サイレント映画

映画の上映時間が徐々に長くなるにつれて、映画の一部を観客に説明する社内通訳者の代わりが必要になった。サイレント映画にはセリフの同期音声がなかったため、画面上の字幕を使用してストーリーの要点を語ったり、重要なセリフを提示したり、時には観客にアクションについて解説したりした。タイトルライターはサイレント映画において重要な専門家となり、ストーリーを作成するシナリオライターとは別人であることが多かった。字幕（当時は一般的にタイトルと呼ばれていた）は「アクションについて解説するイラストや抽象的な装飾を特徴とするグラフィック要素であることが多かった」。 ^{[ 12 ] [ 13 ]}

サイレント映画の上映では、1895年11月1日にベルリンでスクラダノフスキー兄弟が行った最初の映画公開上映から始まり、ほぼ必ず生演奏が伴奏として行われました。彼らは、映写機の音をかき消すために、大音量で作曲・演奏された楽譜を用意しました。^{[ 14 ]}これは、1896年にニューヨーク市のコスター＆ビアールのミュージックホールで行われた米国初の映画上映によってさらに発展しました。このイベントで、エジソンはすべての上映にはオーケストラが伴奏すべきであるという先例を作りました。 ^{[ 15 ]}当初から、音楽は雰囲気作りに貢献し、観客に重要な感情的な手がかりを与える不可欠なものとして認識されていました。ミュージシャンは、同様の理由で、撮影中に映画のセットで演奏することもありました。しかし、上映場所の規模によっては、音楽伴奏の規模は大きく変わる可能性がありました。^{[ 4 ]}小さな町や近所の映画館には、通常ピアニストがいました。 1910年代半ばから、大都市の劇場にはオルガン奏者や音楽家アンサンブルがいる傾向がありました。シンプルなピアノ独奏者と大規模なオーケストラの間のギャップを埋めるために設計された巨大な劇場オルガンは、幅広い特殊効果を備えていました。有名な「マイティ・ワーリッツァー」のような劇場オルガンは、オーケストラの音の一部と、バスドラムやシンバルなどの打楽器効果、そして「列車や船の汽笛から車のクラクションや鳥の鳴き声まで」の音響効果を シミュレートすることができました。さらに、「ピストルの発砲音、電話の呼び出し音、波の音、馬の蹄の音、陶器が割れる音、雷や雨」をシミュレートできるものもありました。^{[ 16 ]}

初期のサイレント映画の音楽は、即興で作曲されたものか、クラシックや劇場のレパートリー音楽から編曲されたものだった。しかし、長編映画が一般的になると、映画音楽はピアニスト、オルガン奏者、オーケストラの指揮者、または映画スタジオ自身によって映画音楽から編曲され、映画にはキューシートが添付された。これらのシートは、効果や雰囲気に注意すべき点について詳細なメモが書かれた長いものが多かった。D・W・グリフィスの壮大な『国民の創生』 （1915年）のためにジョセフ・カール・ブライルが作曲したほぼオリジナルのスコアを皮切りに、予算の大きい映画が特別に作曲されたオリジナルのスコアを携えて上映館に到着することが比較的一般的になった。^{[ 17 ]}しかし、最初の本格的な指定スコアは実際には1908年にカミーユ・サン＝サーンスが『ギーズ公の暗殺』のために、^{[ 18 ]}ミハイル・イッポリトフ＝イワノフが『ステンカ・ラージン』のために作曲していた。

オルガン奏者やピアニストが楽譜を使用する場合でも、画面上のドラマ性を高めるために即興的な装飾を加えることがあった。楽譜に特殊効果が指示されていなくても、オルガン奏者が「疾走する馬」のような珍しい効果音を出せる劇場用オルガンを演奏している場合は、劇的な馬の追跡シーンでその効果が用いられた。

サイレント映画全盛期には、少なくともアメリカにおいては、映画は器楽奏者にとって最大の雇用源だった。しかし、トーキー映画の登場と、ほぼ同時期に始まった世界恐慌は、多くの音楽家にとって壊滅的な打撃となった。

多くの国がサイレント映画に音声を加えるための別の方法を考案した。例えば、ブラジルの初期の映画では、スクリーンの後ろで歌手が歌うオペレッタを撮影した「フィタス・カンタータ」（歌う映画）が特徴だった。 ^{[ 19 ]}日本では、映画には生演奏だけでなく、解説や登場人物の声を担当する生のナレーターである弁士もいた。弁士は日本の映画の中心的な要素となり、外国映画（主にアメリカ映画）の翻訳も担当した。^{[ 20 ]}弁士の人気は、日本でサイレント映画が1930年代まで存続した理由の一つだった。逆に、弁士がナレーションを担当する映画には字幕がないことが多いため、現代の観客は、特別な字幕や追加の解説がないとストーリーを追うのが難しい場合がある。

サイレント映画時代から完全な形で残っている映画音楽はごくわずかであり、音楽学者たちは現存する音楽音楽を正確に復元しようと試みる際に、いまだに様々な問題に直面している。現在、サイレント映画のリマスター版や上映で使用されている音楽は、完全に復元されたもの、その機会のために新たに作曲されたもの、既存の音楽ライブラリーから集められたもの、あるいはサイレント映画時代の劇場音楽家のようにその場で即興で演奏されたものなど、様々な形態を取り得る。

サイレント映画の音楽への関心は、1960年代から1970年代にかけてやや衰退した。多くの大学の映画プログラムやレパートリー映画館では、観客は音楽に気を取られることなく、純粋な視覚メディアとしてサイレント映画を体験すべきだという考えがあった。この考えは、当時の多くのサイレント映画のリプリント版に収録されていた音楽の質の悪さによって助長されたのかもしれない。1980年頃から、質の高い音楽スコア（当時のスコアやキューシートのリメイク、あるいは適切なオリジナルスコアの作曲）を付けてサイレント映画を上映することへの関心が再び高まっている。この種の初期の試みとしては、 1980年にケビン・ブラウンロウがアベル・ガンス監督の『ナポレオン』（1927年）を修復したものがあり、カール・デイヴィスがスコアを担当した。ブラウンロウの修復版を若干再編集し、再生速度を速めたバージョンが、後にフランシス・フォード・コッポラによって米国で配給され、彼の父カーマイン・コッポラが作曲した生演奏のオーケストラスコアが使用された。

1984年、プロデューサー兼作曲家のジョルジオ・モロダーによる新たなロック音楽のスコアを伴った、編集修復版の『メトロポリス』（1927年）が公開された。フレディ・マーキュリー、パット・ベネター、イエスのジョン・アンダーソンなどのポップソングを含むこの現代的なスコアは物議を醸したが、古典的なサイレント映画の上映方法に新たなアプローチへの扉を開いたと言えるだろう。

今日では、国際的に多くのソリスト、音楽アンサンブル、オーケストラがサイレント映画の伝統的なスコアや現代的なスコアを演奏している。^{[ 21 ]}伝説的な劇場オルガニストのゲイロード・カーターは、2000年に亡くなる直前まで、自身のオリジナルのサイレント映画スコアの演奏と録音を続けており、それらのスコアの一部はDVDで再発売されている。伝統的なアプローチの支持者には、デニス・ジェームスなどのオルガニストや、ニール・ブランド、ギュンター・ブッフヴァルト、フィリップ・C・カーリ、ベン・モデル、ウィリアム・P・ペリーなどのピアニストがいる。スティーブン・ホーンやガブリエル・ティボーなどの他の現代ピアニストは、より現代的なアプローチでスコアを作曲することが多い。特にベン・モデルは、現代的なサウンドパレットではなく、「音をその世界の中に留めて、映像が本来あるべきように再生されるようにする」という、その時代のスコアを提唱している。^{[ 22 ]}

カール・デイヴィスやロバート・イスラエルといったオーケストラ指揮者は、数多くのサイレント映画の音楽を作曲・編曲しており、その多くはターナー・クラシック・ムービーズで放映されたり、DVDでリリースされたりしている。デイヴィスは、『ビッグ・パレード』（1925年）や『肉体と悪魔』（1927年）といった古典的なサイレントドラマのために新たな音楽を作曲した。イスラエルは主にサイレントコメディの分野で活躍し、ハロルド・ロイド、バスター・キートン、チャーリー・チェイスなどの映画の音楽を手がけている。ティモシー・ブロックは、チャールズ・チャップリンの多くの音楽を修復したほか、新たな音楽も作曲している。

現代音楽アンサンブルは、幅広い音楽スタイルとアプローチを通して、古典的なサイレント映画をより幅広い観客に紹介するのに貢献しています。伝統的な楽器を使って新しい楽曲を作曲する演奏者もいれば、電子音、現代的なハーモニー、リズム、即興演奏、サウンドデザインの要素を加えて鑑賞体験を向上させる演奏者もいます。このカテゴリーの現代アンサンブルには、Un Drame Musical Instantané、Alloy Orchestra、Club Foot Orchestra、Silent Orchestra、Mont Alto Motion Picture Orchestra、Minima and the Caspervek Trio、RPM Orchestraなどがあります。ドナルド・ソシンと彼の妻ジョアンナ・シートンは、サイレント映画にボーカルを加えることを専門としており、特にスクリーン上で歌われるシーンで、実際に歌が演奏されているのを聴くことで効果が高まる場合にその才能を発揮しています。このカテゴリーの映画には、グリフィスの『Lady of the Pavements』（ルペ・ヴェレス出演） 、エドウィン・ケアウェの『Evangeline』（ドロレス・デル・リオ出演） 、ルパート・ジュリアンの『The Phantom of the Opera』（メアリー・フィルビンとヴァージニア・ピアソン出演）などがあります。

サイレント映画サウンド＆ミュージックアーカイブは、サイレント映画のために書かれた音楽やキューシートをデジタル化し、演奏家、研究者、愛好家が利用できるようにしています。^{[ 23 ]}

サイレント映画の俳優は、観客が俳優の感情やスクリーン上での表現をよりよく理解できるように、身振りや表情を重視した。サイレント映画の演技の多くは、現代の観客には単純すぎる、あるいは大げさすぎると映るかもしれない。メロドラマチックな演技スタイルは、俳優が以前の舞台経験から持ち込んだ習慣だった場合もある。ボードビルは、多くのアメリカのサイレント映画俳優にとって特に人気のある出身地だった。^{[ 4 ]}映画界に舞台俳優が広く存在していたことが、1917年にマーシャル・ニーラン監督が「映画界に入ってきた舞台俳優が早く出て行けば出て行くほど、映画にとって良い」と発言した原因となった。また、ジョン・グリフィス・レイのような監督は、強調のために俳優に大げさな表情を要求した。1914年にはすでに、アメリカの観客はスクリーン上でのより自然な演技を好むことを表明し始めていた。^{[ 25 ]}

1910年代半ば、舞台と映画の違いが明らかになるにつれ、サイレント映画はヴォードヴィル的ではなくなってきた。DWグリフィスなどの監督の功績により、撮影は舞台的ではなくなり、クローズアップによって控えめでリアルな演技が可能になった。リリアン・ギッシュは、この時期の演技で映画界の「最初の真の女優」と呼ばれている。彼女は新しい映画演技技術を開拓し、舞台演技と映画演技の決定的な違いを認識していた。アルバート・カペラーニやモーリス・トゥルヌールなどの監督は、映画に自然主義を主張し始めた。1920年代半ばまでに、多くのアメリカのサイレント映画はより自然主義的な演技スタイルを採用したが、すべての俳優や監督がすぐに自然主義的で控えめな演技を受け入れたわけではなかった。1927年になっても、『メトロポリス』のような表現主義的な演技スタイルを特徴とする映画がまだ公開されていた。^{[ 25 ]} 1926年に最初のアメリカ映画が公開されたグレタ・ガルボは、自然主義的な演技で知られるようになった。

カリフォルニア大学バークレー校の無声映画研究者アントン・カエスによれば、アメリカの無声映画では、1913年から1921年の間に、ドイツの無声映画に見られる技法の影響を受けて、演技技法に変化が見られ始めた。これは主に、ワイマール共和国からの移民の流入によるもので、「映画監督、プロデューサー、カメラマン、照明技師、舞台技術者、そして俳優や女優も含まれていた」^{[ 26 ] 。}

1926年から1930年の間に音声映画の上映速度が毎秒24フレーム（fps）に標準化されるまで、無声映画は年やスタジオによって12から40fpsまで様々な速度（または「フレームレート」）で撮影されていました。 ^{[ 27 ]}リュミエール兄弟のシネマトグラフの結果として「標準的な無声映画の速度」は16fpsと言われることが多いですが、業界の慣習はかなり異なっており、実際の標準はありませんでした。エジソンの従業員であったウィリアム・ケネディ・ローリー・ディクソンは、驚くほど速い毎秒40フレームに落ち着きました。^{[ 4 ]}さらに、当時のカメラマンは、自分たちのクランク技術は正確に16fpsであると主張していましたが、現代のフィルムの調査ではこれが誤りであり、彼らはしばしばより速くクランクしていたことがわかっています。意図された速度で注意深く再生されない限り、無声映画は不自然に速くまたは遅く見えることがあります。しかし、特にコメディやアクション映画では、アクションを加速させるために、撮影中に意図的に低速で撮影されたシーンもあった。 ^{[ 27 ]}   

硝酸セルロースをベースとしたフィルムをゆっくり投影すると、各コマが投影ランプの強い熱に長時間さらされるため、火災の危険性がありました。しかし、映画をより速い速度で投影する理由は他にもありました。多くの場合、映写技師は配給会社から音楽監督のキューシートで、特定のフィルムやシーンをどのくらいの速度で投影すべきかについて一般的な指示を受けていました。^{[ 27 ]}まれに、通常は大規模な作品の場合、映写技師専用に作成されたキューシートが、映画の上映に関する詳細なガイドを提供していました。劇場はまた、利益を最大化するために、時間帯や映画の人気に応じて、または決められた上映時間に映画を収めるために、投影速度を変えることもありました。^{[ 28 ] [ 27 ]}

すべての映画映写機は、フィルムが動いている間光を遮断するために可動シャッターを必要とします。そうでないと、画像は動きの方向にぼやけてしまいます。しかし、このシャッターによって画像がちらつき、ちらつき率の低い画像は見ていて非常に不快です。トーマス・エジソンがキネトスコープ機のために行った初期の研究では 、毎秒46 フレーム未満のレートでは「目に負担がかかる」ことが判明しました。 ^{[ 27 ]}これは、通常の映画館の条件下で投影された画像にも当てはまります。キネトスコープで採用された解決策は、フィルムを毎秒 40 フレーム以上で再生することでしたが、これはフィルムのコストがかかりました。しかし、2 枚羽根および 3 枚羽根のシャッターを備えた映写機を使用すると、ちらつき率はフィルムのフレーム数の 2 倍または 3 倍になり、各フレームがスクリーン上で 2 回または 3 回点滅します。16  fps のフィルムを投影する 3 枚羽根シャッターは、エジソンの数値をわずかに上回り、観客に毎秒 48 フレームを提供します。サイレント映画の時代には、プロジェクターには一般的に3枚羽根のシャッターが取り付けられていました。24フレーム/秒の標準速度を持つ音声映画が導入されて以来、35mm映画プロジェクターでは2枚羽根のシャッターが標準となりましたが、 16mmおよび8mmプロジェクター では3枚羽根のシャッターが標準のままであり、これらは16または18フレーム/秒で撮影されたアマチュアの映像を投影するためによく使用されます。35mmフィルムのフレームレート24fpsは、フィルム速度456ミリメートル（18.0インチ/秒）に相当します。^{[ 29 ]} 1,000フィート（300m ）のリール1本を24fpsで投影するには11分7秒かかりますが、同じリールを16fpsで投影するには16分40秒、つまり304ミリメートル（12.0インチ/秒）かかります。^{[ 27 ]}         

1950年代には、無声映画をテレビ放送用に著しく不適切なフレームレートでテレシネ変換したものが多数あり、視聴者を遠ざけた可能性がある。 ^{[ 30 ]}フィルム速度は、今日、無声映画の上映において、特に修復された映画のDVDリリースに関して、学者や映画ファンの間でしばしば悩ましい問題となっている。例えば、2002年のメトロポリスの修復版がその例である。^{[ 31 ]}

自然な着色処理が利用できなかったため、サイレント映画時代のフィルムは、気分や時間帯を表すために、染料に浸してさまざまな色調や色合いに染められることが多かった。手彩色の歴史は、エジソンが手彩色した『蝶の舞踏』のプリントを一部公開した1895年にアメリカで始まった。また、カラーフィルムの実験は早くも1909年に始まったが、業界でカラーが採用され、効果的なプロセスが開発されるまでには、はるかに長い時間がかかった。^{[ 4 ]}青は夜のシーン、黄色や琥珀色は昼を意味した。赤は火、緑は神秘的な雰囲気を表した。同様に、特殊な溶液でフィルムを調色する（サイレント映画でよく使われるセピア調色など）と、フィルムストックの銀粒子をさまざまな色の塩や染料に置き換える。着色と調色の組み合わせは、印象的な効果として使用できる。

エジソン・スタジオの『アナベル・サーペンタイン・ダンス』（1894年）のように、手彩色された映画もあった。この作品では、ブロードウェイの若いダンサー、アナベル・ウィットフォード^{[ 32 ]}が、踊るにつれて色が変わるように見える白いベールを身に着けている。この技法は、1891年に始まったロイ・フラーのライブパフォーマンスの効果を捉えるために考案されたもので、色付きのジェルが付いた舞台照明によって、彼女の白い流れるようなドレスと袖が芸術的な動きを見せていた^{[ 33 ]} 。手彩色は、ヨーロッパの初期の「トリック」映画やファンタジー映画、特にジョルジュ・メリエスの作品でよく使われていた。メリエスは早くも1897年には手彩色を始め、1899年の『シンデレラ』と1900年の『ジャンヌ・ダルク』は、色彩が舞台美術やミザンセーヌの重要な要素であった手彩色映画の初期の例である。このような精密な着色には、パリのエリザベート・テュイリエの工房が用いられ、女性アーティストのチームが、より一般的で安価なステンシル技法ではなく、各フレームに手作業で色を重ねていった。^{[ 34 ]} 1902年に初公開されたメリエスの『月世界旅行』の新たに修復されたバージョンでは、映像に質感と面白みを加えるために考案された、奔放な色彩の使用が見られる。^{[ 35 ]}

1908年の映画用品カタログに掲載されたアメリカの配給業者のコメントは、初期のサイレント映画時代における手彩色映画の分野でのフランスの継続的な優位性をさらに強調している。この配給業者は、パテ、アーバン・エクリプス、ゴーモン、カレム、イタラ・フィルム、アンブロジオ・フィルム、セリグの「高級」映画をさまざまな価格で販売している。カタログに掲載されているより長く、より権威のある映画のいくつかは、標準的な白黒の「プレーン・ストック」と「手彩色」の両方で提供されている。^{[ 36 ]}例えば、1907年に公開されたベン・ハーのプレーン・ストック版は120ドル（現在の4,300ドル）で販売されているが、同じ1,000フィート、15分の映画のカラー版は、追加の150ドルの着色料金を含めて270ドル（9,675ドル）で、これは1フィートあたり15セントの追加である。^{[ 36 ]}顧客にとっては追加料金の理由は明白だったと思われるが、販売業者はカタログに掲載されているカラーフィルムの価格が著しく高く、納品に時間がかかる理由を説明している。彼の説明は、1908年当時のアメリカにおけるフィルム着色サービスの一般的な状況についても示唆を与えている。

映画フィルムの着色は、米国では満足に行える仕事ではありません。1フィートあたり16枚の絵を1枚ずつ、つまり1,000フィートのフィルムにつき16,000枚の絵を個別に手作業で着色する必要があるため、膨大な労力がかかります。そのため、どんなに高額な料金でもこの仕事を引き受けるアメリカ人の着色師はほとんどいません。映画の着色はフランスで他のどの国よりもはるかに急速に進歩しているため、当社の着色はすべてパリの最高の着色会社に依頼しており、アメリカ製の映画の着色であっても、他の場所で作業する場合よりも、品質が良く、価格が安く、納期が早いことがわかっています。^{[ 36 ]}

1910年代初頭、長編映画の登場とともに、着色は音楽と同様に、雰囲気作りの手段として広く用いられるようになった。監督のD・W・グリフィスは色彩に常に強い関心を持ち、多くの作品で特殊効果として着色を用いた。1915年の大作『国民の創生』では、琥珀色、青、ラベンダー色、そしてクライマックスの「アトランタ炎上」やクー・クラックス・クランの騎行などのシーンでは鮮やかな赤色など、様々な色が使われている。グリフィスは後に、画面の一部に色付きの光を照射することで色を表現するカラーシステムを考案した。

音声付きフィルム技術の開発と業界の受け入れにより、着色は完全に廃止された。着色工程で使用される染料がフィルムストリップ上のサウンドトラックに干渉するためである。^{[ 4 ]}

同期音声付き映画の制作は1896年のエジソン研究所にまで遡るが、真空管アンプや高品質スピーカーといった基本技術が利用可能になったのは1920年代初頭になってからだった。その後数年間は、フォトキネマ（1921年）、フォノフィルム（1923年）、ヴィタフォン（1926年）、フォックス・ムービートーン（1927年）、RCAフォトフォン（ 1928年）など、ディスク録音方式やフィルム録音方式といった、競合する様々な音声フォーマットの設計、実装、販売競争が繰り広げられた。

ワーナー・ブラザースは、映画製作の要素として音声を取り入れ、ディスクに音声を入れる技術であるヴィタフォンを利用した最初のスタジオでした。^{[ 4 ]}その後、同スタジオは1927年に『ジャズ・シンガー』を公開し、これが商業的に成功した最初のトーキー映画となりましたが、1927年と1928年の両年とも、サイレント映画が依然として長編映画の大半を占めており、いわゆる「ゴート・グランド・フィルム」（サイレント映画に音声シーンを挿入したもの）も存在しました。したがって、現代のトーキー映画の時代は1929年から支配的になったと考えることができます。

サイレント映画時代の代表的な作品については、映画の黎明期から1928年までの期間を網羅した「映画史年表」を参照してください。以下のリストには、サイレント映画として制作されたトーキー時代の作品のみを掲載しています。

• 『都会の少女』、 F・W・ムルナウ監督、1930年
• 地球、アレクサンドル・ドブジェンコ、1930
• 『沈黙の敵』、H・P・カーヴァー、1930年^{[ 39 ] [ 40 ]}
• ボーダーライン、ケネス・マクファーソン、1930年
• 『街の灯』、チャールズ・チャップリン、1931年
• タブー、F・W・ムルナウ、1931年
• 『生まれてはみたが…』、小津安二郎、1932年
• 『気まぐれ』、小津安二郎監督、1933年
• 女神、呉永港、1934
• 『浮草物語』、小津安二郎監督、1934年
• 『おせんの滅亡』溝口健二、1935年
• レゴン、アンリ・ド・ラ・ファレーズ、1935
• 東京の旅館、小津安二郎、1935年
• 幸福、アレクサンドル・メドヴェトキン、1935年
• 宇宙航海、ヴァシリー・ジュラブロフ、1936

チャールズ・チャップリンの『モダン・タイムス』（1936年）、オーソン・ウェルズの『トゥー・マッチ・ジョンソン』（1938年）、ジャック・タチの『ぼくの伯父さんの休暇』 （1953年）、ピエール・エテックスの『求婚者』（1962年）、メル・ブルックスの『サイレント・ムービー』（1976年）など、多くの映画監督がサイレント時代の喜劇に敬意を表してきた。台湾の侯孝賢監督の高く評価されたドラマ『スリー・タイムズ』（2005年）は、中盤の3分の1が字幕付きでサイレント映画となっている。スタンリー・トゥッチの『インポスターズ』は、初期のサイレント喜劇のスタイルで冒頭のサイレントシーンがある。ブラジルの映画監督レナート・ファルカンの『マルガレットの晩餐会』 （2003年）はサイレント映画である。脚本・監督のマイケル・プレカイティスは、 『サイレント』 （2007年）でこのジャンルに独自のひねりを加えている。完全に無口ではないものの、ミスター・ビーンのテレビシリーズや映画は、主人公の寡黙な性格を利用して、同様のユーモアを生み出している。あまり知られていない例としては、ジェローム・サヴァリー監督の『La fille du garde-barrière 』（1975年）がある。これはサイレント映画へのオマージュであり、字幕を使用し、コメディ、ドラマ、露骨なセックスシーンを融合させている（そのため、英国映画分類委員会から映画上映の許可が下りなかった）。

1990年、チャールズ・レーンは、低予算ながら感傷的なサイレントコメディ、特にチャールズ・チャップリンの『キッド』へのオマージュ作品である『サイドウォーク・ストーリーズ』を監督・主演した。

ドイツ映画『ツバル』（1999年）はほとんど無声で、わずかなセリフはヨーロッパの言語が奇妙に混ざり合っていて、映画の普遍性を高めている。ガイ・マディンは、ソ連時代の無声映画へのオマージュである短編『世界の心』で賞を受賞し、その後、長編無声映画『脳の烙印！』（2006年）を制作した。この作品では、一部の上映で生の声のフォーリーアーティスト、ナレーション、オーケストラが使用されている。『吸血鬼の影』 （2000年）は、フリードリヒ・ヴィルヘルム・ムルナウの古典的な無声吸血鬼映画『ノスフェラトゥ』（1922年）の撮影を非常にフィクション化した描写である。ヴェルナー・ヘルツォークは、自身のバージョン『ノスフェラトゥ：夜の幻影』（1979年）で同じ映画に敬意を表した。

サイレント映画時代とトーキー時代を直接的に対比させた映画もある。『サンセット大通り』では、サイレント映画スターのグロリア・スワンソンが演じるノーマ・デズモンドというキャラクターを通して、両時代の断絶を描き出している。『雨に唄えば』は、ハリウッドの芸術家たちがトーキーに適応していく様子を描いている。ピーター・ボグダノヴィッチ監督の1976年の映画『ニコロデオン』は、1910年代初頭のハリウッドにおけるサイレント映画製作の混乱を描き、 D・W・グリフィスの壮大な作品『国民の創生』 （1915年）の公開へと繋がっていく。

1999年、フィンランドの映画監督アキ・カウリスマキは、白黒映画『ユハ』を製作した。この作品は、セリフの代わりに字幕を使用することで、サイレント映画のスタイルを捉えている。国際配給用に、複数の言語のタイトルが付いた特別版が製作された。 ^{[ 41 ]}インドでは、カマル・ハーサン主演の映画『プシュパク』（1988年）^{[ 42 ]}は、セリフが全くないブラックコメディだった。オーストラリア映画『ドクター・プランク』 （2007年）は、ロルフ・デ・ヒア監督によるサイレントコメディだった。舞台劇は、サイレント映画のスタイルや出典を取り入れている。俳優兼脚本家のビリー・ヴァン・ザントとジェーン・ミルモアは、オフ・ブロードウェイでスラップスティックコメディ『サイレント・ラフター』を上演し、サイレント映画時代へのライブアクションのオマージュとした。^{[ 43 ]}ジェフ・ソベルとトレイ・ライフォードは、ローレルとハーディへのオマージュとして始まった『オール・ウェア・ボウラーズ』（2004年）を制作し主演したが、その後、ソベルとライフォードの等身大のサイレント映画のシーンを取り入れるようになり、実写と銀幕を行き来するようになった。^{[ 44 ]}音楽に合わせて8つの異なるアニメーションシーンが構成されたアニメーション映画『ファンタジア』（1940年）は、短いシーンが1つあるだけで、サイレント映画とみなすことができる。スパイ映画『泥棒』（1952年）には音楽と効果音はあるが、セリフはなく、ティエリー・ゼノの1974年の『結婚の壺』やパトリック・ボカノフスキーの1982年の『天使』も同様である。

2005年、H・P・ラヴクラフト歴史協会は、ラヴクラフトの短編小説『クトゥルフの呼び声』のサイレント映画版を制作した。この映画は時代考証に基づいた撮影スタイルを維持しており、「これまでのHPL作品の中で最高の翻案」と評されるとともに、サイレント映画として制作するという決定は「素晴らしい発想」と称賛された。^{[ 45 ]}

ミシェル・アザナヴィシウスが脚本・監督を務めたフランス映画『アーティスト』（2011年）は、サイレント映画として制作され、サイレント映画時代のハリウッドを舞台としている。また、主人公が出演する架空のサイレント映画のシーンも含まれている。アカデミー作品賞を受賞した。^{[ 46 ]}

日本の吸血鬼映画『吸血鬼』（2011年）は、サイレント映画のスタイルで制作されているだけでなく、生オーケストラの伴奏付きでツアーも行われた。^{[ 47 ] [ 48 ]}ユージン・チャドボーンは、この映画のために生演奏を行った人物の一人である。^{[ 49 ]}

『ブランカニエベス』は、パブロ・ベルガーが脚本・監督を務めた2012年のスペインの白黒サイレントファンタジードラマ映画である。 ^{[ 50 ]}

2006年に製作が開始され、イザベラ・ロッセリーニとミラ・ジョヴォヴィッチの母親であるガリーナ・ジョヴォヴィッチが出演するアメリカの長編サイレント映画『サイレント・ライフ』は、2013年に初公開された。この映画は、ハリウッド初の「偉大な恋人」として知られるサイレント映画のアイコン、ルドルフ・ヴァレンティノの生涯に基づいている。緊急手術の後、ヴァレンティノは現実との繋がりを失い、昏睡状態の視点からハリウッドでの人生の記憶を、生と永遠、現実と幻想の間の魔法の入り口である映画館で上映されるサイレント映画として見始める。^{[ 51 ] [ 52 ]}

『ピクニック』は、2巻構成のサイレントメロドラマやコメディのスタイルで制作された2012年の短編映画です。これは、スミソニアン・アメリカ美術館のレンウィック・ギャラリーがキュレーションした2018年から2019年の展覧会「ノー・スペクテイターズ：バーニングマンのアート」の一部でした。 ^{[ 53 ]}この映画は、カリフォルニア州オークランドのアート集団ファイブ・トン・クレーンが制作した、キャピトル・シアターと呼ばれる移動式の12席のミニチュア・アールデコ映画館の中で上映されました。

『Right There』は、サイレント映画のコメディへのオマージュである2013年の短編映画です。

アメリカ劇場オルガン協会は、サイレント映画の音楽と、そのような音楽を演奏した劇場オルガンに敬意を表しています。75以上の支部を持つこの組織は、劇場オルガンと音楽を芸術形式として保存および促進することを目指しています。^{[ 54 ]}

グローブ国際サイレント映画祭（GISFF）は、映画における映像と雰囲気に焦点を当てた年次イベントで、毎年、評判の高い大学または学術環境で開催され、この分野で活躍する映画製作者の映画を紹介し、審査するためのプラットフォームとなっています。^{[ 55 ]} 2018年、映画監督のクリストファー・アニーノは、現在国際的に受賞している長編サイレント映画『サイレント・タイムズ』を撮影しました。^{[ 56 ] [ 57 ] [ 58 ]}この映画は、デビッド・ブレアが演じるキーストーン巡査や、チャールズ・チャップリンのキャラクターを演じるエンツィオ・マルケロなど、1920年代の多くのキャラクターに敬意を表しています。『サイレント・タイムズ』は、オニロス映画祭で最優秀サイレント映画賞を受賞しました。ニューイングランドの小さな町を舞台にしたこの物語は、小悪党からボードビル劇場のオーナーになったオリバー・ヘンリー3世（ウェスタリー出身のジェフ・ブランシェットが演じる）を中心に展開します。イギリスで貧しい境遇から身を起こした彼は、幸福と大金を求めてアメリカに移住する。運勢が上がり、人生がますます制御不能になるにつれ、彼はバーレスク芸人、パントマイム、浮浪者から上品なフラッパーガールまで、あらゆる階層の人々と知り合う。2021年、マルテ・ヴィルツ監督はサイレント映画『ジェンダー・クライシス』をドイツの映画館で公開し、現在は世界中でオンラインで視聴可能となっている。この映画は、サムソンとデリラの古代の物語を現代風に描いたものである。^{[ 59 ]}

アニメーション映画『使徒』（1917年）と『アハメッド王子の冒険』（1926年）はサイレント映画とされていますが、それぞれの作品では、セリフを使用せず（意味不明な言葉や感情表現のみ）、同期したサウンドと音楽を使用しています。これは、アカデミー賞にノミネートされたアニメーション映画『ひつじのショーン』（2015年）、『レッドタートル ある島の物語』（2016年）、『バーガーのロボット・ドリームス』（2023年）や、アカデミー賞を受賞したアニメーション映画『フロー』（2024年）と同様の手法です。

2026年の映画『ミニオンズ＆モンスターズ』は、1920年代のハリウッドを舞台に、サイレント映画へのオマージュを捧げており、ミニオンたちがトーキー映画が登場する前に偶然にもサイレント映画スターになってしまうという物語です。^{[ 60 ]}

カナダのユーコン準州にあるドーソンシティは、かつて多くの映画の配給ルートの終着点でした。1978年、ドーソンアマチュア運動協会の跡地だった空き地の発掘中に、500巻を超える硝酸セルロースフィルムが発見されました。同協会は1903年にレクリエーションセンターで映画の上映を開始していました。^{[ 66 ] [ 67 ]}パール・ホワイト、ヘレン・ホームズ、グレース・キュナード、ロイス・ウェバー、ハロルド・ロイド、ダグラス・フェアバンクス、ロン・チェイニーなどの作品や、多くのニュース映画が含まれていました。これらの作品は、1929年に使用禁止となったプールの埋め立てに可燃性の硝酸セルロースが使用されるまで、地元の図書館に保管されていました。ユーコンの永久凍土の下で50年間過ごしたため、フィルムは非常に良好な状態で保存されていました。危険な化学的揮発性のため、^{[ 68 ]}この歴史的な発見物は軍用輸送機でカナダ国立図書館・文書館と米国議会図書館に移送され、保管（および安全フィルムへの転送）されました。この発見に関するドキュメンタリー「ドーソンシティ：凍結された時間」は2016年に公開されました。^{[ 69 ] [ 70 ]}