チェロ

チェロ

チェロ、正面と側面図。
弦楽器
その他の名前	チェロ
ホルンボステル・ザックス分類	321.322-71 (弓で鳴らす 複合弦楽器)
発展した	1660年頃バスバイオリンより
プレイ範囲
関連機器
ヴァイオリン属（ヴァイオリン、ビオラ） コントラバス
サウンドサンプル

チェロ（/ ˌ v aɪ ə l ə n ˈ tʃ ɛ l oʊ / VY -ə-lən- CHEL -oh、イタリア語発音: [vjolonˈtʃɛllo]）^[1]は、しばしば単にチェロ（/ ˈ tʃ ɛ l oʊ / CHEL -oh）と略される、バイオリン属の擦弦楽器（時には撥弦楽器、時には叩弦楽器） である。4本の弦は通常、低音から高音へ、C ₂、 G ₂、 D ₃、 A ₃の完全5度に調律されている。ビオラの4本の弦はそれぞれ1オクターブ高い。チェロの音楽は一般にヘ音記号で書かれ、高音域では テナー記号とト音記号が用いられる。

チェロ奏者によって演奏され、伴奏付き、伴奏なしのソロレパートリーが広く、また協奏曲も数多くある。ソロ楽器としては、チェロはベースからソプラノまでの全音域を使用し、弦楽四重奏やオーケストラの弦楽セクションなどの室内楽では、しばしばベースパートを演奏し、コントラバスによって1オクターブ低い音を補強されることもある。バロック時代の通奏低音音楽では、通常、オルガン、チェンバロ、リュート、テオルボなどの和音楽器とともに、チェロ、ビオラ・ダ・ガンバ、ファゴットが通奏低音グループの一部となる。チェロは、現代の中国のオーケストラからチェロ・ロック・バンドまで、多くのアンサンブルで使用されている。

チェロという名前は、イタリア語の violoncelloの語尾に由来しており、^[2]「小さなヴィオローネ」を意味する。ヴィオローネ(「大きなヴィオラ」) は、ヴィオル(ヴィオラ・ダ・ガンバ) ファミリーまたはヴァイオリン(ヴィオラ・ダ・ブラッチョ) ファミリーの大型楽器であった。今日「ヴィオローネ」という用語は通常、ヴィオル (17 世紀末頃にイギリスと特にフランスを除くほとんどの国で廃れた弦楽器ファミリー) の中で最も低い音の楽器を指す。フランスでは、より大きな音のヴァイオリンファミリーが同様に人気を博すまで、ヴィオローネはさらに半世紀存続した。現代の交響楽団では、チェロは 2 番目に大きな弦楽器である (最も大きいのはコントラバス)。したがって、「ヴィオロンチェロ」という名前には、増強音の「-one」(「大きい」) と縮小音の「-cello」(「小さな」) の両方が含まれている。 20世紀に入ると、この名前を「チェロ」と短縮することが一般的になり、アポストロフィは語幹がないことを示す。^[3]現在では、アポストロフィなしの「チェロ」を完全な名称として使用するのが通例となっている。^[3] ヴィオルは、弦楽器を意味する中世ラテン語の「ヴィトゥラ」に由来する語源の「ヴィオラ」から派生した。

チェロは5度調律されており、C ₂ （中央の C の2オクターブ下）から始まり、 G ₂、 D ₃、 A _{3と続きます。}ビオラとまったく同じ音程と弦に調律されていますが、1オクターブ低くなっています。コントラバスと同様に、チェロには楽器の重量を支えるために床に置くエンドピンがあります。チェロはヨーロッパのクラシック音楽と最も密接に関連しています。この楽器は標準的なオーケストラの一部であり、弦楽セクションの一部として、また弦楽四重奏団のベース音源（多くの作曲家は旋律的な役割も与えています）であるほか、多くの室内楽グループの一部でもあります。

チェロのための最も有名なバロック作品には、ヨハン・セバスチャン・バッハの6つの無伴奏組曲がある。その他の重要な作品には、アントニオ・ヴィヴァルディのソナタと協奏曲、フランチェスコ・ジェミニアーニとジョヴァンニ・ボノンチーニの無伴奏ソナタがある。ドメニコ・ガブリエッリは、チェロを独奏楽器として扱った最初の作曲家の一人である。通奏低音楽器としてのチェロは、フランチェスカ・カッチーニ（1587年 - 1641年）やバルバラ・ストロッツィ（1619年 - 1677年）の『マドリガーリの第一楽章、2〜5声と通奏低音による』作品1 、エリザベート・ジャケ・ド・ラ・ゲール（1665年 - 1729年）の作品で使用された可能性がある。ストロッツィは、ヴァイオリンと通奏低音のためのソナタを6曲書いた。フランチェスコ・スプリアーニの『チェロ独奏のための原理と12のトッカータ』 （1753年以前）^[4]はこの時代のものである。作品名が示すように、この作品には12のチェロ独奏用のトッカータが収められており、ヨハン・セバスチャン・バッハの無伴奏チェロ組曲とともに、この種の作品としては初期のものの一つである。

古典派の時代では、ヨーゼフ・ハイドンのハ長調とニ長調の2つの協奏曲が傑出しており、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンのチェロとピアノのための5つのソナタも同様で、これらは彼の作曲の進化における重要な3つの時期にわたる。その他の顕著な例としては、カール・フィリップ・エマヌエル・バッハの3つの協奏曲、ダラバコのカプリッチ、フラックトン、ボイスモルティエ、ルイジ・ボッケリーニのソナタなどがある。ピアノ、クラリネット、ビオラ、チェロのためのディヴェルティメントは、ブラウンシュヴァイク＝ヴォルフェンビュッテル公爵夫人アンナ・アマリア（1739年 - 1807年）の現存する作品の一つである。ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトは1775年にチェロ協奏曲ヘ長調K.206aを書いたとされているが、これはその後失われている。彼の協奏交響曲イ長調 K. 320e には、ヴァイオリンとヴィオラに加えてチェロのソロパートが含まれていますが、この作品は未完成で断片しか存在しないため、Anh. 104 という番号が付けられています。

ロマン派時代の有名な作品としては、ロベルト・シューマンの 協奏曲、アントニン・ドヴォルザークの 協奏曲、カミーユ・サン＝サーンスの 協奏曲第1番、ヨハネス・ブラームスの2つのソナタと二重協奏曲などがある。ロマン派時代のチェロ作品を検討する際には、ドイツの作曲家ファニー・メンデルスゾーン（1805年 - 1847年）を必ず挙げるべきだ。メンデルスゾーンはチェロとピアノのための幻想曲ト短調^[5]とチェロのためのカプリッチョ変イ長調^{[6]を書いた。}

19世紀後半から20世紀初頭の作品には、エセル・スミス女史（1858年 - 1944年）による3つのチェロ・ソナタ（1880年に書かれたチェロ・ソナタ ハ短調を含む）、エドワード・エルガーのチェロ協奏曲ホ短調、クロード・ドビュッシーのチェロとピアノのためのソナタ、ゾルタン・コダーイとパウル・ヒンデミットによる無伴奏チェロ・ソナタなどがある。チェロを含む曲は、アメリカン・ミュージック・センターの創設者マリオン・バウアー（1882年 - 1955年）（フルート、チェロ、ピアノのための2つのトリオ・ソナタ）とルース・クロフォード・シーガー（1901年 - 1953年）（ファゴットとチェロのためのディアフォニック組曲第2番）によって書かれた。

チェロは多用途であるため、この時代、セルゲイ・プロコフィエフ、ドミトリ・ショスタコーヴィチ、ベンジャミン・ブリテン、ジェルジ・リゲティ、ヴィトルド・ルトスワフスキ、アンリ・デュティユーなど多くの作曲家に好まれました。ポーランドの作曲家グラジナ・バツェヴィチ(1909–1969) は、20世紀半ばにチェロのための作品を書き、チェロと管弦楽のための協奏曲第1番 (1951年)、チェロと管弦楽のための協奏曲第2番 (1963年) を作曲し、1964年には4つのチェロのための四重奏曲を作曲しました。

2010年代にはポピュラー音楽でこの楽器が使われるようになったが、1970年代のポップやディスコ音楽でより一般的に使われていた。^{[要出典]今日では}ポップやロックのレコーディングで時々取り上げられており、その例はこの記事の後半で紹介する。チェロはまた、歌手のリアーナとニーヨの2007年のアメリカン・ミュージック・アワードでのパフォーマンスなど、主要なヒップホップやR&Bのパフォーマンスにも登場している。^[7]この楽器は、ナンシー・レッシュとサスキア・ラオ・デ・ハースによってインド古典音楽用に改造されたこともある。^[5]

ヴァイオリン属は、チェロほどの大きさの楽器も含め、 1500年頃にヴィオラ・ダ・ガンバ属とは異なる楽器群として登場しました。  1530年頃のイタリアで描かれたヴァイオリン属の最古の絵画には、現在ヴァイオリン、ビオラ、チェロと呼ばれるものにほぼ相当する3つのサイズの楽器が描かれています。よくある誤解に反して、チェロはヴィオラ・ダ・ガンバから進化したものではなく、約2世紀半にわたってヴィオラ・ダ・ガンバと共存していました。ヴァイオリン属は、ヴィオラ・ダ・ブラッチョ（腕のヴィオラを意味する）属としても知られており、属する楽器の主な保持方法に由来しています。これは、すべての楽器を脚で保持するヴィオラ・ダ・ガンバ（脚のヴィオラを意味する）属と区別するためです。ヴァイオリン属の前身と考えられる楽器には、リラ・ダ・ブラッチョやレベックがあります。現存する最古のチェロは、有名なアマティ家の最初の弦楽器製作者として知られるアンドレア・アマティによって作られたものである。^[8]

チェロの直接の祖先はバス・ヴァイオリンである。^{[ unt. library ]}モンテヴェルディはオルフェオ(1607) の中でこの楽器を「basso de viola da braccio」と呼んでいる。おそらく 1538 年頃に発明された最初のバス・ヴァイオリンは、ヴィオラにヒントを得たものと思われるが、ヴァイオリンと組み合わせる目的で作られた。バス・ヴァイオリンは実際には「ヴィオローネ」、つまり「大きなヴィオラ」と呼ばれることが多く、同時代のヴィオラも同様であった。バス・ヴァイオリンとヴィオラ・ダ・ガンバの両方の特徴を持つ楽器は、16 世紀初頭のイタリア美術に登場している。

 1660年頃にボローニャで発明された巻線弦(細いガットの芯の周りに細いワイヤー) により、短いボディで純粋なガット弦を張った場合よりも繊細な低音を出すことが可能になりました。ただし、この楽器には欠点もありました。チェロの軽い音は教会やアンサンブルでの演奏には適していなかったため、オルガン、テオルボ、またはヴィオローネで補強する必要がありました。

1700年頃、イタリアの演奏家が北ヨーロッパでチェロを普及させたが、フランスではその後も20年間、バスバイオリン（basse de violon）が使用され続けた。^[9]ストラディバリウスが開発した小型のパターンに従って、現存するバスバイオリンの多くが文字通りサイズダウンされ、チェロに改造された。ストラディバリウスは、古いパターンの大型チェロ（「セルヴェ」）も数多く製作している。^[10]チェロのサイズ、名前、調律は、地域や時代によって大きく異なっていた。^{[10]サイズは} 1750年頃まで標準化されなかった。

ヴィオラ・ダ・ガンバとの類似点があるにもかかわらず、チェロは実際は「腕のヴィオル」を意味するヴィオラ・ダ・ブラッチョ・ファミリーに属し、このファミリーにはヴァイオリンやヴィオラなどが含まれます。ブリューゲルの「田舎の結婚式」やジャンブ・ド・フェールの「エピトーム・ミュージカル」などの絵画は、バスヴァイオリンに代替演奏ポジションがあったことを示唆していますが、これらは長くは続かず、より実用的で人間工学的なガンバポジションが最終的に完全に取って代わりました。

バロック時代のチェロは、現代の楽器とはいくつかの点で異なっている。ネックの形状と角度は異なっており、バロック時代のバスバーと弦に合わせている。^{[11] [12]}指板は通常、現代のチェロよりも短いが、これはバロック音楽では最高音が求められることがあまりないからである。現代のチェロには、楽器を支える（そして音の一部を床に伝える）ためのエンドピンが底部にあるが、^[13]バロック時代のチェロは演奏者のふくらはぎだけで保持される。現代の弓は内側にカーブしており、フロッグで保持される。バロック時代の弓は外側にカーブしており、弓のバランス点に近い位置で保持される。現代の弦は通常、金属（または合成）芯の平巻きである。バロック時代の弦はガット弦で、G弦とC弦は巻線である。現代のチェロには、弦をテールピースにつなぐファインチューナーが付いていることが多く、これにより楽器のチューニングがはるかに簡単になりますが、バロックチェロで使用されているガット弦の柔軟性により、そのようなピンは効果がありません。全体的に、現代の楽器はバロックチェロよりも弦の張力がはるかに高く、^[14]結果的に、より大きく、より遠くまで響く音になり、倍音が少なくなります。さらに、楽器のサイズと弦の数は標準化されていませんでした。より小さな5弦の変種（ヴィオロンチェロピッコロ）がソロ楽器としてよく使用され、5弦楽器がバ​​ロックのレパートリーに時々指定されています。BWV 1012（バッハの無伴奏チェロ組曲第6番）は5弦チェロ用に書かれていますが、追加されたハイE弦はバイオリンの同じ弦より1オクターブ低いため、バイオリン用に書かれたものはすべて5弦チェロで演奏でき、書かれているよりも1オクターブ低い音が鳴ります。^[15]

18世紀以前にはチェロに特化した教育書はほとんど存在せず、存在するものも楽器のテクニックに関する簡単な説明以上の演奏者にとって価値のある内容はほとんどない。最も古いチェロ教本の一つは、ミシェル・コレットの『短期間でチェロを完璧に習得するための理論と実践の方法』（パリ、1741年）である。^[16]

バッハの無伴奏チェロ組曲第1番（BWV1007）、第1楽章 – プレリュード

Bwv1007、第1楽章。ジョン・ミシェルによる演奏。

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J.S.バッハのチェロ組曲第3番、サラバンド

BWV 1009、第4楽章。アトランタのアニー・キャンプが2008年製ステファニー・フォス製チェロで演奏。

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アヴェ・マリア

J.S.バッハの平均律クラヴィーア曲集第1巻より前奏曲第1番ハ長調。後にグノーのアヴェ・マリアとして書き直された。ジョン・ミシェルによる演奏。

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管弦楽とヴィオラ・ダ・ガンバのための演奏会用組曲 ニ長調 – TWV55:D6 – 1. 序曲

ゲオルク・フィリップ・テレマン作曲、アドベント室内管弦楽団とチェロ奏者のスティーブン・バルダーストンによる演奏

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フォーレ作曲「エレジー」

ガブリエル・フォーレ作曲「エレジー」、ハンス・ゴールドシュタイン（チェロ）とエリ・カルマン（ピアノ）による演奏

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ドヴォルザークのチェロ協奏曲 第1楽章

ドヴォルザークのチェロ協奏曲第1楽章、ジョン・ミシェル演奏

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チェロは標準的な交響楽団の一部で、通常は 8 人から 12 人のチェロ奏者で構成されます。標準的なオーケストラの座席では、チェロ セクションはステージ左 (観客から見て右側) 前方、第 1 バイオリン セクションの反対側に位置します。ただし、オーケストラや指揮者によっては、ビオラ セクションとチェロ セクションの配置を入れ替えることもあります。首席チェロ奏者はセクション リーダーであり、他の首席弦楽器奏者と連携してセクションのボウイングを決定し、ソロを演奏し、入場 (セクションがパートを演奏し始めるとき) をリードします。首席奏者は常に観客に最も近い位置に座ります。

チェロは管弦楽曲の重要な部分です。すべての交響曲にはチェロセクションが関与し、多くの曲ではチェロの独奏が必要です。多くの場合、チェロはオーケストラの低音域のハーモニーの一部を提供します。チェロセクションは、しばしば短い間メロディーを演奏し、その後ハーモニーの役割に戻ります。また、チェロ協奏曲という、オーケストラ曲でソロチェロ奏者がオーケストラ全体を伴奏する曲もあります。

チェロ協奏曲（独奏チェロにオーケストラの伴奏がつくもの）は数多くあるが、特にヴィヴァルディが25曲、ボッケリーニが12曲、ハイドンが少なくとも3曲、C. P. E. バッハが3曲、サン＝サーンスが2曲、ドヴォルザークが2曲、ロベルト・シューマン、ラロ、エルガーが各1曲ずつなどである。また、チェロ奏者ではないものの、チェロに特化したレパートリーを書いた作曲家もおり^{（[説明が必要]）}、例えばニコラウス・クラフトは、6曲のチェロ協奏曲を書いている。ベートーヴェンのチェロ、ヴァイオリン、ピアノのための三重協奏曲やブラームスのチェロとヴァイオリンのための二重協奏曲も協奏的レパートリーの一部であるが、どちらの場合もチェロは少なくとももう1つの楽器と独奏の役割を分担している。さらに、チェロとオーケストラのための大規模な作品を書いた作曲家も数人おり、それらは名前こそ協奏曲であるが、実質的には協奏曲である。よく知られている「協奏曲」としては、リヒャルト・シュトラウスの交響詩 「ドン・キホーテ」、チャイコフスキーの「ロココの主題による変奏曲」、ブロッホの「シェロモ」、ブルッフの「コル・ニドライ」などがあります。

20世紀には、チェロのレパートリーが飛躍的に増えました。これは、数十もの新作にインスピレーションを与え、委嘱し、初演したチェロの名手ムスティスラフ・ロストロポーヴィチの影響も一因です。これらの作品の中でも、プロコフィエフの交響曲兼協奏曲、ブリテンのチェロ交響曲、ショスタコーヴィチとルトスワフスキの協奏曲、デュティユーの「すべての世界は...」は、すでに標準的なレパートリーの一部となっています。彼のために協奏曲を書いた他の主要作曲家には、メシアン、ジョリヴェ、ベリオ、ペンデレツキなどがいます。さらに、アーノルド、バーバー、グラス、ヒンデミット、オネゲル、リゲティ、ミャスコフスキー、ペンデレツキ、ロドリーゴ、ヴィラ＝ロボス、ウォルトンは、他のチェロ奏者、特にガスパール・カサド、アルド・パリゾ、グレゴール・ピアティゴルスキー、ジークフリート・パルム、ジュリアン・ロイド・ウェバーのために主要な協奏曲を作曲した。

チェロとピアノのためのソナタも数多くあります。ベートーヴェン、メンデルスゾーン、ショパン、ブラームス、グリーグ、ラフマニノフ、ドビュッシー、フォーレ、ショスタコーヴィチ、プロコフィエフ、プーランク、カーター、ブリテンによって書かれたものは特によく知られています。

チェロとピアノのための他の重要な作品には、シューマンの「5つの小品」や、シューベルトの「アルペジョーネ・ソナタ」 （元はアルペジョーネとピアノ用）、セザール・フランクの「チェロ・ソナタ」（元はヴァイオリン・ソナタ、作曲者の許可を得てジュール・デルサールが編曲）、ストラヴィンスキーの「イタリア組曲」 （グレゴール・ピアティゴルスキーと作曲者が編曲し、自身のバレエ音楽「プルチネッラ」より）、バルトークの「第1狂詩曲」（これも作曲者による編曲、元はヴァイオリンとピアノ用）などの編曲がある。

チェロ独奏のための曲としては、ヨハン・セバスチャン・バッハの6つのチェロ組曲（最もよく知られているチェロ独奏曲のひとつ）、コダーイの無伴奏チェロ・ソナタ、ブリテンの3つのチェロ組曲がある。その他の注目すべき例としては、ヒンデミットとイザイの無伴奏チェロ・ソナタ、デュティユーの『ザッハの名前による3つの節』、ベリオの『すべての言葉は存在しない』、カサドの無伴奏チェロ組曲、リゲティの無伴奏ソナタ、カーターの2つの『フィグマン』、クセナキスの『アルファの名』と『コットス』などがある。

マーク・サマーの「Julie-O」など、チェロのために書かれた現代的なソロ曲もあります。

チェロは、伝統的な弦楽四重奏のほか、弦楽五重奏、六重奏、三重奏、その他の混成アンサンブルの一員である。2台、3台、4台、あるいはそれ以上のチェロのために書かれた曲もある。このタイプのアンサンブルは「チェロ合唱団」とも呼ばれ、その音色はロッシーニのウィリアム・テル序曲の序曲やヴェルディのナブッコのザッカリアの祈りの場面でおなじみである。チャイコフスキーの1812年序曲もチェロアンサンブルで始まり、4台のチェロが高音を、2台のビオラが低音を演奏する。自立したアンサンブルとして、最も有名なレパートリーは、エイトル・ヴィラ＝ロボスのチェロアンサンブルのためのバッハナース・ブラジル曲の第1番（5番はソプラノと8台のチェロ）である。その他の例としては、オッフェンバックのチェロ二重奏曲、四重奏曲、六重奏曲、ペルトの8本のチェロのための「フラトレス」、ブーレーズの7本のチェロのための「メッセージスクイス」 、あるいは、めったに演奏されないヴィラ＝ロボスの32本のチェロのための「協奏幻想曲」（1958年）などがあります。ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団の12人のチェロ奏者（または、その後「12人」と呼ばれるようになりました）は、このレパートリーを専門としており、よく知られているポピュラーソングの編曲を含む多くの作品を委嘱しています。

チェロはクラシック音楽ほどポピュラー音楽で使われることは少ない。インク・スポッツのホッピー・ジョーンズやアヴェット・ブラザーズのジョー・クォンなど、いくつかのバンドは標準的なラインナップにチェロをフィーチャーしている。ポップやロックでは、特定の曲でチェロが使われるのが一般的である。1960年代には、ビートルズやシェールなどのアーティストがポピュラー音楽でチェロを使用し、ビートルズの「イエスタデイ」、「エリナー・リグビー」、 「ストロベリー・フィールズ・フォーエバー」、シェールの「バン・バン（マイ・ベイビー・ショット・ミー・ダウン）」などの曲で使用された。ビーチ・ボーイズの「グッド・ヴァイブレーションズ」では、この種の音楽では珍しい多くの楽器を含む楽器アンサンブルにチェロが含まれている。もともとチェロの演奏奨学金を得て音楽を学んでいたベースギターのジャック・ブルースは、クリームのスタジオアルバム『ホイールズ・オブ・ファイア』（1968年） の「アズ・ユー・サイード」で重要なチェロパートを演奏した。

1970年代、エレクトリック・ライト・オーケストラは、いわゆる「ビートルズ風」のアレンジからインスピレーションを得て、チェロ（とバイオリン）を標準的なロック・コンボのラインナップに加え、商業的に大きな成功を収めた。また、1978年には、英国を拠点とするロックバンド、コロシアムIIがチェロ奏者のジュリアン・ロイド・ウェバーとコラボレーションし、ヴァリエーションズをレコーディングした。最も有名なのは、ピンク・フロイドが1970年の壮大なインストゥルメンタル曲「原子心母」にチェロのソロを収録したことである。ジェネシスのベースギター奏者マイク・ラザフォードは元々チェロ奏者であり、アルバム「フォックストロット」にチェロのパートをいくつか収録している。

非伝統的なチェログループとして確立されているものには、メタリカの曲のカバーで最もよく知られているフィンランドのチェロ奏者のグループである Apocalyptica 、ゴシック音楽と融合した複雑なチェロスタイルに取り組むチェロ奏者のグループであるRasputina 、ロック、ポップ、クラシックのヒット曲のアレンジで知られる 7 人の歌うチェロ奏者からなるアンサンブルであるthe Massive Violins 、チェロを前面に出したロックパワートリオである Von Cello 、クラシック音楽の要素とより現代的なロックやメタルのジャンルをミックスしたBreak of Reality 、オリジナルのロックとクラシックのクロスオーバー音楽を演奏するチェロロックバンドCello Fury 、ミネアポリスを拠点とし、2 人のパーカッショニストを含むチェロデュオである Jelloslave などがある。これらのグループは、チェロロックとして知られるようになったスタイルの例である。クロスオーバー弦楽四重奏団のBondにもチェロ奏者が参加している。 Silenzium と Cellissimo Quartet は、ロックとメタルを演奏するロシア(ノヴォシビルスク) のグループで、シベリアで人気が高まっています。中国上海のCold Fairyland は、チェロと琵琶をメインのソロ楽器として使用し、東洋と西洋が出会うプログレッシブ (フォーク) ロックを生み出しています。

チェロを使用する最近のバンドには、クリーン・バンディット、エアロスミス、ジ・オーターズ、ニルヴァーナ、オアシス、ラ・ラ・ライオット、^[17] スマッシング・パンプキンズ、ジェイムス、トーク・トーク、フィリップ・フィリップス、ワンリパブリック、エレクトリック・ライト・オーケストラ、バロック・ロック・バンドのアーケイド・ファイアなどがある。アトランタを拠点とするトリオ、キング・リチャード・サンデー・ベストも、メンバーにチェロ奏者を起用している。クロノス・カルテット、ザ・ビタミン・ストリング・カルテット、マーゴット・アンド・ザ・ニュークリア・ソー・アンド・ソーズなどのいわゆる「チェンバー・ポップ」アーティストも、最近では現代のオルタナティヴ・ロックでチェロを一般的にしている。ヘビーメタル・バンドのシステム・オブ・ア・ダウンもチェロの豊かな音色を活用している。インディーズ・ロック・バンドのスティレット・フォーマルは、チェロをサウンドの主軸にしていることで知られている。同様に、インディーズ・ロック・バンドのカナダも、メンバーに2人のチェロ奏者を起用している。弦楽器や交響楽器の使用の先駆者であるオーケストラ・ロック・グループのポリフォニック・スプリーは、彼らの「サイケデリック風」メロディーの多くで独創的な方法でチェロを使用している。第一波スクリーモ・バンドのI Would Set Myself On Fire For Youは、よりフォーク志向のサウンドを生み出すために、ビオラだけでなくチェロも使用した。パニック・アット・ザ・ディスコのバンドは「Build God, Then We'll Talk」という曲でチェロを使用しており、リード・ボーカルのブレンドン・ユーリーがチェロ・ソロを自ら録音している。ルミニアーズは2010年にチェロ奏者のネラ・ペカレクをバンドに加えた。レディオヘッドは、 2016年の曲「Burn The Witch」や「Glass Eyes」など、彼らの音楽でチェロを頻繁に使用している。^{[18] [19]}

ジャズでは、ベーシストのオスカー・ペティフォードとハリー・ババシンがチェロをソロ楽器として初めて使用した。2人ともチェロをコントラバスの1オクターブ上の4度に調律した。フレッド・カッツ（ベーシストではなかった）は、チェロの標準調律とアルコ奏法を初めて使用した著名なジャズチェロ奏者の1人である。現代のジャズチェロ奏者には、アブドゥル・ワドゥド、ディードル・マレー、ロン・カーター、デイブ・ホランド、デイヴィッド・ダーリング、ルシオ・アマンティ、アクア・ディクソン、エルンスト・レイセガー、フレッド・ロンバーグ＝ホルム、トム・コーラ、エリック・フリードランダーがいる。ジェイソン・ロバート・ブラウンの『ラスト・ファイブ・イヤーズ』、ダンカン・シェイクの『春のめざめ』、アダム・グッテルの『フロイド・コリンズ』、リッキー・イアン・ゴードンの『マイ・ライフ・ウィズ・アルバーティーン』などの現代のミュージカル作品では、小編成の弦楽アンサンブル（独奏チェロを含む）が目立っています。

インド古典音楽では、サスキア・ラオ・デ・ハースはソリストとして定評があり、シタール奏者の夫であるシュベンドラ・ラオとのデュエットも行っています。インド古典音楽を演奏するチェロ奏者としては、他にナンシー・レッシュ（ドゥルパド）とアヌップ・ビスワスがいます。ラオとレッシュはともに床にあぐらをかいてチェロを演奏します。

チェロはブルーグラスやフォークミュージックでも使用され、スパロウ・カルテットのベン・ソリーや「ケイジャン・チェリスト」ショーン・グリソム、自身のプロジェクトに加えダミアン・ライスのプロジェクトでも演奏したヴィヴィアン・ロングなどが著名な演奏家である。ナタリー・ハース、アビー・ニュートン、リズ・デイビス・マックスフィールドなどのチェロ奏者は、ケルト民族音楽におけるチェロ演奏の使用に大きく貢献しており、チェロはしばしば主要な旋律楽器として取り上げられ、伝統的なフィドル演奏のスキルとテクニックが用いられている。リンジー・マックはビートルズの「ブラックバード」 のカバーで、チェロをギターのように演奏することで有名になりつつある。

チェロは一般的に木彫りで作られるが、カーボンファイバーやアルミニウムなどの他の材料が使用されることもある。伝統的なチェロはトップがトウヒ材で、背面、側板、ネックにはメープル材が使われている。背面と側板にはポプラ材や柳材などの他の木材が使用されることもある。安価なチェロはトップとバックが積層木材で作られていることが多い。積層チェロは彫刻木製チェロよりもはるかに耐久性があり（ぶつけたり落としたりしても割れにくい）、はるかに安価であるため、 小学校や中学校のオーケストラやユースオーケストラで広く使用されている。

トップとバックは伝統的に手彫りですが、より安価なチェロは機械で作られることが多いです。側面、つまりリブは、木材を熱して型に沿って曲げることで作られます。チェロの本体は、広いトップバウト、2つのCバウトで形成された狭い中央、広いボトムバウトがあり、中央のすぐ下にブリッジとFホールがあります。チェロのトップとバックには、パーフリングと呼ばれる装飾的な縁取りのインレイがあります。パーフリングは見た目が美しいだけでなく、機能的でもあります。楽器を叩いたときに、パーフリングが木の割れを防ぐことができます。楽器の縁に亀裂が生じることがありますが、それ以上広がることはありません。パーフリングがないと、亀裂はトップやバックの上または下に広がる可能性があります。演奏、移動、天候はすべてチェロに影響を与え、パーフリングがないと亀裂が拡大する可能性があります。

チェロの指板とペグは、強度があり摩耗しにくいことから、一般的に黒檀で作られています。 ^[20]

1920年代後半から1930年代前半にかけて、アメリカのアルミニウム会社（アルコア）とドイツの弦楽器製作者GA・プフレッツシュナーは、アルミニウム製のコントラバスやバイオリンに加えて、不明な数のアルミニウム製チェロを製造した。^[21]チェロ製造業者のルイス＆クラークは、炭素繊維でチェロを製造している。炭素繊維製の楽器は、素材の強度と湿度や温度の変動に対する耐性のため、特に屋外での演奏に適している。ルイス＆クラークは1000台以上のチェロを製造しており、そのいくつかはヨーヨー・マ^[22]やジョゼフィン・ファン・リアー^[23]などのチェロ奏者が所有している。

本体の上には彫刻が施されたネックがあります。ネックの下側は湾曲した断面になっていて、演奏中に演奏者の親指がネックに沿って走る部分です。ネックから糸巻き箱とスクロールへとつながっていますが、これらは通常、1枚の木材（通常はメープル材）から彫り出されています。指板はネックに接着され、楽器本体の上に伸びています。指板は、ブリッジの曲線に合わせて湾曲した形状になっています。演奏者が個々の弦を弓で弾けるように、指板とブリッジの両方を湾曲させる必要があります。チェロが一般的なギターのように平らな指板とブリッジを持っていたとしたら、演奏者は左端と右端の2本の弦、またはすべての弦を弓で弾くことしかできません。演奏者は内側の2本の弦だけを弾くことはできません。

ナットは、指板と糸箱が接する部分に取り付けられた、隆起した木片で、弦は、その浅いスロットまたは溝に収まり、正しい間隔を保つ。糸箱には、各弦に 1 つずつ、計 4 つの先細りのチューニング ペグが収められている。ペグは、弦を締めたり緩めたりすることで、チェロのチューニングに用いられる。ペグは、摩擦によって位置を維持するため、「フリクション ペグ」と呼ばれる。スクロールは、チェロの伝統的な装飾部分であり、バイオリン ファミリーの他のすべての楽器の特徴である。チューニング ペグ、指板、ナットには通常、黒檀が使用されるが、ツゲやローズウッドなどの他の硬材も使用できる。低価格の楽器の黒い金具は、黒檀に見えるように黒く加工または「エボナイズ」された安価な木材で作られていることが多いが、黒檀ははるかに硬く、高価である。チューニングペグなどの黒色部分は割れたり裂けたりする可能性があり、指板の黒い表面は最終的に摩耗して、その下の明るい色の木材が露出します。

歴史的に、チェロの弦の芯はガットで作られていましたが、その名前にもかかわらず、ガットは羊や山羊の腸から作られています。2010年代に使用されているほとんどの現代の弦は、アルミニウム、チタン、クロムなどの金属材料で巻かれています。チェロ奏者は、楽器で異なる種類の弦を混在させる場合があります。開放弦の音程は、作曲家によって代替チューニング (スコルダトゥーラ) が指定されていない限り、C、G、D、A (上図の演奏範囲の黒い音符の頭) です。一部の作曲家 (例: 『ローマの松』の最終楽章のオットリーノ・レスピーギ) は、最低音の開放弦で異なる低音を演奏できるように、低音の C を B フラットにチューニングするよう求めています。

テールピースとエンドピンはチェロの下部にあります。テールピースは、弦の「ボールエンド」を穴に通して取り付けるチェロの部分です。テールピースはチェロの底に取り付けられます。テールピースは伝統的に黒檀または他の硬材で作られていますが、低価格の楽器ではプラスチックまたはスチールで作られることもあります。テールピースはチェロの下端に弦を取り付け、1 つ以上の微調整器が付いている場合があります。微調整器は、弦のピッチを細かく調整するために使用されます。微調整器は、各弦の張力を高めたり (ピッチを上げる)、弦の張力を下げたり (ピッチを下げる) することができます。演奏者が新しい弦を張るときは、通常、その弦の微調整器を中間の位置にリセットしてから、ペグを回して弦をピッチに合わせます。精密ターナーは、チェロをオーボエの 440 Hz の A 音に調律したり、チェロをピアノに調律したりするなど、ピッチの微妙な微調整に使用されます。

エンドピンまたはスパイクは、木、金属、または硬質カーボンファイバーで作られており、演奏位置でチェロを支えます。チェロをケースに入れて運ぶときは、エンドピンを楽器の中空ボディに引き込むことができます。これにより、チェロの移動が容易になります。演奏者がチェロを演奏したいときは、エンドピンを引き出して長さを調整します。エンドピンは、ネジ機構によって演奏者の好みの長さに固定されます。エンドピンは調整可能なので、年齢や体格の異なる演奏者が、自分に合った長さにエンドピンを調整できます。バロック時代には、当時はエンドピンがなかったため、チェロはふくらはぎの間に挟んで演奏されていました。エンドピンは、「楽器の安定性を高めるために、1845年頃にアドリアン・セルヴェによって導入されました」。^[24]現代のエンドピンは引き込み式で調整可能ですが、古いエンドピンは使用しないときは取り外していました。 （「エンドピン」という言葉は、バイオリン族の楽器すべてでこの位置にある木製のボタンを指すこともありますが、通常は「テールピン」と呼ばれます。^[25]）チェロのエンドピンの鋭い先端には、先端が鈍くなるのを防ぎ、チェロが床で滑るのを防ぐためにゴム製の先端が付いていることがあります。多くのチェロ奏者は、先端が床で滑らないように、金属製のカップが付いたゴム製のパッドを使用しています。エンドピンが滑らないようにするための付属品は数多くあり、椅子の脚に取り付けるロープやその他の装置が含まれます。

ブリッジはチェロの上部で弦を支え、その振動を楽器の上部と内部の魂柱に伝えます (下記参照)。ブリッジは接着されているのではなく、弦の張力によって固定されています。ブリッジは通常、「f 字孔」の交差点 (つまり、「f」の水平線が現れる場所) に配置されます。その形状から名付けられたf 字孔は、ブリッジの両側にあり、音を出す過程で空気が楽器に出入りできるようにします。また、f 字孔は、修理やメンテナンスのためにチェロの内部にアクセスするポイントとしても機能します。時には、水に浸したスポンジが入った短いゴムホース (ダンピットと呼ばれる) を f 字孔に挿入して加湿器として使うこともあります。これにより、チェロの木製部品が乾燥するのを防ぎます。

チェロの内部には、2 つの重要な特徴があります。楽器の上部の下側に接着されているバス バーと、上部と下部のプレートの間に挟まれた木製の円筒形のサウンド ポストです。ブリッジの低音側の下にあるバス バーは、チェロの上部を支え、弦の振動を楽器本体に伝える役割を果たします。ブリッジの高音側の下にあるサウンド ポストは、チェロの背面と前面を接続します。ブリッジと同様に、サウンド ポストも接着されておらず、ブリッジと弦の張力によって所定の位置に保たれています。バス バーとサウンド ポストは一緒になって、弦の振動を楽器の上部 (前面) (および程度は低いが背面) に伝え、楽器の音を出すための振動板として機能します。

チェロは、強力でありながら可逆性があり、必要に応じて分解できるニカワを使って製作、修理されます。修理によっては表板を取り外す必要があるため、表板は薄めた接着剤で接着されることがあります。理論的には、ニカワはボディの木材よりも弱いため、表板や裏板が左右に縮むと、接着が外れてプレートが割れることはありません。チェロ奏者がチェロのひび割れを修理する際には、通常の木工用接着剤は使用しません。これは、弦楽器製作者が修理しなければならないときに、蒸気で接着が開かないためです。

伝統的に、弓はペルナンブコ材またはブラジルウッド材で作られています。どちらも同じ種類の木 ( Caesalpinia echinata ) から作られていますが、高品質の弓に使用されるペルナンブコ材は木の心材で、ブラジルウッド材 (ブラジルウッド材は色を補うために着色されることがあります) よりも濃い色です。ペルナンブコ材は重く、樹脂質で弾力性に優れているため、楽器の弓には理想的な木材です。弓の両端の間には馬毛が張られています。ぴんと張られた馬毛を弦に引き、ブリッジとほぼ平行、弦と垂直になるように保持して音を出します。小さなノブをひねって馬毛の張力を強めたり弱めたりします。楽器を使用していないときは、弓の張力が解放されます。チェロ奏者が弓の毛にかける張力の量は、演奏者の好み、演奏する音楽のスタイル、そして生徒の場合は教師の好みによって異なります。

弓は、木材よりも強度のあるカーボン ファイバーや、安価で低品質の学生用弓によく使用されるグラスファイバーなどの他の材料から作られることもあります。平均的なチェロの弓は、長さ 73 cm (29 インチ) (バイオリンやビオラの弓よりも短い)、高さ 3 cm (1.2 インチ) (フロッグからスティックまで)、幅 1.5 cm (0.59 インチ) です。チェロの弓のフロッグは通常、ビオラの弓のように角が丸くなっていますが、幅が広くなっています。チェロの弓はビオラの弓よりも約 10 g (0.35 オンス) 重く、ビオラの弓はバイオリンの弓よりも約 10 g (0.35 オンス) 重いです。

弓の毛は伝統的に馬の毛ですが、様々な色の合成毛も使用されます。演奏前に、演奏者はネジを回してフロッグ（弓の手の下にある部分）を引き戻し、毛の張力を高めて弓を締めます。毛の粘着性を高めるために、演奏者は松脂を塗ります。弓は定期的に毛を張り替える必要があります。バロック様式（1600-1750年）のチェロの弓は、現代のチェロの弓よりもはるかに厚く、外側へのアーチが大きく形成されていました。現代のチェロの弓の内側へのアーチはより大きな張力を生み出し、その結果、より大きな音を生み出します。

チェロの弓はエレキギターの演奏にも使われてきました。ジミー・ペイジは「 Dazed and Confused」などの曲でチェロの弓を初めて使用しました。アイスランドのポストロック バンド、シガー・ロスのリードシンガーは、チェロの弓を使ってギターを演奏することがよくあります。

1989年、ドイツのチェロ奏者ミヒャエル・バッハは、ジョン・ケージ、ディーター・シュネーベル、ムスティスラフ・ロストロポーヴィチ、ルイジ・コラーニの勧めで、湾曲した弓の開発を始めました。それ以来、この弓のために多くの作品が作曲されてきました。この湾曲した弓 ( BACH.Bow ) は凸型に湾曲した弓で、通常の弓と異なり、楽器のさまざまな弦でポリフォニック演奏を可能にします。J.S. バッハのヴァイオリンとチェロのソロレパートリーには、BACH.Bow が特に適しており、モノフォニックだけでなくポリフォニック演奏も求められることを念頭に置いて開発されました。

弦を弓で弾いたり、はじいたりすると、弦が振動して周囲の空気を動かし、音波を発生させます。弦は非常に細いため、弦自体によって動かされる空気は多くなく、その結果、弦が中空の本体に取り付けられていなければ、音は弱くなります。チェロなどのアコースティック弦楽器では、この音量不足は、振動する弦をより大きな中空の木製本体に取り付けることで解決されています。振動はより大きな本体に伝わり、より多くの空気を動かして、より大きな音を出すことができます。楽器のデザインが異なると、楽器の振動パターンに変化が生じ、生成される音の特徴が変わります。^[27]弦の基本的なピッチは、張力と長さに依存する硬さを変えることで調整できます。弦を締めると、長さに沿った外向きの力と、歪み中に弦が受ける正味の力の両方が増加して、弦が硬くなります。^[28]チェロは、ペグボックスに取り付けられたチューニングペグとテールピースの張力調整器（微調整器）を回して弦の張力を調整することで調律することができます。

弦の長さも基本ピッチに影響します。弦を短くすると、歪んだときの曲率が大きくなり、弦にかかる正味の力が大きくなるため、弦が硬くなります。弦を短くすると質量も減りますが、単位長さあたりの質量は変わりません。周波数を左右するのは総質量ではなく、単位長さあたりの質量の比率です。弦は定在波として振動します。定在波の伝播速度は で与えられます。ここで、Tは張力、m は単位長さあたりの質量です。振動長の両端に節があるため、振動長l は波長の半分です。どの波の周波数も速度を波長で割った値に等しいため、 となります。(Muncaster (下記参照) を含む一部の著者は、mの代わりにギリシャ文字のμ を使用しています。) したがって、弦を短くすると周波数が上がり、ピッチも上がります。この効果により、チェロのネックの指板に弦を押し当てて実質的に弦を短くすることで、弦のピッチを上げたり変更したりできます。^[29]同様に、単位長さあたりの質量が小さい弦は、同じ張力であれば、質量が大きい弦よりも高い周波数を持ち、したがって高い音程を持ちます。これが、すべての弦楽器の異なる弦がそれぞれ異なる基本音程を持ち、最も軽い弦が最も高い音程を持つ主な理由です。 ${\displaystyle {\sqrt {\frac {T}{m}}}}$${\displaystyle 周波数={\frac {1}{2l}}\cdot {\sqrt {\frac {T}{m}}}}$

演奏される E または F シャープの音は、楽器本体の自然な共振周波数に非常に近い周波数であることが多く、問題に対処しないと、本体が共鳴に近い状態になることがあります。これにより、このピッチが不快な突然の増幅を引き起こす可能性があり、さらに、これらの近接する周波数間で生じる干渉によって大きなビート音が発生します。これは、不快なうなり音であるため、「ウルフトーン」として知られています。木の共鳴は、鳴っている弦の駆動力によって 2 つの周波数に分割されているように見えます。これらの 2 つの周期的な共鳴は、互いにビートします。チェロが近接する音を心地よい音で演奏するには、このウルフトーンを排除するか、大幅に軽減する必要があります。これは、チェロのフロントプレートを改造するか、ウルフエリミネーター (金属シリンダーまたは金属で覆われたゴムシリンダー) を取り付けるか、魂柱を移動することで実現できます。^[30]

弦を弾いたり、はじいたりして音を出すとき、基音には高周波の倍音が伴います。それぞれの音には特定の周波数の組み合わせがあり、それが組み合わさって全体の音を作ります。^[31]

チェロの演奏は、楽器をエンドピンで床に支え、座って行います。右手で弦を弓で弾いて（または時には爪弾いて）、音を出します。左手の指先で弦を長さに沿って止め、指で弾いた各音のピッチを決定します。弦をブリッジに近い位置で止めると、振動する弦の長さが短くなるため、より高いピッチの音が出ます。逆に、弦をチューニングペグに近い位置で止めると、より低い音が出ます。ネックポジション（楽器の上部に最も近い、指板の半分弱を使用する）では、親指はネックの裏側に置きます。親指をポジションの目印として使う人もいます。サムポジション（指板の残りの部分にある音の一般的な呼び方）では、親指は通常、弦上の指の横に置きます。次に、親指の側面を使って音を演奏します。指は通常、各関節を曲げて曲げた状態で持ち、指先が弦に触れています。完全五度（ダブルストップまたはコード）を演奏するために、一度に 2 本（またはそれ以上）の弦に指を当てる必要がある場合は、指をフラットに使用します。よりゆっくりとした演奏や表現力豊かな演奏では、接触点が爪から指の腹にわずかに離れるため、より豊かなビブラートが可能になります。

ビブラートは音のピッチをわずかに振動させることで、通常は表現技法と考えられています。音がブリッジに近いほど、効果を生み出すために必要な振動は小さくなります。チェロで演奏される倍音は、自然と人工の 2 つのクラスに分類されます。自然倍音は、弦の特定の場所を軽く触れ (押し下げない)、次に弦を弓で弾く (またはまれに爪弾く) ことによって生成されます。たとえば、弦の中間点では、指で弾かない (開放) 弦の 1 オクターブ上の倍音が生成されます。自然倍音は、特定の弦の倍音列の一部である音のみを生成します。人工倍音 (偽倍音またはストップ ハーモニクスとも呼ばれます) では、演奏者は 1 本の指で弦を完全に押し下げながら、別の指で同じ弦を軽く触れ、中央 C より上の任意の音を生成できます。 グリッサンド(イタリア語で「スライド」) は、弦を放さずに指板上で指を上下にスライドさせることによって得られる効果です。これにより、ピッチは別々に認識できるステップなしに、スムーズに上昇および下降します。

チェロの演奏において、弓は管楽器奏者の呼吸によく似ています。おそらく、弓は演奏の表現力を大きく左右します。右手で弓を持ち、音の長さと特徴をコントロールします。一般的に、弓は指板の端とブリッジのほぼ中間で弦に対して垂直な方向に引かれますが、奏者は求める音に応じて弓の接触点を高くしたり低くしたりしたい場合があります。弓は右手の5本の指すべてで持ち、操作します。親指は他の指の反対側、チェロ奏者の体に近づけます。音色と音量は、いくつかの要素の組み合わせによって決まります。最も重要な4つの要素は、弦にかかる重さ、弦に対する弓の角度、弓の速度、弓毛と弦の 接触点（WASPと略されることもあります）です。

ダブルストップは、 2 つの音を同時に演奏します。2 本の弦を同時に指で押さえ、弓を引いて両方の音を鳴らします。多くの場合、ピチカート演奏では、右手の指または親指で弦を直接はじきます。ただし、高度な曲では、左手の指で弦をはじくこともあります。これは、チェロ奏者がピチカート音とともに別の弦で弓で弾く音を演奏できるようにするため、または曲のスピードが速く、演奏者が右手ではじく時間が十分にないためです。音楽記譜法では、ピチカートは「pizz」と略されることがよくあります。ピチカートの手の位置は、通常、指板より少し上で、ブリッジから離れた位置になります。

コル・レグノ奏法を使う奏者は、弓の毛ではなく木部で弦を叩いたり擦ったりします。スピッカート奏法では、弓は弦の上で水平に動きますが、跳ねることが許されており、より軽く、いくぶん打楽器的な音が出ます。スタッカート奏法では、奏者は弓を少し動かして弦の上で止め、短い音を出し、記譜された持続時間の残りは沈黙で占められます。 レガートは、音符を途切れることなく滑らかに繋ぐ奏法です。これは、五線譜上の位置に応じて、レガートで演奏する楽節の音符の上または下にスラー（曲線）で示されます。

スル ポンティチェロ(「ブリッジ上」) はブリッジに近い (またはブリッジに近い) 位置でボウイングすることを指し、スル タスト(「指板上」) は指板の端に近い (または端を越えて) 位置でボウイングすることを指します。極端な場合、スル ポンティチェロは、倍音と高調波を強調した、耳障りで甲高い音を生み出します。対照的に、スル タストは、音の基本周波数を強調し、柔らかい倍音を生み出す、よりフルートのような音を生み出します。作曲家は、特にオーケストラの設定で、特別なサウンドと効果を出すために、両方のテクニックを使用してきました。

標準サイズのチェロは「フルサイズ」または「4 ⁄ 4」と呼ばれますが、15 ⁄ 16 7 ⁄ 8、3 ⁄ 4、1 ⁄ 2、1 ⁄ 4、1 ⁄ 8、1 ⁄ 10、1 ⁄ 16などの小さい（分数）サイズも作られています。分数は長さではなく体積を表すため、1/2 サイズのチェロはフルサイズの半分の長さよりもはるかに長くなります。小さいチェロは構造、音域、使用法が標準のチェロと同じですが、子供や背の低い大人のために単にサイズが小さくなっています。

4 ⁄ 4より大きいサイズのチェロも存在し、異常に大きい手を持つチェロ奏者は、そのような標準外の楽器を必要とするかもしれない。1700年頃以前に作られたチェロは 、現在作られ一般的に演奏されているものよりもかなり大きい傾向があった。1680 年頃、弦製造技術の変化により、より短い弦で低音を演奏することが可能になった。例えば、ストラディヴァリのチェロは、2 つのモデルに明確に分けることができる。1 つは 1702 年以前に作られたスタイルで、より大きな楽器 (元のサイズと構成で現存するのは 3 つだけ) を特徴とする。もう 1 つは、ストラディヴァリが小型のチェロを作り始めた 1707 年以降に作られたスタイルである。この後者のモデルは、現代の弦楽器製作者によって最も一般的に使用されているデザインである。4 ⁄ 4チェロのスケール長は約70 cm ( 27+1 ⁄ 2 インチ）。新しいサイズにより、より豊かな音の投影とより広い表現範囲が実現しました。この形状の楽器は、より多くの楽曲に音楽的に貢献できるようになり、演奏者が技術を磨くためのより優れた身体的な器用さの可能性を提供しました。 ^[32]

チェロ用のアクセサリーはたくさんあります。

• ケースはチェロと弓（または複数の弓）を保護するために使用されます。
• 松脂は針葉樹から採取した樹脂 から作られ、弓の毛に塗ることで摩擦、グリップ、噛みつきの効果を高め、適切な音を出すことができます。松脂には、蜜蝋、金、銀、錫など、摩擦を調整する添加物が含まれている場合があります。一般的に、松脂は色によって濃い色と薄い色に分類されます。
• エンドピンストップまたはストラップ (商標名には Rock stop や Black Hole などがあります) は、エンドピンの端にゴム製の部分がない場合や、床が特に滑りやすい場合に、チェロが滑らないようにします。
• ウルフトーン除去装置は、テールピースとブリッジの間のチェロ弦に配置され、ウルフトーンまたは「ウルフ」と呼ばれる音響異常を除去します。
• ミュートは、ブリッジに質量と剛性を追加することでチェロの音色を変えるために使用されます。ミュートは倍音構造を変え、音色を変え、楽器が発する音の全体的な音量を下げます。
• メトロノームは、 1 分間に一定の拍数を鳴らすことで、一定のテンポを提供します。このツールは、ミュージシャンにリズム感を植え付けるためによく使用されます。メトロノームはリズムの安定性を映す鏡として機能し、ミュージシャンがテンポを急いだり遅らせたりする場所を分析できるようにします。
• テールピースに取り付けられた微調整器により、チェロを簡単かつ正確にチューニングできます。

チェロは、ギターからバイオリンまで、弦楽器の製造と修理を専門とする弦楽器 製作者によって作られます。以下の弦楽器製作者は、製作したチェロで有名です。

• ニコロ・アマティとアマティ家の他の人々
• ニコロ・ガリアーノ
• マッテオ・ゴフリラー
• ジョヴァンニ・バッティスタ・グァダニーニ
• アンドレア・グァルネリ
• ピエトロ・グァルネリ
• シャルル・メネガン
• ドメニコ・モンタニャーナ
• ジョヴァンニ・バッティスタ・ロジェリ
• フランチェスコ・ルッジェーリ
• ステファノ・スカランペラ
• アントニオ・ストラディヴァリ
• デビッド・テクラー
• カルロ・ジュゼッペ・テストーレ
• ジャン・バティスト・ヴィヨーム

チェロを演奏する人はチェロ奏者と呼ばれます。著名なチェロ奏者の一覧については、チェロ奏者の一覧およびCategory:チェロ奏者を参照してください。

特定の楽器が有名になる（または有名になる）理由は様々である。楽器の有名さは、その楽器の古さ、製作者の名声、外観、音響特性、著名な演奏家による使用などから生じる。最も有名な楽器は、一般的にこれらすべての点で知られている。最も高く評価されている楽器は、現在ではコレクターズアイテムとなっており、ほとんどのミュージシャンには手の届かない価格となっている。これらの楽器は通常、何らかの組織や投資グループが所有しており、著名な演奏家に貸し出している。例えば、現在最も広く知られているチェロ奏者の一人であるヨーヨー・マが所有しているダヴィドフ・ストラディバリウスは、実際にはルイ・ヴィトン財団が所有している。 ^[34]

注目すべきチェロのいくつか:

• アンドレア・アマティ作の「キング」は、 1538年から1560年の間に作られた、最も古いチェロの一つであり、サウスダコタ州の国立音楽博物館に所蔵されている。^[35]
• セルヴァイス・ストラディバリウスはワシントン DC のスミソニアン協会のコレクションに所蔵されています。
• グレゴール・ピアティゴルスキーが演奏するバッタ＝ピアティゴルスキー・ストラディヴァリウス。
• ダヴィドフのストラディバリウス。ジャクリーヌ・デュ・プレが演奏し、現在はヨーヨー・マが演奏している。
• ジュリアン・ロイド・ウェバーが演奏するバルジャンスキーのストラディバリウス。
• ス・ベが演奏する「ボンジュール・ストラディバリウス」。
• 東京弦楽四重奏団のクライヴ・グリーンスミスが演奏するパガニーニ＝ラーデンブルクのストラディヴァリウス。
• かつてムスティスラフ・ロストロポーヴィチが演奏していたストラディヴァリウスのデュポール。
• ピアッティ ストラディバリウス、1720 年、カルロス プリエト演奏

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• ブラームスのギター
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• チェロとオーケストラのための作品リスト
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• ヴァイオリンとチェロのための二重協奏曲のリスト
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• 弦楽器のレパートリー
• ヴァイオリン、チェロ、ピアノのための三重協奏曲
• ウートーガルドン、チェロに似た構造を持つハンガリーの打楽器

• マコーバー、トッド(2007)。「私のチェロ」。『Evocative Objects: Things We Think With 』、タークル、シェリー(編)、マサチューセッツ州ケンブリッジ: MIT 出版。ISBN 978-0-262-20168-1 

ウィキメディア・コモンズには、チェロに関連するメディアがあります。

ウィキソースには、1911 年のブリタニカ百科事典の記事「ヴァイオロンチェロ」のテキストがあります。

• ヴィオロンチェロ財団