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アフリカ系アメリカ人のダンスは、ディアスポラ、特にアメリカ合衆国に住むアフリカ人によって生み出されたダンスの一形態です。スタジオ、学校、カンパニーではなく、アメリカ合衆国のアフリカ系アメリカ人コミュニティのさまざまな空間で発展してきました。これらのダンスは通常、フォークダンスやソーシャルダンスの実践を中心としていますが、パフォーマンスダンスが補完的な側面を提供することがよくあります。即興を非常に重視するこれらのダンスは、継続的な変化と発展を特徴としています。アフリカ系アメリカ人の文化的なダンスをインスピレーションとして使用している著名なアフリカ系アメリカ人のモダンダンスカンパニーは数多くあり、その中には、ホワイト・リンディ・ホッパーズ、アルビン・エイリー・アメリカン・ダンス・シアター、ダンス・シアター・オブ・ハーレム、キャサリン・ダナム・カンパニーなどがあります。ハリウッドやブロードウェイも、アフリカ系アメリカ人アーティストが作品を発表し、一般の人々が彼らを支援する機会を提供してきました。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]
アフリカ系アメリカ人のダンスは、特に20世紀に多くの創意工夫の波を経験してきた。ハーレム・ルネッサンスはこの芸術形式にとって特に重要な時期であり、現代ダンスに大きな影響を与えた。[ 5 ]
アフリカ系アメリカ人のダンスは、競技、伝統、文化表現の重要な一部であり、アフリカ系アメリカ人の文化において不可欠な役割を果たしています。これらのダンスの動きの多くは、白人ダンサーにも取り入れられ、主流メディアにも登場しています。[ 5 ]
1500年代に奴隷貿易が始まって以来、アフリカ人はカリブ海の島々とともに、北米、中米、南米にダンスをもたらした。[ 6 ]奴隷たちはしばしば白人の奴隷主を楽しませるために踊った。[ 7 ]
バージニア州、メリーランド州、ノースカロライナ州の大部分を含むグレーター・チェサピーク地域は、黒人と白人の文化交流が最も早く、そしておそらく最も影響力のある形で起こり、「アフリカ系アメリカ人」のダンスを生み出した場所である。[ 8 ]：19音楽やダンスなど、文化的な違いがあったため、彼らは伝統をそのまま模倣するのではなく、それを基に全く新しいダンスを作り出すことで、共にダンスを学んだと考えられる。アメリカ全土で、奴隷たちはアフリカのルーツに由来する部族のリズムとアメリカのボールルームダンスのリズムを融合させ、独特のアフリカ系アメリカ人のダンスを生み出した。部族のリズムは、東アフリカと西アフリカに由来することが多かった。現代のアフリカ系アメリカ人ダンサーの間で人気のコール・アンド・レスポンスのダンス形式は、これらの地域にルーツを辿ることができる。[ 5 ]ヨーロッパのダンスの要素もこれらのクレオール化されたダンスに取り入れられ、18世紀後半には、この地域は独自のダンススタイルを確立した。[ 8 ]： 21-22
ダンスと音楽はアフリカ社会の重要な一部であり、その伝統はディアスポラでも受け継がれました。アフリカ系アメリカ人の奴隷たちも、宗教儀式やコミュニティ内のその他の社交行事の一部としてダンスと音楽を用いていました。また、奴隷主を楽しませるために奴隷にダンスを強制することもありましたが、これは奴隷たちが労働中や夜に仲間と過ごす際の娯楽や時間の過ごし方として再び用いられるようになりました。[ 9 ]
限られた絵画記録によると、腰と臀部を曲げることを重視した本来のアフリカの動きは、やがてヨーロッパのダンスに似た、より直立したスタイルへと変化していった。しかし、この変化はヨーロッパのスタイルを取り入れたのではなく、実際には頭に重い荷物を載せて運ぶというアフリカの習慣を反映したものであり、そのためにはまっすぐな背骨が必要となるという説もある。 [ 8 ]： 22黒人のダンスは、体の姿勢の角ばりや非対称性、複数の身体のリズム（ポリリズム）、低い重心など、他のアフリカの特徴も引き続き反映していた。 [ 8 ]： 23
カトリーナ・トンプソンは、黒人音楽とダンスの進化において、ダンスが解放の一形態として強調されていることを発見した。場合によっては、奴隷所有者は奴隷に、労働中に自分たちを楽しませるために歌ったり踊ったりすることを強制した。そのため、自分たちのために歌ったり踊ったりする行為は、解放の行為となった。[ 10 ]例えば、ケークウォークは、奴隷所有者の白人が行っていた形式的でマナーの効いたダンスをさりげなく揶揄するものとして、プランテーションで発展した。[ 11 ]奴隷たちは、代々受け継がれてきた豪華な衣装を身にまとい、自分たちの楽しみのために、メヌエットやワルツの優雅な動きを滑稽に誇張した。 [ 11 ] [ 12 ]ブルック・ボールドウィンによる1981年の記事は、ケークウォークは「いわゆる『優越した』白人の競合文化を風刺することを意図していた。奴隷所有者は、それを自分たちの楽しみのために存在する単純なパフォーマンスとみなすことで、自分たちの心の中でその脅威を退けることができた」と結論付けている。[ 13 ]
黒人奴隷たちは綿摘みの一日を終えた後、よく踊った。[ 14 ]
（メイン記事：黒人ボードビル）
主流の場でアフリカ系アメリカ人のダンスが最初に上演されたのは、黒人パフォーマーではなく、黒塗りの顔をした白人ダンサーによるものでした。これらのダンスパフォーマンスは、真の芸術性というよりも、風刺的なコメディや「ドタバタ喜劇」として解釈されていました。[ 5 ]
しかし19世紀末から20世紀初頭にかけて、コーラスラインダンサーを擁する黒人だけのボードビルショーが次々と登場し、クレオールショーやイシャムズ・オクタローンズなどがその代表例となった。シャーマン・ダドリー、パット・シャペル、グリフィン姉妹といった黒人起業家たちは、アフリカ系アメリカ人の才能を披露するボードビル巡業団や劇場サーキットを発展させ、アフリカ系アメリカ人ミュージカルシアターの礎を築いた。著名なエンターテイナーとしては、「ケークウォークの女王」と呼ばれたダンサー兼振付師のアイダ・オーバートン・ウォーカーや、特にダンサーの「黒人の才能の育成所」とみなされた巡業団を運営していたホイットマン姉妹などが挙げられる。アイルランドとアフリカ系アメリカ人の動きが融合したタップダンスは、ビル・ボージャングルズ・ロビンソン、ジョン・バブルズ、ニコラス兄弟といった黒人ダンサーによってこの時期に人気を博した。この時代のショーでは、ケークウォーク、ジュバ、ピジョンウィング、ポッサムウォークといったダンスがより多くの観客に紹介されました。また、この時代には、パフォーマンスシーンだけでなくあらゆる場所で蔓延していた激しい人種差別から逃れるため、黒人パフォーマーがアメリカからヨーロッパへ大量に移住したことも特筆すべき点です。[ 5 ]
20世紀初頭のハーレム・ルネッサンスでは、芸術、詩、文学、演劇が発展したのと同様に、豊かな音楽とダンスの文化も発展しました。クラブ（コットン・クラブ）、ボールルーム（サヴォイ・ボールルーム）、ホーム・レント・パーティー、その他の黒人空間は、新しいダンスや演劇の誕生の場となり、ヴォードヴィルからアフリカ系アメリカ人アーティストによって書かれ、振り付けられた地元の「ショー」への移行が起こりました。劇場は、アフリカ系アメリカ人の文化的なダンスを普及させるための公共のフォーラムとなりました。ハーレム・ルネッサンスは、1921年にシャッフル・アロングが初演され、初めて黒人だけの作品がブロードウェイで上演された時期でもありました。 [ 5 ]フローレンス・ミルズは、ブロードウェイの主役を務めた最初の黒人女性であり、彼女の作品は、パフォーマンス業界と社会の両方で、黒人に対する人種的ステレオタイプを根絶するのに役立ちました。[ 9 ]
1925年に『グレート・ギャツビー』が出版された後、アフリカ系アメリカ人のダンス用語がアメリカの主流スラングに取り入れられるようになった。「ジャズダンス」「鳥肌が立つ」「グルーヴに乗る」「スイング」といった用語は、アフリカ系アメリカ人のパフォーマーだけでなく、一般の白人の間でも使われるようになった。これらの用語が主流になると、その発案者たちもすぐにそれに倣った。最初のプロのアフリカ系アメリカ人ダンスカンパニーであるハンプトン・インスティテュート・クリエイティブ・ダンス・グループは1928年に設立された。そのすぐ後の1931年には、キャサリン・ダナムがバレエ・ネグレ（後にシカゴ・ダンス・グループと改名）を創設した。ダナムはまた、1943年にハイチでの自身の生活を描いた「通過儀礼」というショーを振り付けた。このパフォーマンスは、白人の観客には共感できないであろう経験を詳細に描いた、黒人特有の物語を語った最初の作品の一つだった。当時のショーの大部分は白人ダンサーによる白人の物語だったため、これは非常に斬新なことだった。[ 5 ]
1960年代後半、アーサー・ミッチェルとカレル・シュックはハーレム・ダンス・シアターを設立し、それはすぐに世界的に有名なアフリカ系アメリカ人のバレエ団となった。彼らはクラシックバレエと現代の民族舞踊の両方を教えていたため、彼らのパフォーマンスにはアフリカ系アメリカ人ならではのダンスの融合が見られた。スタジオは国内外をツアーし、ホワイトハウスや1984年のオリンピックでも公演を行った。彼らは黒人ダンサーのためにあらゆる種類のダンスを学ぶ機会を与えることを目的とした最初のダンススタジオだった。彼らの努力はダンス界、特にクラシックバレエにおける人種差別の壁をなくす上で大きな進歩となった。[ 9 ]
1980年代、ヴォーギングはボールと呼ばれるイベントで人気のパフォーマンスでした。ボールカルチャーは、黒人、特にLGBTQ+のパフォーマーや女性が集まり、競い合い、自己表現をし、注目される機会を得るための手段でした。『パリ・イズ・バーニング』は、ドラァグマザー（ドラァグハウスのリーダー）の視点を通して、ボールカルチャーとその進化を描いたドキュメンタリーです。ドラァグマザーがどのように始まり、どのように存在し、どのような文化になったのかを解説しています。[ 15 ]
サンフランシスコのベイエリアも、音楽とダンスの美学の両面でヒップホップの芸術に大きく貢献しました。ニューヨークでヒップホップの人気が高まるにつれ、西海岸のファンクムーブメントも盛んになり、両者は互いのスタイルに影響を与えました。KMELはサンフランシスコのラジオ局で、ベイエリアのさまざまな地域で非常に人気があり、主流ではない音楽を流していました。この局はヒップホップ音楽を最初に流した局の1つで、大都市全体で人気になるために必要な普及に貢献しました。ヒップホップダンスはこれらのコミュニティに不可欠なものとなり、地域のさまざまな地域にはそれぞれ独自のスタイルやテクニックがあり、動きを見るだけでどこの出身か分かるようになりました。[ 16 ]
ブレイクダンスはアフリカ系アメリカ人の現代舞踊の中心的な部分であり、そこから派生した多くの特定のダンスの基礎となっている。また、ヒップホップの柱の一つと考えられており、その音楽コミュニティと美学にとって不可欠である。[ 17 ]
ブレイクダンスは1970年代にニューヨークのサウスブロンクスで、アンダーグラウンドのダンスムーブメントとして誕生しました。ヒップホップ音楽の結果として、DJのセットの合間の身体的なパフォーマンスとして始まりました。ボーカルが消え、インストゥルメンタル音楽だけになります。曲のこの「ブレイク」でダンスが披露され、「ブレイクダンス」という言葉が生まれました。即興はブレイクダンスで重要な役割を果たし、スピリチュアルアフリカンダンスに見られる動きと同様に、人々が自分自身や本能的な衝動を表現し、他の人と競い合い、その場でスキルを披露することができます。その場で考える能力はヒップホップとブレイクダンスにとって重要であり、衝動性は芸術スタイルの一部です。[5] ブレイクダンスの観客の側面の一部は、サイファーの概念です。サイファーは、ブレイクダンスのパフォーマーの周りに集まって、応援したり、ディスったり、一般的に競技に反応したりする観客のグループを指します。[ 17 ]
ブレイクダンスは、映画『フラッシュダンス』がブレイクダンスのダンスムーブを世界に紹介したことで、1980年代に主流となった。それ以来、ブレイクダンスはドイツ、韓国、日本、フランスなどの国々に広がり、国際的な芸術形式および現象となった。また、ダンスコンテスト番組『So You Think You Can Dance』など、よりプロフェッショナルなダンス分野にも進出している。[ 17 ]しかし、ハリウッドによるブレイクダンスの描写は、ヒップホップダンスムーブメントをブレイクダンスだけに矮小化し、他の多くの種類のダンスを無視しているため、やや有害である。[ 16 ]
アフリカ系アメリカ人の社交ダンスにおいて、競争は長らく重要な役割を果たしてきた。ヒップホップやリンディホップの「バトル」からケークウォークに至るまで、その例は枚挙にいとまがない。また、タップダンスにおけるパフォーマンスと社交の関係から、1930年代にハーレムのダンスホールで開催された「ショー」に至るまで、パフォーマンスは日常生活のダンスに深く根付いてきた。
アフリカ系アメリカ人のダンスは、植民地主義や白人至上主義と闘う手段として用いられることが多い。これらのパフォーマンスは、現在あるいは過去の社会に対する批評と見なすことができる。多くの場合、ダンスはステレオタイプと闘い、西洋的・ヨーロッパ中心的な美の基準から解放されることでダンサーに力を与え、世代を超えた人種的トラウマを乗り越える手助けとして用いられる。[ 20 ]
この場合、ダンスはアフリカ系の人々やアフリカ系ディアスポラの人々にとって個人的な物語を伝えるために用いられます。アフリカ自体に由来するダンスの動きだけでなく、ハイチやカリブ海諸国など他のディアスポラの人々の動きも取り入れています。ヨーロッパスタイルのダンスの柔軟性と流れ、アフリカの孤立した鮮やかな動きを組み合わせたこの融合スタイルのダンスは、彼らの歴史をよりよく表現する現代的なテクニックを生み出すために使用できます。ダンスを通して物語が語られるクラシックバレエに見られるように、この融合スタイルのダンスは、アフリカ系アメリカ人のダンサーとその祖先の物語を伝える役割も果たします。[ 20 ]
ダンスはアフリカ系アメリカ人のコミュニティを結びつけるためにも利用できます。ギャングの暴力が蔓延する都市部では、ブレイクダンスが紛争解決の代替手段として見られることがあります。ブレイクダンスは心と体を駆使して競い合い、観客の反応に基づいて明確な勝者が決まりますが、暴力は一切必要ありません。ギャングは武器や流血沙汰なしに、ソロやグループでのパフォーマンスで争いを解決することができます。[ 17 ]
ほとんどのアフリカ系アメリカ人のダンス文化では、ダンスを学ぶのは正式な教室やダンススタジオではありません。子供たちは成長するにつれてダンスを学び、身体感覚だけでなく、自分たちのコミュニティ特有のダンスの美学も身につけていきます。ダンスを学ぶこと、つまりリズミカルな動きを学ぶことは、地域の言語の「アクセント」や特定の社会的な価値観を身につけるのとほぼ同じように起こります。子供たちは家族、特に年上の兄弟姉妹、いとこ、または他の年上の子供たちから、特定のダンスのステップや「踊り方」を学びます。文化的なダンスは日常生活の中で行われるため、子供たちは家の周りや近所、パーティーやダンス、特別な行事、あるいは人々が集まって「楽しい時間を過ごす」ときにはいつでも、地域の年長者と一緒に踊ることがよくあります。そのため、文化的なダンスの伝統は世代を超えて受け継がれることが多く、若いダンサーはしばしば前の世代のダンスを、新しい「クールな」バリエーションや「スタイル」を加えて「復活」させます。これは、誰が誰といつ踊るかという社会的な制約がないという意味ではありません。ダンスパートナー（または一緒に踊る人）は、年齢、性別、血縁関係、趣味など、さまざまな社会的要因によって選ばれます。最も一般的なダンスグループは、年齢や背景が似ていて、性別も似ている人で構成されることが多いですが（性別は状況によって異なります）。
リー・エレン・フリードランドをはじめとする著者たちは、音楽や芸術や演劇について語らずに文化的なダンスについて語ることは、水について語らずに魚について語るようなものだと主張している。アフリカ系アメリカ人の文化的なダンスにおいて、音楽とダンスは伴奏としてだけでなく、絡み合った創造的なプロセスとして密接に関係している。[ 21 ]
「アフリカ系アメリカ人の文化舞踊」とは、全米ダンス協会の著者であり研究者でもあるフランク・R・ロスが考案した表現で、アフリカ系アメリカ人のダンスに対する古いステレオタイプ的な「土着の」（ネイティブまたは自然な）定義を、「文化的な」（全米ダンス協会と国際ダンス評議会によって承認された）という正しい定義に置き換えたものである。[ 22 ]
現代のアフリカ系アメリカ人のダンスには、デトロイト・ボールルーム・アンド・ソーシャル、シカゴ・ステッピン・アンド・ウォーキング、DCボルチモア、ハンドダンス、カリプソ、NAACP公認グランドマーチ、全米黒人結婚式・再会ダンスなどがあります。黒人ダンス団体には、クリーブランドのジェントルメン・オブ・ボールルーム、オハイオ州アクロンのマスターダンサーズ、ダンスフュージョン、ワールドクラス・デトロイト、マジェスティックジェンツ、シカゴ・スムース＆イージー、DCトライステート、ラブ・トゥ・ダンス、メリーランド州ボルチモアのシュガーフットなどがあります。アフリカ系アメリカ人の文化的なダンスと音楽という新しいアメリカのダンス芸術形式は、ニューヨーク市の学校のダンス教育カリキュラムに採用されました。
ジャッキー・マローンは、20世紀初頭にバンドと共に旅をしたタップダンサーたちの関係について述べ、タップダンサーたちがミュージシャンたちと協力して新しいリズムを作り出した方法を説明しています。ジャズにおける即興とジャズダンスにおける即興の関係については多くのことが書かれてきました。この2つは、ヨーロッパの中流階級のバレエやオペラの伝統のように「創造」と「パフォーマンス」を厳密に分けるのではなく、即興と創作的な追加を制作過程の中で重視している点で結びついています。つまり、社会的文脈の中でその場で振り付けや作曲を行うということです。アフリカンダンスは、人が地面とつながり、ダンスを使って自分の物語や苦悩を語るものであるとされています。また、足の下でダンスの振動を感じることができ、自由に表現できる空間を利用して好きなように踊ることができます。
ヒップホップ文化におけるDJ、 MC、Bボーイ、Bガール、グラフィティアーティストの関係について語ることも同様に重要であり、ジョン・F・シュウェッドとモートン・マークスは、音楽的職人技の発展に関連して、ヨーロッパの定型舞踊や舞踊組曲からアメリカにおけるジャズとジャズダンスの発展について論じている。[ 17 ]
アフリカ系アメリカ人のモダンダンスは、モダンダンスとアフリカおよびカリブ海の動き（柔軟な体幹と脊椎、関節可動式の骨盤、四肢の分離、ポリリズムの動き）を融合させたものです。著名な人物には以下のような人々がいます。
ダンスは、西アフリカの共同体の宗教的表現の不可欠な部分であり、現在もそうである。この伝統は、奴隷所有者が許容する範囲で、南北戦争以前の奴隷や他のアフリカ系アメリカ人の礼拝に引き継がれた。[ 31 ]その一例が、初期の教会におけるリングシャウトである。特に集団でのダンスは、アフリカ系アメリカ人がメソジストやカトリックなどのより典礼的な宗派に加わると頻度が減ったが、ホーリネス、バプテスト、ペンテコステ派の教会ではより維持された。[ 32 ]人々は、そうしたいと思ったときに立ち上がって踊ることが多かった。1970年代以降、典礼ダンスは、メソジストや他の典礼的な教会の間でも、礼拝の要素としてより受け入れられるようになった。 1960年代と1970年代の黒人意識運動や、ザ・セイクリッド・ダンス・ギルドなどのグループの努力により、このダンス形式が育まれ、[ 33 ]モダンダンスやジャズダンスを取り入れている。 1980年代後半以降、歌詞やテキストを演じるゴスペル・マイムは、黒人教会で一定の受け入れられ方を得ている。 [ 31 ]
ダンスのジャンル：
ダンスのジャンルと動き：
音楽ジャンル：
ダンスと動き：
音楽ジャンル：
ダンスのジャンルと動き：
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ダンスのジャンルと動き：
音楽ジャンル：
ダンスのジャンルと動き：
エレオ・ポマレは2007年4月18日にThe HistoryMakersのインタビューを受けました。
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