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美術界とは、美術作品の制作、委託、展示、保存、宣伝、記録、批評、売買に関わるすべての人々を指します。美術界は、地域や美術の定義の違いによって、多様に存在することが認識されています。中には、グローバル化された美術のエリート層のみを指すために、単一の「美術界」という言葉を用いる人もいます。美術界は、芸術を創造する人々の創造性と社会の変化の両方に応じて、絶えず変化しています。
美術界という言葉は20世紀に造語されたものではなく、19世紀の出版物にも見られる。[ 1 ]ギャラリー、批評家、美術館などの多くの要素、そして美術（ボザール）という言葉は18世紀に出現した。[ 2 ]
芸術界は、社会のあらゆる分野と同様に、相互に理解された慣習（社会規範、役割、制度）によって定義され、直接交流しないかもしれないグループのメンバー間の協力活動の基盤となっている。[ 3 ]： 46
ハワード・S・ベッカーは、アート界を「慣習的な方法に関する共通の知識を通じて組織化された協働活動によって、アート界が誇る種類の芸術作品を生み出す人々のネットワーク」と定義している。ベッカー自身もこの定義はトートロジーであると認めているが、芸術作品がどのように制作され、消費されるかを理解する上で有用である。[ 3 ]： xxiv
同じく社会学者であるサラ・ソーントンは、アート界を「アートへの信念によって結びついた、重なり合うサブカルチャーの緩やかなネットワーク」と表現している。それらは世界中に広がっているが、ニューヨーク、ロンドン、ロサンゼルス、ベルリンなどのアートの中心地に集中している。[ 4 ]
美術作品の制作に積極的に関わる人々には多くの役割があるが、模範となるのは孤独な芸術家、あるいは緊密な共同作業である。歴史的に、芸術は工房のメンバー、多くの場合、親方と多数の職人や見習いによって制作されてきた。現代の芸術家は、スタジオ工房や「工場」を設立したり、計画や仕様に基づいて工業的な方法で作品を制作させたりすることで、この集団制作の慣習を暗示している。[ 4 ]： 183-217記念碑的な規模の作品の中には、他の方法では制作できないものもある。こうした集団制作のほとんどにおいて、芸術家が本質的な作業を行うか、他の人を綿密に監督し、完成した作品に署名することで最終的な承認を与えることによって、美術作品に付随する真正性が維持されている。
1970年代のフェミニズム運動まで、女性による芸術作品は美術界の最高レベルからほぼ排除されていた。[ 5 ]
個人がアーティストとしての役割に社会化される主な方法は、美術学校に通うことです。[ 6 ]： 46現代美術の価値はアーティストの評判に依存しており、それは多くの場合、選りすぐられた美術学校のプログラムでMFAを取得することから始まります。[ 4 ]： 45-46独学のアーティストやアウトサイダー・アーティストの中には、ディーラーに見出されて認知される人もいますが、そうでない人もいます。[ 7 ]
芸術制作の経済的持続可能性は、パトロン制度、ギャラリーによる代理販売、委託販売、直接販売といった流通システムに部分的に依存している。現代美術は、多くの場合、仲介者を通じて流通している。[ 3 ]： 93-107
美術商は、アーティスト、個人コレクター、そして機関投資家との仲介役を担います。一部の美術商は個人顧客にアドバイスを提供するコンサルタントとしての役割も果たしますが、通常は美術ギャラリーを所有または運営しています。美術商は、マーケティング機能に加え、一般向けの展覧会やオープニングセレモニーを開催することも、社会的な役割の一部としています。
通常2年ごとに開催される国際美術フェアは、現代美術のマーケティングにおいて大きな力を持つようになりました。商業美術フェアは基本的に一時的なギャラリーであり、一般の関心とコレクター間の競争によって利益を得ています。[ 8 ]最も成功したフェアの1つであるアート・バーゼルは、 1970年代にスイスで始まり、 2000年にマイアミ、 2010年に香港に拡大しました。 [ 9 ]アート・バーゼルは、商業ギャラリーによって、また商業ギャラリーのために後援された最初のフェアであるアート・ケルンのモデルに基づいて構築されました。これは、ビクトリア朝時代に始まった政府後援の世界博覧会とは対照的です。後者の1つであるヴェネツィア・ビエンナーレは1895年に設立され、現在も国立パビリオンを持つ公的財団として運営されています。
美術品を競売にかけるという伝統は、希少で一点ものの美術品の価格を決定することの難しさから生まれた。市場価値の見積もりは、課税、慈善寄付、遺産相続などの目的で行われるが、近年、競売で支払われる価格はこうした見積もりを上回る傾向にある。
1964年、批評家であり哲学者でもあるアーサー・ダントーは、芸術理論の観点から「芸術世界」を定義するエッセイを発表した。ダントーは次のように書いている。「今日では、芸術理論がなければ、自分が芸術の領域にいることに気づかないかもしれない。そして、その理由の一つは、領域が芸術理論によって芸術的に構成されているという事実にある。つまり、理論の用途の一つは、芸術を他のものと区別するのに役立つことに加えて、芸術を可能にすることにある」。[ 10 ]トム・ウルフは「描かれた言葉」の中でさらに踏み込んで、理論がなければ鑑賞者は現代美術作品を見ることができないと述べている。抽象芸術には、かつて写実芸術によって提供されていた物語的な意味がないため、理論が必要なのである。[ 11 ] 21世紀初頭、ダントーは、現代美術はそれ自体で語ることはなく、芸術世界の言説との関連においてのみ意味を持つと述べている。[ 12 ]
しかしベッカーは、美術界が従来の理論に当てはまらない作品を受け入れるようになったことを説明するため、新たな芸術理論が生まれる可能性があると指摘している。例えば、芸術を自然の忠実な描写のみで判断する模倣理論は、形と色を用いて感情を表現する作品を説明できず、形式主義の出現につながった。[ 3 ]： 145-146
ダントーは美学哲学、特にジョージ・ディッキーの芸術の制度論に大きな影響を与えた。ディッキーは芸術作品を「ある社会制度（芸術界）を代表して活動する人物によって評価の対象となる地位を与えられた人工物」と定義している。[ 13 ]
単一の芸術世界という概念は問題があります。ベッカーらは、芸術世界はむしろ世界中に散らばった独立した多様性であり、常に変化していることを示しており、もはや芸術世界に「中心」は存在しないのです。[ 3 ]
美術界は、美術の定義とともに、これまで排除されていた芸術作品が「前衛」へと移行し、その後主流文化へと移行するにつれて、絶えず変化している。[ 14 ]
Wikiquoteに掲載されている美術界に関する名言集