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レイヴ（動詞「レイヴする」から）は、倉庫、クラブ、その他の公共または私的な会場で行われるダンスパーティーで、通常はエレクトロニックダンスミュージックを演奏するDJのパフォーマンスが特徴です。このスタイルは、1990年代初頭のダンスミュージックシーンと最も関連が深く、当時DJは、ドラムンベース、ダブステップ、トラップ、ブレイク、ハッピーハードコア、トランス、テクノ[ 1 ]ハードコア、ハウス[ 1 ] 、オルタナティブダンスなど、幅広いサブジャンルのエレクトロニックダンスミュージックが主流の音楽スタイルで、違法イベントでプレイしていました。レイヴでは、ゴーゴーダンサーやファイヤーダンサーなどの他のタイプのパフォーマーに加えて、ライブミュージシャンが演奏することもあります。音楽は、通常、重低音を出すために大型のサブウーファーを備えた、大きくて強力な音響システムで増幅されます。音楽には、レーザーライトショー、投影されたカラー画像、視覚効果、フォグマシンが伴うことがよくあります。
台頭するダンスシーンに後押しされ、アシッドハウスミュージックやザ・プロディジーなどのアンダーグラウンドバンドが先導する形で、1980年代後半には多くの「アシッドハウス」パーティーがスクワットで開催された。ペッカムの「ドールハウス」、廃墟となったバスターミナル、キャンバーウェルのスクワットされた児童養護施設「グルーヴパーク」など、有名な場所では1000人以上の観客が集まった。グルーヴパークではピート・マーランド（1990年代初頭にアイルランド西部でダンスシーンを始めた人物）がフルムーンパーティーを企画し、地元住民の認可を受けたアートコレクティブとして1年以上にわたって複数のイベントが開催された。タイムズ紙初のカラー別冊にはグルーヴパークのダンスシーンに関する記事が掲載されたが、主催者の中には写真に写りたくない者もいた。レイブの中には、ナイトクラブや個人の家で開催される小規模なパーティーもあるが、大規模なフェスティバルやイベントのように、複数のDJやダンスエリアを特徴とする巨大な規模にまで成長したものもある（例： 1992年のキャッスルモートン・コモン・フェスティバル）。
エレクトロニック・ダンス・ミュージック・フェスティバルの中には、レイブの特徴を持つものもありますが、規模が大きく、多くの場合商業的なものです。レイブは長時間続くことがあり、イベントによっては24時間続き、夜通し続くこともあります。多くの国で、法執行機関による摘発や反レイブ法がレイブシーンに課題をもたらしています。[ 2 ]これは、レイブ文化がMDMA [ 3 ] [ 4 ] （ MDA [ 5 ]とともに「クラブドラッグ」または「パーティードラッグ」と呼ばれることが多い）、アンフェタミン、LSD [ 3 ] [ 4 ]、GHB [ 3 ] [ 4 ]、ケタミン[ 3 ][4] [ 6 ] 、メタンフェタミン[ 3 ] [ 4 ]、コカイン[ 4 ]、大麻などの違法薬物と関連付けられているためです。[ 7 ]薬物に加えて、レイブでは、空き家での不法占拠パーティー、 [ 8 ]使われていない倉庫、[ 9 ]または航空機格納庫など、許可されていない秘密の場所がよく利用される。[ 10 ] [ 11 ]これらの懸念は、レイブ文化を取り巻く一種の道徳的パニックに起因することが多い。[ 12 ]
1950年代後半、イギリスのロンドンでは、「レイヴ」という言葉は、ソーホーのビートニクたちの「ワイルドなボヘミアン・パーティー」を表すのに使われていました。[ 13 ]こうした過剰な行為にふけることで知られるジャズミュージシャンのミック・マリガンは、「レイバーの王」というあだ名を持っていました。[ 14 ] 1958年、バディ・ホリーはヒット曲「レイヴ・オン」を録音し、その曲では、感情の狂気と熱狂、そしてそれが永遠に続くことを願う気持ちが歌われています。[ 15 ]「レイヴ」という言葉は、その後、1960年代初頭に勃興したモッズ・ユース・カルチャーで、一般的にあらゆるワイルドなパーティーを表す言葉として使われるようになりました。社交的なパーティー好きの人々は「レイバー」と呼ばれました。スモール・フェイセスのスティーヴ・マリオットやザ・フーのキース・ムーンといったポップミュージシャンは、自らを「レイバー」と称していました。[ 16 ] 1965年、グレイトフル・デッドは、ケン・キージーが主催したLSDドラッグパーティーであるサンフランシスコ・アシッド・テストのバックバンドを務めた。その後、ビジュアルアーティストのアンディ・ウォーホルは、ニューヨークでエクスプローディング・プラスチック・イネヴィタブル[ 17 ]を主催した。これは、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドとニコのパフォーマンスをバックにしたマルチメディアイベントで、点滅するライト、大音量の音楽、ダンス、そして大量のドラッグ使用が特徴だった。[ 18 ]サイケデリック時代には、ハプニングがカウンターカルチャーの一般的な要素となった。これは後に、サマー・オブ・ラブとして知られる大規模な社会現象で頂点に達した。[ 19 ]「サマー・オブ・ラブ」というフレーズは、1980年代のレイヴカルチャーの出現時に再び使用され、「セカンド・サマー・オブ・ラブ」を指した。[ 20 ]
1980年代に電子音楽と結びつくようになる「レイヴ」という言葉は、1960年代半ばのガレージロックやサイケデリアバンド（特にヤードバーズ。彼らはアメリカで『Having a Rave Up 』というアルバムをリリースした）の音楽に関してよく使われた用語だった。こうしたガレージイベントでのパーティー全般を指す別の用語として使われるだけでなく、「レイヴアップ」は曲の終盤近くの特定のクレッシェンドの瞬間を指し、音楽がより速く、より重く、激しいソロ演奏や制御されたフィードバックの要素を伴って演奏された。後に、1967年1月28日にロンドンのラウンドハウスで開催された「ミリオンボルト・ライト・アンド・サウンド・レイヴ」という電子音楽パフォーマンスイベントのタイトルの一部となった。このイベントでは、ビートルズのポール・マッカートニーがこの日のために制作した実験的なサウンドコラージュ、伝説的な「カーニバル・オブ・ライト」の録音が、唯一知られている公開された。[ 21 ]
1963年から1966年のモッズ時代から1967年以降のヒッピー時代へとイギリスのポップカルチャーが急速に変化するにつれ、この用語は一般的に使われなくなった。ノーザンソウルムーブメントは、現代のクラブカルチャーや2000年代のスーパースターDJカルチャーの創造に向けた重要な一歩として多くの人に挙げられている。 [ 22 ]現代のクラブカルチャーと同様に、ノーザンソウルのDJは、他のどこにも聴くことのできない音楽を求める観客の欲求を満たすことで支持を集めた。ノーザンソウルは、イギリスのクラブ、DJ、レコードコレクター、ディーラーのネットワークの構築に重要な役割を果たし、クラブでのプレイの力だけで売れるレコードをイギリスのチャートに提供した最初の音楽シーンだったと主張する人も多い。[ 23 ]
ノーザンソウルのDJたちが、後のDJたちと共通して用いたテクニックは、レコードの順番を並べ替えて、観客に陶酔感と落ち込みをもたらすことだった。DJローレンス・「ラリー」・プロクストンはこの方法を用いることで知られていた。オリジナルのノーザンソウルムーブメントに関わったDJパーソナリティとそのフォロワーたちは、ハウスやダンスミュージックシーンで重要な人物となった。[ 24 ] 1970年代から1980年代初頭にかけて、この用語が復活するまでは流行していなかったが、注目すべき例外として、デヴィッド・ボウイの曲「ドライブイン・サタデー」 （1973年のアルバム『アラジン・セイン』収録）の歌詞に「It's a crash course for the ravers」という一節がある。この時代にこの用語を使うと、古風な、あるいは皮肉なスラングの使用とみなされ、「groovy」などの言葉とともに、時代遅れの1960年代の語彙の一部とされた。
「レイヴ」という言葉の認識は、1980年代後半に再び変化した。この言葉が復活し、新しい若者文化に採用されたのは、おそらくジャマイカでこの言葉が使われていたことに触発されたものだろう。[ 13 ]
1980年代半ばから後半にかけて、サイケデリックやその他のエレクトロニック・ダンス・ミュージック、特にアシッド・ハウス・ミュージックの波が、 1980年代半ばから後半にかけてアメリカ合衆国シカゴ地域で開催されていたアシッド・ハウス・ミュージック・パーティーから出現した。 [ 25 ]シカゴのアシッド・ハウス・アーティストが海外で成功を収め始めると、アシッド・ハウスは急速にイギリスに広がり、クラブ、倉庫、フリー・パーティーで人気を博した。[ 26 ] [ 27 ]最初は1980年代半ばのマンチェスターで、その後ロンドンで人気が高まった。1980年代後半には、アシッド・ハウス・ムーブメントから生まれたサブカルチャーを表す言葉として「レイヴ」という言葉が使われるようになった。 [ 28 ]その活動は、スペインの地中海の島イビサのパーティーの雰囲気と関連しており、休暇で訪れるイギリス人、イタリア人、ギリシャ人、アイルランド人、ドイツ人の若者たちがレイヴやダンス・パーティーを開催していた。[ 29 ]
1990年代までに、アシッド、ブレイクビートハードコア、ハードコア、ハッピーハードコア、ガバ、ドラムンベース、ポストインダストリアル、エレクトロニカなどのジャンルが、大小さまざまなレイヴで取り上げられるようになった。数千人（以前の倉庫パーティーの4,000人に対し、最大25,000人[ 30 ]）を集める主流のイベントもあった。アシッドハウスの音楽パーティーがメディアで初めて「レイヴパーティー」と再ブランド化されたのは、1989年の夏、ジェネシス・P・オリッジがテレビインタビューで語った時だった。しかし、レイヴの雰囲気が完全に形成されたのは1990年代初頭になってからだった。1990年には、ベルリン、ミラノ、パトラスなどのいくつかの都市で、地下室、倉庫、森などで「アンダーグラウンド」のレイヴが開催された[ 31 ]。
イギリスの政治家たちは、台頭してきたレイブパーティーの流行に敵意をもって反応した。政治家たちはレイブに反対の声を上げ、無許可のパーティーを開催する主催者に罰金を科し始めた。こうした無許可のパーティーに対する警察の取り締まりにより、レイブシーンは田舎へと追いやられた。「レイブ」という言葉は、ロンドンとホームカウンティーズを囲む真新しいM25ロンドン環状高速道路で結ばれた様々な場所で行われる、半ば自発的な週末のパーティーを指す言葉として、イギリスでいつの間にか定着していた。バンド「オービタル」の名前も、この言葉に由来している。こうしたパーティーの開催場所は、ロンドンの旧倉庫や工業用地から、田舎の野原やカントリークラブまで多岐に渡る。
レイヴミュージックとは、1980年代後半から1990年代初頭にかけて流行したハウス、ニュービート、ブレイクビーツ、アシッドハウス、テクノ、ハードコアテクノといったジャンルを指す場合もあれば、レイヴで演奏される可能性のあるその他のエレクトロニックダンスミュージック（EDM）のジャンルを指す場合もある。
初期のレイバーたちからはハードコアとも呼ばれる「レイヴ」というジャンルは、1980年代後半にイギリスの「アシッド」ムーブメントの中で、倉庫パーティーやその他のアンダーグラウンド会場、そしてイギリスの海賊ラジオ局で初めて登場した。[ 32 ] 1990年代初頭に「レイヴ」と呼ばれた別のジャンルは、ベルギーのハードコアテクノ音楽で、テクノがベルギーのEDMシーンのメインスタイルになったときにニュービートから生まれた。 [ 33 ]
「レイヴ」というジャンルはオールドスクール・ハードコアへと発展し、ドラムンベース、2ステップ、ハッピーハードコアといった新しい形のレイヴ音楽や、ガバやハードスタイルといった他のハードコア・テクノのジャンルへと繋がっていった。[ 34 ]
レイヴミュージックは通常、DJミックスセットの形で提供されるが、ライブパフォーマンスも珍しくない。
音楽のスタイルには以下のようなものがあります。
テンポが遅く、ダンスミュージックの要素が少ないスタイルは、チルアウトミュージックと呼ばれることもあり、レイブの「チルアウト」ルームや、ゆったりとしたエレクトロニックミュージックが流れるレイブで耳にすることがあります。これには以下のようなものがあります。
レイヴとは、歴史的に、草の根で組織された反体制的で無許可のオールナイトダンスパーティーを指してきた。[ 38 ]レイヴシーンが商業化され、大規模な合法的な会場がこれらのイベントの標準となる以前は、レイヴの場所はイベントの夜まで秘密にされ、通常は留守番電話のメッセージ、[ 39 ]モバイルメッセージ、秘密のチラシ、ウェブサイトを通じて伝えられていた。警察の干渉を避けるために必要なこのレベルの秘密主義は、違法薬物の使用のためでもあり、レイバーが一度に10時間滞在できる場所を使用することを可能にした。それは逸脱感と社会統制からの解放感を促進した。[ 40 ] 2000年代には、このレベルの秘密主義はアンダーグラウンドのレイヴシーンに依然として存在している。しかし、「アフターアワーズ」クラブや大規模な屋外イベントは、同様のタイプのオルタナティブな雰囲気を作り出しているが、小道具や装飾などの鮮やかな視覚効果に重点を置いている。近年では、大規模な商業イベントが毎年同じ場所で開催され、テーマも毎年似たようなものが繰り返される傾向にある。エレクトリック・デイジー・カーニバルやトゥモローランドといったイベントは、通常、大勢の人々を収容できる同じ会場で開催される。
レイヴの中には異教のシンボルを用いるものもある。現代のレイヴ会場は、レイバーを幻想的な世界に没入させようとする。先住民のイメージや精神性は、レイヴの精神に特徴的な要素となり得る。ニュー・ムーンとゲートウェイの両コレクティブでは、「異教の祭壇が設置され、原始文化の神聖なイメージが壁を飾り、ターンテーブルやダンスフロアの上で浄化の儀式が行われる」[ 41 ]。このような空間戦略は、レイバーが没入する最初の「雰囲気」を作り出すため、レイヴ体験に不可欠な要素である。この「雰囲気」とは、レイバーの精神における概念であり、環境が表現する、あるいは内在するエネルギーの魅力と受容性を表す。風景は、異教の儀式と同様に、レイヴの構成に不可欠な要素である。例えば、ニューミック・ゴースト・ダンサーズの儀式は、強力な自然のエネルギーの流れを宿していると考えられている特定の地理的な場所で行われた。これらの場所は後にリズミカルなダンスで表現され、より高いレベルのつながりを実現した。[ 42 ]
バイロンベイのフォールズフェスティバルでは、コインランドリーの洗濯機の裏に隠れてレイブパーティーが開催される。 [ 43 ]
以下は、レイヴ・サブカルチャーに関連する会場の不完全なリストです。
グループイベントへの参加意識はレイヴミュージックの主な魅力の一つであり、脈打つビートに合わせて踊ることはその直接的な発散方法です。[ 50 ] [ 51 ]レイヴ自体はカリキュラムのないダンスであり、動きは事前に定義されておらず、ダンスはランダムに行われます。ダンサーは音楽、気分、他の人が踊っているのを見てすぐにインスピレーションを得ます。このように、ポストインターネットダンス[ 52 ]としても知られるエレクトロニックダンス、レイヴダンス、クラブダンスは、エレクトロニックミュージック文化とともに発展したストリートダンススタイルを指します。
これらのダンスに共通する特徴は、世界中のクラブ、レイブ、音楽フェスティバルで、異なる年に生まれたことに加えて、YouTubeやその他のソーシャルメディアが普及し始めた頃（2006年頃）、これらのダンスがレイブのビデオによって人気になったことである。[ 53 ]
1980年代後半以降、レイヴファッションはレイバーの世代ごとに絶えず進化を遂げてきた。レイヴファッションのトレンドの多くは国際的に広まっているが、地域ごと、シーンごとに独自の発展も見られた。[ 54 ]
初期のレイヴパーティーでは、防護服、安全ベスト、防塵マスク、ガスマスクなど、シグナルカラーのコスチュームのような服や衣服がよく着用され、掃除機やサイバーパンク風のゴーグルなどのアクセサリーと組み合わされていました。「Peace , Love, Unity 」などのスローガンやスマイリーフェイスのTシャツが初めて登場したのは、1980年代のアシッドハウスムーブメントの頃でした。初期のレイヴシーンで人気だったその他のテーマには、プラスチック美学、さまざまなフェティッシュスタイル、DIY、1970年代、中古の光学機器、レトロなスポーツウェア（アディダスのトラックスーツなど）、セックス（肌や裸を多く見せる、例えば透明なトップスやクロップトップを着るなど）、戦争（例えば戦闘ブーツや迷彩ズボンの形）、SFなどがありました。[ 55 ]
1990年代の一般的なファッションスタイルには、ぴったりとしたナイロンシャツ、ぴったりとしたナイロンキルティングベスト、ベルボトム、ネオプレンジャケット、スタッズ付きベルト、プラットフォームシューズ、フロカティファー製のジャケット、スカーフ、バッグ、ふわふわのブーツ、ファットパンツなどがあり、多くの場合、明るいネオンカラーでした。また、派手な色の髪、ドレッドロックス、タトゥー、ピアスもレイバーの間で流行しました。広く普及したアクセサリーには、リストバンドや首輪、ホイッスル、おしゃぶり、白い手袋、グロースティック、フェザーボア、特大のサングラス、トラックの防水シートで作られたレコードバッグなどがありました。[ 56 ] [ 57 ] 1990年代初頭には、このことから最初の商業的なレイブファッションのトレンドが生まれ、ファッション業界にすぐに取り入れられ、クラブウェアという用語で販売されました。[ 55 ]レイヴ文化のさまざまなサブシーンでは、異なる服装規定も発展しました。たとえば、典型的なガバやサイケデリックトランスのレイバーは、「普通の」レイバーとは大きく異なる服装をしていましたが、共通の基本的な特徴は認識できるままでした。
2000年代以降、レイヴ文化の服装スタイルは、そのフォロワーと同様に、依然として多様である。特に北米では、レイヴファッションは、紫外線の下で蛍光を発する「キャンディ」ジュエリーをはじめとするカラフルな衣服やアクセサリーが特徴となっている。キャンディには、レイバー固有の言葉やフレーズが含まれており、「PLUR」（平和、愛、団結、尊敬）を使って互いに交換することができる。この服装スタイルは、ファッション業界によって再び取り上げられ、「レイヴファッション」または「フェスティバルファッション」として販売され、イベントに応じて独自のルックスを作り出すためのあらゆる種類のアクセサリーが含まれるようになった。[ 58 ]これとは対照的に、2000年代にベルリンのベルクハインなどのテクノクラブで始まった、ダークシーンから部分的に借用された厳密に黒いスタイルが、テクノシーンの一部で定着した。[ 59 ] Sensationのようなレイブイベントの中には、全身白か黒の服装という厳格なミニマリストのドレスコードを設けているものもあります。
レイバーの中には、グロースティッキング、グローストリング、グロービング、ライトショーと呼ばれる 4 つの光を使ったダンスのいずれかに参加する人もいます。 4 つの光を使ったダンスの中でも、特にグロービングはレイブ カルチャーをはるかに超えて進化しています。 光に関連する他のダンスには、LEDライト、懐中電灯、点滅するストロボ ライトなどがあります。 LED にはさまざまな色と設定があります。 グロービングは、2010 年初頭のここ数年で急速に成長した独立したダンス形式に進化しました。 [ 60 ]グローバーは、指と手を使って音楽のビートに合わせて動きます。また、色を使ってパターンを作り、グローブのライトの速度設定を変えます。[ 61 ]これらの要素により、グローブ アーティストはライト ショーの観客を魅了するさまざまな方法を得ることができます。 ライトの使用は、曲中やコンサート全体を通して人々の反応を改善することができます。[ 61 ]それ以来、この文化は10代前半の子供から大学生まで、あらゆる年齢層に広がっています。伝統的なレイブライトは現在では限られていますが、多くの店が、より新しく、より明るく、より高度なバージョンのライトを開発しており、色やモードが豊富に用意されています。モードには、単色、ストライプ、ストロボ、ドップ、ハイパーフラッシュ、その他のバリエーションがあります。
レイバーたちが取り入れた1970年代のディスコ・サブカルチャーの様々な要素の中で、DJがミックスしたダンスミュージックを中心にシーンを構築することに加えて、レイバーたちは大音量の音楽に合わせて踊る「感覚体験を高める」ためにクラブドラッグを使用することに対する肯定的な態度も受け継いでいる。 [ 62 ] [ 63 ]レイバーたちが求める「エクスタシー」（ MDMAの俗語と混同しないように）と呼ばれる精神状態は、「様々な要素が場所や音楽などの他の要素と自我を調和させ、物質的なものとそうでないものを区別できない『一体の状態』に入り、物事が調和して独特の瞬間を構成する結果であり、まさに瞑想で求められる種類のものである」と説明されている。[ 64 ]
しかし、ディスコダンサーとレイバーは異なる薬物を好んだ。1970年代のディスコシーンのメンバーはコカインと鎮静剤/抑制剤のクアアルードを好んだが、レイバーはMDMA、2C-B、アンフェタミン、その他の錠剤を好んだ。FBIによると、レイブはクラブドラッグが流通する最も人気のある場所の1つであり、そのため顕著な薬物サブカルチャーを特徴としている。[ 65 ] [ 66 ]クラブドラッグには、 MDMA（より一般的には「エクスタシー」、「E」または「モリー」として知られる）、2C-B（より一般的には「ネクサス」として知られる）、アンフェタミン（一般的には「スピード」と呼ばれる）、GHB（一般的には「ファンタジー」または「リキッドE」と呼ばれる）、コカイン（一般的には「コーク」と呼ばれる）、DMT、LSD（一般的には「ルーシー」または「アシッド」と呼ばれる）が含まれる。[ 67 ] [ 68 ] [ 69 ] [ 70 ] [ 71 ]
「ポッパーズ」は、亜硝酸アルキル（最もよく知られているのは亜硝酸アミル）の俗称で、陶酔効果、特に「ラッシュ」や「ハイ」な状態をもたらすために吸入されます。亜硝酸塩はもともと小さなガラスカプセルに入っており、それをポンと開けて使用していたことから「ポッパーズ」というニックネームが付けられました。この薬物は、1970年代のディスコやクラブシーンでアメリカで人気を博し、その後1980年代と1990年代にはダンスやレイブの会場で広まりました。2000年代には、2C-I、2C-B、DOBなどの合成フェネチルアミンが、その刺激的で幻覚的な性質（およびMDMAとの化学的関係）からクラブドラッグと呼ばれるようになりました。[ 72 ] 2012年末までに、幻覚作用のある2C-Xドラッグの誘導体であるNBOMe 、特に25I-NBOMeがヨーロッパのレイブで一般的になった。米国では、レイブ参加者が大麻、2C-B、DMTなどの薬物を使用していることが知られているため、一部の法執行機関はこのサブカルチャーを薬物中心の文化とみなしている。
2000年代初頭から、医療専門家は、西洋世界の青少年や若年成人の間でレイブ文化に関連したアルコール飲料やクラブドラッグ（ MDMA、コカイン、ロヒプノール、GHB、ケタミン、PCP、LSD、メタンフェタミンなど）の消費が増加しているという問題を認識し、対処してきた。 [ 67 ] [ 68 ] [ 69 ] [ 70 ] [ 71 ]研究によると、青少年は若年成人よりも複数の薬物を使用する可能性が高く、[ 73 ]クラブドラッグの消費は犯罪行為や最近のアルコール乱用または依存の存在と強く関連している。[ 74 ] 2007年5月、国連薬物犯罪事務所の事務局長アントニオ・マリア・コスタは、レイブでの薬物使用に対する対策として高速道路での薬物検査を提唱した。[ 75 ]レイブ文化と薬物使用との関連性に対する 論争、道徳的パニック、法執行機関の注目は、レイブ、コンサート、フェスティバルでの薬物過剰摂取（特にMDMA）の報告に起因している可能性がある。[ 76 ]
ベルギーのレイヴシーンとサウンドは、1980年代後半のベルギーのEBMとニュービートシーンにルーツを持っている。
元々は、DJたちがゲイのハイエナジー45回転レコードを33回転に減速して トランスダンスのグルーヴを作り出したことから始まったニュービートは、1990年代にテクノレコードを元の速度、あるいはわずかに加速して再生するようになったことで、ハードコアテクノの独自の形態へと進化しました。 [ 77 ]この荒々しい新しいハードコアスタイルはヨーロッパのレイヴシーン全体に広がり、ポップチャートにも進出しました。[ 78 ]
ブルックリンのDJ兼プロデューサー、ジョーイ・ベルトランがレナート・ヴァンデパペリエールが運営するR&Sレコードに提供した音楽は、ベルギーの象徴的なテクノサウンドとアンセムの発展に大きく貢献した。[ 79 ] [ 80 ]
Exodus Productionsは、トロントのエンターテイメント地区にあるリッチモンド・ストリート・ウェスト318番地の倉庫スペース「23 Hop」で定期的にレイブスタイルのイベントを開催したカナダ初の制作会社と言えるだろう。[ 81 ]最初のパーティーは1991年8月31日に開催された。複数の制作会社がすぐにこれに倣い、23 Hopを最初の出発点としてレイブシーンはすぐに巨大なシーンへと爆発的に拡大し、1995年に閉鎖されるまで続いた。ドキュメンタリー映画「The Legend of 23 Hop」は、Exodusや同様のモデルをとった制作会社の初期段階に焦点を当てている。[ 82 ] 23 Hopでパフォーマンスを行った著名なDJには、Moby、Mark Oliver、Dino & Terry、Sean L.、Dr. No、Malik X、DJ Ruffneck、Jungle PhD、Kenny Glasgow、Matt C、John E、Danny Henry、David Crookeなどがいる。[ 83 ]
2001年、アルバータ州カルガリーは、カナダで初めてレイブに関する条例を制定した主要都市となった。この条例の目的は、レイブが参加者にとって安全であり、近隣住民に過度の迷惑をかけないことを保証することであった。この条例は、市、アルバータ州、レイブコミュニティの代表者との協議を経て作成された。[ 84 ]
西ドイツと西ベルリンでは、1980年代後半に大規模なアシッドハウスシーンが確立された。[ 85 ]西ベルリンのクラブUfoは、古いアパートの地下にある違法なパーティー会場で、1988年に最初のアシッドハウスパーティーが開催された。[ 86 ] [ 87 ]同時期のミュンヘンでは、ネーゲルハレ（1983～1989年）とETAハレが、一時的に使用された老朽化した工業用ホールで最初のアシッドハウスクラブとして確立され、ドイツにおけるいわゆるホールカルチャーの始まりとなった。[ 88 ] [ 89 ] 1989年7月、西ベルリンで最初のラブパレードが開催された。[ 87 ] [ 90 ]
1989年11月9日にベルリンの壁が崩壊した直後、東ベルリンでは無料のアンダーグラウンド・テクノ・パーティーが急増した。[ 86 ]東ドイツのDJ、ポール・ヴァン・ダイクによれば、テクノをベースとしたレイヴ・シーンは、統一期に東西ドイツ間の社会的つながりを再構築する上で大きな力となった。[ 91 ]間もなく、東ベルリンにはトレゾア（1991年設立）、プラネット（1991～1993年）、バンカー（1992～1996年）などの最初のテクノ・クラブが出現した。 [ 92 ]フランクフルトでは、1988年にオーメンがオープンし、その経営者スヴェン・ヴァートの下、その後数年間でライン＝マイン地区のシーンの中心となった。1990年にはミュンヘンにババル・クラブがオープンし、ドイツにアフターアワーズの概念を導入した。[ 93 ]
1990年代後半には、ベルリンのTresorとE-Werk （1993～1997年）、フランクフルトのOmen（1988～1998年）とDorian Gray （1978～2000年）、ミュンヘンのUltraschall（1994～2003年）、KW – Das Heizkraftwerk（1996～2003年）、Natraj Temple （1996～2008年）、カッセルのStammheim（1994～2002年）といった会場が、ドイツで最も有名なテクノクラブとしての地位を確立した。[ 94 ]
確立されたクラブシーンと並行して、違法レイブは1990年代を通じてドイツのレイブシーンの不可欠な部分であり続けた。都市化されたドイツでは、違法レイブやテクノパーティーは、廃止された発電所、工場、運河、冷戦時代の旧軍事施設などの工業地帯を好むことが多かった。[ 95 ]
1990年代には、レイヴ文化がドイツやヨーロッパで新たな若者運動の一部となった。DJやWestBamなどの電子音楽プロデューサーは「レイヴ社会」の存在を宣言し、電子音楽をロックンロールの正当な競争相手として宣伝した。実際、電子ダンス音楽とレイヴ・サブカルチャーはマスムーブメントとなった。1990年代半ば以降、レイヴには数万人が参加し、若者向け雑誌にはスタイリングのヒントが掲載され、テレビ局はハウスやテクノ音楽の音楽番組をスタートさせた。[ 56 ] [ 90 ]ベルリン、そして後にルール地方で開催される毎年恒例のラブパレード・フェスティバルには、1997年から2010年の間に100万人以上のパーティー参加者が繰り返し集まった。1990年代から2000年代初頭にかけて、ドイツや中央ヨーロッパでは数十ものテクノパレードが毎年開催され、最大規模のものはUnion Move、Generation Move、Reincarnation、Vision Parade、そしてスイスのStreet ParadeやLake Paradeであった。 90年代以降の大規模な商業レイヴには、Mayday、Nature One、Time Warp、SonneMondSterne、Melt!などがある。[ 90 ]
2000年代後半以降、ベルリンは依然としてテクノとレイヴの首都と呼ばれており、ベルクハイン、トレゾール、キットカットクラブ、ウォーターゲートなどのテクノクラブや、クラブ・デア・ヴィジョネール、ヴィルデ・レナーテ、バー25など、ほとんど改装されていない会場、廃墟、木造小屋でのパーティーは、国際的なメディアの注目を集めた。[ 96 ] 2000年代のシーンを描いた映画の1つに、ポール・カルクブレンナー主演のベルリン・コーリングがある。2010年代には、ベルリン以外にも数多くのフェスティバルや世界クラスのテクノクラブを含む、国全体で活気のあるレイヴとテクノのシーンが続いた。例えば、ミュンヘンのMMAクラブやブリッツクラブ、ライプツィヒのインスティテュート・フュア・ツクンフト、オッフェンバッハのロバート・ジョンソンなどである。 [ 97 ]
イギリスは1980年代後半から1990年代初頭にかけて、レイヴ文化でようやく認知されるようになった。1991年までに、ファンタジアやレインダンスといった団体が、全国各地の野原や倉庫で大規模な合法レイヴを開催するようになった。 1992年7月にキャッスル・ドニントンで開催されたファンタジアのパーティーは、野外で一晩中続くイベントだった。1992年8月にポパムズ飛行場で開催されたザ・ビジョンや、1993年にユニバースが主催したトライバル・ギャザリングは、よりフェスティバル的な雰囲気だった。
1992年半ばまでに、シーンは徐々に変化し始め、地方議会は条例を制定し、料金を引き上げることで、レイヴ団体が必要なライセンスを取得することを阻止または抑制しようとした。これは、大規模な単発パーティーの時代が終わりを迎えようとしていることを意味した。1990年代半ばまでに、シーンはさまざまなスタイルのダンスミュージックに細分化され、大規模なパーティーの開催費用が高額になり、宣伝も難しくなった。1990年代初頭の大規模レイヴを牽引していたサウンドは、1993年末までに、よりダークなジャングルとより速いハッピーハードコアという、2つの明確で対立するスタイルに分裂した。この分裂により多くのレイバーがシーンを去ったものの、ESP DreamscapeやHelter Skelterなどのプロモーターは、さまざまなジャンルに対応したマルチアリーナイベントで依然として幅広い人気と満員の観客を誇っていた。この時期の注目すべきイベントとしては、1995年9月9日にノーサンプトンシャー州ブラフィールド飛行場で開催されたESP主催の屋外イベント「Dreamscape 20」や、1997年8月9日にノーサンプトンシャー州ターウェストン飛行場で開催されたヘルター・スケルター主催の屋外イベント「Energy 97」などが挙げられる。
違法なフリーパーティーシーンも、特に大規模なフェスティバルの後、当時としては最高潮に達した。そのフェスティバルでは、ベドラム、サーカス・ワープ、DIY、スパイラル・トライブといった多くの個人サウンドシステムがキャッスルモートン・コモン付近に集結した。政府はこれに対し行動を起こした。1994年刑事司法・公安法では、レイヴで演奏される音楽は次のように定義されていた。
「音楽」とは、反復的なビートの連続的な発声によって全体的または大部分が特徴づけられる音を含む。
—刑事司法および公共秩序法 1994 年[ 98 ]
同法の第63条、第64条、第65条は、レイブで演奏されるエレクトロニック・ダンス・ミュージックを対象としていた。刑事司法および公共秩序法は、100人以上が参加している屋外のレイブ、または2人以上がレイブの準備をしている屋外のレイブを警察が停止する権限を与えた。第65条は、半径5マイル以内にレイブに向かっていると思われる人物を制服警官が停止させ、その地域から遠ざけることを認めている。従わない市民は、標準スケールのレベル3 （1000ポンド）を超えない最高罰金の対象となる可能性がある。同法は、近隣住民に一晩中続くパーティーが引き起こす騒音や混乱、そして田園地帯の保護を理由に正式に導入された。しかし、シーンの一部の参加者は、これは若者文化をMDMAから引き離し、課税対象のアルコールに戻そうとする試みだと主張した。[ 99 ] 1994年11月、ジッピーズはCJB（刑事司法法案）に抗議するため、電子的な市民的不服従行為を行った。
1993 年以降、イギリスにおけるレイヴの主な開催場所は、ヘルター・スケルター、ライフ・アット・ボウラーズ (マンチェスター、トラフォード・パーク)、ジ・エッジ (旧エクリプス [コベントリー])、ザ・サンクチュアリ (ミルトン・キーンズ)、クラブ・キネティックなど、ライセンスを受けたパーティーが数多くあった。[ 100 ]ロンドン自体には、定期的にレイヴを開催する大型クラブがいくつかあり、中でも「ザ・レーザー・ドーム」、「ザ・フリッジ」、「ザ・ヒッポドローム」、「クラブ UK」、「トレード」が有名である。「ザ・レーザー・ドーム」には、「ハードコア」と「ガレージ」という 2 つの独立したダンス エリアのほか、20 台以上のビデオゲーム マシン、サイレント映画上映ラウンジ、「自由の女神像」、「サンフランシスコ橋」のレプリカ、大きなガラス迷路があった。スコットランドでは、イベント プロモーターの Rezerection が全国各地で大規模なイベントを開催した。[ 101 ]
1997年までに、毎週開催されるスーパークラブの夜が従来のレイヴの形式に取って代わり、トランス、ハードハウス、スピード、UKガラージといった新しいクラブベースのジャンルが次々と登場し、より伝統的なハウスサウンドも人気を取り戻した。ゲートクラッシャーやクリームといったクラブは、レイヴとは正反対のドレスコードや入場ポリシーで注目を集めた。服装規定が合わないために入場を拒否されるという話はよく聞かれたが、スーパークラブへの来場者数を減らすことはなかったようだ。
2020年8月、違法集会の蔓延を受けて、英国政府は違法集会の主催者に1万ポンドの罰金を科すことができる追加法を導入した。[ 102 ]
アメリカのエレクトロニック・ダンス・ミュージック・シーンは最も初期のものの1つであり、レイヴ・カルチャーは1970年代後半の「サーキット・パーティー」やディスコ・クラブにルーツがある。これらはバッファローからクリーブランド、コロラド州アスペンまで、アメリカ全土の大小さまざまな都市に点在していた。シカゴ、デトロイト、マイアミ、ニューヨーク市などの都市では、ハウス・ミュージック、テクノ、ブレイクビーツなど、レイヴ・カルチャーの基礎となるエレクトロニック・ミュージックのジャンルがすぐに台頭した。アメリカのレイバーは、イギリスやヨーロッパのレイバーと同様に、非暴力とサイケデリアへの共通の関心から、1960年代のヒッピーと比較されてきた。[ 103 ]レイヴ・カルチャーは、ディスコ・カルチャーと同様に、DJがかけるダンス・ミュージック、ドラッグの探求、性的乱交、快楽主義をも取り入れた。ディスコ文化は主流で隆盛を極めたものの、レイヴ文化はディスコやダンスミュージックを取り巻く敵意を避けるため、アンダーグラウンドに留まろうとした。アメリカの多くの地域でアンダーグラウンドに留まった主な理由は、門限と クラブの午前2時閉店という慣習にあった。合法的な時間を過ぎてもパーティーを続けたいという願望が、アンダーグラウンドという方向性を生み出したのだ。合法性を保つためには、時間と場所を秘密にする必要があった。
1980年代初頭、シカゴで「ハウスミュージック」が誕生し、街とともに急速に成長しました。この音楽シーンは、ダンスミュージックの歴史において最も初期かつ最も影響力のあるシーンの1つです。「ハウスミュージックのゴッドファーザー」[ 104 ]としても知られるフランキー・ナックルズは、シカゴハウスミュージックを発明したとされるDJ兼プロデューサーでした。彼は、ディスコのクラシック、インディーズレーベルのソウルチューン、ヨーロッパのシンセディスコなど、現在「ハウスミュージック」とみなされている様々な曲をミックスしました。フランキーは、会員制クラブであるザ・ウェアハウス（1977年～1982年）でハウスビートをプレイしました。このクラブは多くの黒人ゲイ男性を惹きつけていましたが、彼の音楽はより幅広い層に受け入れられ、ストレートの白人客も惹きつけるようになりました。その結果、クラブのオーナーであるロバート・ウィリアムズは会員制を完全に廃止することになりました。フランキーは「パワー・プラント」という自身のクラブ（1983～1985年）[ 105 ]を創設するためにクラブを離れ、非常に多様な客層の注目を集めた。彼は独自の編集と曲内のグルーヴを拡張することでハウスミュージックを作り、ダンスフロアを夜通し満員にした。最終的に、この現象は1986～1987年にシカゴ中に爆発的に広がった。シカゴハウスは、1986年にイギリスで「ハウスミュージック」を生み出した音楽に影響を与え[ 106 ]、これが今日のエレクトロニックダンスミュージックへと発展した。
北米におけるレイヴ文化の大きな拡大は、しばしばフランキー・ボーンズの功績とされている。彼はイギリスの飛行機格納庫でパーティーをプレイした後、1990年代にニューヨーク市で「ストーム・レイヴ」と呼ばれる初期のアメリカのレイヴの組織化に協力した。ストーム・レイヴには、ストームの仲間のDJ（アダム・X、フランキー・ボーンズと共にアメリカのテクノレコード店、グルーヴ・レコードの共同創設者でもある）のジンによって育成された、一貫したコアなオーディエンスがいた。ヘザー・ハートはアンダー・ワン・スカイを開催した。同時にニューヨーク市では、イベントがエレクトロニック・ダンス・ミュージックをこの街のダンスシーンに導入していた。1992年から1994年にかけて、東海岸各地でプロモーショングループが誕生した。
1990年代、サンディエゴでは数千人の観客が集まる大規模なレイヴが開催された。これらのフェスティバルは夏の間、インディアン居留地やスキーリゾートで開催され、ドク・マーティン、ダニエル・ムーントライブ、ディーライトのディミトリ、アフリカ・イスラム、サンフランシスコのハードキス兄弟などのDJがヘッドライナーを務めた。彼らはサンディエゴ、そして後にロサンゼルスで行われた非暴力的な抗議活動である「踊る権利運動」の創設に貢献した。[ 107 ]
サンディエゴの地元DJ、ジョン・ビショップ、スティーブ・ペイガン、エイリアン・トム、ジェフ・スコット、ジョン・イー・シン、パオロ、マーリン、Gマキシム、トニー・フィオーレ、デイモン、マーク・E・クォークらがこれらのイベントでパフォーマンスを披露した。イベントでは大規模な小道具やテーマが用いられた。妖精やピクシーブーム、つまりレイバーたちが妖精のタトゥーを入れたり、パーティーに妖精の羽をつけて行ったりする現象は、この地域と関連付けられていた。パーカッション・グループのクラッシュ・ワーシップもこの地域で活動していた。
1993年、ロサンゼルスのアンダーグラウンド・レイヴ・ムーブメントからムーントライブが誕生した。これは南カリフォルニア初の満月集会であり、DJのダニエル・ムーントライブ（別名ダニエル・チャベス、別名Dコンプレックス、別名Dコンプレキシティ）などが出演した。
1980年代後半から1990年代初頭にかけて、サンフランシスコ・ベイエリアではレイヴ文化がブームとなった。当初は、SOMA地区の空き倉庫、ロフト、クラブなどで、小規模なアンダーグラウンド・パーティーが次々と開催された。禁酒ルールが、エクスタシーを駆使したパーティーを盛り上げた。こうした小規模なアンダーグラウンド・レイヴは始まったばかりだったが、サンフランシスコを超えてイーストベイ、サンノゼ、サンタクララ、サンタクルーズのビーチを含むサウスベイ地域へと拡大していった。
1991年後半、レイヴは北カリフォルニア全域、そしてサクラメント、オークランド、シリコンバレー（パロアルト、サンノゼ）といった都市へと広がり始めた。大規模なパーティーは、屋外の広場、飛行機の格納庫、そして谷を取り囲む丘の上などで開催されていた。レイヴは、ソニー・メトレオンの屋上にある美術館で開催された「Where the wild things are」や、マリタイム・ホール（1998年～2002年）など、SOMA美術館のイベントでも行われた。
1994年末までに、新しい世代のレイバーが新しいサウンドに魅了された。EDMが人気になり始めた。レイブは、地下室や倉庫だけでなく、さまざまな会場で見られるようになった。プロモーターは注目し始め、1990年代後半の大規模なイベントを企画し、さまざまな音楽ジャンルを1つの屋根の下に集めて12時間イベントを開催した。2003年まで、レイブシーンはゆっくりと成長し、安定した状態を保っていたが、レイブでの違法薬物、特にエクスタシーの使用に対する認識と報道が高まった。レイブシーンの成長と並行して、薬物対策政策が増加し、それはレイブの組織運営やイベントに直接的、間接的に影響を与えた。2003年4月30日、米国議会は違法薬物拡散防止法を可決した。これは、同様の目的を持っていたが可決されなかった2002年の法案に端を発している。その法案は、特に「レイブ法」と呼ばれている。その結果、2000年代半ばから後半にかけて、より大規模なレイブは散発的に出現するようになった。[ 108 ]それにもかかわらず、夜間外出禁止令や薬物取締りに関する新たな市条例と並行して、Go VenturesやInsomniacのようなレイブイベントプロモーター企業は、 Monster Massive、Together as One、Electric Daisy Carnivalなどの毎年恒例のレイブイベントを継続した。この定期的かつ一貫したイベントの基盤から、レイブシーンは2010年にさらに多くの参加者とダンス会場を伴って再び出現した。未成年者の参加制限がないことなどによる圧倒的な参加者数は、2010年のElectric Daisy Carnival（EDC）の推定参加者数18万5000人で転換点に達した。この2010年のイベントは、15歳の少女、Sasha Rodriguezの死亡と過剰摂取により広く注目を集めた。[ 108 ] [ 109 ]この死をきっかけに、EDCの主催者であるInsomniacの創設者、パスクアーレ・ロテラに対する捜査が行われた。この捜査の結果、彼は公務員のトッド・デステファノへの贈賄容疑で起訴された。当時、デステファノは2010年のEDCの開催地であったLAコロシアムのイベントマネージャーだった。[ 110 ]これにより、Insomniacのレイブイベントの再編成につながった。特にEDCに関しては、パスクアーレ・ロテラは保釈中に、2011年のEDCをロサンゼルスからラスベガスに移し、EDCの開催地を増やした。ロテラは後に司法取引に応じ、刑務所行きを免れた。[ 110 ]
1990年代半ばから2000年代にかけて、シアトル市もまた西海岸のレイヴ文化の伝統を受け継いでいた。サンフランシスコに比べれば規模は小さかったものの、シアトルにも様々なレイヴクルー、プロモーター、DJ、そしてファンが存在した。キャンディレイバーのスタイル、友情、そして文化は、シアトルとサンフランシスコの両方で西海岸のレイヴシーンにおいて人気を博した。西海岸のレイヴ、キャンディレイバー、そして大規模レイヴが全盛期を迎えた時期（1996年～1999年）には、シアトルとサンフランシスコ、そしてカナダのベリンガム、バンクーバー、オレゴン州ポートランドの間を頻繁に行き来するレイバー、プロモーター、DJのグループに出会うのはごく普通のことだった。こうした動きが、西海岸のレイヴ文化の全体的なイメージと、西海岸の「マッシブ」現象を広めることになった。
2010年までに、レイヴは大規模なロック音楽フェスティバルに匹敵する存在になりつつあったが、多くの場合、規模はそれ以上で収益も大きかった。ラスベガスのエレクトリック・デイジー・カーニバルは、 2012年の夏に3日間で30万人以上のファンを集め、北米最大のEDM音楽フェスティバルとなった。マイアミのウルトラ・ミュージック・フェスティバルは、2012年に3日間で15万人のファンを集め、ニューヨークのエレクトリック・ズー、ロサンゼルスのビヨンド・ワンダーランド、デトロイトのムーブメント、ミシガンのエレクトリック・フォレスト、シカゴのスプリング・アウェイクニング・ミュージック・フェスティバルなど、その他数十のレイヴが毎年数十万人の「レイバー」を惹きつけている。これらの新しいEDMベースのレイヴイベント（今では単に「音楽フェスティバル」と総称される）は完売する。エレクトリック・デイジー・カーニバル（EDC）のフェスティバル参加者数は、2011年から2012年にかけて39.1%、つまり9万人増加しました。2013年には、EDCの参加者数は約34万5千人に達し、フェスティバル史上最高を記録しました。EDCの平均チケット価格は300ドルを超え、このイベントは 2013年にクラーク郡の経済に2億7800万ドルの貢献をしました。 [ 111 ]このフェスティバルは、6つの特注ステージ、巨大なインタラクティブアートインスタレーション、数百人のEDMアーティストを擁する1,000エーカーの複合施設で開催されます。米国のEDMイベントプロモーターであるInsomniacは、毎年EDCやその他のEDMイベントを開催しています。
レイブパーティーは1980年代初頭にオーストラリアで始まり、1990年代後半まで続いた。これらはイギリス各地で流行した「ウェアハウスパーティー」をオーストラリア風にアレンジしたものであった。アメリカやイギリスと同様に、オーストラリアのレイブも無許可で、倉庫、工場、カーペットショールームなど、通常は工業や製造に使われる場所で開催されていた。さらに、郊外の場所も利用され、バスケットボールの体育館、駅、サーカスのテントなども一般的な会場だった。シドニーでは、屋外イベントによく使われた場所として、シドニー南西部の埋め立てられたゴミ捨て場だったシドニーパーク、カタラクトパーク、その他さまざまな自然の未使用地や茂みなどが挙げられる。レイヴは人間と自然環境とのつながりを強く重視していたため、シドニーでは多くのレイヴが屋外で開催され、特に「ハッピーバレー」パーティー（1991～1994年）、「エコロジー」（1992年）、「フィールド・オブ・ドリームス4」（1996年7月6日）などが挙げられる。[ 112 ] [ 113 ] 1990年代半ばから後半にかけて、レイヴの参加者はわずかに減少したが、これはシドニー中心部の認可を受けた会場で「アパッチ」というレイヴパーティーを開催していたアンナ・ウッドが死亡したことが原因とされている。ウッドはエクスタシーを服用し、数日後に病院で死亡したため、オーストラリアのドラッグカルチャーとレイヴシーンとの関連性についてメディアで大きく取り上げられた。
メルボルンでは「アースコア」パーティーという形でその伝統が受け継がれた。レイヴも1990年代ほどアンダーグラウンドではなくなり、2000年代に入ってもライセンスを受けた会場で開催されることが多かった。しかし、1990年代のような規模のレイヴパーティーは少なくなっていった。それでも、オーストラリアのレイヴシーンは2010年代に復活を遂げた。この時期には、メルボルンのクラブ／レイヴダンススタイルである「メルボルンシャッフル」が再び注目を集め、YouTubeで流行し、動画がアップロードされた。メルボルンのレイヴサブカルチャーは、ベースステーションやハードキャンディといったクラブのオープンや、メルボルンアンダーグラウンドのようなフリーパーティーグループの台頭によってさらに強化された。メルボルンでは、2010年代を通じて倉庫スクワットパーティーや野外レイヴが頻繁に開催され、参加者が数千人に達することもあった。
上海や深圳などの中国の都市にはアンダーグラウンドのレイブやレイブのサブカルチャーが存在するが、政府は過去に麻薬撲滅キャンペーンの一環としてクラブを取り締まったことがある。[ 114 ] [ 115 ]
以下は、注目すべき絶賛レビューの不完全なリストです。
以下は、注目すべきサウンドシステムの不完全なリストです。
レイヴという用語は、1950年代後半のイギリスで、当時のワイルドなボヘミアンパーティーの名前として初めて使われました。
ユニット・デルタ・プラスが参加したイベントの中で最も有名なのは
、デザイナーのバインダー、エドワーズ、ヴォーン（以前ポール・マッカートニーにピアノの装飾を依頼されたことがある）が企画した、1967年のロンドンのラウンドハウスでのミリオン・
ボルト・ライト・アンド・サウンド
・レイヴだろう。このイベントは2夜（1967年1月28日と2月4日）にわたって開催され、ユニット・デルタ・プラスによるテープ音楽の演奏や、ビートルズのペニー・レイン・セッションの頃にマッカートニーが制作した14分間のサウンド・コラージュである伝説的な
カーニバル・
オブ
・ライトの再生も含まれていた。
。レイヴやロックコンサートは、観客が参加する単なるプレゼンテーションではなく、（世俗的な教会礼拝のように）誰もが積極的に参加する共同イベントです。
ニュー・ビートは、DJたちが正しい45回転ではなく33回転でゲイ・ハイエナジー・レコードを回し始め、不気味で粘り気のあるトランス・ダンス・グルーヴを生み出したことから始まった。ブームの絶頂期には、ゲントのクラブ・ボッカチオは「まるで神殿のようだった。みんな黒と白の服を着て、奇妙なロボットダンスを踊っていた」とレナートは回想している。[...] 90年代が進むにつれて、BPMは通常に戻り、DJたちがターンテーブルを+8に設定してテクノをプレイし始めたことで加速した。Hithouse、Big Time International、Who's That Beat、Beat Box、Music Manなどのレーベルや、Set Up System、Cubic 22、T99、80 Aum、Incubus、Holy Noise、Meng Syndicateなどのグループとともに、ネイティブ・ハードコアが誕生した。
ベルギーのハードコアがヨーロッパを席巻し、アンダーグラウンドのレイヴ・シーンを支配し、ポップ・チャートにまで進出するにつれ、テクノの通たちはその新しいスタイルの荒々しさに恐怖で顔色を失った。
しかし、この新しいサウンドの種は、ベルギーとニューヨークのブルックリンの間のどこかで芽生えた。そこでは、レニー・ディー、ムンド・ムジーク、ジョーイ・ベルトランといったDJ兼プロデューサーたちが、レイヴ・ミュージックをよりハードで速い方向へと推し進めていた。
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