関係しています。このような効果は、身体の通常の可動性に対して不自然な機能であるため、健康と安全に関係します。

バレエ

バレエは、足首とつま先が他の動きの主な支えとなるため、その生体力学的な特性から怪我のリスクが高いことで知られています。ポワントシューズは、つま先をより長時間支えることができるように、つま先を寄せるように特別に設計されています。^{[ 64 ]}

ポワントシューズには、ダンス中の怪我を軽減し痛みを和らげるのに役立つアクセサリーがあり、つま先パッド、つま先テープ、クッションなどが含まれます。^{[ 65 ]}

ダンサーは、業界で特定の型に合うように体型を気にしすぎると世間一般に考えられています。研究によると、ダンサーの多くは芸術形式の理想的な体型を目指しているため、食習慣をコントロールするのがより困難であることが示されています。一部のダンサーは、特定のイメージを維持するために摂食障害に陥ることがよくあります。よくあるシナリオとしては、ダンサーが体重管理のために下剤を乱用し、不健康な摂食障害に陥るケースがあります。研究によると、多くのダンサーが、過度な運動や食事制限など、少なくとも1つの体重管理方法を使用しています。ダンサーが平均以下の体重を維持するようにというプレッシャーは、彼らの食行動や体重管理行動、そしてライフスタイルに影響を与えます。^{[ 66 ]}芸術的な性質上、ダンサーは自己批判的な傾向が強い傾向があります。パフォーマーによく見られるように、さまざまな人が自己への思いやりの概念に抵抗を示す可能性があります。^{[ 67 ]}

北米では、摂食障害は公衆衛生上の大きな課題となっており、若い女の子の約10%が影響を受けていると推定されています。ダンスのような美的感覚を重視するスポーツに従事する人は、細身の体型に対する強いプレッシャーのため、さらに大きなリスクに直面しています。^{[ 68 ]}ダンサーの摂食障害は一般的に非常に一般的です。データ分析と発表された研究により、実際に不健康な摂食習慣や摂食障害を発症するダンサーの割合と正確性に関する十分なデータが抽出されました。ダンサーは一般的に、一般の人々よりも摂食障害を発症するリスクが高く、主に神経性食欲不振症とEDNOSに陥ります。ダンサーが神経性過食症を発症するリスクが高いこととの直接的な相関関係は、まだ研究で区別されていません。研究によると、ダンサーは全体的に摂食障害、特に神経性食欲不振症とEDNOSを発症するリスクが3倍高いと結論付けられています。^{[ 69 ]}

上記のような懸念事項があるにもかかわらず、ダンスには多くの健康上の利点があります。例えば、専門家は、ダンスが心血管の健康を改善し、ストレスを軽減し、柔軟性と敏捷性を高め、筋肉と骨を強化し、バランスと協調性を向上させると指摘しています。精神面および認知面の利点としては、記憶力と認知能力の向上、脳への刺激、認知症のリスクの軽減などが挙げられます。^{[ 70 ]}また、ダンスは自尊心を高めるのに役立ち、仲間との社会的つながりを促進するのにも役立ちます。^{[ 71 ]}

ダンスは、 TikTok を含む多くのソーシャルメディア プラットフォームで人気のコンテンツ形式となっています。2020 年、TikTok ダンスはパンデミックによるロックダウン中に人々がつながりを保つ方法でした。^{[ 72 ]} 2017 年の TikTok の登場以来、20 代から 30 代のプロダンサーは、このアプリを収入を得る手段として利用してきました。プロダンサーの大多数は大規模なスタジオで働くことに慣れていますが、このアプリはダンサーが自分の芸術性を直接投稿できる方法を提供しました。^{[ 73 ]}

ダンス競技番組は、長年にわたってダンスの人気を高めてきました。「ダンシング・ウィズ・ザ・スターズ」 、 「ソー・ユー・シンク・ユー・キャン・ダンス」、「ダンス・マムズ」などの番組は、より多くの視聴者がこの芸術的なスポーツを理解し、楽しむことを可能にしました。リアリティ番組の競技スタイルは視聴者の参加を促し、視聴者数を増やします。これらの番組は、毎週振り付けられたルーティンをこなすために必要な運動能力をより多くの人々に理解させるのに役立ちます。これらの番組の人気が高まるにつれて、ダンスに参加する子供の数も増加しています。^{[ 74 ]}

コマーシャルダンスとは、ダンスを商品、コンセプト、ブランド、または有名人を販売する手段として用いることです。コマーシャルダンスは、ミュージックビデオ、テレビ番組、コマーシャル、映画、広告、ツアー音楽コンサート、ブロードウェイ、ラスベガスショーなど、多くのデジタル空間で使用されています。コマーシャルダンスは、何かを販売するために使用されている限り、どんなスタイルのダンスでも構いません。^{[ 57 ]}