膜

映画芸術は、口承物語、文学、演劇、視覚芸術などの分野におけるいくつかの以前の伝統を取り入れています。すでに動画像や投影画像を特徴としていた芸術や娯楽の形態には、影絵、カメラ・オブスクラ、影絵人形劇、幻灯機などがあります。^{[ 2 ] [ 3 ] [ 4 ]}

ストロボスコープアニメーションの原理は、1833年にストロボスコープディスク^{[ 5 ]}（フェナキスティスコープとしてよく知られている）^{[ 6 ]}によって導入され、その後、ゾートロープ（1866年以降）^{[ 7 ]} 、フリップブック（1868年以降）^{[ 8 ] [ 9 ]}、プラキシノスコープ（1877年以降）^{[ 10 ]}に応用され、映画撮影の基本原理となった。

初期のフェナキスティスコープ式アニメーションプロジェクターの実験は少なくとも1843年には行われ、1847年には一般公開された。ジュール・デュボスクは1870年代にフランスでフェナキスティスコープ投影システムを導入した。^{[ 11 ]}

写真は1839年に導入されましたが、^{[ 12 ]}当初は写真乳剤の露光時間が非常に長かったため、動いている被写体を記録することは不可能に思われました。少なくとも1844年には、動きのシーケンスを示唆したり、さまざまな視点を記録したりするために、さまざまなポーズをとった被写体の写真シリーズが作成されました。1840年代の初期の実験と1850年代初頭からの商業的成功を伴う立体写真の登場は、^{[ 13 ] [ 14 ]}色と動きを捉える手段を追加して写真媒体を完成させることへの関心を高めました。1849年、ジョセフ・プラトーは、立体鏡の発明者チャールズ・ホイートストンから提案されたフェナキスティスコープの発明と立体鏡を組み合わせ、[ ^{15 ] [ 16 ]さまざま}なポーズをとった石膏彫刻の写真を使用して、組み合わせた装置で動くというアイデアを発表しました。 1852年、ジュール・デュボスクは「ステレオスコープ・ファンタスコープ、またはバイオスコープ」^{[ 17 ]}という名の装置の特許を取得しましたが、販売はごく短期間で、成功しませんでした。装置の立体写真が印刷されたバイオスコープのディスクがゲント大学のプラトー・コレクションに1枚ありますが、装置やその他のディスクはまだ見つかっていません。^{[ 18 ]}

1840年代後半、瞬間写真の最初の例が現れた。^{[ 19 ] [ 20 ]}これにより、動画撮影が間もなく可能になるという希望が生まれたが、連続した画像をリアルタイムで記録する方法とうまく組み合わせられるまでには数十年かかった。1878年、エドワード・マイブリッジは、トラックに沿って一列に並んだカメラ群で走る馬の一連の写真を撮影し、その結果をキャビネットカードに「動く馬」として発表した。^{[ 21 ]}マイブリッジのほか、エティエンヌ＝ジュール・マレー、オットマール・アンシュッツらが、さらに多くのクロノフォトグラフィーの研究を行った。^{[ 22 ] [ 23 ]}マイブリッジは、1880年から1895年にかけての講義で、数十枚のクロノフォトグラフィーシリーズの輪郭をガラスディスクにトレースし、ゾープラクシスコープで投影した。 ^{[ 24 ] [ 25 ]}

アンシュッツは1880年代初頭に最初の瞬間写真を撮影し、 1/1000秒という短いシャッタースピードを可能にする携帯用カメラを開発した。 ^{[ 26 ] [ 27 ]}彼の写真の品質は、一般的にマイブリッジやマレーのクロノフォトグラフィー作品よりもはるかに高いと評価されていた。^{[ 28 ]} 1886年、アンシュッツはエレクトロタキスコープを開発した。これは、1.5メートル幅の回転ホイールに24枚のガラス板写真を使用した短い動画ループを表示する初期の装置で、手でクランクを回して毎秒約30フレームの速度で回転させた。 1887年から少なくとも1894年まで、さまざまなバージョンが多くの国際博覧会、見本市、コンベンション、アーケードで展示されました。^{[ 29 ]} 1891年から、ベルリンのシーメンス＆ハルスケ社によって、コイン式覗き見ボックス型エレクトロタキスコープモデルが約152台製造され、国際的に販売されました。^{[ 28 ] [ 30 ]} 1892年の夏、ベルリン博覧会公園で約34,000人が料金を支払ってこれを見ました。^{[ 31 ]}ロンドンや1893年のシカゴ万国博覧会で見た人もいました。^{[ 32 ]} 1894年11月25日、アンシュッツ社はベルリンで6×8メートルのスクリーンを備えたエレクトロタキスコーププロジェクターを発表しました。^{[ 31 ] [ 32 ]} 1895年2月22日から3月30日の間に、ベルリンの旧国会議事堂にある300席のホールで、約40の場面からなる1時間半のショーを鑑賞するために、合計約7,000人の有料客が訪れた。^{[ 33 ]}

フランスの発明家エミール・レイノーは、 1877年の特許出願でプラキシノスコープの画像を投影する可能性について既に言及していた。^{[ 34 ]}彼は1880年にフランス写真協会でプラキシノスコープ投影装置を発表したが、1882年以前にはプラキシノスコープ投影装置を商業的に生産することはなかった。 ^{[ 35 ] [ 36 ]} 1878年のパリ万国博覧会で佳作を受賞した。その後、彼は装置をさらに発展させ、別々の背景でより長いシーケンスを投影できるテアトル・オプティックを開発し、1888年に特許を取得した。彼は、厚紙のフレームに取り付けられ、布の帯に取り付けられたゼラチン板に画像を描き、この機械のためにいくつかの映画を作成した。1892年から1900年にかけて、レイノーはパリのグレヴァン美術館で、来場者に「パントマイム・リュミヌーズ」と呼ばれるアニメーションショーを披露した。 ^{[ 35 ]}

ルイ・ル・プランス監督による『ラウンドヘイ・ガーデン・シーン』は、映画用カメラを使用して制作された世界最古の現存する映画作品であり、1888年に制作された。

1896 年に劇場公開された初期の映画の 1 つである「L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat 」の一コマ

1880年代末までに、セルロイド写真フィルムの導入と、 1つのレンズだけで高速な連続画像を撮影できる映画カメラの発明により、アクションを1つのコンパクトなフィルムリールに記録して保存することが可能になった。^{[ 37 ] [ 38 ] [ 39 ] [ 40 ]}

映画は当初、エレクトロタキスコープ^{[ 26 ]} 、キネトスコープ^{[ 41 ]}、ミュートスコープ^{[ 42} ]などの「覗き見」装置を通して、一度に一人ずつ公開されていた。1890年代後半には、興行主は劇場の観客のために大きなスクリーンに映画を投影することに成功した^{[ 43 ] 。}

入場料を徴収して映画を初めて一般公開したのは、1895 年にアメリカ人のウッドヴィル・レイサムとその息子たち（彼らのエイドロスコープ社が製作した映画を使用）^{[ 44 ]} 、ドイツ人の兄弟エミールとマックス・スクラダノフスキー、そしてフランス人の兄弟オーギュストとルイ・リュミエール（『ラ・シオタ駅への列車の到着』（1896 年）で最もよく知られている）^{[ 45 ]}が、彼ら自身の作品 10 本を上映した時であった。^{[ 46 ]}プライベート上映はこれらの数ヶ月前に行われており、レイサムの上映は他の兄弟の上映よりわずかに早かった。^{[ 47 ]}

初期の映画は非常に短く、通常は数分以下でした。^{[ 41 ]}一般的に、それらは編集やその他の映画的手法を用いず、出来事や動作を映した単純で単一の静止画でした。初期の映画の例としては、従業員が職場から門を通って出て行く様子を静止カメラで映した『リュミエール工場を出る労働者たち』 （1895年）とその別バージョン^{[ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]}、ケーブルカーから撮影されたため動きのある『マーケットストリートを歩く』 （1906年） ^{[ 51 ]などがあります。}

20世紀初頭頃、映画は複数のシーンをつなぎ合わせて物語を語るようになった。（最初に複数のショットやシーンを繋げた映画製作者たちは、ショットが連続すると、視聴者の心の中で個々のショットの内容の間に繋がりが生まれることを発見した。この繋がりこそが、映画におけるあらゆる物語表現を可能にしている。簡単な例を挙げると、ある人物が窓の外を見ている場面が映し出され、次のショットに何が映ろうとも、それはその人物が見えていた景色として認識される。）各シーンは、その前に起こった出来事を捉えた単一の静止ショットだった。その後、シーンは異なる距離や角度から撮影された複数のショットに分割されるようになった。^{[ 52 ]}

カメラワークなどの他の技術は、映画で物語を伝える効果的な方法として開発されました。1920年代後半に音声映画が商業的に実用的になるまで、映画は純粋に視覚芸術でしたが、これらの革新的なサイレント映画は人々の想像力を捉えました。観客に映写機の音だけを伴奏として残すのではなく、劇場のオーナーはピアニスト^{[ 53 ]}やオルガン奏者^{[ 54 ]}、あるいは大都市の劇場ではフルオーケストラを雇い、映画のその瞬間の雰囲気に合った音楽を演奏させました。^{[ 53 ]} 1920年代初頭までには、ほとんどの映画にはこの目的で使用する楽譜のリストが用意されており、主要な作品には完全な映画音楽が作曲されました。^{[ 55 ]}

ヨーロッパ映画の隆盛は第一次世界大戦（1914～1918年）の勃発によって中断されたが、アメリカの映画産業はハリウッドの隆盛とともに繁栄し、その典型はDWグリフィス^{[ 56 ]}の『国民の創生』（1915年）と『イントレランス』 （1916年） ^{[ 57 ]}の革新的な作品である。しかし、1920年代には、セルゲイ・エイゼンシュテイン^{[ 58 ] [} 59] 、FWムルナウ^{[ 60 ] [ 61 ]}、フリッツ・ラング^{[ 62 ] [ 63 ]}などのヨーロッパの映画製作者たち^は、グリフィスによる戦時中の映画の飛躍的な進歩に多くの点で触発され、チャールズ・“チャーリー”・チャップリン、バスター・キートンなどの俳優たちの貢献とともに、アメリカの映画製作に急速に追いつき、この媒体^をさらに発展させ続けた。^{[ 64 ] [ 65 ]}

1920年代後半、^{[ 66 ]}電子録音技術の発展により、画面上のアクションと同期した音声、音楽、効果音のサウンドトラックを組み込むことが実用的になった。 ^{[ 67 ] [ 68 ]}その結果生まれた音声映画は、当初は「トーキングピクチャー」または「トーキー」と呼ばれることで、通常のサイレント「動く映画」または「映画」と区別された。^{[ 69 ] [ 67 ]}それらがもたらした革命は急速だった。1931年までに、サイレント映画は米国で事実上消滅し^{[ 70 ] [ 71 ]}、すでに「古いメディア」と呼ばれていた。^{[ 65 ]} 2013年の時点で、1912年から1929年までのアメリカのサイレント長編映画のうち、オリジナル形式で現存するのはわずか14%だった。^{[ 71 ] [ 72 ]}

映画における音声の進化は、動画と既存の蓄音機の音声技術を組み合わせるというアイデアから始まった。トーマス・エジソンのキネトスコープ^{[ 66 ] [ 70 ]}やワーナー・ブラザースが使用したヴィタフォン[ ^{67 ] [ 65 ]など}の初期のサウンドフィルムシステムは、映画における同期音声の基礎を築いた。ベル電話会社とウェスタン・エレクトリック社と共同で製造されたヴィタフォンシステムは、高額な設備費用のため当初は抵抗に遭ったが、『ドン・ファン』（1926年）や『ジャズ・シンガー』（1927年）などの映画で映画における音声は受け入れられるようになった。^{[ 73 ] [ 67 ]}

一方、ヨーロッパではトビス・クランフィルムとトライ・エルゴンのシステムが標準化された。^{[ 74 ]}この新しい技術によりフィルムの流動性が向上し、キングコング（1933年）のようなより複雑で壮大な映画が生まれた。^{[ 75 ] [ 73 ]}

1940年代と1950年代にテレビの脅威が出現すると、 ^{[ 76 ] [ 77 ]}映画業界は観客を引き付けるために革新する必要に迫られた。音響技術の面では、これはサラウンドサウンドやより高度なオーディオシステムの開発を意味し、^{[ 78 ]}シネラマの7チャンネルシステムなどである。 ^{[ 79 ]}しかし、これらの進歩には、機器を操作し、劇場での音響体験を維持するために多数の人員が必要だった。^{[ 75 ]}さらに、大手映画スタジオはテレビ局の株式も取得し始め、1948年までにテレビスタジオの過半数の支配権を獲得した。^{[ 77 ]}

1966年、ドルビーラボラトリーズは、録音業界の標準となり、以前の標準化の取り組みに伴うヒスノイズを解消したドルビーAノイズリダクションシステムを発表しました。1977年までに観客に紹介された革新的なサラウンドサウンドシステムであるドルビーステレオ^{[ 78 ]}がそれに続き、映画館の設計者が劇場の設計時に音響を考慮に入れることができるようになりました。この革新により、小規模な会場の観客は、大都市の映画館の観客と同等のオーディオ体験を楽しむことができるようになりました。^{[ 80 ]}

今日、映画における音響の未来は不確実であり、人工知能（AI）、リマスターされたオーディオ、個人の視聴体験からの影響がその発展を形作っている。^{[ 81 ] [ 82 ]}しかし、映画における音響の進化は、継続的なイノベーションと、観客にとってより没入感のある魅力的な体験を創造したいという願望によって特徴づけられてきた。

映画における重要な技術的進歩は、「自然色」の導入でした。これは、手彩色やステンシル彩色などの技術を用いて白黒プリントに手動で色を加えるのではなく、写真によって自然から直接色を捉えるものでした。^{[ 83 ] [ 84 ]}初期のカラープロセスでは、「自然」とはかけ離れた色が生成されることが多かったのです。^{[ 85 ]}サイレント映画からトーキー映画への急速な移行とは異なり、カラーが白黒に取って代わるのはより緩やかなものでした。^{[ 86 ]}

重要な革新は、1932年にアニメーション映画で初めて使用されたテクニカラープロセスの3ストリップ版でした。^{[ 87 ] [ 88 ]}このプロセスは後に実写短編映画、長編映画の特定のシーン、そして最終的には1935年の長編映画『ベッキー・シャープ』全体に適用されました。 ^{[ 89 ] [ 90 ]}このプロセスは高価でしたが、興行収入の増加によって証明されるように、一般の人々の好意的な反応は、一般的に追加コストを正当化しました。^{[ 83 ]}その結果、カラーで制作される映画の数は年々徐々に増加しました。^{[ 91 ] [ 92 ]}カラーを使用した最初の主流映画の1つは、 『オズの魔法使い』（1939年）でした。^{[ 93 ] [ 94 ]}

1950年代初頭、白黒テレビは批判を受け始め、多くの人がテレビは導入に伴う高尚な知的・文化的期待に応えられなかったと考えていた。^{[ 96 ]}観客を劇場に呼び戻そうと、より大きなスクリーン^{[ 97 ]} 、ワイドスクリーン方式^{[ 98 ] [ 99 ]} 、偏光3D投影^{[ 100 ]}、ステレオ音声^{[ 101 ]}が導入され、カラー映画も増え、すぐに例外ではなく標準となった。1960年代半ばまで、ハリウッドの重要な主流映画の中には白黒で制作されたものもあったが、それは一つの時代の終わりを告げるものだった。^{[ 90 ]}カラーテレビ受信機は1950年代半ばから米国で入手可能だったが、当初は非常に高価で、カラー放送はほとんどなかった。^{[ 102 ]}

1960年代には、価格は徐々に下がり、カラー放送が一般的になり、^{[ 102 ]}売上は急増した。カラーに対する圧倒的な世論の支持は明らかだった。1960年代半ばに白黒映画の最後のラッシュが終わった後、ハリウッドのすべてのスタジオ作品はカラーで撮影された。^{[ 90 ]}ただし、ピーター・ボグダノヴィッチ、マーティン・スコセッシ、アルフレッド・ヒッチコックの映画『サイコ』（1960年）などの「スター」映画監督の強い要望による例外はあった。^{[ 103 ]}

1960年代のスタジオシステムの衰退に続く数十年間で、映画の製作とスタイルに変化が見られました。さまざまな「ニューウェーブ」運動（フランス・ニューウェーブ、ドイツ・ニューシネマ、インド・ニューウェーブ、日本・ニューウェーブ、ニューハリウッド、エジプト・ニューウェーブなど）^{[ 106 ] [ 107 ] [ 108 ]}や、 1960年代と1970年代の「映画学校世代」として知られる映画学校で教育を受けた独立系映画製作者の台頭^{[ 109 ] [ 110 ] [ 111 ]が、20世紀後半に映画という}メディアが経験した変化に貢献しました。

デジタル技術は、1990年代から2000年代にかけて変化の原動力となってきました。デジタル3Dプロジェクションは、 1950年代^{[ 112 ]}と1980年代^{[ 113 ]}のトラブルの多い3Dフィルムシステムをほぼ完全に置き換え、2010年代初頭には『アバター』（2009年）^{[ 114 ] [ 112 ]}のような映画で一時的に人気を博しました。35mmと70mmフィルムを使用した大型スクリーン映画システムは、2010年代後半にIMAX社などの企業によって開発されました。^{[ 115 ]} 2010年代半ばには、映画館は観客が匂い、風、煙/霧、振動、その他の感覚を体験できる4Dアプローチの映画も試みていました。 ^{[ 116 ] [ 117 ]} 2020年代半ばまでに、さらに「没入感のある」4DX映画フォーマットが人気を集めていた。^{[ 118 ]}

映画には独自の言語があると考えられている。^{[ 141 ] [ 142 ]}ジェームズ・モナコは、この点について論じた映画理論の古典的名著『映画の読み方』を著した。^{[ 143 ]}イングマール・ベルイマン監督は、「私にとってアンドレイ・タルコフスキーは最高の監督であり、人生を映し出す鏡、夢として捉えるという映画の本質に忠実な新しい言語を発明した人物だ」と有名な​​言葉を残している。^{[ 144 ]}

映画言語の一例として、「ショット/リバースショット」、つまり画面外を見ているキャラクターの映像を交互に映し、次に別のキャラクターの映像を映し、これを繰り返すシーケンスがあり、これは観客が会話やその他の種類のやり取りを示すために理解する言語です。^{[ 145 ] [ 146 ]}これは、視覚的な構成と編集の使用によって視聴者を心理的にその場にいるような状況に置くことができる視覚的なストーリーテリング装置である、映画の別の理論である180度ルールについて説明しています。 ^{[ 147 ] [ 148 ]}「ハリウッドスタイル」には、映画の古典時代にカリフォルニア州ハリウッドに拠点を置く映画スタジオによってこのルールが圧倒的に実践されたため、この物語理論が含まれています。^{[ 149 ]}映画言語のもう1つの例は、反省の表情をした俳優にズームインするショットがあり、最初の俳優に漠然と似ている若い俳優のショットに切り替わり、キャラクターが過去の自分を思い出していることを示しています。 「フラッシュバック」として知られるこの手法は、時間の経過を演出する映像編集であり、通常は登場人物の過去に関する情報を観客に明らかにする。^{[ 150 ] [ 151 ]}

モンタージュは、映画編集技法の一つで、複数の映像素材を選択、編集、組み合わせることで、映画の中に新たなセクションやシーケンスを作り出すものです。この技法は、異なるショットを並置することで物語を伝えたり、感情的または知的な効果を生み出したりするために用いられ、多くの場合、時間、空間、または情報を凝縮する目的で使用されます。モンタージュには、フラッシュバック、並行するアクション、あるいは様々な視覚要素の相互作用などが含まれることがあり、物語性を高めたり、象徴的な意味を生み出したりします。^{[ 152 ]}

モンタージュの概念は1920年代に登場し、セルゲイ・エイゼンシュテインやレフ・クレショフといったソ連の先駆的な映画監督たちがモンタージュの理論を発展させた。エイゼンシュテインの映画『戦艦ポチョムキン』（1925年）は、モンタージュの革新的な使用例であり、彼は複雑なイメージの並置を用いて観客に強烈なインパクトを与えた。^{[ 153 ]}

モンタージュの技法が進化するにつれ、映画製作者は音楽と視覚の対位法を取り入れ、観客にとってよりダイナミックで魅力的な体験を作り出すようになった。ミザンセーヌ、編集、特殊効果によるシーン構成の発展は、オペラやバレエで用いられる技術に匹敵する、より洗練された技術へとつながった。^{[ 154 ]}

1950年代後半から1960年代にかけてのフランス・ヌーヴェルヴァーグ運動もモンタージュ技法を取り入れ、ジャン＝リュック・ゴダールやフランソワ・トリュフォーといった映画監督はモンタージュを用いて独特で革新的な映画を制作した。^{[ 155 ]}

現代映画において、モンタージュは物語を形成し、感情的で記憶に残るシーンを作り出す上で引き続き重要な役割を果たしている。映画製作者は、現代映画の進化する美学とストーリーテリングのスタイルに合わせて、伝統的なモンタージュ技法を適応させてきた。^{[ 156 ] [ 157 ]}

• 迅速な編集とテンポの速いモンタージュ：デジタル編集ツールの登場により、映画制作者は迅速かつ複雑なモンタージュを作成して、情報や感情を素早く伝えることができるようになりました。ダレン・アロノフスキー監督の『レクイエム・フォー・ドリーム』（2000年）やエドガー・ライト監督の『ショーン・オブ・ザ・デッド』（2004年）などの映画は、テンポの速い編集技術を用いて、観客に没入​​感のある強烈な体験を提供しています。^{[ 154 ]}
• ミュージックビデオの影響：ミュージックビデオが映画に与えた影響により、様式化されたモンタージュシーケンスが取り入れられるようになり、多くの場合、人気のある音楽が伴います。『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』 （2014年）や『ベイビー・ドライバー』（2017年）などの映画では、モンタージュを使用して、エンターテイメント性と物語上の機能の両方を兼ね備えた、視覚的に印象的なシーケンスを作成しています。^{[ 158 ]}
• スポーツとトレーニングのモンタージュ：スポーツとトレーニングのモンタージュは、現代映画の定番となり、時間を凝縮して登場人物の成長や発展を示すためによく使われます。例としては、 『ロッキー』（1976年）、『ベスト・キッド』（1984年）、『ミリオンダラー・ベイビー』（2004年）などの映画が挙げられます。^{[ 159 ]}
• クロスカッティングと並行アクション：現代の映画製作者は、並行するストーリーラインをクロスカッティングすることで緊張感とサスペンスを生み出すためにモンタージュを使用します。クリストファー・ノーランの『インセプション』（2010年）と『ダンケルク』（2017年）は、複雑なクロスカッティング技術を使用して物語の勢いを高め、観客の感情的な関与を高めています。^{[ 160 ]}
• テーマ的モンタージュ：モンタージュは、映画の中でテーマ的な要素やモチーフを伝えるためにも使用できます。ウェス・アンダーソンの『ザ・ロイヤル・テネンバウムズ』（2001年）は、モンタージュを使用して、家族、ノスタルジア、喪失といった映画のテーマを反映した視覚言語を作り出しています。 ^{[ 161 ]}

映画というメディアが進化し続ける中で、モンタージュは視覚的なストーリーテリングの不可欠な要素であり続け、映画制作者はこのテクニックを用いる新しい革新的な方法を見出している。^{[ 156 ] [ 157 ]}

映画批評とは、映画の分析と評価のことである。^{[ 162 ]}従来、これは2つのカテゴリーに分けられていた。^{[ 163 ]}

• 映画学者による学術的な批評：映画に対してより学術的なアプローチをとる批評家は、映画理論や映画研究の手法を用いて映画雑誌に論文を発表したり、映画に関する書籍を執筆したりすることで、映画や撮影技術がどのように機能し、人々にどのような影響を与えるかを研究します。彼らのレビューは新聞に掲載されたりテレビに出演したりするのではなく、学術雑誌や高級雑誌に掲載されます。また、彼らは大学や高等教育機関で教授や講師として勤務していることが多いです。^{[ 162 ]}
• ジャーナリストによる映画批評：ジャーナリストの映画批評家は、映画評論家と呼ばれることもあります。^{[ 162 ]}新聞、雑誌、放送メディアで働く映画批評家^{[ 163 ]}は、主に新作をレビューし、より「消費者志向」である傾向があります。^{[ 162 ]}

MetacriticやRotten Tomatoesなどのオンラインレビュー集約サイトの登場により、批評家と観客の両方からのレビューが簡単に入手できるようになりました。 ^{[ 164 ]}レビュー集約サイトでの高評価や低評価は、説得力のある映画マーケティングにもかかわらず、観客が劇場に行くことを促したり、妨げたりする可能性があります。同様に、口コミやソーシャルメディアを通じた観客のレビューも、映画への熱意に影響を与える可能性があります。^{[ 165 ]}

映画の興行成績に対する批評家の影響は議論の的となっている。^{[ 167 ]}例えば、肯定的な映画レビューは、あまり知られていない映画への関心を高めることが示されている。^{[ 168 ]}逆に、大衆向けに販売されるアクション映画やコメディ映画は、批評家の映画に対する総合的な評価にあまり影響されない傾向がある。同様に、ホラーやSFのファンは、レビューに関係なく、自分のジャンルの映画なら何でも見る傾向がある。^{[ 168 ]} 2004年の調査では、テレビCMと他人の推薦が映画鑑賞習慣に最も影響を与えており、それぞれの要因が回答者の約70%によって挙げられた。専門家のレビューは33%、オンラインの評価は28%に影響を与えた。^{[ 168 ]}しかし、映画会社がプロジェクトにほとんど自信を持たず、映画が広く酷評されるのを避けるために、批評家への事前鑑賞（または「プレ・スクリーニング」）を拒否した映画も数多く存在する。^{[ 169 ] [ 170 ]}

プレビュー上映とは、一般公開に先立ち、通常は企業のプロモーション目的で、選ばれた観客に映画を上映することを指します。プレビューは観客の反応を判断するために用いられることがあり、予想外に否定的な反応があった場合は、観客の反応に基づいて特定のシーンを再編集したり、撮り直したりすることもあります。試写会での否定的な反応を受けて変更された映画の一例として、1982年の『ランボー』が挙げられます。試写会の観客が、映画の最後に主人公であるベトナム帰還兵のジョン・ランボーが死ぬシーンに非常に否定的な反応を示したため、製作会社はランボーが生き残る新しいエンディングを書き直し、撮り直しました。^{[ 181 ]}

予告編やプレビューとは、1～3か月後に映画館で上映される映画の宣伝のことです。映画館が黎明期だった頃は、スクリーンが1つか2つしかない映画館では、上映予定の映画の予告編しか上映されませんでした。その後、映画館のスクリーン数が増えたり、スクリーン数の多い新しい映画館が建設されたりするようになると、その映画館で上映されない作品の予告編も含め、様々な予告編が上映されるようになりました。映画会社は、上映される予告編の数が多いほど（たとえその映画館で上映されない予告編であっても）、公開時に別の映画館に足を運ぶ観客が増えることに気づきました。予告編という言葉は、もともと映画プログラムの最後に上映されていたことに由来しています。

その慣習は、映画が終わると観客が劇場を出る傾向があったため長くは続かなかったが、その名前は定着した。現在では、映画（または二本立て上映の場合は「A映画」）が始まる前に予告編が上映される。映画の予告編は、DVDやBlu-ray Discだけでなく、インターネットやモバイルデバイスでもよく見られる。予告編は、視聴者を惹きつけ、興味をそそるように作られている。その結果、インターネット時代では、視聴者は予告編を見るためにそれを探すことが多い。2008年にオンラインで年間100億本の動画が視聴されたが、映画の予告編はニュースとユーザー作成の動画に次いで3位だった。^{[ 182 ]}ティーザーは、10秒から30秒しか続かない、はるかに短いプレビューまたは広告である。ティーザーは、今後6ヶ月から12ヶ月以内に公開される映画に観客を興奮させるために使用される。ティーザーは、映画の制作が完了する前でさえ制作されることがある。

映画は、異文化間の対話を効果的に促進する能力を持つため、教育やプロパガンダなど、さまざまな目的で利用されています。主に教育を目的とする映画は「教育映画」と呼ばれます。例えば、学術講義や実験の記録、古典小説を原作とした映画などが挙げられます。映画は、全体または一部がプロパガンダである場合もあり、例えば、ナチス・ドイツ時代のレニ・リーフェンシュタールの作品、第二次世界大戦中のアメリカの戦争予告編、スターリン時代にセルゲイ・エイゼンシュテインが制作した芸術映画などが挙げられます。また、アンジェイ・ワイダの作品や、より巧妙なアンドレイ・タルコフスキーの作品のように、政治的な抗議の作品となる場合もあります。映画の分類は主観的なものであるため、同じ映画でも、ある人にとっては教育的、別の人にとってはプロパガンダと見なされることがあります。

映画クルーとは、映画会社が映画製作の「制作」または「撮影」段階で雇用する人々の集団であり、映画を制作することを目的としています。クルーは、カメラの前に立つ俳優や映画の登場人物の声を担当する俳優であるキャストとは区別されます。クルーは、プロデューサー、マネージャー、会社代表者、そのアシスタント、脚本家や編集者など、プリプロダクションまたはポストプロダクション段階を主な担当とする人々で構成される制作スタッフと連携しますが、同時に制作スタッフとは区別されます。制作スタッフとクルー間のコミュニケーションは、通常、監督とそのアシスタントスタッフを介して行われます。中規模から大規模なクルーは、通常、明確な階層と部門間の連携および協力に関する基準を持つ部門に分かれています。クルーは、演技以外では、撮影段階のすべてを担当します。小道具や衣装、撮影、音響、照明、セット、特殊効果などです。ケータリング業者（映画業界では「クラフトサービス」として知られています）は通常、クルーの一部とはみなされません。

フィルム原紙は、透明なセルロイド、アセテート、またはポリエステルを基材とし、感光性化学物質を含む乳剤を塗布したものです。硝酸セルロースは、映画の記録に使用された最初のフィルム原紙でしたが、可燃性のため、より安全な素材に取って代わられました。フィルム原紙の幅やリールに記録される画像のフィルムフォーマットには長い歴史がありますが、現在でもほとんどの大型商業映画は35mm フィルムで撮影され、劇場に配給されています。

当初、動画フィルムは手回し式のカメラとプロジェクターを使用してさまざまな速度で撮影および投影されていました。1分間に1000フレーム（16 + 2 / 3フレーム/秒）が一般的にサイレント映画の標準速度として挙げられますが、調査によると、ほとんどの映画は16フレーム/秒から23フレーム/秒の間で撮影され、18フレーム/秒以上で投影されていました（多くの場合、リールには各シーンをどのくらいの速度で表示すべきかの指示が含まれていました）。[ ^{187 ] 1920}年代後半に同期音声付き映画が導入されると、サウンドヘッドには一定の速度が必要になりました。24フレーム/秒が選ばれたのは、十分な音質を確保できる最も遅い（したがって最も安価な）速度だったからです。^{[ 188 ]} 1927 年にワーナー ブラザースの『ジャズ シンガー』とヴィタフォンシステムで標準が確立されました。 ^{[ 189 ] [ 190 ]} 19 世紀後半からの改良には、カメラの機械化 （一定の速度で記録できるようになった）、静音カメラ設計 （カメラを覆う大きな「飛行船」を必要とせずにセットで録音された音声を使用できるようになった）、より洗練されたフィルムストックとレンズの発明（監督がますます暗い状況で撮影できるようになった）、同期音声の開発（対応する動作とまったく同じ速度で音声を録音できるようになった）などがあります。サウンドトラックは映画の撮影とは別に録音できますが、実写映画の場合、サウンドトラックの多くの部分は通常同時に録音されます。

フィルムは、写真の基礎として発展した技術であるため、映画以外のメディアにも応用できます。スライドショー形式で連続した静止画を提示することも可能です。また、フィルムはマルチメディアプレゼンテーションにも組み込まれており、主要な歴史的資料として重要な役割を果たすことも少なくありません。しかし、歴史的なフィルムは保存や保管に問題があり、映画業界は様々な代替手段を模索しています。硝酸セルロースをベースとしたフィルムのほとんどは、現代の安全フィルムに複製されています。一部のスタジオでは、分離マスター（赤、緑、青のフィルターを通して露光した3枚の白黒ネガ、基本的にテクニカラープロセスの逆）を使用してカラーフィルムを保存しています。デジタル方式もフィルムの修復に用いられていますが、その陳腐化サイクルが続いているため、（2006年時点では）長期保存には不向きです。劣化が進むフィルムストックの保存は、映画史家やアーカイブ担当者だけでなく、既存製品を将来の世代に提供し（ひいては収益を増やすため）保存したい企業にとっても重要な課題となっています。硝酸塩フィルムや単色カラーフィルムは劣化速度が速いため、保存には一般的に高い注意が必要です。一方、安全ベースを使用した白黒フィルムや、テクニカラーの浸潤プリントで保存されたカラーフィルムは、適切な取り扱いと保管を行えば、はるかに良好な状態を保つ傾向があります。

近年の映画の中には、テレビ制作で用いられるものと同様のアナログビデオ技術を用いて撮影されたものもある。現代のデジタルビデオカメラやデジタルプロジェクターも普及しつつある。特に、デジタルシネマで撮影した映像は、フィルムの現像を待つことなくノンリニア編集システム（NLE）で評価・編集できるため、こうした手法を好む映画制作者もいる。移行は徐々に進み、2005年の時点では、主要な映画作品のほとんどは依然としてフィルムで撮影されていた。

インディペンデント映画製作は、ハリウッドやその他の大手スタジオシステムの外で行われることが多い。インディペンデント映画（またはインディーズ映画）とは、大手映画スタジオからの資金提供や配給を受けずに製作された映画のことである。20世紀後半から21世紀初頭にかけて、インディーズ映画シーンの成長には、創造的、ビジネス的、技術的な理由が全て貢献してきた。ビジネス面では、巨額の予算を投じるスタジオ映画の費用が、キャストやスタッフの保守的な選択にもつながっている。ハリウッドでは共同出資の傾向が見られる（2000年にワーナー・ブラザースが公開した映画の3分の2以上が共同事業であり、1987年の10%から増加している）。 ^{[ 191 ]}映画やテレビ業界での十分な経験がないと、有望な監督が巨額の予算を投じるスタジオ映画の仕事を得る機会はほとんどない。また、スタジオは、特に主役として無名の俳優を起用した映画を製作することはめったにない。

デジタル技術が登場する以前は、プロ仕様の撮影機材やフィルムのコストも、従来のスタジオ映画の製作、監督、出演を阻む大きな障壁となっていました。しかし、1985年の民生用ビデオカメラの登場、そしてより重要なことに、1990年代初頭の高解像度デジタルビデオの登場により、映画製作における技術的な障壁は大幅に低下しました。製作費とポストプロダクション費の両方が大幅に削減され、2000年代には、ポストプロダクションに必要なハードウェアとソフトウェアを市販のパーソナルコンピュータにインストールできるようになりました。DVD 、 FireWire接続、そして多種多様なプロ用および民生用ビデオ編集ソフトウェアといった技術の普及により、映画製作は比較的安価に行えるようになりました。

デジタルビデオ（DV）技術の登場以来、映画制作の手段はより民主化されてきた。映画制作者は、デジタルビデオカメラで映画を撮影し、高性能な家庭用コンピューターで編集、音響や音楽の制作・編集、最終編集までを行うことができるようになった。しかし、制作手段は民主化されても、資金調達、配給、マーケティングは依然として従来のシステム以外では困難である。ほとんどのインディペンデント映画制作者は、映画を世に知らしめ、配給先を見つけるために映画祭に頼っている。YouTubeやVeohといったインターネットベースの動画配信サイトの登場は、映画制作の状況をさらに変化させ、インディペンデント映画制作者が作品を一般に公開することを可能にした。

オープンコンテンツ映画は、インディペンデント映画によく似ていますが、オープンなコラボレーションによって制作されます。その素材は、従来の著作権ではなく、ファンフィクションや派生作品の制作を他者が自由に行えるライセンスの下で利用可能です。インディペンデント映画制作と同様に、オープンソース映画制作もハリウッドやその他の大手スタジオシステムの外で行われます。

ファンフィルムとは、映画、テレビ番組、漫画などの原作に触発されて、原作の著作権者や制作者ではなくファンによって制作された映画やビデオのことです。ファンフィルムの制作者は従来アマチュアが中心でしたが、特に注目すべき作品の中には、プロの映画制作者が映画学校の授業課題やデモ用リールとして制作したものもあります。ファンフィルムの長さは、存在しない映画の短い偽予告編から、稀な長編映画まで、非常に多様です。