ザ・ビートルズ（アルバム）

ビートルズのレコーディングは1968年5月30日から10月14日にかけて行われ、主にロンドンのアビーロードスタジオで、一部はトライデントスタジオで行われた。^{[ 23 ]}スタジオの緊張した雰囲気の中で、リシケシュでの時間はすぐに忘れ去られ、セッションは不規則な時間に行われた。^{[ 24 ]}グループの自信は、新しいマルチメディアビジネス企業であるアップル・コープスの設立につながり、一連の失敗プロジェクトによってグループの財政を圧迫した。^{[ 25 ]}

グループは7月までアビーロード・スタジオの時間をまとめて予約した。^{[ 26 ]}無制限のスタジオ時間のおかげで、曲作りの新しい方法が生まれた。以前のセッションのようにバッキングトラックを綿密にリハーサルするのではなく、グループはすべてのリハーサルとジャムを録音し、ベストテイクにオーバーダブを加えた。^{[ 27 ]}制作の美学により、アルバムのサウンドは『リボルバー』や『サージェント・ペパーズ』よりも規模が小さく、スタジオの革新にあまり依存していないものとなった。^{[ 28 ]}ハリソンの曲「Not Guilty」は102テイク録音されたが、アルバムには収録されなかった。^{[ 27 ]}

アルバムの30曲のうち、バンドメンバー4人全員が演奏しているのはわずか16曲だけである。^{[ c ]}いくつかのバッキングトラックにはグループ全員が参加しておらず、オーバーダブはソングライターが演奏することが多かった。^{[ 44 ]}マッカートニーとレノンは、異なるスタジオで異なるエンジニアと同時に録音することもあった。^{[ 45 ]}ジョージ・マーティンの影響力は徐々に衰え、レコーディングセッション中に突然休暇に出かけ、若い弟子であるクリス・トーマスにプロデュースを任せた。^{[ 46 ] [ 47 ]}

セッション中、バンドは4トラック録音から8トラックにアップグレードした。作業が始まった時点で、アビーロードスタジオには数ヶ月間使われずに放置されていたと思われる8トラックマシンがあったが、まだ設置されていなかった。これは、EMIが新しい機材を徹底的にテストし、カスタマイズしてから使用することになっていた方針に沿ったものだった。ビートルズは、8トラックコンソールがあったため、トライデントで「ヘイ・ジュード」と「ディア・プルデンス」を録音した。 ^{[ 48 ]} EMIも8トラックコンソールを持っていることを知ると、彼らはそれを使用することを主張し、エンジニアのケン・スコットとデイブ・ハリーズは（スタジオ管理者の許可なしに）アビーロードのスタジオ2にそのマシンを設置した。^{[ 49 ]}

バンドはアルバムの最終ミキシングとシーケンス作業中に、アビーロードで最初で唯一の24時間セッションを行った。このセッションにはレノン、マッカートニー、マーティンが参加したが、ハリソンは前日にアメリカへ旅立っていた。ほとんどのLPとは異なり、トラック間に慣例の3秒間の間隔はなく、マスターはストレート編集、クロスフェード、または付随音楽によって曲がスムーズに繋がるように編集された。^{[ 50 ]}

『ザ・ビートルズ』には幅広い音楽スタイルが含まれており、著者のバリー・マイルズとジリアン・ガーは、このアルバムがグループのどのアルバムよりも多様性に富んでいると評している。^{[ 51 ] [ 52 ]}これらのスタイルには、ロックンロール、ブルース、フォーク、カントリー、レゲエ、アヴァンギャルド、^{[ 53 ]}ハードロック、^{[ 54 ]}ミュージックホールが含まれる。^{[ 55 ]}インド滞在中にグループが使用できた唯一の西洋楽器はアコースティックギターであり、そのため多くの曲はこの楽器で作曲され、最初に演奏された。^{[ 56 ]}これらの曲の中には、 『ザ・ビートルズ』にアコースティックのまま残され、ソロまたはグループの一部のみで録音されたものもある（「ワイルド・ハニー・パイ」、^{[ 57 ]}「ブラックバード」、^{[ 58 ]}「ジュリア」、^{[ 59 ]}「アイ・ウィル」^{[ 60 ]}および「マザー・ネイチャーズ・サン」など）。^{[ 61 ]}

著者のニコラス・シャフナーは、アコースティックな傾向は、ボブ・ディランとビーチ・ボーイズによって始められ、1968年にローリング・ストーンズやバーズなどのアーティストによって採用された、 1967年のLSDに影響を受けたサイケデリアからの広範な離脱を反映していると考えている。^{[ 62 ]}スタイラス・マガジンのエドウィン・ファウストは、ビートルズを「（アルバムのカバーとタイトルが示唆するように）何よりもまず音楽の純粋さについてのアルバムである。以前のビートルズのアルバムでは、バンドは1曲に複数の音楽ジャンルを混ぜる習慣がつきつつあったが、ホワイト・アルバムではすべての曲が選択されたジャンルに忠実である。ロックンロールのトラックは純粋にロックンロールであり、フォークソングは純粋にフォークであり、シュールなポップナンバーは純粋にシュールなポップであり、実験的な作品は純粋に実験的である」と評した。^{[ 63 ]}

マーティンは当時ダブルアルバムのアイデアに反対で、より優れた作品を収録したシングルアルバムにするために曲数を減らすことを提案したが、バンドは拒否した。^{[ 64 ]}数年後、アルバムを振り返ってハリソンは、いくつかのトラックはB面としてリリースするか、保留にすることもできたが、「あのバンドにはエゴが多すぎた」と語った。^{[ 65 ]}彼はまた、グループの未発表曲を片付けるためにダブルアルバムのアイデアを支持した。スターは、アルバムは2枚の別々のレコードであるべきだったと感じており、冗談で「ホワイトアルバム」と「ホワイトアルバム」と呼んでいた。マッカートニーは、レコードはそのままで良かったと言った。「素晴らしかった。売れた。ビートルズのホワイトアルバムだ。黙れ！」^{[ 65 ]}

『ザ・ビートルズ』のレコーディングセッション中、バンドの各メンバーは個々のアーティストとして自己主張を強め、しばしば意見の対立が生じた。マッカートニーは、このセッションをグループにとっての転換点と表現し、「あのアルバムのレコーディング中は摩擦が絶えなかった。まさに解散寸前で、それ自体が緊張状態だった」と述べている。^{[ 66 ]}レノンは、「ビートルズの解散はあのアルバムに表れている」と語っている。^{[ 67 ]}レコーディングエンジニアのジェフ・エメリックは『リボルバー』以来グループと仕事をしてきたが、このセッションに幻滅した。彼は「オブラディ・オブラダ」のレコーディング中にマーティンがマッカートニーのボーカルパフォーマンスを批判しているのを耳にし、マッカートニーは「じゃあ、降りてきて歌ってみろ」と答えた。^{[ 68 ]} 7月16日、エメリックは頻繁な口論と緊張のため、ビートルズとの仕事を続ける意思がないと発表し、セッションの最中にスタジオを去った。^{[ 68 ]}

ビートルズのセッションは、ジョン・レノンの新しい家庭的かつ芸術的パートナーであるオノ・ヨーコがスタジオに初めて姿を現した場となった。彼女はレノンと共にアビー・ロード・スタジオに行き、「レボリューション1」の制作に取り組み^{[ 70 ]}、その後はビートルズのレコーディング・セッションにほぼ常に同席するようになった^{[ 71 ]} 。それまでビートルズは概して孤立して作業しており、訪問者や妻、恋人がレコーディング・セッションに参加することはほとんどなかったため、オノの存在は非常に異例であった^{[ 72 ]} 。レノンが他のビートルズのメンバーよりもオノに傾倒していたため、レノンとマッカートニーの間のコミュニケーションが阻害され、それまでバンドの音楽に不可欠だった直感的な側面も損なわれ、作業環境は困難になった^{[ 73 ]} 。当時のマッカートニーの恋人、フランシー・シュワルツもいくつかのセッションに同席しており^{[ 74 ]} 、他の2人のビートルズの妻、パティ・ハリソンとモーリーン・スターキーも同様であった^{[ 75 ]}。

ピーター・ドゲットは、レコーディング初日にオノが参加したことで、レノンとマッカートニーの間で「最も重要なコミュニケーションライン」が断たれたと書いている。^{[ 76 ]}ビートルズの伝記作家フィリップ・ノーマンは、二人が互いの新曲を軽視していたと述べている。レノンはマッカートニーの曲を「甘ったるくて味気ない」と感じ、マッカートニーはレノンの曲を「耳障りでメロディーがなく、意図的に挑発的」だと見ていた。^{[ 77 ]}ハリソンとスターはプロジェクトの途中で距離を置くことを選び、^{[ 44 ]} 6月7日にカリフォルニアに飛び、ハリソンはラヴィ・シャンカールのドキュメンタリー映画『ラガ』の撮影に参加した。^{[ 78 ]} 1968年にレノン、マッカートニー、ハリソンがバンド外で行った個々のプロジェクトは、グループの分裂のさらなる証拠となった。^{[ 79 ]}レノンの場合、オノとの実験的なコラボレーション作品『トゥー・ヴァージンズ』のアルバムジャケットには、二人が完全に裸で写っており、バンドメンバーたちはその行為を困惑させ、不必要だと感じた。^{[ 80 ]}

8月20日、レノンとスターはスタジオ3で「 Yer Blues 」のオーバーダビング作業を行っていたが、スタジオ2で「 Mother Nature's Son」を制作していたマッカートニーを訪ねた。セッションのポジティブな雰囲気はすぐに消え失せ、エンジニアのケン・スコットは後に「ナイフで切り裂けるような雰囲気だった」と語っている。^{[ 45 ]}スターは8月22日、「 Back in the USSR」のセッション中に突然スタジオを去った。^{[ 81 ]}他のメンバーに比べてグループ内での自分の役割が周辺的だと感じ、この曲でのドラム演奏に対するマッカートニーの絶え間ない批判に腹を立てていた。^{[ 82 ] [ 83 ]}アビーロードのスタッフは後に、スターはたいていスタジオに一番乗りで到着し、受付で他のメンバーが到着するのを待っていたと語っている。^{[ 84 ]}スターが不在の間、マッカートニーが「Dear Prudence」でドラムを演奏した。 「Back in the USSR」では、残りの3人のビートルズがそれぞれベースとドラムを担当し、ドラムパートはレノン、マッカートニー、ハリソンの演奏を組み合わせたものとなっている。^{[ 84 ]}レノン、マッカートニー、ハリソンはスターに考え直すよう懇願した。9月5日にスターが戻ってくると、ドラムセットが花で飾られていた。^{[ 37 ]}これはハリソンからの歓迎のジェスチャーだった。^{[ 85 ]}

『ザ・ビートルズ』は、ステレオとモノラル用に別々にミックスされた最後のビートルズのアルバムだった。^{[ 86 ]} 2曲を除くすべてのトラックが公式のモノラル・ミックスで存在している。例外は「Revolution 1」と「Revolution 9」で、どちらもステレオ・マスターを直接縮小したものである。^{[ 45 ] [ 87 ]}ビートルズはこのアルバムまでステレオに特に興味を持っていなかったが、以前のアルバムのステレオ・ミックスとモノラル・ミックスの両方を購入したというファンからの手紙を受け取った後、2つを別々にすることに決めた。^{[ 88 ]}いくつかのミックスではトラックの長さが異なっている。「ヘルター・スケルター」のモノラル・ミックス/編集では、曲の最後のフェードイン（とスターの最後の叫び）が削除されている^{[ 89 ]}。「ヤー・ブルース」のフェードアウトは、モノラル・ミックスの方が11秒長い。いくつかの曲では、ステレオ・ミックスとは異なるオーバーダブやエフェクトが欠落または異なっている。^{[ 90 ]}

アメリカではモノラルレコードはすでに段階的に廃止されつつあり、アメリカで発売された『ザ・ビートルズ』は、ステレオのみで発売された最初のビートルズのLPだった。^{[ 91 ]}イギリスでは、ビートルズの次のアルバム『イエロー・サブマリン』がモノラルで発売された最後のアルバムとなった。^{[ 92 ]}『ザ・ビートルズ』のモノラル版は、CDボックスセット『ザ・ビートルズ・イン・モノ』の一部として、2009年9月9日に世界中で発売された。^{[ 93 ]}オリジナルのモノラルLPは、2014年9月に世界中で再発売された。^{[ 94 ]}

マッカートニーは「Back in the USSR」をチャック・ベリーの「Back in the USA」^{[ 57 ]}とビーチ・ボーイズのパロディとして書いた。^{[ 95 ] [ 96 ]}ジェット機の離着陸のフィールドレコーディングが曲の冒頭と曲全体を通して断続的に使用されている。^{[ 84 ]}バックコーラスはレノンとハリソンがビーチ・ボーイズのスタイルで歌っている。^{[ 84 ]}これは、リシケシでマイク・ラブがマッカートニーにソ連の「女の子」について言及するように提案したことによるものである。^{[ 95 ]}この曲はビートルズの音楽が禁止されていたソ連で広く海賊版が出回り、アンダーグラウンドヒットとなった。^{[ 57 ] [ d ]}

「ディア・プルデンス」はトライデントで録音された曲の1つです。そのスタイルは、ギターのアルペジオを用いたリシケシで書かれたアコースティックソングに典型的なものです。レノンはこの曲をミア・ファローの妹プルデンス・ファローについて書きました。プルデンスは滞在中、瞑想に専念するためほとんど部屋から出ませんでした。^{[ 98 ]}

「グラス・オニオン」は、スターが一時的に脱退した後、フルバンドで録音された最初のバッキングトラックだった。マクドナルドは、レノンが曲の中に「隠されたメッセージ」を見つけたと主張するファンを嘲笑うために意図的に歌詞を書き、ビートルズのカタログにある他の曲を参照したと主張した 。「ザ・ウォルラス・ワズ・ポール」は「アイ・アム・ザ・ウォルラス」（それ自体が「ルーシー・イン・ザ・スカイ・ウィズ・ダイアモンズ」を参照している）を指している。^{[ 99 ]}マッカートニーは、以前の曲への意図的な言及として、 「アイ・トッド・ユー・アバウト・ザ・フール・オン・ザ・ヒル」の後にリコーダーのパートをオーバーダビングした。^{[ 100 ]}ストリングスセクションは10月にトラックに追加された。^{[ 100 ]}

「オブラディ、オブラダ」はマッカートニーがスカ音楽のパロディとして書いた曲である。この曲の完成には驚くほど時間がかかり、マッカートニーは完璧主義を主張し、同僚を苛立たせた。^{[ 30 ]}マッカートニーの友人であるジミー・スコットがタイトルを提案し、最初のテイクでボンゴを演奏した。彼は曲がリリースされたときに出版権の一部を要求したが、曲のクレジットは「レノン＝マッカートニー」となった。^{[ 102 ]}バックトラックに3日間取り組んだ後、その作業は破棄され、新しい録音に置き換えられた。^{[ 101 ]}レノンはこの曲を嫌い、「おばあちゃんの音楽のクソ」と呼んだ^{[ 103 ]。}一方、エンジニアのリチャード・ラッシュは、スターが同じバックトラックを繰り返し録音しなければならないことを嫌がっていたことを回想し、このセッションをビートルズが解散する兆候として指摘している。^{[ 101 ]}マッカートニーはバッキングトラックを3度目に作り直そうとしたが、数テイク後に断念し、2番目のバージョンが最終ミックスとして使用された。^{[ 101 ]}マッカートニーを除くグループは、レコーディング終了までにこの曲への興味を失い、シングルとしてリリースすることを拒否した。マーマレードが録音したバージョンはナンバーワンヒットとなった。^{[ 102 ]}

マッカートニーは「Wild Honey Pie」を「Mother Nature's Son」のセッションの終わりに8月20日に録音した。これはアルバムのセッション中にテイクの合間に録音された短い曲の断片の典型例である。^{[ 57 ]}

「バンガロー・ビルの続編」は、リシケシュを訪れたアメリカ人が数週間トラ狩りに出かけた後にレノンが書いた曲である。^{[ 43 ]}この曲はオーディオ・ヴェリテの練習として録音され、当時スタジオにいたほぼ全員のボーカル・パフォーマンスがフィーチャーされている。オノは1行を歌い、別の1行を共演し、クリス・トーマスはメロトロンを演奏し、曲の最後には即興演奏も含まれている。^{[ 104 ]}冒頭のフラメンコ・ギターの華やかな演奏は、メロトロンの標準テープ・ライブラリに収録されていた録音である。^{[ 105 ]}

「While My Guitar Gently Weeps 」は、ハリソンがチェシャーにある両親の家を訪れた際に作曲した。^{[ 106 ]}彼は7月25日にアコースティックギターでソロ演奏としてこの曲を初めて録音したが、 このバージョンは『Anthology 3』まで未発表のままだった。^{[ 34 ]}彼はグループによるこの曲の最初の録音に満足していなかったので、友人のエリック・クラプトンを招いて演奏してもらった。クラプトンはビートルズのレコードにゲスト参加することに迷いがあったが、ハリソンは「彼らとは何の関係もない。これは僕の曲だ」と言った。^{[ 107 ]}クラプトンのソロは、望ましい効果を得るために自動ダブルトラッキング処理が施された。彼は使用したギターをハリソンに渡し、ハリソンは後にそれを「ルーシー」と名付けた。^{[ 108 ] [ e ]}

「Happiness Is a Warm Gun」は、ジョン・レノンが1968年5月のデモで2つのセグメントを先行公開した後、いくつかの曲の断片を1つの作品にまとめたものから発展した。^{[ 110 ]}マクドナルドによれば、このアプローチはインクレディブル・ストリング・バンドの作曲に影響を受けた可能性があるという。^{[ 39 ]}曲全体を通して不規則な拍子記号とスタイルの変化があったため、基本的なバッキングトラックは95テイクに及んだ。最終バージョンは、2つのテイクのベストな半分を編集して作られた。^{[ 111 ]}レノンは後にこの曲をお気に入りの1つと評し、^{[ 112 ]}バンドの他のメンバーは、このレコーディングによってグループとして一緒に演奏するスキルを磨き直さざるを得なくなり、活力を得たと感じた。^{[ 113 ]}アップルの広報担当官デレク・テイラーは、クレジットなしでこの曲の歌詞に貢献した。^{[ 114 ]}

マッカートニーは「マーサ・マイ・ディア」というタイトルを自身のオールド・イングリッシュ・シープドッグから取ったが、歌詞はそれ以外は無関係である。^{[ 115 ]}トラック全体はセッションミュージシャンをバックにマッカートニー自身が演奏しており、他のビートルズのメンバーは参加していない。^{[ 115 ]}マーティンはこの曲のためにブラスバンドのアレンジを作曲した。^{[ 116 ]}

「I'm So Tired」は、レノンが睡眠障害を抱えていたインドで書かれた。^{[ 42 ]}この曲は「The Continuing Story of Bungalow Bill」と同じセッションで録音された。^{[ 104 ]}歌詞には、タバコをヨーロッパに持ち込んだウォルター・ローリーを「愚かな奴」と呼ぶ記述がある。 ^{[ 117 ] [ 118 ]}また、曲の最後はレノンが「ムッシュ、ムッシュ、もう一杯どうですか？」とつぶやくところで終わる。^{[ 104 ]}この曲は、ファンが逆再生すると「ポールは死んだ、寂しい、寂しい、寂しい」と聞こえると主張したことから、 「ポール死亡説」の陰謀論の一部となった。^{[ 37 ]}

「ブラックバード」では、マッカートニーがアコースティックギターを弾きながらソロで歌っています。ルイスホーンによれば、バックグラウンドのチクタクという音はメトロノームですが、^{[ 44 ]}エメリックはマッカートニーの靴の横に置いたマイクでその音を録音したと回想しています。^{[ 119 ]}この曲の鳥のさえずりは、アビーロードの効果音コレクションから取られたもので、EMIの初期のポータブルテープレコーダーの1つで録音されました。^{[ 44 ]}

ハリソンは「ピギーズ」を現代社会の貪欲と物質主義への攻撃として書いた。^{[ 120 ]}彼の母親とレノンが歌詞の完成を手伝った。^{[ 121 ]}トーマスはこの曲でチェンバロを演奏し、レノンは豚の鳴き声のテープループを提供した。^{[ 122 ]}

「ロッキー・ラクーン」は、リシケシでのマッカートニー、レノン、ドノヴァンのジャムセッションから生まれた。この曲は1回のセッションで録音され、マーティンが「埋め草」だと感じていた曲の1つで、アルバムが2枚組だったため収録されただけだった。^{[ 36 ]}

「Don't Pass Me By」はスターがバンドのために作曲した最初のソロ曲でした。^{[ 123 ]}彼は1963年頃から、おそらくずっと、内省的な曲を書くというアイデアを温めていました。^{[ 124 ]}仮タイトルは「Ringo's Tune」と「This Is Some Friendly」でした。基本トラックは、スターがドラムを叩き、マッカートニーがピアノを演奏するというものでした。^{[ 125 ]}マーティンはこの曲にオーケストラのイントロを作曲しましたが、「奇妙すぎる」として却下され、アルバムには収録されませんでした。^{[ 123 ]}代わりに、ジャック・ファロンがブルーグラスのフィドルを演奏しました。^{[ 126 ]}

マッカートニーは、インドで路上で2匹の猿が交尾しているのを見て、なぜ人間は同じことをするには文明的すぎるのかと疑問に思い、 「 Why Don't We Do It in the Road ?」を書いた。 ^{[ 127 ]}彼はドラム以外のすべての楽器を演奏し、ドラムはスターが担当した。シンプルな歌詞はレノンのスタイルに非常に近く、レノンは演奏を依頼されなかったことに腹を立てた。マッカートニーは、レノンが「Revolution 9」に貢献しなかったことへの「仕返し」だと示唆した。^{[ 128 ]}

マッカートニーは「 I Will 」を作詞作曲し歌い、レノンとスターがパーカッションで伴奏した。^{[ 60 ]}数多くのテイクの合間に、3人のビートルズは他の曲を路上で演奏した。「Can You Take Me Back?」として知られる曲の断片が「Cry Baby Cry」と「Revolution 9」の間に挿入され、^{[ 100 ]}シラ・ブラックのヒット曲「Step Inside Love 」とジョークナンバー「Los Paranoias」の録音は「 Anthology 3」に収録された。^{[ 129 ]}

「ジュリア」はアルバムのために最後に録音された曲で、レノンがソロのアコースティックギターを演奏しており、そのスタイルはマッカートニーの「ブラックバード」に似ている。^{[ 59 ]}これはビートルズの曲の中でレノンがソロで演奏している唯一の曲である。^{[ 130 ]}この曲は、レノンが17歳の時に1958年に交通事故で亡くなった母親のジュリア・レノンへの追悼であり、歌詞は母親の死と、歌詞の中で「海の子供」と呼ばれるオノとの関係について歌っている。^{[ 59 ]}オノは歌詞作りに協力したが、予想通りこの曲はレノン＝マッカートニー名義でクレジットされた。^{[ 131 ]}

マッカートニーによれば、「バースデイ」の作詞作曲は「ジョンと僕が50対50で、その場で即興で作って、その日の夜に録音した」とのこと。^{[ 132 ]}マッカートニーとレノンは、ロックンロール映画『女は我慢できない』のイギリス初放送をテレビで見てこの曲を書くインスピレーションを得て、映画の音楽スター、リトル・リチャードのスタイルでリードボーカルを歌った。^{[ 38 ]}ビートルズがこの曲を録音した後、オノとパティ・ハリソンがバックボーカルを追加した。^{[ 111 ]}

レノンはインドで「Yer Blues」を書いた。瞑想や静かな雰囲気にもかかわらず、歌詞に反映されているように、彼はまだ不幸を感じていた。^{[ 133 ]}このスタイルは、フリートウッド・マック、クリーム、ジミ・ヘンドリックス・エクスペリエンス、ジェフ・ベック、チキン・シャックなどを含む1968年のブリティッシュ・ブルース・ブームの影響を受けている。^{[ 35 ]}バッキング・トラックは、スタジオ2のコントロール・ルームの隣にある小さな部屋で録音された。ビートルズの録音としては珍しく、4トラックのソース・テープが直接編集されたため、3分17秒で突然カットされ、別のテイクの開始（フェードアウトまで続いた）につながった。^{[ 134 ] [ f ]}

マッカートニーはインドで「マザー・ネイチャーズ・サン」を作曲し、バンドの他のメンバーとは離れて作業を進めた。彼はマーティンが編曲したブラスアレンジに合わせてソロでこの曲を演奏した。^{[ 61 ]}

「Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey」はジャムセッションから発展したもので、当初はタイトルがなかった。最終ミックスは、通常の50ヘルツではなく43ヘルツで再生されるテープをミックスすることでスピードアップされた。 ^{[ 27 ]}ハリソンは、タイトルはマハリシの言葉の一つから取られたと主張した（「and my monkey」は後から追加された）。^{[ 29 ]}

「セクシー・サディ」は、レノンがリシケシュを離れることを決めた直後に「マハリシ」として書かれた。^{[ 33 ]} 1980年のインタビューで、レノンはマハリシがこの曲のインスピレーション源だったことを認め、「私はただ彼を『セクシー・サディ』と呼んだだけだ」と語っている。^{[ 135 ]}

「ヘルター・スケルター」はマッカートニーが作曲し、当初はブルースナンバーとして7月に録音された。バンドは最初のテイクをライブで演奏し、その間、楽器でジャムセッションをする長い部分が含まれていた。^{[ 68 ]}これらのテイクはLPに収まるには長すぎたため、この曲は9月までお蔵入りとなり、その時に新しい短いバージョンが作られた。伝えられるところによると、セッションは混沌としていたが、ビートルズの誰にも、自分たちが制御不能だとは誰も言わなかった。ハリソンはスタジオ中を火のついた灰皿を頭上に掲げて走り回り、「アーサー・ブラウンみたいだった」と伝えられている。^{[ 89 ]} LPのステレオバージョンにはモノラルよりも1分近く長い音楽が含まれており、スターが「指に水ぶくれができた！」と叫ぶことで最高潮に達する。^{[ 89 ]}カルト指導者で大量殺人犯のチャールズ・マンソンは、ヘルター・スケルターという言葉が遊園地や遊園地にある螺旋状の滑り台を意味するイギリス英語であることを知らず、この曲が地獄と関係があると思い込んでいた。この曲は、マンソンがアルバムに終末戦争を暗示する暗号メッセージが隠されていると信じるきっかけとなった曲の一つであり、同名の運動へとつながった。^{[ 33 ]}

サイド3の最後の曲は、ハリソンの「Long, Long, Long」で、ボブ・ディランの「Sad Eyed Lady of the Lowlands 」から取ったコード進行の一部です。^{[ 136 ]}マクドナルドはこの曲をハリソンの「神との疲れ果てた安堵の和解の感動的な証」と表現し、「ビートルズでの彼の最高の瞬間」とみなしました。^{[ 42 ]}基本トラックのレコーディングセッションは、ビートルズが行った中で最も長いセッションの1つで、10月7日の午後から夜通し、翌日の午前7時まで続きました。マッカートニーはこ​​のトラックでハモンドオルガンを演奏し、最後に「不気味なガラガラ音」効果は、オルガンのレスリースピーカーの上に置かれたワインボトルが共鳴する音によって作られました。 ^{[ 42 ] [ 137 ]} 

「Revolution 1」はアルバムのために最初に録音されたトラックで、バッキングトラックのセッションは5月30日に開始された。^{[ 25 ]}最初のテイクはシングルの可能性を念頭に置いて録音されたが、セッションが進むにつれてアレンジはよりゆったりとしたグルーヴになり、テンポが遅くなった。グループは選ばれたテイクを6分間の即興演奏で締めくくり、さらにオーバーダブを追加した後、アルバムで聴ける長さにカットした。ブラスアレンジは後から追加された。^{[ 138 ]}

マッカートニーは「ハニー・パイ」を1920年代のフラッパーダンススタイルを模倣して作曲した。冒頭部分には古い78回転レコードの音がオーバーダビングされており^{[ 139 ]}、マーティンはサックスとクラリネットのパートを同じスタイルでアレンジした。レノンはこの曲でギターソロを演奏したが、後にこの曲を嫌い、「救いようがない」と評した^{[ 41 ] 。}

「サヴォイ・トリュフ」は、クラプトンが好んで食べていたマッキントッシュのグッドニュースの箱に入っていたチョコレートの一種にちなんで名付けられた。この曲では、トーマスが編曲したサックス六重奏がフィーチャーされており、トーマス自身もキーボードを演奏した。^{[ 41 ]}ハリソンは後に、デレク・テイラーが歌詞の完成を手伝ってくれたと語った。^{[ 140 ]}

レノンは1967年後半に「クライ・ベイビー・クライ」の作詞を始め、歌詞の一部は古いテレビCMのキャッチフレーズから着想を得た。マーティンはこの曲でハーモニウムを演奏した。 ^{[ 31 ]}

「Revolution 9」は「Revolution 1」のコーダのオーバーダブから発展した。レノン、ハリソン、オノは、カールハインツ・シュトックハウゼンのスタイルで、さらにテープコラージュとスポークンワードの抜粋を追加した。この曲は、王立音楽学校の試験テープからのピアノテーマの抜粋で始まり、オノが「裸になったら」と言うところでクライマックスを迎える。^{[ 141 ]}オノは制作に深く関わり、レノンにどのテープループを使うべきかアドバイスした。^{[ 142 ]}マッカートニーは当時国外にいてこの曲には関わっておらず、収録されたことに不満だったと伝えられている。彼は1967年1月に「 Carnival of Light 」のような同様のテープ実験を主導していた。 ^{[ 143 ]}この曲は長年にわたり、ファンや批評家から関心と不評の両方を集めてきた。^{[ 144 ]}

レノンは息子ジュリアンの子守唄として「グッドナイト」を作曲し、スターに歌ってほしいと願っていた。初期のテイクでは、レノンがアコースティックギターを弾き、スターが歌っているだけだった。^{[ 27 ]}マーティンはオーケストラと合唱によるアレンジを作曲し、最終ミックスではギターの代わりに演奏し、チェレスタも演奏した。^{[ 30 ]}

「ヘイ・ジュード」は、1968年7月末にザ・ビートルズのセッション中に録音されたが、アルバム発売の約3か月前にシングルとして別々にリリースされた。^{[ 145 ]}これはアップル・レコードからの最初のリリースであり、最終的にバンドにとって米国で最も成功したシングルとなった。^{[ 146 ]} B面の「レボリューション」は、アルバムの「レボリューション 1」の別バージョンだった。レノンは「レボリューション」のオリジナル・バージョンをシングルとしてリリースすることを望んでいたが、他の3人のビートルズはテンポが遅すぎると反対した。代わりに、激しく歪んだギターとニッキー・ホプキンスのエレクトリック・ピアノ・ソロをフィーチャーした、より速い新バージョンが「ヘイ・ジュード」のシングルに収録された。^{[ 102 ]}

当時のイギリスの音楽業界では、シングルとアルバムは別個のものであり、曲を重複させてはならないというのが慣例だった。^{[ 147 ] [ g ]}しかし、イギリスやアメリカではビートルズからシングルは出されなかったものの、「Ob-La-Di, Ob-La-Da」のB面には「While My Guitar Gently Weeps」が収録され、他の市場でリリースされた。このシングルはオーストラリア（ Go-Setチャートで5週間1位を獲得）、^{[ 148 ]}日本、^{[ 149 ]}オーストリア、 ^{[ 150 ]}スイスで商業的に成功を収めた。^{[ 151 ]}

この時期にビートルズが個別に取り組んでいた曲の中には、その後のアルバムに収録するために再検討されたものもあれば、バンドメンバーのソロアルバムに収録されたものもあった。キンファウンズで制作されたデモのブートレッグアルバムによると、後者の2つのカテゴリーには、レノンの「Look at Me」^{[ 152 ]}と「Child of Nature」（最終的に「Jealous Guy」として再編集された）^{[ 153 ]} 、マッカートニーの「Junk」^{[ 153 ]}、ハリソンの「Not Guilty」と「Circles 」 ^{[ 153 ]}が含まれる。さらに、ハリソンは「Sour Milk Sea」を歌手のジャッキー・ロマックスに提供し、ハリソンがプロデュースしたロマックスのレコーディングは、1968年8月にアップルレコードからロマックスのデビューシングルとしてリリースされた^{[ 154 ]} 。レノンの「Mean Mr. Mustard」と「Polythene Pam 」は、翌年のアビーロードのメドレーで使用された。 ^{[ 50 ]}

レノン作曲の「What's the New Mary Jane」はキンファウンズでデモ録音され^{[ 155 ]}、1968年のアルバムセッション中に（レノン、ハリソン、オノによって）正式に録音された^{[ 36 ]} 。マッカートニーはアビーロードで2曲のデモを録音した。「Etcetera」^{[ 45 ]}と「The Long and Winding Road」で、後者はビートルズが1969年に『Let It Be』で録音した^{[ 156 ]} 。ビートルズバージョンの「Not Guilty」と「What's the New Mary Jane」、そして「Junk」のデモは『 Anthology 3』でリリースされた^{[ 157 ]}。

これまで未発表だった録音「Revolution (Take 20)」が、2009年にブートレグで発見された。この10分間のテイクは後に編集され、オーバーダビングされて「Revolution 1」と前衛的な「Revolution 9」という2つの別々のトラックが作られた。^{[ 158 ]}

アルバムのパッケージに収録されているポートレート写真は、1968年秋にジョン・ケリーによって撮影されたものです。左から、ジョン・レノン、ポール・マッカートニー、ジョージ・ハリスン、リンゴ・スター。

『ザ・ビートルズ』は1968年11月22日にイギリスで発売され^{[ 64 ]}、3日後にアメリカでも発売された^{[ 159 ]} 。これは、ハリソンの『ワンダーウォール・ミュージック』とレノンとオノの『トゥー・ヴァージンズ』に続く、アップル・レコードから発売された3枚目のアルバムだった^{[ 160 ]}。このレコードは発売直後から「ホワイト・アルバム」と呼ばれた^{[ 161 ] 。}

コンセプチュアル・アーティストのリチャード・ハミルトンは、マッカートニーと共同でレコードのスリーブをデザインした^{[ 64 ] 。 [ 162 ]}ハミルトンのデザインは、ポップ・アーティストのピーター・ブレイクとジャン・ハワース^{[ 163 ]}による『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』の精巧で鮮やかなカバーアートとは対照的で、シンプルな白いスリーブだった。バンド名はヘルベチカ体で^{[ 164 ]}、アルバムの右側の真ん中より少し下に斜めにエンボス加工されていた^{[ 165 ]} 。後にアメリカで発売されたビニールレコードでは、タイトルはエンボス加工ではなく、灰色の印刷文字で表示されていた^{[ 166 ]} 。レコードの各コピーには、ハミルトンの言葉を借りれば、「 500万枚程度の限定版という皮肉な状況を作り出すため」に、固有のシリアル番号が刻印されていた。 ^{[ 167 ]}最初の4枚の番号付きコピーはバンドのメンバーに贈られ、番号0000005が最初に一般に販売されたコピーとなった。2008年にeBayで19,201ポンドで購入された。^{[ 168 ]} 2015年、リンゴ・スターのコピー、番号0000001がオークションで世界記録の79万ドルで落札された。^{[ 169 ]}ポッドキャスト「Impossible Way of Life」のインタビューで、 Hotline TNTのメンバーがオークションの落札者がジャック・ホワイトであり、アルバムは現在ナッシュビルのThird Man Records本社の金庫に保管されていることを初めて明らかにした。^{[ 170 ]}

ジャケットには、写真のモンタージュで構成されたポスターが付属しており、裏面には曲の歌詞が、ジョン・ケリーが撮影した4枚の写真ポートレートが添えられていた。^{[ 171 ]}ポスター用の写真はハミルトンとマッカートニーが集め、数日かけてさまざまな方法で整理し、最終的な結果にたどり着いた。^{[ 166 ]}

制作中、このアルバムの仮タイトルは「人形の家」だった。しかし、イギリスのプログレッシブ・ロック・バンド、ファミリーが同年先に「人形の家での音楽」という似たタイトルのアルバムをリリースしたため、タイトルが変更された。 ^{[ 131 ]}

イギリスでは、ザ・ビートルズのアルバムは1968年12月7日に初登場1位を獲得し^{[ 172 ]}、7週間（競争の激しいクリスマスシーズン全体を含む）イギリスのチャートのトップに君臨した^{[ 172 ]}が、1969年1月25日にザ・シーカーズのベスト・オブ・ザ・シーカーズに取って代わられ、2位に転落した。しかし、このアルバムは翌週にトップに返り咲き、8週目にして最後の1位を獲得した^{[ 173 ]。}ビートルズの次のアルバム、イエロー・サブマリンがリリースされ、3位に達したときも、このアルバムはまだチャート上位にいた。ザ・ビートルズのアルバムはイギリスのチャートに合計22週間ランクインしたが、サージェント・ペパーズの149週間よりはるかに少なかった^{[ 174 ]}。 2013年9月、英国レコード産業協会が売上賞のルールを変更した後、このアルバムはプラチナ認定を受けたと宣言された。これは、少なくとも30万枚を売り上げたことを意味する。^{[ 175 ]}

アメリカでは、このアルバムは商業的に大成功を収めた。キャピトル・レコードは、アルバム発売後最初の4日間で330万枚以上 の『ザ・ビートルズ』を店頭に販売した。 ^{[ 176 ]} 1968年12月14日に11位で初登場し、^{[ 177 ]} 2位に上昇、3週目の12月28日には1位に到達し、^{[ 178 ]}合計9週間トップに君臨した。合計で、『ザ・ビートルズ』はビルボード200に215週間ランクインした。^{[ 179 ]} このアルバムはアメリカだけで2400万枚以上を売り上げており、 ^{[ 180 ]}アメリカレコード協会によると、『ザ・ビートルズ』は24倍プラチナ認定を受けたビートルズのアルバムである。^{[ 181 ]}

リリース時、ザ・ビートルズは大多数の音楽評論家から非常に好意的なレビューを得た。^{[ 182 ] [ 183 ] ​​[ 184 ]} NMEのアラン・スミスは「レボリューション9」を除くアルバム全曲に「ビートルズに神のご加護を！」と宣言し、ローリング・ストーンのジャン・ウェナーはグループ史上最高のアルバムだと評した。^{[ 185 ] [ 186 ]}さらに賛否両論の批評もあったが、概ね肯定的だった。タイムズのウィリアム・マンは、このリリースを「今年最も重要な音楽イベント」とみなし、数曲は今後数ヶ月にわたって研究と評価に値すると述べた。^{[ 187 ]}タイム誌の評論家は、ザ・ビートルズはビートルズの「最高の能力と最悪の傾向」を示したと書き、巧みに演奏され洗練されているが、「センスと目的意識」に欠けていると評した。^{[ 188 ]}

否定的な少数派は、アルバムの長さを嘆いたり、音楽に『サージェント・ペパーズ』を特徴づけていた冒険的な性質が欠けていると感じたりした。^{[ 182 ]}ニューヨーク・タイムズのレビューで、ニック・コーンはこのアルバムを「信じられないほど退屈」だとし、収録曲の半分以上が「極めて凡庸」だと述べた。^{[ 189 ]}ヴィレッジ・ヴォイスのロバート・クリストガウは、1971年のコラムで、このアルバムを「彼らの最も一貫性のある作品であると同時に、おそらく最悪の作品」と評した。^{[ 190 ]}それにもかかわらず、彼はジャズ＆ポップ誌の年間批評家投票で、このアルバムを1968年のベストアルバム10位にランク付けした。^{[ 191 ]}

著者のイアン・イングリスによれば、「断片的なスタイル」はすべてのレビューで議論の的となり、熱狂的な反応と否定的な反応の両方を集めた。^{[ 79 ]}サンデー・タイムズ紙のデレク・ジュエルは、「音楽的には、美しさ、恐怖、驚き、混沌、秩序がある。それが世界であり、ビートルズが語っていることだ。彼らの時代によって作られ、彼らの時代のために作られている」と要約した。^{[ 187 ]}もう一つ頻繁に取り上げられた側面は、マッカートニーとレノンの作曲の質の向上だった。オブザーバー紙のレビューでトニー・パーマーは、ビートルズの曲はフランツ・シューベルト以来最高だと主張した。^{[ 192 ]}ニューヨーク・タイムズ紙のリチャード・ゴールドスタインは、ダブル・アルバムよりも向上しており、スタジオのギミックへの依存度が低いことも相まって、サージェント・ペパーやマジカル・ミステリー・ツアーよりも想像力豊かなアルバムになったと感じた。^{[ 182 ] [ 193 ]}

しかし、彼は、レノンとマッカートニーのソングライターとしての進歩を、パスティーシュや「内輪ネタ」への過度の依存が停滞させたと意見を述べた。^{[ 187 ]}クリストガウも同様に、軽蔑的に、これらの曲を「音楽練習のパスティーシュ」と呼んだ。^{[ 190 ]}ローリングストーン誌のジャン・ウェナーは、パスティーシュをより高く評価し、全体的な成果を「西洋音楽の歴史と統合」と呼んだ。^{[ 161 ]}ウェナーは、彼らの能力とアイデンティティが「非常に強力で、それを彼ら独自のもの、ビートルズ独自のものにしている」ため、他のスタイルや伝統をロック音楽に取り入れることが許されたと主張した。「彼らは非常に優れているので、イディオムを拡張するだけでなく、それを深く掘り下げてさらに発展させることもできる。」^{[ 185 ]}

2003年にMojo誌に掲載されたアルバムの評価で、イアン・マクドナルドは、ビートルズのアルバムは批評家の「史上最高のアルバム」リストのトップ10に常にランクインしているが、自身は「風変わりで、非常に多様で、質にばらつきがある」作品だと評した。^{[ 203 ]}ロブ・シェフィールドは、 The Rolling Stone Album Guide （2004年）で、収録曲はビートルズの「Revolver以来最も力強い曲」から「自己満足的な埋め草」まで多岐にわたると述べた。彼は「Revolution 9」や「Helter Skelter」などの曲を酷評したが、リスナーにとって個人的なハイライトを選ぶことは「楽しみの一部」だと述べた。^{[ 204 ]} 1999年にMusicHoundに寄稿したGuitar World編集者のクリストファー・スカペリティは、このアルバムを「自己陶酔的で、時には聴くに堪えない」と評したが、「While My Guitar Gently Weeps」、「Happiness Is a Warm Gun」、「Helter Skelter」は「魅力的な傑作」であり、購入する価値があると指摘した。^{[ 197 ]}

Slant Magazineのエリック・ヘンダーソンによれば、The Beatlesはバンドの録音作品の中でも珍しい存在で、「反射的な正典化に抵抗し、社会の継続的な断片化と相まって、アルバムを新鮮で驚きに満ちたものにしている」という。^{[ 202 ]} AllMusicのレビューで、スティーブン・トーマス・アールワインは、その音楽スタイルの多様性から、このアルバムは「見方によっては、もどかしいほど散漫なレコードにも、他に類を見ないほど魅力的な音楽体験にもなり得る」と述べている。彼はこう結論付けている。「どれもアルバムの中で一緒に使われることを意図して作られたようには聞こえないが、どういうわけかThe Beatlesはその混沌の中から独自のスタイルとサウンドを生み出している。」^{[ 144 ]}

2009年にリマスターされたアルバムのレビューの中で、デイリー・テレグラフのニール・マコーミックは、このアルバムの最悪の曲でさえ、このような折衷的で型破りなコレクションの文脈の中で機能しており、「これまで作られたアルバムの中で最も優れたアルバムの1つ」と評価した。^{[ 195 ]} Paste誌に寄稿したマーク・ケンプは、ビートルズのアルバムは「3つのソロ作品が1つになったもの（リンゴの曲も含む）」と誤って表現されていると述べ、「各メンバーの全く異なるアイデアから恩恵を受けている」とし、「ハリソンの最も優れた瞬間が2つある」と評した。 ^{[ 205 ]} AVクラブのレビューで、チャック・クロスターマンは、このアルバムはバンドが最高の状態にあることを示しており、「A+をほぼ超える」と評価した。^{[ 194 ]} 2020年にクリストガウは振り返って、このアルバムは「やや散漫」であると依然として感じているものの、それでも「高いAマイナス」に値すると考えていると書いた。^{[ 206 ]}他の多くの回顧的評価とは異なり、ガーディアン紙のジョン・オライリーはこのアルバムを5つ星中2つ星と評価し、「この混乱したダブルアルバムの中には、外に出たがっているまあまあのシングルアルバムがある」と述べている。^{[ 207 ]}

2000年、ザ・ビートルズはコリン・ラーキンの「史上最高のアルバム1000枚」第3版で5位に選ばれた。3年後、ローリング・ストーン誌は「史上最高のアルバム500枚」のリストで10位にランク付けし^{[ 208 ]} 、 2012年の改訂版リストでもその順位を維持した^{[ 209 ]} 。アルバム発売40周年に、バチカンの新聞「ロッセルヴァトーレ・ロマーノ」は、「魔法のような音楽アンソロジーであり続けている。30曲を自由に聴き通すことができ、今日でも比類のない珠玉の曲が見つかることは間違いない」と書いた^{[ 210 ]} 。 2011年、ケラング！誌は「史上最もヘヴィなアルバム50枚」のリストで49位にこのアルバムをランク付けした。同誌は「ヘルター・スケルター」のギターワークを称賛した。^{[ 211 ]}このアルバムは、死ぬまでに聴くべき1001枚のアルバムという本にも収録されている。^{[ 212 ]} 2020年9月、ローリングストーン誌は、新たに発表した「史上最高のアルバム500枚」リストで、ビートルズを29位にランク付けした。 ^{[ 213 ]}

ビートルズに関する一般的な見解とは異なり、ジョージ・マーティンの息子で2018年の50周年記念リミックスの監督を務めたジャイルズ・マーティンは、リミックスの準備のためにすべてのデモとセッションテープを聴いた後、バンドが崩壊寸前だったとは信じていないという結論に至ったと述べている。^{[ 214 ] [ 215 ] [ 216 ]}

アルバムの歌詞は、曖昧なものから、解釈の余地が広く、作者の意図が誤解されやすいものへと変化していった。例えば、「Glass Onion」（「セイウチはポールだった」など）^{[ 99 ]}や「Piggies」（「奴らに必要なのは、いい加減に叩くことだ」）^{[ 121 ]}などである。 「Back in the USSR」の場合、歌詞はキリスト教の伝道師デイヴィッド・ノーベルによって、ビートルズがアメリカの若者を洗脳する共産主義の陰謀に加担している証拠だと解釈された。^{[ 221 ]}マクドナルドによれば、1960年代のカウンターカルチャーは、ビートルズのこれまでのリリース作品すべてを凌駕するほどビートルズを分析した。 ^{[ 37 ]}「Revolution 1」のレノンの歌詞は、彼が意図していないメッセージで誤解された。アルバムバージョンでは、彼は「破壊について語る」人々に「私を除外してくれ」と忠告している。レノンは歌った「out」に続いて「in」と話す。アルバムがリリースされた当時（時系列的にはアップテンポのシングル・バージョン「Revolution」の後にリリースされた）、その「in」という単語は、1968年5月のパリ暴動に続く政治的な暴力に対するレノンの支持だと、急進的な左派によって解釈された。^{[ 222 ]}しかし、アルバム・バージョンが先に録音された。^{[ h ]}

チャールズ・マンソンは、このアルバムがリリースされて間もなく初めて聴いた。マンソンは、ビートルズの初期のアルバムの曲に隠された意味を見出したかもしれないが、 ^{[ 223 ]}ヴィンセント・バグリオシの『ビートルズ』によると、マンソンは「ブラックバード」、「ピギーズ」（特に「彼らに必要なのは、とんでもない殴打だ」という歌詞）、「ヘルター・スケルター」、「レボリューション1」、「レボリューション9」など、いくつかの曲に予言的な意味を見出し、^{[ 224 ]}歌詞を差し迫った暴力や戦争の兆候と解釈したとされている。^{[ 204 ]}彼とマンソン・ファミリーの他のメンバーや仲間は繰り返しこのアルバムを聴き、マンソンは彼らに、これは抑圧された人種の蜂起を予言する黙示録的なメッセージであり、ヨハネの黙示録の第9章と類似していると伝えたとされている。^{[ 225 ] [ 226 ]}ポール・マッカートニーは、「チャールズ・マンソンは、ヘルター・スケルターは黙示録の四騎士と関係があるものだと解釈した」と述べた。^{[ 227 ]}

「レボリューション」におけるレノンの非活動的な姿勢に裏切られたと感じたことに加え、新左翼の評論家たちは、ビートルズが政治的なアジェンダを提示できなかったことを非難した。^{[ 228 ]}ビートルズ自身も、激動の政治的・社会的状況における重要な問題から目を背ける手段として、折衷主義やパロディを用いたと非難された。^{[ 228 ]}リベレーション・ニュース・サービスに寄稿したジョン・ランダウは、特に「ピギーズ」や「ロッキー・ラクーン」において、バンドが「現実と向き合うことを恐れ」、「その瞬間の緊急性」に対処できなかったためにパロディを採用したと主張した。^{[ 229 ]}ランダウと同様に、新左翼の多くのライターは、このアルバムを時代遅れで無関係だと考えた。その代わりに、彼らはローリング・ストーンズが同時期にリリースした『ベガーズ・バンケット』を、レノンの伝記作家ジョン・ウィーナーが言うところの「『強い解決策』、つまり当時の政治的・社会的闘争へと向かう音楽的な外向きの姿勢」として称賛した。^{[ 230 ]}また、「バック・イン・ザ・USSR」という曲は、ジョン・バーチ協会がビートルズが共産主義を推進していると主張したことで、アメリカで保守派の反発を招いた。^{[ 231 ]}

社会学者のマイケル・カトヴィッチとウェズリー・ロングホーファーは、このアルバムのリリースによって「当時のポップ、ロック、フォークロックのサウンドの最先端を捉えた作品として、広く評価されるようになった」と述べている。^{[ 232 ]}歴史家の大半は、このアルバムの美的・様式的特徴を強調し、ビートルズをポストモダンに分類している。 ^{[ 233 ] [ i ]}例えば、イングリスは、ブリコラージュ、断片化、パスティーシュ、パロディ、自己言及性、多元性、皮肉、誇張、反表象、そして「メタアート」を挙げ、「ポピュラー音楽初のポストモダン・アルバムとして位置づけられている」と述べている。^{[ 234 ]}フレドリック・ジェイムソン、アンドリュー・グッドウィン、ケネス・ウォマックなどの著者は、ビートルズの作品すべてを、その「人工性」^{[ 235 ]または愛と平和による進歩というイデオロギー的立場[ 236 ]}に基づいて、モダニズムの立場に位置づけている。スカペリティは、ビートルズを「パンクやオルタナティブ・ミュージックのジャンルに反映された自由形式のニヒリズム」の源泉として挙げている。^{[ 197 ]}ローリング・ストーン誌の「ビートルズの偉大な100曲」リストの序文で、エルヴィス・コステロは、バンドが21世紀にまで及ぼした広範な影響についてコメントし、「ホワイト・アルバムの広がりと自由度のおかげで、アウトキャストからレディオヘッド、グリーン・デイ、ジョアンナ・ニューサムまで、誰もが^より広く大胆なキャンバスに自分たちの絵を描くことができた」と結論付けている。^{[ 237 ]}

2013年初頭、ニューヨーク市ソーホー地区のリセス・ギャラリーは、アーティストのラザフォード・チャンによるインスタレーション作品「We Buy White Albums」を発表した。この作品はレコード店を模したもので、LPのオリジナル盤のみが展示されていた。^{[ 238 ]}チャンは、最初のLPのA面100枚の音を重ね合わせた録音を作成した。^{[ 239 ]}