ミュージカル劇場の発展

ミュージカルの発展とは、音楽と組み合わされた演劇の歴史的発展を指し、歌、セリフ、演技、ダンスを組み合わせた現代のミュージカルの統合形態に至りました。音楽は古代から演劇の一部でしたが、現代の西洋ミュージカルは、バラッドオペラとパントマイムが最も人気のある音楽娯楽としてイギリスとその植民地で登場した18世紀まで、数世紀にわたって進化したいくつかの先例から発展しました。

19世紀、ヨーロッパのオペレッタの発展に続いて、イギリスではギルバートとサリバン、アメリカではハリガンとハートの作品によって、現代のミュージカル劇場の構造的要素の多くが確立されました。これに続いて、 1890年代にイギリスで始まったエドワード朝のミュージカルコメディ、そして20世紀初頭にはジョージ・M・コーハンなどのアメリカのクリエイターによるミュージカル劇場作品が生まれました。第一次世界大戦中のニューヨーク市のプリンセス劇場のミュージカルや、 Of Thee I Sing (1931) などの他のスマートなショーは、20世紀初頭のレビューやその他の軽薄な娯楽を超えた芸術的な進歩であり、現代の「ブック」ミュージカルにつながりました。そこでは、歌とダンスが、笑い以外の本物の感情を呼び起こすことができる真剣なドラマティックな目標を持つよくできたストーリーに完全に統合されています。^{[1] [2]}

ヨーロッパのミュージカルの先祖は古代ギリシャの演劇に遡り、紀元前5世紀には舞台の喜劇や悲劇に音楽とダンスが含まれていた。^{[3] [4]}劇作家アイスキュロスとソポクレスは、自分たちの劇の伴奏となる音楽を作曲し、合唱団のダンスを振り付けた。^{[5] [6]}紀元前3世紀のプラウトゥスのローマ喜劇には、オーケストラで演奏される歌とダンスのルーチンが含まれていた。ローマ人は技術的な革新ももたらした。例えば、大きな野外劇場でダンスのステップを聞き取りやすくするために、ローマの俳優はサビラと呼ばれる金属片を舞台の履物に取り付け、これが最初のタップシューズとなった。^[7]しかし、これらすべての形式の音楽は失われており、その後のミュージカルの発展にはほとんど影響を与えなかった。^[8]

中世までに、ヨーロッパの演劇は、旅回りの吟遊詩人と、歌ったりドタバタ喜劇を披露したりする小さな劇団がほとんどでした。^{[9] 12世紀と13世紀には、}ヘロデの戯曲やダニエルの戯曲などの宗教劇が、教会の聖歌に合わせて典礼を教えていました。後には、聖書の物語を一連の娯楽パートで語る「ミステリー劇」が作られました。いくつかのページェントワゴン（車輪の付いた舞台）が街中を動き回り、一団の俳優が物語の自分のパートを語ります。終わると、グループはワゴンで移動し、次のグループが到着して物語の自分のパートを語ります。これらの劇は、詩の形式が散文の対話や典礼の聖歌と交互に現れることもあり、独立したミュージカル劇へと発展しました。詩には、修正された、またはまったく新しいメロディーが付けられました。^[10]

ヨーロッパルネサンスでは、古い形式がイタリアの伝統であるコメディア・デラルテに進化し、後にはオペラ・ブッファになりました。イングランドでは、エリザベス朝およびジェームズ朝の演劇には音楽が含まれることが多く、上演前と上演中に最大1時間、オルガン、リュート、ヴィオル、パイプの演奏が行われました。^{[11]演劇、おそらくは特に重い歴史劇や悲劇では、イタリアの}間奏曲から派生したと思われる、音楽、ジョーク、ダンスを伴う短い音楽劇で中断されることがよくありました。または、ジグと呼ばれるアフターピースが続き、多くの場合、スキャンダラスまたは中傷的なセリフがポピュラーな曲に合わせられました（バラードオペラの先駆け）。^[12]宮廷仮面劇もテューダー朝時代に発展し、音楽、ダンス、歌、演技を伴うものが多く、高価な衣装と複雑な舞台デザインを伴い、時にはイニゴ・ジョーンズのような有名な建築家が手がけ、貴族や王族のパトロンを喜ばせる敬意ある寓話を披露した。^[13] ベン・ジョンソンはジョーンズと共同で多くの仮面劇を書いた。ウィリアム・シェイクスピアは劇中に仮面劇のような部分をよく取り入れた。^[14]

仮面劇の音楽部分は、英語のオペラとして認識できる歌劇へと発展した。その最初のものは、もともと内々に上演されていたウィリアム・ダヴェナントの『ロードス島の包囲戦^{』（1656年）であると考えられている。 [15]}一方フランスでは、 17世紀後半にモリエールが自身の滑稽喜劇のいくつかを歌（ジャン・バティスト・リュリの音楽提供）とダンスを伴う音楽エンターテインメントに変えた。モリエールの『プシュケ』は、トーマス・シャドウェルの英語オペラ『守銭奴』のモデルとなり、1672年に上演された。 ^[16]ダヴェナントは1667年に『テンペスト』を上演した。これはシェイクスピアの筋書きを音楽にした最初のものであり、その後シャドウェルは1674年にこれをオペラ化した（マシュー・ロックらの作曲）。^[16] 1683年頃、ジョン・ブロウは『ヴィーナスとアドニス』を作曲した。これは最初の真の英語オペラと見なされることが多い。^{[17]ブロウの後には}ヘンリー・パーセルが続き、短期間イギリスオペラが流行した。1685年にチャールズ2世が死去すると、イギリスオペラは廃れ始めた。^[15]

18世紀までに、英国で最も人気のあるミュージカルの形式は、ジョン・ゲイの『ベガーズ・オペラ』（1728年）のような、当時の人気曲のメロディーに歌詞をつけた（オペラのパロディーであることも多い）バラッド・オペラと、後にマイケル・バルフの『ボヘミアン・ガール』（1845年）のような、オリジナルの楽曲と大部分がロマンチックな筋書きのパントマイムやコミック・オペラの発展形となった。一方、大陸では、ジングシュピール、コメディ・アン・ヴォードヴィル、オペラ・コミックやその他の軽い音楽娯楽が登場していた。ミュージックホールやメロドラマなど、19世紀までに他のミュージカルの形式も発達した。特にメロドラマとブルレッタが人気を博した理由の1つは、ロンドンの劇場のほとんどがミュージックホールとしてのみ認可されており、音楽のない劇の上演が認められていなかったことである。無許可の劇場の中には、法規制を逃れて、無料と見せかけてミュージカルショーを開催し、お茶を法外な値段で提供していたところもあった。1820年、新しい条例により、無許可の劇場公演は6曲までに制限され、休憩や余談ではなく劇の有機的な一部でなければならなかった。^[18]いずれにせよ、作品のタイトルが必ずしもその作品の内容を規定するものではなかった。ブロードウェイのエクストラバガンザ『魔法の鹿』（1852年）は、「シリアス喜劇、悲劇、オペラ的、歴史的、派手、バーレティカルな魔法の物語」と宣伝されていた。^[9]

記録に残る最初のロングラン演劇は『ベガーズ・オペラ』で、1728年に62回連続で上演された。最初の演劇が100回公演を突破するまでにはほぼ1世紀を要し、書籍『ロンドン生活』 （1821年）に基づいた『トムとジェリー』で、記録はすぐに1820年代後半に150回に達した。^[19]植民地時代のアメリカには、1752年まで劇場の存在は大きくはなかった。この年、ロンドンの実業家ウィリアム・ハラムが、弟のルイスをマネージャーに、12人の俳優の一団を植民地に派遣した。^{[20]彼らは}バージニア州ウィリアムズバーグに劇場を設立し、 『ヴェニスの商人』と『解剖学者』で開幕した。一団は1753年夏にニューヨークに移り、 『ベガーズ・オペラ』などのバラード・オペラや、 『デーモン』や『フィリダ』などのバラード・ファルスを上演した。^[20] 1840年代までに、P.T.バーナムはマンハッタン南部で娯楽施設を経営していた。^[21]アメリカの初期のミュージカル劇場には、ブルレッタやパントマイムなどイギリスの形式もあった。^[8]ニューヨークの劇場は、1850年頃から不動産価格の安さを求めて徐々にダウンタウンからミッドタウンへと移り、タイムズスクエア地区に上演されるようになったのは1920年代から1930年代になってからだった。ブロードウェイ初の「ロングラン」ミュージカルは、 1857年の『エルフ』で、50回上演されたヒット作だった。ニューヨークでの公演はロンドンの公演に大きく遅れをとり続けたが、ローラ・キーンの「ミュージカル・ブルレッタ」『セブン・シスターズ』（1860年）は、253回上演というニューヨークの記録を破った。^[22]

1850年頃、フランスの作曲家エルヴェは、後にオペレットと呼ばれるようになる喜劇的なミュージカル劇の形式を実験していた。^[24]オペレッタの作曲家として最もよく知られているのは、1850年代から1870年代のジャック・オッフェンバックと、 1870年代と1880年代のヨハン・シュトラウス2世である。 ^[8]オッフェンバックの豊かなメロディーと台本作家の機知に富んだ風刺が組み合わさって、その後のミュージカル劇のモデルとなった。 1957年、マーク・ラボックは、オフェンバックからギルバート・アンド・サリバン、そして最終的にはアーヴィング・バーリンやロジャース・アンド・ハマースタインへと続くミュージカル劇場の発展をたどり、次のように書いている。「オフェンバックは間違いなく『ミュージカル』の歴史において最も重要な人物である。^[25] 19世紀半ばのイギリスでは、ミュージカル劇場は主にミュージックホール、フランスのオペレッタの翻案（下手なきわどい翻訳で上演された）、ミュージカル・バーレスク（その集大成は1868年に始まったゲイエティ劇場で上演された）で構成されていた。これらに反応して、ドイツのリード・エンターテインメントなど、家族向けのエンターテインメントがいくつか作られた。^[26]

アメリカでは、19世紀半ばのミュージカル劇場の娯楽には、後にヴォードヴィルへと発展した粗野なバラエティ・レビュー、すぐに大西洋を渡ってイギリスに伝わったミンストレル・ショー、そしてイギリスの一座によってアメリカで最初に人気を博したビクトリア朝のバーレスクなどがあった。^[8] 1866年にニューヨークで初演され大成功を収めたミュージカル・エンターテインメント「ブラック・クルック」は、ダンスと物語を伝えるオリジナルの音楽を組み合わせたものだった。露出度の高い衣装で有名なこの壮大な作品は、記録破りの474回の公演を行った。^{[27] [28]}同年、「ブラック・ドミノ/ビトウィーン・ユー・ミー・アンド・ザ・ポスト」は、自らを「ミュージカル・コメディ」と名乗った最初のショーとなった。 1874年、エドワード・E・ライスとJ・チーヴァー・グッドウィンによる『エヴァンジェリンあるいはアルカディアの美女』がニューヨークで初演された。これはロングフェローの『エヴァンジェリン』を大まかに基に、オリジナルのアメリカのストーリーと音楽をつけたもので、成功を収め、ボストン、ニューヨークで再演され、ツアーも繰り返された。 ^[29]コメディアンのエドワード・ハリガンとトニー・ハートは、1878年（ 『マリガン・ガード・ピクニック』）から1885年までブロードウェイのミュージカルをプロデュースし、主演を務めた。脚本と作詞はハリガン、音楽は義父のデイヴィッド・ブラハムが担当した。これらのミュージカル・コメディは、ニューヨークの下層階級の日常生活からとった登場人物や状況を特徴としていた。主演は、以前のミュージカルで主役を務めていた評判の怪しい女性ではなく、一流の歌手（リリアン・ラッセル、ヴィヴィアン・シーガル、フェイ・テンプルトン）だった。ハイアーズ姉妹はアメリカのミュージカル劇場の先駆者でもあり、1870年代にミュージカル劇を通してアフリカ系アメリカ人の奴隷制と自由の物語を語りました。^[30] 1879年、ネイト・サルズベリーの『 The Brook』は、アメリカの現代舞踊スタイルと「劇団のメンバーが川下りの旅をする...途中で多くの障害や災難に見舞われる」というアメリカの物語を盛り込んだ、もう1つの全国的なヒット作となりました。^[29]

劇場の上演期間は、近代ミュージカルの登場とほぼ同時期に急速に変化しました。交通手段が改善され、ロンドンとニューヨークの貧困が軽減し、街灯が夜間の移動を安全にするとともに、劇場数の増加に伴い、潜在的な観客数が大幅に増加しました。演劇の上演期間が長くなっても観客を引き付けることができるため、利益が上がり、制作価値も向上しました。連続500回公演を達成した最初の演劇は、1875年に初演されたロンドンの（ミュージカルではない）コメディ『Our Boys』で、1,362回上演という驚異的な新記録を打ち立てました。^{[19]この記録は}第一次世界大戦 までミュージカルの舞台では達成されなかったが、ミュージカル劇場はすぐにロンドンで500回公演の大台を突破した。最も顕著なのは、 1878年の『HMSピナフォア』や1885年の『ミカド』など、ギルバート・アンド・サリバンの家族向けの喜劇オペラのヒット作が12作以上も続いたことだろう。これらは大西洋の両側で大ヒットし、 ^[31]劇場におけるその他の変化とともに、成功した公演の基準を引き上げた。19世紀のミュージカル作品で『ミカド』の公演回数を超えたのはほんのわずかで、『 ノルマンディーの鐘』（『コルヌヴィルの鐘』）は1878年にロンドンで705回上演され、アルフレッド・セリエとB.C.スティーブンソンの1886年のヒット作『ドロシー』（喜劇オペラとミュージカルコメディの中間のショー）は931回上演という新記録を樹立した。

ギルバートとサリバンが後のミュージカルに与えた影響は大きく、歌詞と会話が一貫したストーリーを進めるようにミュージカルを「統合」する方法の例を生み出した。^{[32] [33]} 彼らの作品は、アイヴァン・キャリル、ライオネル・モンクトン、PG・ウッドハウス、^{[34] [35]}ヴィクター・ハーバート、そして後にはジェローム・カーン、アイラ・ガーシュイン、ローレンツ・ハート、アラン・ジェイ・ラーナー、^[31] イップ・ハーバーグ、^[36] アーヴィング・バーリン、アイヴァー・ノヴェロ、オスカー・ハマースタイン2世、アンドリュー・ロイド・ウェバーなど、初期のミュージカル作家や作曲家に賞賛され、模倣された。^[37] 1870年代と1880年代の他のイギリスの作曲家には、エドワード・ソロモンやF・オズモンド・カー がいる。サヴォイ・オペラに始まる、最も人気のあるイギリスのショーは、ニューヨークでの公演やイギリス、アメリカ、ヨーロッパ、オーストラリア、南アフリカでのツアーでも利益を上げた。これらのショーは「立派な」観客向けのもので、ギルバート・アンド・サリバン以前に舞台を独占し、時には不健全な娯楽を求める怪しげな観客を引き付けたきわどいバーレスク、メロドラマ、ミンストレル・ショー、下品なミュージックホール・ショー、フランスのオペレッタとは著しい対照をなしていた。^[26]

チャールズ・H・ホイトの『チャイナタウン旅行』（1891年）はブロードウェイのロングラン・チャンピオン（1919年の『アイリーン』まで）で、657回上演された。ギルバートとサリバンの喜劇オペラは、ニューヨークでレジナルド・ド・コーベンの『ロビン・フッド』（1891年）やジョン・フィリップ・スーザの『エル・キャピタン』 （1896年）などの作品によって盗作や模倣が行われた。 『クーンタウン旅行』 （1898年）は、ブロードウェイ劇場で完全にアフリカ系アメリカ人によって制作・上演された最初のミュージカル・コメディ（ミンストレル・ショーのルーチンに大きく触発された）であり、ラグタイム風の『クロリンディ、またはケークウォークの起源』（1898年）と大成功を収めた『ダオメーにて』（1902年）が続いた。 1890年代から20世紀初頭にかけて、ブロードウェイでは何百ものミュージカル・コメディが上演されたが、これらはニューヨークのティン・パン・アレーで作曲された曲で、ガス・エドワーズ、ジョン・ウォルター・ブラットン、ジョージ・M・コーハン（リトル・ジョニー・ジョーンズ（1904年））などの作曲家によって作曲された。それでも、1920年代まで、ニューヨークでの公演は、ロンドンでの公演に比べると、いくつかの例外を除いて比較的短期間であった。^[19]しかし、ツアーは、オリジナルのブロードウェイキャストから始まり、しばしば大規模であった。^[38]

一方、ミュージカルは、ゲイ・ナインティーズまでにロンドンの舞台に広まりました。ジョージ・エドワーズは、リチャード・ドイリー・カートのサヴォイ劇場の経営を離れ、ゲイエティ劇場を引き継ぎ、最初は古いバーレスクの質を向上させました。彼は、観客がサヴォイ風の喜劇オペラとその知的、政治的、不条理な風刺に代わる新しいものを望んでいると感じました。彼は、ゲイエティ、デイリーズ劇場、その他の会場で、軽快でポピュラーな歌、軽快でロマンチックな冗談、スタイリッシュなスペクタクルを備えた、現代的な衣装の家族向けのミュージカル劇場スタイルを試しました。これらは、喜劇オペラの伝統を引き継ぎ、バーレスクやハリガン・アンド・ハートの作品の要素も取り入れました。彼は、バーレスクの卑猥な女性を、彼の「立派な」歌って踊るゲイエティ・ガールズに置き換え、音楽と視覚の楽しさを完成させました。最初の作品である 1892 年の『イン タウン』と1893 年の『ゲイエティ ガール』の成功により、エドワーズは自分の進むべき道を確信しました。彼が「ミュージカル コメディ」と呼んだこれらの作品は、ロンドンの舞台に革命をもたらし、その後 30 年間の方向性を決定づけました。

エドワーズの初期のゲイエティ劇場でのヒット作には、軽妙でロマンチックな「貧しい乙女が貴族に恋をして、どんな困難にも負けずに彼を勝ち取る」という一連のショーがあり、タイトルに「少女」という言葉が入っていることが多い。その中には、イヴァン・キャリルとライオネル・モンクトンの音楽による『ショップ・ガール』（1894年）や『ランナウェイ・ガール』 （1898年）などがある。これらのショーはすぐにロンドンの他の劇場で広く模倣され（すぐにアメリカでも）、エドワード朝のミュージカル・コメディは、それ以前のミュージカル形式であるコミック・オペラやオペレッタを駆逐した。デイリーズ劇場では、エドワーズはもう少し複雑なコメディのヒット作を上演した。シドニー・ジョーンズ作、ハリー・グリーンバンクとエイドリアン・ロス作詞の『ゲイシャ』（ 1896年）、そしてジョーンズの『サン・トイ』（1899年）は、それぞれ2年以上上演され、オーストラリアのJCウィリアムソンによるプロダクションなどでも国際的に大きな成功を収めた。

レスリー・スチュアートとポール・ルーベンスによる英国のミュージカル・コメディ『フロロドラ』（1899年）は、大西洋の両側で話題を呼んだ。英国の作詞家ジョージ・ダンスとアメリカ生まれの作曲家ハワード・タルボットによる『チャイニーズ・ハネムーン』 （1901年）も同様で、ロンドンで1,074回、ニューヨークで376回という記録的な上演回数を記録した。この物語は、中国で新婚旅行に出かけたカップルが、うっかりキスの掟を破ってしまうという内容（『ミカド』を彷彿とさせる）。『ベル・オブ・ニューヨーク』（1898年）は、ニューヨークで短期間上演された後、ロンドンで697回上演され、ロンドンで1年以上上演された最初のアメリカミュージカルとなった。 20世紀に入ると、シーモア・ヒックス（アメリカのプロデューサー、チャールズ・フローマンと組んだ）が作曲家チャールズ・テイラーらと人気ショーを書き、エドワーズとロスは『闘牛士』（1901年）、『田舎娘』（1902年）、『蘭』（1903年）、 『ゴッテンベルグの娘たち』（1907年）、『我らがギブス嬢』 （1909年）などのヒット作を次々と世に送り出した。エドワード朝時代のミュージカル・コメディのヒット作には他に『アルカディアンズ』（1909年）や『クエーカー・ガール』（1910年）などがある。^[39]

1890年代には、どこにでも見られるエドワード朝時代のミュージカル・コメディとの競争により、オペレッタは英語圏の舞台から事実上排除されたが、1907年に『メリー・ウィドウ』でロンドンとブロードウェイに戻り、オペレッタとミュージカルは一時、直接競合するようになった。20世紀初頭には、19世紀大陸のオペレッタの英語版や、フランツ・レハールやオスカー・シュトラウスなど、新世代のヨーロッパの作曲家によるオペレッタが、英語圏全体に広まった。アメリカでは、ビクター・ハーバートが一連の有名なオペレッタ（『フォーチュン・テラー』（1898年）、『おもちゃの国のベイブス』 （1903年）、『モディスト夫人』（1905年）、『赤い風車』（1906年）、『いたずらなマリエッタ』 （1910年））を制作した。台本作家のハリー・B・スミスとの共演も多い。また、現代的な設定の親密なミュージカル劇もいくつか制作した。英語圏では、第一次世界大戦中にドイツ語のオペレッタの人気は低下した。^[40]

1910年代のイギリスとアメリカの作曲家や台本作家の中では、PG・ウッドハウス、ガイ・ボルトン、ジェローム・カーンのチームが際立っていました。ギルバートとサリバンの足跡をたどった彼らの「プリンセス・シアター・ショー」は、ミュージカルが軽快で大衆的な娯楽とストーリーと歌の連続性を組み合わせることができることを示し、カーンの後の作品への道を開いたのです。^[32]

「これらのショーは、その後のほとんどすべての主要なミュージカル コメディの原型を築き、磨き上げた。... ミュージカル コメディの許可の範囲内で、登場人物や状況は信憑性があり、ユーモアは状況や登場人物の性質から生まれた。カーンの絶妙に流れるようなメロディーは、アクションを盛り上げたり、キャラクターを発展させたりするために使われた。歌とストーリーの融合は、ミュージカル シアターの画期的な進歩として定期的に発表されている。偉大なオペラは常にこれを行っており、ギルバートとサリバンやフランスのオペラ ブッフでそのような融合を示すのは簡単だ。しかし、初期のミュージカル コメディは、しばしば当たり外れのある方法で歌を挿入するという過ちを犯していた。プリンセス劇場のミュージカルは、アプローチの変化をもたらした。当時最も観察力があり、教養があり、機知に富んだ作詞家であった P.G. ウッドハウスと、ボルトン、ウッドハウス、カーンのチームは、今日まで影響を及ぼしている。」^[41]

第一次世界大戦の暗い時代には、劇場に通う人々は現実逃避できる娯楽を求めており、劇場に集まった。ハリー・ティアニーとジョセフ・マッカーシーの1919年のヒットミュージカル「アイリーン」は670回上演され、1938年の「ヘルザポッピン」までブロードウェイの記録を保持していた。イギリスの観客は、「山の乙女」（1,352回上演）や特に「チュー・チン・チョウ」のようなはるかに長い上演期間を支持した。2,238回の上演回数は、それ以前のどのミュージカルの2倍以上で、「サラダ・デイズ」までほぼ40年間破られなかった記録だった。「ビング・ボーイズ・アー・ヒア・イン・ブリテン」のようなレビューや、フロレンツ・ジーグフェルドとアメリカの彼の模倣者によるレビューも非常に人気があった。1920年代には、ルドルフ・フリムルやジークムント・ロンベルグなど、オペレッタの新世代の作曲家が登場した。^[9]

19世紀から1920年にかけての英国ミュージカル劇場の優位性は、20世紀に入ると徐々にアメリカの革新に取って代わられていった。アメリカにおけるエドワーズの競争相手であり対抗勢力となったのは、チャールズ・フローマンと彼のシアトリカル・シンジケートだった。世紀の変わり目以降、ジョージ・M・コーハンとハーバートのミュージカル・エンターテインメントは、プリンセス劇場のショーや他の多くのミュージカルに取って代わられ、カーンと他のティン・パン・アレーの作曲家たちがラグタイムやジャズといった新しい音楽スタイルを劇場に持ち込み始めた。戦後は、ガーシュイン兄弟（ジョージとアイラ）、アーヴィング・バーリン、ロジャース＆ハートといった新しい作家たちがショーをプロデュースし始めたため、シューバート兄弟がブロードウェイ劇場を掌握した。ミュージカル劇作家アンドリュー・ラムは、「20世紀最初の数十年間にアメリカの作品がヨーロッパの作品に勝利したのは、社会背景の変化が背景にあった。19世紀の社会構造のオペラや演劇のスタイルは、20世紀の社会とその俗語により適した音楽スタイルに取って代わられた。より直接的なスタイルが生まれたのはアメリカであり、アメリカでは、19世紀の伝統に縛られなくなった発展途上の社会でそれが繁栄することができた。」と述べている。^{[8] [42]}

狂騒の20年代のミュージカルは、ヴォードヴィル、ミュージックホール、その他の軽い娯楽から借用したもので、筋書きを犠牲にして、スター俳優や女優、派手なダンスルーチン、ポピュラーソングを強調する傾向があった。この10年間の典型は、『サリー』、『レディ・ビー・グッド』 、『サニー』、『ノー・ノー・ナネット』、『オー・ケイ!』、 『ファニー・フェイス』などの明るい作品だった。これらのショーの脚本は忘れられがちだったかもしれないが、マリリン・ミラーやフレッド・アステアなどのスターが登場し、ジェローム・カーン、ガーシュイン兄弟、アーヴィング・バーリン、コール・ポーター、ヴィンセント・ユーマンズ、リチャード・ロジャースとローレンツ・ハートのチームなどによる、何十もの不朽の人気曲 (「スタンダード」) を生み出した。20世紀前半を通じて、ポピュラー音楽はミュージカル劇の作曲家と作詞家によって支配されていた。これらのミュージカルと、それらが生み出した「 Fascinating Rhythm」、「Tea for Two」、「Someone to Watch Over Me 」などのスタンダード曲は、大西洋の両側で人気を博しました。

多くのショーはレビュー、つまりほとんどあるいは全く関連性のないスケッチと歌の連続だった。これらの中で最も有名なのは、毎年行われるジーグフェルド・フォリーズで、豪華なセット、凝った衣装、美しいコーラスガールをフィーチャーした、ブロードウェイでの壮大な歌とダンスのレビューだった。 ^[8]これらのスペクタクルは制作費も引き上げ、ミュージカルの上演は一般的に高価になった。ブロードウェイでは、全員がアフリカ系アメリカ人のショーであるシャッフル・アロングがヒットした。 ^{[43]ロンドンでは、}アイヴァー・ノヴェロやノエル・カワード などのスターが人気を博した。一方、第一次世界大戦以来英語圏の舞台でほとんど見られなかったオペレッタが、最後の爆発的な人気を得た。ヨーロッパ大陸の作曲家の作品が成功したほか、アメリカでは、それぞれ『ローズマリー』や『学生王子』などのジークムント・ロンバーグやルドルフ・フリムルの作品が成功した。ブロードウェイにおけるこの時代の最後のヒットオペレッタは、1928年のロンバーグの『新月』^{であった。 [44]}

1927年12月27日にニューヨークのジーグフェルド劇場で初演された『ショウボート』は、その10年間の比較的軽薄なミュージカルや感傷的なオペレッタをはるかに超えて、プリンセス劇場のミュージカルよりも脚本と音楽のさらに完全な統合を表し、劇的なテーマが音楽、会話、設定、動きを通して語られました。これは、カーンの音楽の叙情性と、エドナ・ファーバーの小説を脚色し、ショーのために歌詞を書いたオスカー・ハマースタイン2世の巧みな技術を組み合わせることによって達成されました。ある歴史家は、「ここで、ミュージカルコメディとは異なるミュージカル劇というまったく新しいジャンルが登場しました。今や劇が中心となり、他のすべては劇に従属していました。今や、歌、ユーモア、演出が単一の切り離せない芸術的存在に完全に統合されました」と書いています。^[45]しかし、ボードマンは「 『ショウボート』は、その多くのアリア調の部分、音楽の深みと真剣さ、そして典型的なオペレッタ風に遠い昔を舞台にしたロマンチックな物語などから、確かにオペレッタである」と主張する。^[41]しかし、ブロードウェイ公演後の『ショウボート』全国ツアー中に大恐慌が起こり、大衆は再び軽く派手な現実逃避的な娯楽に目を向け、 1943年の『オクラホマ!』まで深刻な社会問題をこれほど真剣に扱った続編は制作されなかった。 ^[41]

映画は舞台に挑んだ。当初、映画は無声で、劇場との競争は限られていた。しかし、1920年代末には、ジャズ・シンガーのような映画が同期音声付きで上映されるようになった。低価格の「トーキー」映画は、1930年代初頭までにヴォードヴィルを事実上消滅させた。歴史家のジョン・ケンリックは次のようにコメントしている。「ヴォードヴィルのトップスターは、一回限りのギャラで演技を撮影し、意図せずしてヴォードヴィルの終焉を早めた。結局のところ、「小規模」劇場が「大物」パフォーマーを1席5セントでスクリーンに映し出せるのに、観客にそれほど印象に残らない生のタレントに高額の料金を請求できるだろうか？」^[46]

大恐慌は大西洋の両側の劇場観客に影響を与え、人々は娯楽に使えるお金がほとんどありませんでした。その10年間でブロードウェイやロンドンで500回以上の公演回数を記録した舞台はほんのわずかでした。

多くのショーは、1920年代の先駆者たちの軽快な歌とダンスのスタイルを継承した。レビュー『バンド・ワゴン』 （1931年）では、フレッド・アステアとその妹アデルがダンスパートナーとして主演し、コール・ポーターの『エニシング・ゴーズ』（1934年）は、エセル・マーマンがミュージカル劇場のファーストレディとしての地位を固め、彼女はその称号を長年維持した。ノエル・カワードやアイヴァー・ノヴェロなどのイギリス人作家は、 『ダンシング・イヤーズ』などの昔ながらの感傷的なミュージカルを引き続き発表した。同様に、ロジャース＆ハートはハリウッドから戻り、一連のブロードウェイヒット作を世に送り出した。その中には『オン・ユア・トーズ』（1936年、レイ・ボルジャー出演、古典舞踊を劇的に使用した最初のブロードウェイミュージカル）、『ベイブス・イン・アームズ』（1937年）、 『シラキュースから来た少年たち』（1938年）などがあり、コール・ポーターも同様のヒット作を次々と書き下ろし、 『エニシング・ゴーズ』 （1934年）、『デュバリーは淑女だった』（1939年）などがある。1930年代のミュージカル劇場で最も長く上演された作品は『ヘルザポッピン』（1938年）で、観客参加型レビューで1,404回上演され、ブロードウェイの新記録を樹立したが、 5年後に『オクラホマ！』に破られた。

しかし、いくつかのクリエイティブチームが『ショーボート』の革新性を基に、ミュージカル風刺、時事問題をテーマにした本、オペラ的スケールの実験を始めていた。ジョージ・ガーシュイン作曲、アイラ・ガーシュインとモリー・ライスキンド作詞による政治風刺劇『オブ・ジー・アイ・シング』（1931年）は、ピューリッツァー賞を受賞した最初のミュージカルとなった。^{[8] [47]}アーヴィング・バーリンとモス・ハートによるレビュー『アズ・サウザンズ・チア』 （1933年）では、歌やスケッチが新聞の見出しに基づいており、アフリカ系アメリカ人のエセル・ウォーターズが白人俳優と共演した最初のブロードウェイショーとなった。ウォーターズのナンバーには、リンチされた夫を嘆く女性の「サパー・タイム」などがあった。 ^[48]ガーシュイン兄弟とデュボーズ・ヘイワードによる『ポーギーとベス』 （1935年）は、キャスト全員がアフリカ系アメリカ人で、オペラ、フォーク、ジャズの表現が融合した作品である。この作品はオペラの定番レパートリーに入り、ある意味では『ウエスト・サイド物語』や『スウィーニー・トッド』などの「オペラ」ミュージカルの先駆けとなった。『ゆりかごは揺れる』 （1937年）は、マーク・ブリッツスタインの脚本と音楽、オーソン・ウェルズの演出による、非常に政治的な労働組合支持の作品であり、論争を巻き起こしたにもかかわらず、108回の上演が行われた。リチャード・ロジャースとロレンツ・ハートの『I'd Rather Be Right』（1937年）は、ジョージ・M・コーハンがフランクリン・D・ルーズベルト大統領を演じた政治風刺小説であり、ワシントン・アーヴィングの原典に基づくクルト・ヴァイルの『ニッカボッカーの休日』は、フランクリン・D・ルーズベルト大統領の善意を温厚に風刺しながらニューヨーク市の初期の歴史を描いている。

1940年代の経済不況と映画との競争にもかかわらず、ミュージカルは生き残った。実際、『汝を歌え』、『アイド・ラザー・ビー・ライト』、 『ニッカボッカー・ホリデー』における政治風刺への移行、ガーシュイン、カーン、ロジャース、ワイルのミュージカルの音楽的洗練、演出家ジョージ・アボットによるテンポの速い舞台設定と自然な会話スタイルは、ミュージカル劇場が、陽気な90年代と狂騒の20年代のギャグとショーガールのミュージカル、そしてオペレッタの感傷的なロマンスを超えて進化し始めていることを示していた。^[8] ロジャースとハマースタインの『オクラホマ!』 (1943年)は、 『ショウボート』で始まった革命を完成させ、一貫性のあるよりシリアスなプロット、物語の展開を促し登場人物を成長させる歌とダンスで、ミュージカル劇場のあらゆる側面をしっかりと統合した。また、この作品はブロードウェイ初の大ヒットショーでもあり、合計2,212回の公演が行われ、ヒット映画にもなった。^{[2] [49]}

• オペラの歴史
• 長期上演ミュージカル
• 劇場音楽
• ショーの曲

• インターネット ブロードウェイ データベース – キャストと作品リスト、歌リスト、賞リスト
• Guidetomusicaltheatre.com – 概要、キャストリスト、歌のリストなど。
• ミュージカルの歴史（V&A博物館のウェブサイト）
• MIDI ファイルやその他の情報へのリンクがある初期のミュージカル劇場のサイト