マーベル・シネマティック・ユニバースの音楽

マーベル・シネマティック・ユニバース(MCU) の音楽は、マーベル・スタジオが制作した一連のスーパーヒーロー映画を中心としたアメリカのメディアフランチャイズと共有ユニバースのサウンドトラックを網羅しています。映画は、マーベル・コミックが発行するアメリカンコミックに登場するキャラクターに基づいています。サウンドトラックには、フランチャイズの映画やテレビシリーズのためにさまざまな作曲家が作曲したオリジナルスコアや、各映画で聞かれる曲が含まれています。

ラミン・ジャワディは、 2008年の『アイアンマン』で最初のMCUミュージックを提供した。アラン・シルヴェストリは複数のMCU映画に携わった最初の作曲家であり、ブライアン・タイラーは、シルヴェストリの「キャプテン・アメリカ・マーチ」を『マイティ・ソー/ダーク・ワールド』（2013年）のスコアで引用して、他のMCU作曲家の作品を参照した最初の作曲家であり、2013年から2016年までマーベル・スタジオの制作ロゴのファンファーレを作曲した。マイケル・ジアッチーノは、フランチャイズの作曲家としては最多となる5本のMCU映画の音楽を作曲しており、2016年以来マーベル・スタジオの制作ロゴに使用されているファンファーレを作曲した。オリジナル音楽は、マーベル・ワンショット短編映画シリーズやその他の関連MCUプロジェクトのために作曲されており、フランチャイズで使用するために特別にオリジナル曲が作られている。

MCU のすべての映画とテレビシリーズのスコアはアルバムとしてリリースされており、映画で使用された既存の曲を収録したコンピレーション アルバムもいくつかリリースされています。MCU の音楽に対する批評家の反応はまちまちで、他の大規模なメディア フランチャイズと比較して印象に残るテーマ曲が不足していることや、作品間の連続性が欠けていることに焦点が当てられています。批評家の中には、シルヴェストリのようなより伝統的な作曲家の作品や、フランチャイズの一貫したトーンとテーマの連続性を確立しようとするタイラーの試みを高く評価する人もいます。

ラミン・ジャワディは子供の頃からアイアンマンのファンで、いつも「実際にはスーパーパワーを持っていない」スーパーヒーローが好きだったと語っている。アイアンマンの監督ジョン・ファヴローの以前の協力者ジョン・デブニーが映画の音楽を担当できなかったため、^[1]ジャワディは自分で役を探した。^[2]ジャワディが制作に参加した時にはアイアンマンの撮影はすでに完了しており、 ^[3]いつものように完成した映画を見るまで待つのではなく、ジャワディは最初の予告編を見てすぐに「アイデアを練り」始めた。^[2]時間的な制約と映画の最終カットが「可能な限り最後の瞬間」まで変更されたため、ジャワディはハンス・ジマーとリモート・コントロール・プロダクションからアレンジと追加のキューの支援を受けた。^[2]映画に カメオ出演しているレイジ・アゲインスト・ザ・マシーンのギタリスト、トム・モレロはスコアにギター演奏を提供した。^[4]

ファヴローは、このプロジェクトのためにヘビーメタル音楽とギターの明確なビジョンを持っており、 ^[2]トニー・スタークは伝統的なスーパーヒーローというよりはロックスターであり、「スパイダーマン、バットマン、そしてこれらのスーパーヒーロー映画はたくさんあります。このスーパーヒーロー映画は違います。私はオーケストラの道を行くのではなく、何か完全に違うことをしたいのです。私はもっとロックンロールをやりたいのです。」と述べている。 ^[3]その後、ジャワディは映画のスコアのほとんどをギターで作曲し、その後オーケストラ用に編曲した。ジャワディはトニー・スタークのキャラクターのためにいくつかのテーマを作曲し、彼のさまざまな気分や態度を表現しており、すべてロバート・ダウニー・Jr.のパフォーマンスに触発されている。映画の他のテーマは、「キャラクターに基づいたものではなく、映画を通してあなたを導くプロットに基づいたものです。」^[2]ファヴローと頻繁にコラボレートしているミュージシャンのジョン・オブライエン氏とリック・ボストン氏は、スタークがカジノに行くシーンのために、1966年のアニメ『マーベル・スーパーヒーローズ』のアイアンマンのテーマソングをビッグバンド風にアレンジした。 ^[5]

ルイ・レテリエ監督が『インクレディブル・ハルク』の作曲家に最初に選んだのは、レテリエが気に入っていたバンド、マッシヴ・アタックのアレンジャーだったクレイグ・アームストロングだった。2005年の映画『アンリーシュド』では共演していた。この選択は、ジョン・ウィリアムズやダニー・エルフマンのような人物を監督に依頼することが多かったマーベルにとって意外な選択であり、スタジオ側はアームストロングにアクション映画の作曲経験が不足していたため躊躇していた。レテリエは映画の企画と編集中にアームストロングの過去の音楽を聴き、^{[6]音楽編集者のピーター・マイルズは映画の}仮スコアにアームストロングの作品や他者による同様の音楽を使用した。アームストロングは仮スコアを聴いたり、アン・リーの『ハルク』を観たりせずにスコアの作曲に取り掛かった。彼はスコットランドのグラスゴーの自宅でスコアの作曲を開始し、その後制作現場に近づくためにロサンゼルスのリモート・コントロールに移った。スコアは4日間で録音されたため、当日​​調整する時間がほとんどなく、アームストロングはマット・ダンクリーがオーケストラを編曲する上で「完全に正確な」非常に具体的なデモを作成する必要があった。ルテリエは「作品がすぐに時代遅れになるのを避けたかった」ため、電子音よりもオーケストラの音を好んだが、アームストロングはオーケストラの録音の多くを電子的に強化した。さらに、「スコアの約半分」にはピート・ロケットが演奏するさまざまな民族楽器が使われている。^[7]

アームストロングがグラスゴーで初めて仕事を始めたとき、彼はスコアを「開く鍵」と呼ぶ3つのシーケンスで作業した。それは「振り付けが複雑だった」アボミネーションとハルクの路地裏での戦闘、ブルース・バナーとベティ・ロスの再会、「スコアのロマンチックな要素」、そして「ハルクとベティの洞窟でのシーン」で、「ハルクのテーマとハルクとベティが一緒にいるシーンを組み合わせたもので、ブルースとベティのテーマはハルクとベティの私の音楽とはまったく異なっていました」。ハルクのテーマについては、アームストロングはそれをウィリアムズのジョーズのメインテーマと比較し、「シンプルな記法」で「コンセプト全体を要約」した。テーマはベースのC音を特徴とし、弦楽器が1オクターブ上にグリッサンドしてから元の音に戻る。他のテーマには「ブルース・バナーが一人で治療法を探しているとき」のテーマがある。アボミネーションには2つのテーマがあり、兵士のエミル・ブロンスキーのための暗いテーマと、ブロンスキー自身が怪物になったときのより攻撃的なテーマ（後者は、ハルクのテーマと組み合わされて、2人のキャラクターが戦う）、バナーとベティ・ロスのための愛のテーマ、そして「ハルクの暗号を解読しようとしているとき」の科学的なテーマである。ジョー・ハーネルの1978年のテレビシリーズ「インクレディブル・ハルク」のテーマ「The Lonely Man」は、「ブルース・ゴーズ・ホーム」の曲で簡単に引用されており、アームストロング自身がピアノを弾いている。^[7]

『アイアンマン』の続編では、デブニーはジャワディに代わって作曲家としてファヴローと再び仕事をした。^{[8]デブニーは}『アイアンマン2』のスコアについて「前作とは多くの点でかなり異なっている。このスコアはギターや現代的な要素を多く取り入れているが、音色や範囲ははるかに大きくて暗い。」と述べている。 ^[9]彼は自分の音楽を「オーケストラ付きのレッド・ツェッペリン」と表現し、 ^[10]「2つのスコアは[ロックンロールとエレキギター]という共通の系譜を共有しているが、全体的に異なっている。これらは異なるスコアであり、異なる結果をもたらす。」と詳述した。 ^{[1]デブニーは}この映画のAC/DCの サウンドトラックには影響を受けておらず、「歌とスコアは映画の中で2つの非常に異なる役割を果たしている」と感じており、前作のスコアとは異なり、映画のよりドラマチックなシーンのいくつかで大規模な合唱団を使用した。モレロは再び映画にギター演奏で参加し、今回はデブニーと共同で音楽の一部を作曲し、デブニーが最初にスコアを作曲し、その後モレロとギターパートや「テクスチャ」の作業を行った。^[9]

デブニーはアイアンマン2について「本当のスーパーヒーローのテーマを演奏できる場所があまりなかったという点で奇妙でした。トニー・スタークはアイアンマンとしても超クールなので、音楽的に本格的なスーパーヒーローのテーマを演奏することはできませんでした。アイアンマンのテーマの旋律は意図的に数か所でしか聞こえません。将来の映画では、アイアンマンの本格的なテーマが積極的に演奏されることを期待しています。」と述べている。 ^[1]たとえば、スタークがアイアンマンスーツを着るシーンでは、デブニーはいくつかの異なるバージョンのスコアを録音し、それぞれ「テーマの異なる部分を肉付けしたり省略したりしました。」最終的に選ばれたのは「テーマ性が低く、フレンチホルンを少し加えたグルーヴのようなものでした。おそらくそれが正しい選択だったのでしょうが、難しい決断でした。映画の中でトニーをスーパーヒーローにできる場所を見つけるのは困難でした。」彼は続けて、「シーンを大げさに演じたり、ラブシーンにしたいと思った瞬間もあったが、そこまではできなかった」と語った。例えば、映画の最後で「トニーがついにペッパーにキスをする...本当にゴージャスで豪華なバージョンをいくつか作ったが、それは合わなかった。彼らがキスをして、突然雰囲気が壊れるという点で、これは別の種類の映画だ。それがこのキャラクターの性質なんだ」と語った。デブニーは、このプロセスによって、スコアが当初意図していたものから「少し薄められ、ごちゃ混ぜになった」と感じた。しかし、デブニーは悪役のイワン・ヴァンコの音楽については同じ気持ちではなく、個人的に「喜び」だったと述べた。彼はファヴローが「[オープニング]シーンに入り込み、[ヴァンコ]の状況を学び、彼と父親との関係について心から悲しい音楽を演奏する素晴らしい機会を与えてくれた。ジョンはそれを変形させて、本当に暗くねじれたものに変える機会を与えてくれた。私にとって、それがスコアと映画の中で最も満足のいく部分だった」と述べた。^[10]ヴァンコのテーマでは、合唱団はキャラクターの「暗いロシアの魂を捉える」ためにロシア語で歌った。^[9]

ケネス・ブラナー監督の作曲協力者で、頻繁に作品の制作に携わるパトリック・ドイルは、マイティ・ソーを「フランケンシュタイン以来、私が手がけた最も商業的に注目度の高い映画」と呼び、「マーベル・スタジオはマイティ・ソーでブランドを確立した。彼らの関心は、私と同様、そのブランドの真髄を捉える強力なテーマ素材にあった」と指摘した。ブラナーとドイルは、音楽に現代的な感覚を持たせたいと考えていたが、ドイルは「また、音楽に強いメロディー感覚を持たせたいと考えており、私の作品ではそのことに応えている。彼は、私と同様、壮大なイメージが決して誇張されず、イメージと戯れることとイメージに逆らうことのバランスが取れるようにこだわりを持っていた」。アスガルドと地球の世界を音楽的に区別するために、ドイルは「より幅広いオーケストラのストロークとより厚いオーケストラ編成」を使用してアスガルドの壮大さと美しさを表現し、地球のシーンでは「より現代的で電子的で打楽器主導の」音楽を使用し、当時人気のあったオスティナート技法を「適切な場合には交響曲風に」取り入れた。^[11]

ドイルは自身のケルト的バックグラウンドから音楽のインスピレーションを得た。彼はケルト的バックグラウンドが、ソーの元となった北欧神話やリヒャルト・ワーグナーの作品と「非常に絡み合っている」と述べている。スコアの主な課題は、主役の「スーパーヒーローのテーマ」とアスガルドを表す2つ目のメインテーマを作曲することだと考えており、後者については「ケルト世界の古い民謡のように聞こえるようにしたい」とドイルは考えた。アスガルドのテーマは映画全体を通して展開し、旅、アクション、戦闘も表すようになると彼は述べた。映画のために作曲した他のテーマの中には、映画で訪れる別の世界であるヨトゥンヘイムのテーマもあるとドイルは述べた。ソーのキャラクターに特有の楽器編成について、ドイルはピッコロは不適切であり、これほど個性的で肉体的なキャラクターには「ホルン、低音金管楽器、スローストリングスなど、もう少し力強い楽器セット」が必要だと冗談交じりに述べた。アスガルドから地球に追放された後の故郷への憧れを表現するために、ドイルはコール・アングレーを使用しました。これはトールの哀愁と高貴さをも表していると感じました。^[11]

2011年2月までに、マーベルは『キャプテン・アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャー』の音楽を担当するアラン・シルヴェストリを選んだ。彼は『バック・トゥ・ザ・フューチャー』や『フォレスト・ガンプ』の「象徴的な音楽」を作曲した人物で、マイケル・ジアッキーノ、ジョン・パウエル、ヘンリー・ジャックマンなど他の作曲家よりも優れていた。^{[12] [13]}その後、シルヴェストリはジョー・ジョンストン監督と会ってこの映画の制作に着手し、7週間半かけて音楽の作曲を行った。ジョンストンは、映画の2つのジャンル、つまり時代劇と未来的でハイテクなSF映画の間を「行き来できるように」フルオーケストラの音楽を望んでいた。シルヴェストリは、自らが「ロマンティックな英雄」と表現する音楽スタイルが、しばしば「愛国的」と評されることや、金管楽器を使用する傾向が「音響的に競い合い、音楽に存在感を与えてくれる」と指摘した。これは映画のアクションシーンには欠かせないものだった。^[14]

シルヴェストリがジョンストンと初めて会ったとき、ジョンストンは中心テーマの希望を述べた。これについてシルヴェストリは「キャラクターや映画の特定の側面に何らかの音楽的特徴を持たせることで、スコアが本当にまとまります。テーマがあると、ある意味で音楽が 1 つの作品のように感じられます」と述べた。この中心テーマである『キャプテン・アメリカ』のファンファーレについて、シルヴェストリは特に過去の映画音楽を参考にせず、代わりに「アーロン・コープランドの『庶民のためのファンファーレ』の打楽器、音程、金管楽器など、私たちが時間をかけてその種の英雄的な表現と結び付けてきた特定の種類の要素」に目を向けた。彼は、キャプテン・アメリカは「非常に大胆で大げさなアイデアなので、それを誇張する必要はありません。しかし、だからといってそれらの要素を軽視しなければならないということではありません」と述べ、ルーク・スカイウォーカーがダース・ベイダーの存在下で成長したのと同じように、レッドスカルという「本当に悪い奴」と対峙することで、キャプテン・アメリカというキャラクターがより肉付けされたと感じていると付け加えた。レッドスカル自身については、シルヴェストリはこのキャラクターを真剣に受け止め、「彼を悪い人間として演じる」ように努めたが、彼が自分の苦悩の過去について語るときには、このキャラクターに対してより同情心を抱くようにした。^[14]彼はまた、レッドスカルのエネルギー源であるテッセラクトにテーマを導入した。^[15]

2011年11月、マーベルはシルヴェストリがクロスオーバー映画『アベンジャーズ』の音楽作曲に復帰すると発表した。シルヴェストリは「マーベルのプロセス」にすでに参加していたことが役に立ったと感じており、「マーベルがキャラクターをどう扱い、気遣うか、そしてマーベルのポストプロダクションのプロセスがどのような感じかを知る」ことができたという。^[16]ジョス・ウェドン監督は、既存の曲を使うよりも「昔ながらの…昔ながらの」音楽を好み、その方が「その瞬間が曲中心になる」と感じた。彼はシルヴェストリを「この映画にぴったりだ。なぜなら彼は観客に高揚した感情を与えることができるからだ…しかし、彼は非常に合図やキャラクターに特化することもできる。私はそこが好きだ」と評した。^{[17]シルヴェストリは、映画の中でスタークが「俺たちは兵士じゃない」と言っているように、スコアが}『キャプテン・アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャーズ』のような「軍隊っぽい」感じになることを望んでいなかった。しかし、ウェドン監督は、この映画を戦争映画に似たものにしたいと考えており、「アベンジャーズが準軍事組織として機能している場面もある」ため、シルヴェストリ監督は、いくつかの場面で「軍事的味付け」を加えた。ウェドン監督とシルヴェストリ監督は、映画全体を通して音楽が盛り上がり、最後の戦いで最高潮に達することを望んでいた。戦いの余韻として、シルヴェストリ監督は、映画のそれまでの展開から「完全に音を休める」ため、シンプルなギター曲を使用している。そして、映画の最後では、再びフルオーケストラへと移行する。悪役ロキが攻撃するシーンで、弦楽四重奏団がフランツ・シューベルトの弦楽四重奏曲第13番イ短調を演奏するが、編集者は、ロキが「自分の役目を果たし始める」シーン用に、すでにその曲にテンポトラックを重ねていた。シルヴェストリは最終スコアでこれを拡張し、戦闘が始まると画面上の四重奏からオーケストラ全体が同じ曲を演奏する音楽へと移行させた。^[18]

これほど大勢のキャストが出演する映画の作曲について、シルヴェストリは次のように語っている。「私はこれまで、数多くのスターが出演する映画に携わってきたし、映画の中での重要性や知名度という点で同等の重みを持つキャラクターが登場する映画にも携わってきた。しかし、今回の作品はその点でいくぶん極端だ。なぜなら、それぞれのキャラクターが独自の世界を持っているからだ。この映画は、これらのキャラクターが一緒に集まることを描いている。つまり、アベンジャーズと呼ばれる存在が存在し、それが彼ら全員を代表しなければならないということだ。」^[16]シルヴェストリは後にこれについて次のように語っている。「この映画のキャラクター全員にテーマ曲を持たせると、音楽が非常に不格好で邪魔なものになることはわかっていた。だから、私はそういったものはすべて避けた。」代わりに、マーベルとウェドンは、映画の中心となる明確な「アベンジャーズ」のテーマを求め、シルヴェストリは、そのテーマに英雄的な側面と壮大さを持たせたいと考えていたが、「最後の大決戦のために全員が集まっているシーンから生まれたもの...スコアの『ビッグモーメント』として興味深いのは、彼らが何もしていないことだ。彼らはそこに立っているだけで、それがアクションシーンという考えから離れることができた」。^[18]シルヴェストリは最終的にスコアに他のテーマも使用した。彼は、映画の中心的な悪役であるロキのモチーフ、「彼の存在が目に見えるか暗示されるときに使用される、低く不吉なコードのシーケンス」を開発した。彼は、キャプテン・アメリカのテーマを、そのキャラクターが登場するとき、または戦闘シーンの真ん中にいるときに...しかし完全には使用していないときに再使用し、「彼のテーマのほんの少しが非常に大きな効果をもたらす」として、映画のオープニングロゴを含むテッセラクトテーマを使用した。シルヴェストリが音楽を書き進めていく途中で、ウェドンはブラック・ウィドウが登場する完成したシーンをいくつか見て「彼女にもう少しテーマ性のある音楽を探りたい」と思ったので、シルヴェストリはキャラクターを定義するために「東欧風の孤独でつま弾くようなテーマ」を導入した。 ^{[15] [18] [19]}他の主要キャラクターについては、シルヴェストリは楽器を使ってシーンを差別化した。例えばアイアンマンは「彼の音楽の多くに、より現代的でリズミカルな要素が常に含まれていた」。^[15]

『アイアンマン3』はアベンジャーズ後のトニー・スタークをフィーチャーしており、マーベルと次期監督のシェーン・ブラックは、これまでのアイアンマン映画のロックサウンドから離れ、 ^[20]「スーパーヒーロー映画史の名作を彷彿とさせるスコア」^[21]を目指し、マーベルファンでスタジオの他の映画のテンポスコアで以前によく使われていたブライアン・タイラーにアプローチした。タイラーは、マーベルが彼に興味を持ったのは『ワイルド・スピード』シリーズや『爆豪決戦』のような「現代的な」アクション音楽ではなく、『史上最大のゲーム』、『アナポリス』、『パーティション』のようなテーマ性のある作品であり、前者のエネルギーと前者の感性を融合させたいと述べた。クラシックなオーケストラに加え、タイラーはスコアに「鉄」の要素を加えるために金床を叩くような金属的な音を録音した。前作『アイアンマン』の作曲家がギターを使用したことに敬意を表して、タイラーは映画全体を通してオーケストラがブラック・サバス風のリフを演奏する場面を追加した。 ^[20]

マーベルはタイラーに、アイアンマンのMCUにおける「正真正銘のスーパーヒーロー」としての「真剣な」新しい役割を表現するために、新しくて違った「本当に識別できる」テーマを具体的に依頼した。タイラーはこれをテーマのリブートと表現した。以前のアイアンマンのスコアよりも「大きくて壮大な」サウンドを作成するために、タイラーはジョン・ウィリアムズ、アレックス・ノース、ジョン・バリーなどの作品から影響を受けた。タイラーはピアノで新しいテーマを作曲したが、常に大きな金管楽器の要素を含む「行進曲と賛歌」になることを意図していた。タイラーはまた、アイアンマンスーツなしで取り残されたスタークの悲しい感情を表現するためにハープで同じテーマを使用し、^[20]映画のメインタイトル用に、その時代を代表する警察ドラマをタイラーに思い起こさせる「ワイルドな1960年代スタイル」のアレンジを作成した。^{[21] [22]}エクストリミス技術については、タイラーは魔法のような未来的な技術だと感じたため、魔法のような性質を持つモチーフを望み、ウィリアムズの『レイダース/失われたアーク』の「魂の井戸」のキューを参考にして、モチーフにスピリチュアルな雰囲気を与えた。スピリチュアルなアイデアはマンダリンのテーマにも及んでいる。タイラーは、民族と文化の面でのキャラクターの曖昧さ、映画の中で彼が「万能」テロリストとして登場すること、そしてジム・ジョーンズに匹敵する狂信的な「準宗教的指導者」としての役割を指摘した。^{[20]このテーマは最終的に、}修道院、ゴシック、キリスト教の聖歌や合唱、中東やアジアの音など、複数の文化の宗教音楽を組み合わせたもので、主にバンスリとバザンタールで演奏された。^{[20] [22]}

ブラナーは『マイティ・ソー』の続編には復帰しないことを選択し、^[23]アラン・テイラーが監督に就任した。^[24] 2012年8月までに、ドイルはテイラーと共に映画の音楽を担当する可能性について話し合っていたが、^[25]テイラーが最初に選んだ作曲家はカーター・バーウェルで、^[26]彼は2013年4月までに『マイティ・ソー/ダーク・ワールド』の作曲家として契約した。 ^[27] 1ヵ月後、バーウェルはマーベルが「創造的分裂」と表現した理由で映画を離れ、^[28]タイラーが同年6月に彼の後任として契約した。^{[29]マーベル・スタジオの}ケヴィン・ファイギ社長は後に、マーベルはバーウェルとコーエン兄弟とのコラボレーションに基づいてテイラーの選択を承認したが、スタジオは最終的にバーウェルは映画にふさわしくないと判断し、映画のポストプロダクションに残された時間が比較的短いことから作曲家を交代させるという早期の決定を下さなければならなかったと説明した。ファイギは「試行錯誤する時間があれば、うまくいったかもしれない」と認めた。タイラーは、同社が『アイアンマン3』で彼と仕事をした際の良い経験に基づいて、バーウェルの後任としてマーベルに選ばれた。^[26]

『アイアンマン3』と『ダーク・ワールド』のスコアの違いについて、タイラーは、この2つは「スーパーヒーローのスペクトル」の対​​極にあるため、両方でフルオーケストラを使用したにもかかわらず、「実際の音符の書き方やハーモニーなどすべてが異なっていた」と述べた。^{[30]彼は後に、「マイティ・ソーの雰囲気はアイアンマンとはまったく異なります。しかし、彼らは同じ宇宙に住んでいます。私にとっては、}インディ・ジョーンズがエンタープライズ号か何かで現れたかのようです」と詳しく述べた。 ^[31]タイラーはダーク・ワールドを「SFと古典的な中世の戦争の出会い」と表現し、^[30]スター・ウォーズとロード・オブ・ザ・リングのクロスオーバーと見なした。「宇宙船やレーザーがありますが、その中ではマントを着て剣で戦い、馬に乗っています。これらは1作目にはあまり見られなかった要素です。そのため、何か違うものが必要でした。私の『マイティ・ソー/ダーク・ワールド』のスコアは1作目には場違いだったと思いますし、その逆も同様です。」^{[32] 『} デューン 砂の惑星』でタイラーとコラボレーションしたアザム・アリとトリ・レツラーがスコアのボーカリストとしてフィーチャーされており、タイラーは彼らの貢献がスコアに「感情的なもの」をもたらしたと感じた。^{[33] [34]}

マーベルは、タイラーにドイルが最初の映画で作ったテーマ曲を再び使わせるのではなく、アイアンマン3でトニー・スタークのためにやったように、アベンジャーズ後の新しいソーのテーマ曲を作るよう望んだ。^{[20] [32]タイラーは新しいテーマ曲を成熟した、堂々とした、壮大なものと説明し、}ジェーン・フォスターというキャラクターとの恋愛要素が続編では「ある種の憂鬱」になっていると指摘した。「なぜなら、彼女は彼が恋に落ちた人間であり、彼にとっては電車の線路の彼側から遠く離れた存在だからです。」^[32]ソーのテーマ曲は、映画でアスガルドを表す「ページェント」のようなテーマから進化し、^[35]最初の映画よりもはるかに生活感のあるものになった。タイラーはまた、アベンジャーズ後のロキのために、彼のますます複雑化する性格とストーリーラインを反映する新しいテーマ曲を導入し、^[22]予想に反してハープで演奏した。^[36]ドイルのテーマ曲を再演しなかったにもかかわらず、タイラーは会話シーンのような静かな場面で、最初の映画の全体的なスタイルとサウンドに敬意を表した。^[22]また、シルヴェストリがキャプテン・アメリカのテーマ曲を引用し、そのキャラクターが短いカメオ出演をしている。^{[22] [37]}

ヘンリー・ジャックマンは『キャプテン・アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャー』の音楽担当候補だったとき、マーベルのコンセプト実証として「伝統的なアメリカーナ調の完全な交響曲」を書いており、マーベルから続編『キャプテン・アメリカ/ウィンター・ソルジャー』の音楽依頼を受けたときも、このスタイルに戻ろうとした。彼はシルヴェストリが第1作で同じスタイルを効果的に使っていたと感じていたが、第2作は「これ以上違うことはあり得ないだろうし、音楽も不適切だったので、書き直さなければならなかった」と感じている。^[13]ジャックマンはこの映画での自分の仕事について、「50%は制作で、レコード業界で何年も過ごして学んだすべての技巧を駆使しているが、交響曲やテーマ曲、英雄的な音楽も盛り込んでおり、すべてが1つのミュージカルに融合し、うまくいけば首尾一貫した作品になっている」と語っている。^[38]彼はこの映画を「リチャード・ドナーのスーパーマンや伝統的でノスタルジックなスーパーヒーロー映画と言うよりも、ダークナイト・ライジング^{のようなものにずっと近い」と評した。 [13]}シルヴェストリの最初の映画の演技の一部は続編の冒頭に使われており、ジャックマンは「みんなにどこで終わったかを思い出させる。このキャラクターは完全に異なる環境に放り込まれようとしているので、2つの映画を結びつける良い方法だ」と語った。^[39]ジャックマンは映画の冒頭で、シルヴェストリのキャプテン・アメリカのテーマを『キャプテン・アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャー』から再演している。 ^[40]

ジャックマンは最初にアンソニーとジョー・ルッソ監督のために3曲の音楽を作った。現代的なキャプテン・アメリカのテーマ曲、ウィンター・ソルジャーのための6～7分の組曲、そしてヒドラを表現したトラックである。^{[38] [41]}キャプテン・アメリカに関して、ジャックマンは「テーマが多すぎて英雄的なものにすがることができず、ただノスタルジックで無関係にならないようにする」ことに苦労し、第3幕では「よりメロディアスで、より叙情的で、よりテーマ的な要素が伝わり始める」と述べた。 ファイギがジャックマンにスコアに関して与えた唯一の注意点は、キャラクターが自分のスミソニアン博物館の展示を訪れるシーンなど、「感情的または歴史的またはノスタルジックな瞬間」を取り入れるように求めることだった。それらの瞬間については、ジャックマンはアーロン・コープランドの作品からインスピレーションを得た。^[41]ジャックマンはウィンター・ソルジャーを「機械化され、暴力的で、容赦なく、ニヒリズム的な獣で、行く手を阻むものすべてを破壊する」と表現した。そのため、ワーグナー風にこのキャラクターにアプローチするのは「不適切だ...代わりに、それを受け入れ、レコード業界で働き、ドラムンベースのレコードを作る中で学んだ他のすべてのトリックを活用し始めることにした」。^[13]ウィンター・ソルジャーの組曲では、「弦楽器は最後の1分だけ登場する。暴力的だ。叫び声や激しい音が響き、ディストピア的で機能不全だ。オーケストラの曲というよりは、現代の電子音楽に近い」。^{[13] [38]}ジャックマンは、テーマに「機械化されながらもまだ人間の声が聞こえるほど加工された、拷問され、時間を引き延ばされた人間の叫び」という感覚を与えるために、ボーカル録音の加工だけで10日間を費やした。彼はまた、キャプテン・アメリカと観客がウィンター・ソルジャーが誰なのかを知り、彼を気にかけるようになるにつれて、人間的要素が「映画の終わりに向かって明らかになっていく」という弧を、作品に与えようとした。^[42]ジャックマンが監督たちに組曲を演奏したとき、彼らはそのユニークで非映画音楽的なサウンドを気に入り、ジャックマンに映画のためにそれを浄化したり薄めたりしないよう頼んだ。ジョーは「映画でそれを本当に聞きたいんだ、20%だけじゃなくて」と言った。^[38]ヒドラでは、ジャックマンは最初の映画の「ワーグナー風の交響的悪役音楽」から離れ、「悪役のムハハハハとは感じない不吉な音色を考え出したいと思った。なぜなら、映画内のネオファシストの不吉な性質は現代的で、信憑性があり、政治的に現代的だからだ」と述べた。^{[41]ジャックマンは}ファルコンのモチーフも導入している。^[43]

監督のジェームズ・ガンは、以前の作品と同様に、ガーディアンズ・オブ・ギャラクシーのプリプロダクションに作曲家のタイラー・ベイツを招き、ベイツがガンが撮影する音楽を事前に書けるようにした。^[44]ガンはベイツが音楽を書く際に使用する「プレビデオシーケンス」などの素材を提供し、^[45]「アクションシーンや非常にドラマチックな瞬間には、セットで音楽を大音量で流し、出演者、スタッフ、カメラが音楽に合わせて動けるようにした。映画では音楽は後から付けられることが多いが、我々にとっては決してそうではない」^[44]ベイツはその後、映画の編集が進むにつれて音楽のほとんどを書き直した。ベイツは音楽が「最も要求が厳しい」と感じ、「映画のキューの少なくとも半分は、複数のオーケストラパス、合唱、オーバーダブ、その他の楽器で構成された500トラック以上のオーディオを持っている」と説明した。^[45]ガンが映画のサウンドトラックに収録したすべての曲の制作について、ベイツは「音楽は文字通り映画の中で別の個性を持ち、曲とは異なる機能を持っています。音楽はアクションシーンを推進したり、コメディシーンを演出したりするだけでなく、登場人物の感情の深さを強調するために存在します」と語った。^[46]

ベイツは、スコアにテーマやモチーフを使用することについて、「最近作られる映画で、壮大で大胆なテーマを維持できるほど幻想的な映画はごくわずかです。コミックブック映画の大半でさえ、非常に感情的でメロディアスなテーマによって邪魔されたり中断されたりするリアリズムに浸っている傾向があり、これらの映画で起こっていることの多くは推進力があり、感情的にはやや冷たいようです」と述べた。彼は『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』がこのモデルに当てはまらないと感じ、「そこに登場した宇宙のキャラクターの配列のためにライトモチーフを恥ずかしげもなく採用した」。^[47]ベイツは、マーベルフランチャイズの新しいメインテーマを作成することを「このような映画に足を踏み入れる最もやりがいのある部分」と表現した。^[46]ガンは「4歳児でも覚えられるようなすごいもの」を要求し、ベイツはエレキギターを「弾き語り」してテーマを思いついた。^[47]悪役ローナンのテーマ曲は、映画の中で一度しか全文が引用されていない。ベイツとガンは、ローナンをもっとシリアスで怖い存在にしたかったのだが、騒々しくメロディアスなテーマ曲ではそれが台無しになると感じたからである。^[48]ローナンの存在は、一般的に「低音金管楽器がぎっしり詰まった」音色とシンセサイザーで表現されている。^{[47] [48]}ベイツは、プリプロダクションで開発した「スポンジのようなシンセサイザーの音がグルートのモチーフに響き渡っている」 。ベイツは、映画の「熱狂的な作業過程」がなかったら、スコアにもっと電子的な要素を盛り込んでいただろうと語った。^[46]

アイアンマン3とマイティ・ソー/ダーク・ワールドの両方の音楽を担当した後、ブライアン・タイラーはアベンジャーズの続編であるアベンジャーズ/エイジ・オブ・ウルトロンの音楽を担当すると数か月間噂され、2014年3月に正式に契約した。^{[49]彼は、この映画のテンプレートは}スター・ウォーズ、スーパーマン、レイダース/失われたアークのようなゲームを変えるような音楽であり、「懐かしさを盛り込み、それを最初にして、共感できるようにする必要がある」と感じていると語った。^[50] 2015年2月、ダニー・エルフマンがスコアの追加音楽を作曲したことが明らかになり、^[51]最終的に共同作曲者としてクレジットされた。^[52]エルフマンとの仕事について、タイラーは「映画は非常に大きなキャンバスなので、彼のような声から本当に恩恵を受ける部分がありました。しかし、すべてがうまく調和し、シームレスに調和する必要があり、私たちはそれに本当に一生懸命取り組みました」と述べた。^[53]タイラーとエルフマンは、音楽のオーケストレーション、録音、ミックスを同じように行おうと努めた。^{[54]タイラーは}『エイジ・オブ・ウルトロン』のために「想像していたよりもずっと静かで感情的な音楽を書いた。最初の映画では全員の設定を整えなければならなかったので、2作目ではより深く掘り下げることができる」と語った。彼はその例として、ハルクとブラック・ウィドウの別れ、ピエトロ・マキシモフの犠牲、ホークアイの農場で過ごした時間などを挙げた。^[55]

タイラーは、他の作曲家からフランチャイズを引き継ぐ際の通常のアプローチは「目の前にあるものを取り入れつつ、さらに前進すること」だと述べた。^[53]そのため、タイラーは「続編でシルヴェストリのアベンジャーズのテーマを1作目に再演するというアイデアに「固執」し、「アランがアベンジャーズでやったことの言語」に沿ったものにしたいと考えていたが、^[55]代わりに、映画のために「古典的で壮大な」組曲を自分で作曲することから始めた。「Rise Together」と題されたこの曲について、タイラーは「それはもっと壮大で行進曲のようなもので、少し軍事的な側面もある。私はそういうことは避ける傾向があるが、合唱と組み合わせることで、彼らが実物よりも大きく感じられるだろうと感じた。そして確かに、これは彼らが「共に立ち上がる」ときなので、彼らには統一された英雄的なテーマが必要なのだ」と述べた。^[53]エルフマンはその後、シルヴェストリのテーマを取り上げ、それを続編の新しい素材に「取り入れ」、映画の「一種のハイブリッドな」テーマを作った。^[56]タイラーはまた、スコアで自身のアイアンマンとソーのテーマを再演し、以前のキャプテン・アメリカの素材も「同様の音楽の世界を創り出すため」に^[50] 、特にそれらのキャラクターのアベンジャーズ後のソロ映画が「エイジ・オブ・ウルトロン」を「準備」していたためである。^[55]

タイラーは、悪役ウルトロン、ブラック・ウィドウとハルクの間に生まれる関係、そして新たなアベンジャーズ・ビジョンを表現するために、この映画のためにいくつかの新しいテーマ曲を作曲した。^[55]タイラーは、ウルトロンが世界を救っていると思っていることから、ウルトロンのテーマ曲が「ほとんど英雄的」に聞こえること、しかし「彼はまだ正しい道を歩んでいない」こと、そして依然として悪役であることを反映するために「不協和で微妙な」ものにしたいと考えた。メロディーは覚えやすいように単純だが、テーマ曲が少し「ずれている」ように1音低く始まり、2台のピアノで演奏され、そのうち1台は調子が狂っており、メインフレーズが繰り返される際、最後の音は2回目に「1拍進んで」演奏される。「調子が狂っているだけでなく、タイミングも狂っている」。テーマ曲では、機械のような音色を出すために人工的に歪ませたギターも使用されている。^[57]タイラーはブラック・ウィドウとハルクの関係を「報われない恋愛と悲しい状況」と表現し、「ハルクの呪いが[2人のキャラクター]と彼らが本当に望んでいることの間に障壁となっている。だからそのメロディーは、ほとんど子守唄のようなものでなければならなかったが、壊れたものだった」と語った。 ^[55]タイラーは「子守唄」を控えめに作曲し、ピアノやチェロで演奏されることが多い。^[54]ビジョンのテーマ曲については、タイラーは「奥深く繊細で、ある意味ではかすかな性質を持ち、ほとんどロマンチックなものを目指した」と語った。^[53]彼は、このキャラクターがある種の救世主的な人物であること、そしてウルトロンが地球のために意図した救済であることを反映させようとした。 ^[54]そして、「彼がどちらの側にいるのかは実際にはわかりません。文字通り生後2分のこの男が、この映画の中で人間についての知識を持って生まれてくるのです。ある意味マキャベリズムです」と述べた。テーマはアダージョで、「典型的な大げさなものではなく、この男がいかに筋肉質であるかを見てください。それはむしろ謎です」。^[58]キャラクターの若さと自分自身への疑問を表現するために、彼の登場中にコード間​​を絶えず切り替え、しばしば不確かな音符や音に瞬間的に落ち着く弦楽器のグリッサンドが特徴となっている。^[54]タイラーはオーケストラに常に静かに演奏するように指示し、「ヴィジョンのために少ない音で多くを伝えようとした」。^[53]スカーレット・ウィッチがアベンジャーズに見せる幻覚の音楽は1950年代のスコアに敬意を表したもので、タイラーは「ランダムに演奏された」ビブラフォンやハープなどの弦楽器を使って「夢心地」と「催眠効果」を生み出している。^[54]

2014年2月、スティーヴン・プライスが以前一緒に仕事をしたエドガー・ライト監督から『アントマン』の作曲家として発表されたが^[59] 、 2人とも同年3月に映画を降板した。^[60] 2015年1月、新監督のペイトン・リードと以前一緒に仕事をしたことのあるクリストフ・ベックが映画の音楽を担当した。^[61]ベックとリードは、映画の昆虫とテクノロジーの側面を表現できる「グリッチのある、デジタルで電子的でキラキラした音楽」を作るために「ハイコンセプト」の電子音楽の実験を始めたが、最終的には「奇妙で風変わりすぎる...それ自体が奇妙すぎる」ものになった。ファイギは代わりに「大きなテーマと大胆な金管楽器を使った古典的な交響曲のアプローチ」を取るように依頼し^[62] 、ベックは「結局のところ、これはスーパーヒーロー映画であるだけでなく、強盗コメディでもあるので、こっそりとした遊び心」というユニークなひねりを加えてそれを実行した。^[63]この強盗ジャンルのおかげで、ベックは「リズムセクションを使う自由度が少し増え、ファンキーでジャジーでグルーヴィーなものが作れるようになった。そうでなければ、それはできなかっただろう」^[62]

ベックはこの映画のために2つのメインテーマを作曲した。アントマンのスーパーヒーローテーマと家族のテーマである。アントマンのテーマには伝統的な金管楽器を使用したが、ベックはアルトフルートとビオラを使用した。ベックはこれらに「強盗映画やスパイ映画のサウンドの世界、昔のジェームズ・ボンドのサウンドを少し感じた」と感じた。アントマンがアリで作ったいかだに乗って水道管をサーフィンするシーンでは、ベックはテーマを「通常のアクションキュー」としてアレンジし始めたが、「そのシーンには少し激しすぎる」と感じた。リードはもっと楽しい感覚を持たせたいと考え、ベックは最終的に「クラシックギターサーフミュージック」を彷彿とさせる曲を書いたが、ギターではなくオーケストラを使った。家族のテーマは、スコット・ラングと娘のキャシー・ラング、ハンク・ピムと娘のホープ・ヴァン・ダインという、この映画の2つの父娘関係を表している。^[62]ベックはまた、このテーマを「ホープ自身がヒーローのようなものとして登場することを示す」ことも意図していた。さらに、悪役のイエロージャケットは「より伝統的なテーマを伝統的な方法で表現しているが、キャラクターの狂気と執着心を伝えるために電子加工が施されている」。映画に登場する多くのアリの種のうち、リードとベックは弾丸アリには「独自のアイデンティティ」がふさわしいと感じた。弾丸アリは主に南米原産であるため、ベックは弾丸アリに「地域色」を与えるために古代アステカの太鼓と部族のフルートを使用した。^[64]アントマンがアベンジャーズの施設に侵入するシーンでは、ベックはシルヴェストリのアベンジャーズのテーマとジャックマンのウィンター・ソルジャーからのファルコンのモチーフを引用している。^{[43] [64]}

ルッソ兄弟は2014年8月にジャックマンが『シビル・ウォー/キャプテン・アメリカ』の音楽を担当すると発表した。^[65] 2015年7月、ジャックマンは前作のウィンター・ソルジャー組曲のインダストリアルな要素が新しい音楽の音色を示唆しているとしながらも、「ルッソ兄弟は何か新しいもの、似たようなものでひねりを加えたものを探しているので、これは単なる出発点に過ぎない」と警告した。^[66]ジャックマンは映画の脚本を読んだ後、「この映画は2作目とはトーンがかなり異なっている...ある意味では半分キャプテン・アメリカ、半分アベンジャーズの映画だ」と気づき、最終的にウィンター・ソルジャーのときよりもずっとシンフォニックでオーケストラ風の音楽を書き上げた。これがキャプテン・アメリカ、ウィンター・ソルジャー、アイアンマンの最後の戦いで最高潮に達し、ジャックマンは「ややオペラ的で...そのスタイルはほぼクラシック...ハーモニーとオーケストラの一部は本当にかなりクラシックだ」と説明した。^[67]

映画の中心的な対立について、ジャックマンは「常にそれを傾けすぎる危険」があり、観客をどちらかの側に押しやる危険があることに気づいたため、その南北戦争を表現するために映画の新しいメインテーマを作曲した。彼はそれを「すべてのバランスをとるための一般的なテーマ」と呼び、^[68]「すべてのキャラクターが引き寄せられる物語のテーマ。それは彼らをすべて包み込み、無限に異なるテーマを扱うよりも映画を1つにまとめるのに役立ちました。」^[69]映画の2番目の主要なテーマはスリラーテーマで、いくつかのキャラクターの過去とジモの計画を取り巻く中心的な謎がほのめかされたり探求されたりするたびに登場します。それはウィンターソルジャーのロシアの手先に関連するフルートのモチーフと、ジモのねじれた決意を表す上昇するアダージョで構成されており、ジェリーゴールドスミスの作品に触発されました。^[70]ジャックマンが「適切な場合」に使用した以前の映画のキャラクターテーマのうち、^[69]彼はそれらを新しいスコアのトーンとスタイルに合うように進化させました。キャプテン・アメリカのテーマは、あまり目立ったり英雄的になりすぎたりはできなかった。なぜなら、ルッソ兄弟が主な対立を取り巻く曖昧さを作ろうとしていたときに、彼が映画のヒーローであると示唆してしまうからだ。しかし、これは映画を通して変化し、キャプテン・アメリカが「最初から正しかった」と判明したときには、より英雄的になる。ウィンター・ソルジャーのために、ジャックマンは『ウィンター・ソルジャー』のキャラクターの組曲の終わりの「混沌と工業的なもの」の下に埋もれていた「上昇するストリングスの韻」を取り上げ、この映画での彼のより人間的な描写に合わせて、それをキャラクターのよりシンフォニックなテーマに発展させた。^{[70] [71]}

ジャックマンは、映画で紹介された主要キャラクター、スパイダーマン、ブラックパンサー、ジモのモチーフも書いた。^[67]スパイダーマンのモチーフは、そのキャラクターの登場回数が少ないことに合わせて小さな弧を描いており、「やや混乱し、やや傷つきやすい」ピーター・パーカーが最初に登場したときに非常に穏やかに紹介され、続いて彼がアベンジャーズにリクルートされたときに「彼の英雄的精神の種」が続き、最後に彼が他のヒーローと一緒に戦うときに「本格的なバージョン」が演奏される。^[72]ブラックパンサーでは、ジャックマンはキャラクターが先祖について話すときは常にアフリカの木管楽器を組み合わせて使用​​し、ミュートトロンボーンは「彼のキャラクターを交響楽団の壮大さの中に持ち込みましたが、適切な種類のムードを選べば、ミュートトロンボーンにはやや復讐心に満ちた鋸歯状の音があります」。ジーモの個人的なテーマは、「異質な音」を与える「かなり変わった調律のベル」と、彼の東ヨーロッパのルーツを表現するツィンバロンで演奏された。 ^[67]

マイケル・ジアッキーノはケヴィン・ファイギと以前から知り合いで、マーベル映画の音楽を担当する可能性について何年も一緒に取り組んできた。ドクター・ストレンジの開発について聞いたとき、ジアッキーノは他のマーベル映画よりもインディーズ映画のような雰囲気があると感じ、特にこの映画の制作に興味を持った。彼はファイギに連絡を取り、「そしてその話はあっという間に進み、私はその映画に参加することになった」。^[73]ジアッキーノは2016年5月にドクター・ストレンジへの参加を明らかにした。 ^[74]スコット・デリクソン監督は、その音楽を「文字通りの意味で魔法」と呼び、ジアッキーノは「優れたスコアラーがやること、つまり、映像をサポートする音楽を作るだけでなく、映画に第3のものを加えていることをしている。彼の音楽が加わることで、テンポラリーミュージックにはなかった何か新しいものが生まれる」と語った。^[75]

スコアに関しては、ジアッキーノは自分の音楽を過去のMCU映画のスタイルやトーンに合わせるプレッシャーは感じておらず、「実際、彼らは私に自分の方向性でやるように勧めてくれたので、私に手錠がかけられたことは一度もなかった」。タイトルキャラクターに関しては、ジアッキーノは「彼の中に入り込むことが鍵だと感じた。魔法のことはあまり気にせず、彼がどんな人間だったのか、何を失ったのか、そしてその喪失が彼にどう影響したのかを考えること。私にとってこれはとても悲しい物語で、音楽の多くはとても憂鬱な感じがする」と感じている。^{[73]スコアを特に差別化し、「神秘的な雰囲気」を作り出すために、ジアッキーノは}ハープシコードとエレクトリックシタールを使用した。^[76]

ベイツは2015年8月にガーディアンズの2作目『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー Vol. 2』^{に復帰することが発表され、 [77]}同年12月までにガン監督が再び出演する映画の音楽に作曲を始めた。^[78]続編で再びこの手法を使うことについて、ベイツは「我々はさらにその道を歩み始めた...ポストプロダクションの前に、すべてが狂乱状態にあるときに音楽のDNAを確立して、映画オリジナルのテーマやメロディーを作りたいと思った」と語っている。^[58]ベイツはガーディアンズでも自身のテーマ曲を再演している。

2016年11月初旬、『ドクター・ストレンジ』のプロモーション中に、ファイギは誤って、ジアッキーノが『スパイダーマン：ホームカミング』の音楽作曲に復帰することを明かした。ジアッキーノはすぐに自らこれを認めた。^[79]ジアッキーノはシルヴェストリの『アベンジャーズ』のテーマ曲を再演した。

2016年8月までに、マーク・マザーズボーは3作目の『マイティ・ソー』の音楽を担当することが決まった。^[80]マザーズボーはパトリック・ドイルの『マイティ・ソー』のテーマ曲やブライアン・タイラーの『マイティ・ソー/ダーク・ワールド』と『アベンジャーズ/エイジ・オブ・ウルトロン』のテーマ曲、そしてジョー・ハーネルの『インクレディブル・ハルク』シリーズの「The Lonely Man」のテーマ曲を再演した。

ライアン・クーグラー監督は​​『ブラックパンサー』に「個人的な特徴」を加え、他のMCU映画との差別化を図りたいと考え、映画『フルートベール駅で』や『クリード チャンプを継ぐ男』で一緒に仕事をした作曲家ルートヴィヒ・ヨーランソンなど、以前の協力者数名を再び映画に呼び戻そうとした。^{[81]この映画で使用された音楽は、後に}アカデミー賞最優秀オリジナル音楽賞とグラミー賞ビジュアルメディア部門最優秀サウンドトラック賞を受賞した。

シルヴェストリは2016年6月に『アベンジャーズ/インフィニティ・ウォー』の音楽で復帰することを発表した。^[82]当初、シルヴェストリは映画の音楽を書くことにためらいがあり、2人の監督と協力し、単一のビジョンに向かって作業するのは難しいと感じていた。最初の会議で、シルヴェストリはシリーズを通してキャラクターのテーマを再演することについて話し合った。2012年に最後にアベンジャーズを手掛けて以来、多くのキャラクターが新しいテーマやモチーフを受け取っていた。最終的に、シルヴェストリとルッソ兄弟は、音楽が気を散らしすぎると感じ、これらのテーマのほとんどを再演しないことを選択した。しかし、シルヴェストリはアベンジャーズがワカンダに向かうブラックパンサーでゴランソンのテーマを再演し、 ^{[83]その後、} 『エンドゲーム』ではキャプテン・アメリカ、アントマン、ドクター・ストレンジ、キャプテン・マーベルを含む多数のキャラクターのテーマを再演した。

多くのテーマを再演していないにもかかわらず、シルヴェストリは自身のオリジナル モチーフをいくつか再演している。おそらく最も注目すべきは、映画の宣伝で広く使用されたアベンジャーズのテーマだろう。このテーマは映画の中では控えめに再演されており、キャプテン アメリカが復帰する「助けが来た」やソーがワカンダに到着する「フォージ」など、重要な場面でよく使用されている。シルヴェストリはテッセラクト用のテーマも再演しており、これはキャプテン アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャーやアベンジャーズで何度も使用されている。インフィニティ ウォーでは、テッセラクト モチーフはインフィニティ ストーン全般のテーマとして再利用されている。シルヴェストリは当初、ストーンごとに別々のテーマを作ることを考えたが、代わりにオリジナルのテーマを再利用した。このテーマは「No More Surprises」、「Family Affairs」、「A Small Price」、「Morning After」など、スコアに何度も登場する。シルヴェストリのオリジナルのキャプテン アメリカのテーマの短い説明は、「Field Trip」の最後に再演されている。

シルヴェストリは映画の音楽にいくつかの新しいテーマを導入したが、最も注目すべきはサノスのテーマである。サノスのために大げさで邪悪なテーマを作る代わりに、シルヴェストリは暗く陰鬱なテーマを作曲した。これは「Travel Delays」で初めて導入され、サノスの脅威を確立するためのテクスチャとして残りの音楽に織り込まれている。このテーマは、おそらく楽器編成において、アベンジャーズのロキのテーマとわずかに似ている。^[84]

2017年6月、リードはベックが『アントマン・アンド・ワスプ』の音楽で復帰することを確認した。^[85]

2018年6月、ピナール・トプラクはMCU初の女性作曲家として『キャプテン・マーベル』の音楽を担当すると発表した。 ^[86]トプラクはシルヴェストリの『アベンジャーズ』のテーマ曲を再演した。

シルヴェストリは2016年6月に『アベンジャーズ/エンドゲーム』の音楽を担当することを発表した。^{[82] 『アベンジャーズ/}エンドゲーム』の音楽はドクター・ストレンジ、キャプテン・マーベル、アントマンのテーマ曲を再演した最初のアベンジャーズ作品となった。ピナール・トプラクの『キャプテン・マーベル』のスコアの1曲「More Problems」はダンバースがサノスの宇宙船を破壊するシーンで再演された。『アベンジャーズ/インフィニティ・ウォー』と同様に、シルヴェストリは「The How Works」、「So Many Stairs」、「In Plain Sight」、「Gotta Get Out」でインフィニティ・ストーンのモチーフを再演した。『アベンジャーズ/インフィニティ・ウォー』の「No More Surprises」のテーマ素材は「I Figured It Out」でトニーとモーガン・スタークの関係を描くために再演された。シルヴェストリは、ガモーラとブラック・ウィドウの犠牲を反映するために、インフィニティ・ウォーの曲「A Small Price」、「Even For You」、「Morning After」の重要な部分を、エンドゲームの曲「Destiny Fulfilled」、「Not Good」、「Gotta Get Out」にそれぞれ再利用した。インフィニティ・ウォーの終わりのバイオリン曲「Porch」のドラマチックなバージョンは、ソーがサノスの家を去るときに流れ、サノスの勝利がいかに続いているかを示している。^[87]

さらに、シルヴェストリは『アベンジャーズ』のさまざまなテーマ曲も再演している。「A Promise」の一部は「One Shot」で再利用されている。「Don't Take My Stuff」のエンディングは、未来のキャプテンが過去のキャプテンと戦う「I Can't Risk This」で再利用されている。「Red Ledger」、「Interrogation」、「A Little Help」などのトラックで初登場したブラック・ウィドウのモチーフは、チームがブラック・ウィドウを悼む「I Was Made For This」の冒頭で簡単に再利用されている。さらに、「I Was Made For This」のオープニングは「They Called It」から再利用されている。このモチーフは、アベンジャーズがフィル・コールソンを悼むときに最初に演奏され、ブラック・ウィドウを悼むときに再び演奏される。「I Got A Ride」のエンディングは「Portals」で再演されている。このトラックは伝統的にアベンジャーズの戦いの長回しの間に演奏される。 「Seeing, Not Believing」の一部は、最後の戦いの曲「Get This Thing Started」で再び使われます。アイアンマンがインフィニティ ストーンを手に入れるときに流れる「The One」は、アイアンマンが宇宙に核兵器を放出するときに「One Way Trip」のテーマを再び使います。「One Way Trip」の別の部分は、サノスの軍隊が崩壊するときに再利用されます。

シルヴェストリは『キャプテン・アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャー』の多くの曲を作り直した。「キャプテン・アメリカのメインタイトル」は「パーフェクトリー・ノット・コンフュージング」でトニーがキャップの盾を返すときに再演される。「インベイジョン」と「ヴィタレイズ」の一部は「トンネル・スケープ」と「アイ・キャント・リスク・ディス」で再演される。「ファクトリー・インフェルノ」のエンディングはキャップがミョルニルを掴むときに流れ、「モーターサイクル・メイヘム」の前半はキャップがサノスに対してミョルニルを振るうときに流れる。両方の再演は「ワース・イット」の曲に収録されている。シルヴェストリはキャップがサム・ウィルソンに盾とマントを渡すときに「ディス・イズ・マイ・チョイス」も再演した。^[88]

2018年10月、ジアッキーノは『スパイダーマン：ファー・フロム・ホーム』の音楽で復帰することが発表された。^[89] 『スパイダーマン：ホームカミング』の時と同様、ジアッキーノはシルヴェストリの『アベンジャーズ』のテーマを音楽で2回再演している。また、より英雄的なサウンドに修正され、ヒーローとしての彼の成長を表した『スパイダーマン：ホームカミング』のテーマも再演している。 ^[90]ジアッキーノはピーターとミステリオの会話の中でアイアンマンのテーマも再演している。アイアンマンのテーマがMCU映画で再演されるのはこれで2度目となる。1度目は『アベンジャーズ：エイジ・オブ・ウルトロン』でブライアン・タイラーがアイアンマン3のテーマを再演した時である。^[91]

ジアッキーノはシールド（アベンジャーズのテーマに少し似ている）、ミステリオ、そしてピーターとMJのロマンスのための新しいテーマを書いた。ミステリオのテーマは、ジアッキーノが書いたドクター・ストレンジのテーマに似ている。テーマの楽器編成も似ている。^[92]このテーマは、英雄的な文脈でスコアの中で何度も繰り返されるが、ミステリオの意図が明らかになると、最終的にはより大げさで悪意のあるものになる。

2020年5月までに、ローン・バルフがオリジナルの作曲家アレクサンドル・デスプラに代わり『ブラック・ウィドウ』の音楽を担当した。^{[93] [94]}映画音楽は2021年7月9日にリリースされた。

2021年6月、ジョエル・P・ウェストが『シャン・チー・アンド・ザ・レジェンド・オブ・ザ・テン・リングス』の音楽を担当することが明らかになった。ウェストはデスティン・ダニエル・クレットン監督の過去の映画『アイ・アム・ノット・ア・ヒップスター』、『ショート・ターム12』、『ガラスの城』、『ジャスティス・リミット』の音楽を担当している。^[95]映画音楽は2021年9月1日にリリースされた。

ラミン・ジャワディが『エターナルズ』の音楽を担当し、 『アイアンマン』に続いてMCU映画の音楽を担当するのは2度目となった。^[96]映画音楽は2021年11月3日にリリースされた。

2020年11月までに、スパイダーマンの作曲家マイケル・ジアッキーノが『ノー・ウェイ・ホーム』に復帰する予定だった。^[97]映画音楽は2021年12月17日にリリースされた。^{[98]サウンドトラックには、}ハンス・ジマー、ジェームズ・ホーナー、ダニー・エルフマンなど他の映画作曲家による過去のスパイダーマンのサウンドトラックの音楽や、ジアッキーノによる『ドクター・ストレンジ』のテーマ曲も収録されている。

2019年10月までに、オリジナルのドクター・ストレンジの作曲家マイケル・ジアッキーノがマルチバース・オブ・マッドネスに復帰する予定だった。^{[99]しかし、2020年1月にオリジナルの監督}スコット・デリクソンが降板し、 2020年4月にサム・ライミが監督に就任したことを受けて、 2021年2月までにダニー・エルフマンがジアッキーノに代わって映画の作曲家として参加することが発表された。 ^[100]

2021年12月、マイケル・ジアッキーノは『マイティ・ソー：ラブ・アンド・サンダー』の音楽を担当することを明らかにした。『ラグナロク』のマーク・マザーズボーに代わり担当する。 ^{[101]最終的にジアッキーノは}ナミ・メルマドと共に音楽を担当し、テーマ曲を担当した。^[102]

2021年9月までに、オリジナルの『ブラックパンサー』の作曲家ルートヴィヒ・ヨーランソンが『ワカンダ・フォーエバー』に復帰することが確認された。^[103]

2022年7月までに、 『アントマン』の作曲家クリストフ・ベックが『アントマン・アンド・ザ・ワスプ：クォンタマニア』に復帰することが確認された。^[104]

2021年10月、ジョン・マーフィーが前作のガーディアンズ映画のタイラー・ベイツに代わりこの映画の音楽を担当することが明らかになった。^{[105]マーフィーはガン監督の映画}『スーサイド・スクワッド』の音楽も作曲した。

2022年1月までに、『What If...?』や『ミズ・マーベル』の作曲家であるローラ・カープマンが『ザ・マーベルズ』の音楽を作曲する予定だった。^[106]ジョン・オットマンの『X -MEN2』と『X-MEN: フューチャー＆パスト』の音楽は、テヨナ・パリス演じるモニカ・ランボーがケルシー・グラマー演じるハンク・マッコイと結ばれるポストクレジットシーンで使用されている。^[107]

2023年7月、ロブ・シモンセ​​ンが『デッドプール&ウルヴァリン』の音楽を作曲することが明らかになった。^{[108]シモンセンは以前、ショーン・レヴィの映画}『アダム・プロジェクト』の音楽を作曲した。

マイケル・ジアッキーノは2024年7月に『ファンタスティック・フォー：ファースト・ステップ』の音楽を担当すると発表された。ファンタスティック・フォーとギャラクタスの音楽は、同月サンディエゴ・コミコンのドローンショーでプレビューされた。^[109]

2024年7月、アラン・シルヴェストリが『アベンジャーズ/ドゥームズデイ』の作曲家として復帰することが確認された。^[110]

2024年7月、アラン・シルヴェストリが『アベンジャーズ/シークレット・ウォーズ』の作曲家として復帰することが確認された。^[110]

マーベル初のMCUを舞台としたテレビシリーズ、ウェドン監督の『エージェント・オブ・シールド』では、ジャンル別テレビシリーズの作曲を頻繁に手掛けるベア・マクレアリーがスコアの作曲を手掛けることになった。「このシリーズは舞台裏で働く人々、彼らの英雄的行為や癖に焦点を当てています」とマクレアリーは説明する。「そのため、私が書いた音楽は英雄的でありながら、時には風変わりで型破りなものになっています。」マクレアリーはウェドン監督と長々と話し合い、「オーケストラの存在感が十分に大きく、映画的でマーベル・シネマティック・ユニバースに馴染むスコアを制作するという難題について。また、このシリーズを特徴づける親密な人間的特徴も捉える必要がありました。編集段階で、典型的な大作『スーパーヒーロー映画』の音楽を単純に取り入れるだけではうまくいかないことが明らかになりました。そこでジョスが私を導いて、両方の世界に少しだけ溶け込むサウンドを見つけてくれました。」^[111]マクレアリーはシリーズを通してオインゴ・ボインゴのギタリスト、スティーブ・バーテックなど数人のソリストと共演した。^[112]ボーカリストのラヤ・ヤーブロー、^[113]作曲家のジェレミー・ズッカーマンが「花のドレスの少女」で古筝を演奏している。 ^{[114]そして「}闇の中の唯一の光」で「チェロ奏者」のキャラクターであるオードリーが演奏しているときに演奏しているチェロ奏者のエリック・バイヤーズ。^[115]

マクリアリーは、このシリーズのオーケストラ音楽に加えて、「これらの複雑なシンセサイザープログラミングと複雑なシンセサイザープログラミングを織り交ぜ、スコアに現代的なエッジを与えた。」^[112]彼はこのプログラミングを「クリーン」で、「単純な正弦波から構築された暖かく丸い音色に、基本的なリバーブ、ディレイ、フィルターを追加して個性を出している」と説明した。第2シーズンでは、マクリアリーは金管楽器セクションを恒久的に拡大し、木管楽器セクションを「間引いて」、オーケストラに「低周波の重み」を与え、シーズンの暗い外観とトーンに一致させた。彼はまた、スカイが正式なエージェントになる前によく使用されていたエレキギターの使用を減らした。マクリアリーは、「真のSHIELDエージェントに関連付けられた壮大なオーケストラのテクスチャから際立つ一般的な楽器」のほうが、当時の「愛すべきハッカー、私たちの世界からの共感できる部外者」には自然に感じられたと感じた。彼はシンセサイザーの使い方も進化させ、それらを「激しい歪みでぐしゃぐしゃにされ、ノイズの波で切り刻まれた」ものにした。^[116]インヒューマンズの登場後、マクレアリーは第3シーズンでスコアのサウンドを「大幅に」拡張し、より大きなパーカッションと、以前よりも多くのトロンボーンを追加したため、レコーディングスペースの再構成が必要になった。^[117]「メイヴェス」では、マクレアリーはシリーズで典型的な50人または70人の演奏者ではなく、90人のオーケストラを使用した。^[118]

マクリアリーは、このシリーズのメインテーマ曲は中心となるエージェントチームを象徴するものでもあるが、主にフィル・コールソンのテーマ曲だと考えていた。^{[112] [119]}マクリアリーは「映画のひとつでは不適切だろう。ソーやキャプテン・アメリカが同じ物語に出てくるときに、コールソンにそんなことはしないだろう。だがここではコールソンがヒーローだ...彼についての話ばかりだ」と指摘した。^[119]マクリアリーは当初、テーマ曲をヘ長調で書き、「非常に勝ち誇った響きを与えた」が、パイロット版ではヘ短調に弱められた。製作総指揮者のジェド・ウェドンは「マイナーバージョンの方がメジャーバージョンより満足のいくものだと鋭く指摘」し、マクリアリーはテーマ曲を恒久的にヘ短調に「微調整」した。^[112] ABCとマーベルはマクリアリーに全エピソードでフルオーケストラの使用を許可したため、「彼が英雄的な瞬間に登場したときにテーマを叩き出す金管楽器のセクションがフルにある」。番組には伝統的なタイトルシーケンスがないため、マクリアリーはテーマを聞きやすくするために通常よりも一生懸命に働かなければならなかった。^[119]メインテーマの伴奏として、マクリアリーは「本格的なメロディほど注目を集めないオスティナートを書いた。メインテーマの壮大な声明の前に、このキャッチーな小さなリフを使って勢いをつけている」。^[112]

マイク・ピーターソンのテーマ曲は、ソロエレキギターで演奏されることが多い。マクリアリーは「90人のオーケストラに対抗してギター奏者が一人いるというイメージは、マイクの気持ちを表す良いメタファーだ」と感じた。このキャラクターの超能力の暗い面や不安定な面が示されるときはいつでも、「歪んだシンセサイザーと低音金管楽器がそれを支配している」。マクリアリーはパイロット版で謎のセンチピード・グループのテーマ曲も導入した。「テーマ曲のセンチピード的性質を暗示するために」、マクリアリーは「5つずつの2つのグループに分けた10の音符を使用した。繊細なベルと調律されていないピアノで演奏された音符のパーカッシブな性質は、弦を這う2列の小さな昆虫の足を思い起こさせる」。^[112]このテーマ曲は、グループのリーダーである千里眼を表すものでもある。^[120]中心人物たちの感情的な絆は「エージェント」のテーマで表現されているが、これはメインテーマよりもはるかに親密で理解しやすいアイデアである。マクリアリーは、このテーマを「本質的にはポップソングのように、シンプルなABAA構造で展開する」と説明した。^[121]スカイのテーマは、そのキャラクターのバックストーリーを扱う感情的な瞬間に最も明確に聞かれるが、グラント・ワードとの初期の関係を強調する短いロマンチックな発言など、他の多くのバリエーションにも登場する。^[122]フィッツとシモンズのテーマは「他のテーマほどメロディックではなく、よりモチーフ的である。本質的には、パターンをめくるたびに微妙に異なるバリエーションに進化するオスティナートであり、彼らは常にお互いにつまずき、同じことをわずかに異なる方法で言うという彼らの話し方を音楽的に模倣している。」 [ ^123]「ザ・ハブ」は観客（とスカイ）に「ビッグ・シールド」を紹介するが、これはコールソンの小さなチームとは対照的であり、マクレアリーはこれに独自の、より軍事的なテーマを与えた。^[124]ジョン・ギャレットのテーマはオスティナートとメロディの2つの部分で構成されており、「彼の冒険好きな性格を表し、楽しく、弾むよう、そしてできるだけ不吉なものから遠ざかるようにデザインされている」。^[120]

エピソード「Turn, Turn, Turn」では、ハイドラがシールドに潜入していることがシリーズのキャラクターに明らかになる。エピソードの大部分で、彼らは「The Hub」で紹介されたエージェントビクトリア ハンドがハイドラのエージェントであると信じており、そのためビッグ シールドのテーマがシリーズのハイドラのテーマとして機能している。ジョン ギャレットが裏切り者であり千里眼であることが明らかになると、ムカデが新しいハイドラのテーマになったが、マクレアリーはギャレットのテーマをハイドラのテーマに完全に置き換えるのではなく、引き続き使用し、ビルパクストンの「千里眼であると明らかにされた後のパフォーマンスはさらに楽しくエネルギッシュです。だから、彼のテーマは依然として彼に完全に合っており、彼の性格の別の側面を見せているだけです。」と述べた。 ^[123]第2シーズンでは新しいハイドラのキャラクターと、マクレアリーがハイドラのテーマを使用したいと考えていた新しいマクガフィンオベリスクが登場した。以前のテーマが第1シーズンで複雑になりすぎ、そのシーズンの物語に縛られすぎていると感じたマクリアリーは、新しいヒドラのテーマを作曲した。これは「真の悪者のテーマスタイルで...遠縁のマイナーコードで構成され、多くの近い音程が含まれています。」^[116]

マクリアリーはテッセラクト用に独自のテーマ曲を作成した。「2つの遠く離れたマイナーコードの間を移動する不吉なメロディライン」^{[121] 、}アスガルド用に「古いファンファーレのように、アスガルドの貴族の威厳を捉えたメロディ」であるが、シリーズは依然として「現実に根ざしている」ため、通常は「縮小版」として演奏される。^[125]しかし、ペギー・カーターが回想でシリーズにゲスト出演する際、マクリアリーはクリストファー・レナーツのエージェント・カーターのテーマを引用する。これについてマクリアリーは「彼の音楽をシールドのスコアに組み込む機会に興奮しました。マーベル[シネマティック]ユニバースを一貫した全体としてさらに固めるからです...クリスは興奮し、参考のためにスコアを送ってくれました。」と述べている。^[116]

2014年6月、 ABCがワンショット映画『エージェント・カーター』のテレビシリーズ延長を発注した後、同短編の作曲家クリストファー・レナーツは、同じく同シリーズに関わっているワンショット監督のルイス・デスポジートがレナーツの参加を望んでいたと語り、同年9月に同シリーズの作曲契約を正式に交わした。^{[127]同シリーズの音楽について、レナーツは「}時代音楽、ジャズ、トランペット、オーケストラ、エレクトロニクス、ドラムセットのブラシなど、通常は一緒に組み合わせられない多くのものをミックスしています」と語っている。彼は「1946年から1950年の間に何が起こっていたのか、そしてその時代の一部となるものは何か」を研究した。 「カウント・ベイシーを知っていたし、グレン・ミラーも知っていた。当時はそういったことが起きていたが、ビッグバンドから小規模なジャズアンサンブルへと変化しつつあることもわかった」。この結果、レナーツはペギー・カーターのサウンドにトランペットを多用するようになった。「それは非常に巧妙で、スパイ活動などに向いているので、非常に理にかなっている」。^{[128]レナーツは「}鉄の天井」の中でロシアの男声合唱団が演奏するフォークコーラス曲を紹介した。^[129]

ジョン・パエサーノは、ショーランナーのスティーブン・S・デナイトとコンセプト実証で仕事をした後、マーベルとNetflixによる最初のシリーズであるデアデビルの作曲家の役割を求めました。オーディションに合格した後、パエサーノはポストプロダクションの数週間後にシリーズに参加し、エピソードごとに約25〜30分の音楽を提供しなければなりませんでした。彼は平均して「4〜5日に1エピソード」を提供しました。デナイトは「自分が望むものについて非常に明確なビジョンを持っていました。彼は番組を本当に地に足のついたものにしたいと考え、他のマーベル作品のように空想的ではなく、現実的に感じるようにしたいと考えていました。彼は必ずしも聞こえるものではなく、感じられる音楽を望んでいました。私たちはスコアを最小限にカットしました。」シーズン1の終わりにデアデビルがスーパーヒーローのコスチュームを手に入れると、「音楽の色が変わり始め、マーベルの世界にさらに入り込んでいきます。」^[130]スケジュールとスコアのスタイルのため、パエザーノは最終的に主に電子音と音楽を使用しましたが、よりハイブリッドなサウンドを実現するために、チェロなどのアコースティック楽器を可能な限り追加し、非伝統的な方法で使用することが多かった。^[131]より伝統的なパーカッションの代わりに、パエザーノはシリーズ全体を通して低い脈動を使用して、タイトルのキャラクターが鋭敏な感覚で人々の心拍を聞くことが多いため、心拍を模倣しました。^{[130]パエザーノは、シリーズの弁護士向けのシーンで}ジェームズ・ニュートン・ハワードのマイケル・クレイトンのスコアからインスピレーションを得ました。^[132]

シリーズのセカンドシーズンに、新しいショーランナーのダグラス・ペトリーとマルコ・ラミレス（セカンドシーズンではデナイトと仕事をしていた）を迎えて戻ってきたパエサーノは、2人が「セカンドシーズンでやろうとしていたことに本当に忠実だった」と感じたが、それでもスコアはセカンドシーズンの新しい要素を反映するように変更され、「そのことを認識しなければなりませんでした。明らかに、パニッシャーとエレクトラという2人のキャラクターが登場し、2人とも独自のバックストーリーがあり、マット・マードックとの独自のやり取りがあるので、今シーズンは前シーズンよりもはるかに多くの分岐があります...これらの異なるストーリーのいくつかを扱うために、スコアを広げる必要がありました。」パエサーノは続けて、「これらの新しいストーリーがあるにもかかわらず、私たちが作り出しているヘルズ・キッチンの雰囲気は変わりません。ですから、確かに違いはありますが、突然ジョン・ウィリアムズの領域に入ったわけではありません...これは間違いなく非常に現実的な番組ですが、間違いなく数レベル上昇しています。」パエサーノはシリーズのサウンドデザインチームと緊密に協力し、彼らと一緒にエピソードをスポッティングして、「何を打つか」を調整し、「ニューヨークの特徴的な側面を維持する」こととそのサウンドを調整しました。^[133]

パエサーノはオーディションのために、シンプルなピアノのモチーフを含むデモを作成した。この素材は通常は最終的なスコアには使用されないが、このときパエサーノはそのモチーフをシリーズのメインテーマに変換し、それが番組内でデアデビルのテーマとなった。^[130]最終的なテーマはブラデン・キンボールと共同作曲された。^[134]最初のエピソードはモンタージュで終了し、編集者は当初歌でテンプテーションを組んだが、デナイトは代わりにオリジナルの音楽を使用したかった。パエサーノはその後、シーケンス用にメインテーマのより「歌っぽい」バージョンを書き、基本的なヴァース-コーラス-ヴァースの構造と、ギターやドラムキットなどの楽器を使用して、当初選択された曲の雰囲気とエネルギーを維持した。^{[131]メインテーマの他に、パエサーノは}スターウォーズスタイルのモチーフや「重厚でテーマ性のあるメロディックな要素」よりも「雰囲気とトーンとサウンド」に重点を置く傾向があった。 ^[135]悪役ウィルソン・フィスクの役では、「この強気で威圧的なキャラクター」を「軽妙でまばらで上品な」クラシック音楽と並置するというアプローチがとられた。彼の「邪悪で歪んだ側面」が表に出る場面では、パエサーノは「クラシック音楽の楽曲を取り上げ、それをひねり、逆再生したり、ハーモニーの一部を作り直したり、ディストーションをかけたりして、クラシックな雰囲気を醸し出しつつも、本当にぐちゃぐちゃで歪んだものにした」という。^[136]スティック役では、盲人の杖の音を再現するため、チェロのネックにチェロの弓を使った。これはコル・レーニョと呼ばれる技法である。 ^[131]パエサーノは、シーズン2のパニッシャーとエレクトラの「テーマ」を、それぞれ「怒り」と「神秘的」な響きだと表現した。^[135]

2015年のサンディエゴ・コミコンのパネルで、ショーン・キャラリーは『ジェシカ・ジョーンズ』の音楽を作曲することを明らかにした。^[137]シリーズのショーランナーであるメリッサ・ローゼンバーグは、 『ホームランド』でのキャラリーの仕事を基に、ジェシカ・ジョーンズによく合うと感じたため、キャラリーに依頼した。しかし、 『ジェシカ・ジョーンズ』のトーンと「色」を模索し始めると、キャラリーの音楽は最終的に「完全に素晴らしく異なるもの」になった。キャラリーは、音楽が親密で有機的であればあるほど「シリーズと合う」ことを発見した。^[138]シリーズのサイコスリラーとネオノワールのトーンに合わせるために、キャラリーは「より小さなアンサンブル、まるでジャズのスコアのようだが、非常に奇妙でグーイーなサウンドデザインの要素がいくつかある」を使用した。キャラリーはスコアに関してビル・エヴァンスのスタイルと作品に影響を受けた。ローゼンバーグはキャラリーに音楽に「控えめに」するよう頼むことがよくあった。 ^[139]例えば、戦闘シーンを大きな打楽器の入ったスーパーヒーローのシーンとして作曲したときなどである。ローゼンバーグは、それでもシリーズは親密感があるべきだと考え、代わりに戦闘シーンには普通のドラムキットを使うようキャラリーに提案した。^[138]キャラリーのアシスタント、ジェイミー・フォーサイスもシリーズの音楽に貢献した。^{[138] [140]}

キャラリーは2、3本の脚本を読んで初めてシリーズのメインテーマの作曲を始め、第2話が終わるまでオープニンググラフィックを見ていなかったが、その時点で「うまく機能するだろうと期待していたテーマの枠組み」ができていた。キャラリーによると、このときテーマのアイデアを「あれこれ考え」始め、最終的に「ずる賢くて楽しい」と感じたものに落ち着き、ジェシカ・ジョーンズは「辛口なユーモアがあり、彼女には本物のエッジがある。しかし、このキャラクターには猫か何かのように、ちょっとした遊び心がある」と付け加えた。テーマを作った後、キャラリーはそれを拡張し、「楽しい」リズム感を加え、最終的にはピアノ（彼自身が演奏）やアコースティックベースなどの楽器、追加のサウンドデザインを含めて完全にオーケストラ化した。エレキギターの登場に関して、キャラリーは「グラフィックを見るとライトが少しストロボっぽくなったので、エレキギターが大きくなった。それで、エレキギターをそこに追加して、曲全体がもう少し弧を描くようにしたほうがいいと思ったんだ」と指摘した。^[141]

ジェシカ・ジョーンズには、シリーズ全体を通して織り込まれたいくつかの個人的なテーマがあり、キャラリーはソロ楽器で演奏されたときに最も効果的であると考えた。「ギターでもソロピアノでも、テクスチャとオーケストレーションが最小限で、独奏的で表現力豊かなときに、ちょうどいい音色になることがわかった」。キャラクターのテーマの 1 つは、「彼女に降りかかった残酷さによって損なわれていない、彼女の内面の光」を表す。私はそれが幸せなテーマだとは言い切れないが、それは彼女が信頼でき、本当に彼女自身のものである、損なわれていない純粋な自己に関するものであり、思いやりと気遣いのテーマである」。もう 1 つは、キャラリーがタフで粘り強く、「彼女が完全に所有しているもの」と表現した、彼女の外見と性格に沿ったものである。シリーズの初期のエピソードのいくつかには登場しない悪役キルグレイブについては、キャラリーは「実際に見ることなく彼の存在を示唆しなければならなかった。そのため、最初は陰気な雰囲気だったが、キャラクターが実際に登場し、シリーズでより大きな役割を果たし始めると、最終的にはより暗いテーマに変化し始めた」。^[142]

2016年4月、ショーランナーのチェオ・ホダリ・コーカーは、エイドリアン・ヤングとアリ・シャヒード・ムハンマドが「90年代のヒップホップの雰囲気」でルーク・ケイジの音楽を作曲していることを明らかにした。 ^[143]コーカーはヤングとムハンマドに別々に連絡を取り、シリーズで一緒に仕事をしないかと尋ねたが、2人がすでにアルバムを一緒に制作していることは知らなかった。^{[144]ヤングとムハンマドは}、ウータン・クラン、エンニオ・モリコーネ、ムハンマドのグループ、ア・トライブ・コールド・クエストに触発された音楽で、1エピソードにつき1枚、計13枚のアルバムを作成するかのようにスコアを作曲した。^{[145] [146]}ムハンマドは、音楽は「ヒップホップの基盤を得て、ドラムが最大限に大きく響くようにすること」であると感じていた。^[147]一方、ヤングは「何か素晴らしいものを作りたかった。黒人や少数民族のためだけではなく、たまたま私たちの文化に基づいた素晴らしいものを作りたかった」と語った。^[146] 2人は各エピソードに約20分の音楽を作曲し、9か月でシーズン全体のスコアを作曲した。^[144]

ヤングとムハマドは、ヒップホップ、ジャズ、ブルース、サイケデリックロックなど、ハーレムの様々なサウンドを参考にして、各キャラクターに「独自のテーマとサウンド」を与えたが、それでも文化を象徴するものだった。特にルーク・ケイジについては、彼は現代文化のルーツを理解し、現代のハーレムとヒップホップの感性がどこから始まったのかを理解しているキャラクターであるとコーカーは指摘したため、ヤングとムハマドは彼のサウンドのために現代ヒップホップの始まりを参考にした。^[148]ケイジのよりドラマチックな、または感情的な瞬間には、ボーカリストのローレン・オデンが「一種の[ケイジの]内なる声」として使われた。ウィリス・ストライカーのキャラクターには、ヤングが以前からよく一緒に仕事をしていたオペラ歌手のブルック・デローザが使われた。コットンマウスというキャラクターは、このシリーズでは主にフェンダー・ローズを演奏するミュージシャンであるため、作曲家たちは「彼のためにフェンダー・ローズのキーボードをほぼ独占的に使用しました。それが彼なのです」。作曲家たちにとって最も難しかったエピソードは、ケージの刑務所時代の回想シーンが盛り込まれた第4話だった。彼らは、このエピソードのテンポのいい音楽が「あちこちに散らばっていて、まとまりがない」と感じ、投獄された黒人男性というアイデアを「古い奴隷ブルース風」の音楽で表現するか、「バーナード・ハーマンやアルフレッド・ヒッチコック風の怖い雰囲気」で表現するか、「ストレートなヒップホップ、90年代風」にするか迷っていた。ヤングは「かなり真剣に考えたが、一度理解してしまえば、実行するのは必ずしも難しくなかった」と述べている。^[149]

トレバー・モリスがアイアン・フィストの第1シーズンの音楽を作曲していることが2016年10月下旬に明らかになった。 ^[150]シリーズのプロデューサーは「現代的」なサウンドのスコアを望んだため、モリスはシンセサイザーの音に焦点を当て、弦楽器やホルンなどの伝統的なオーケストラ楽器はシリーズでは使用しないというルールを作った。彼は「それらの強力な楽器を使わないことで、これらの問題を解決するユニークな方法を見つけることになります。そのサウンドは今とても流行っていて、私は素晴らしいと思います」と述べた。シンセサイザーの音のいくつかは、タイトルキャラクターが1990年代の音楽を聴いている子供時代のiPodに敬意を表すことを意図していた。スコアへのアジアの影響に関して、モリスは特に道場を舞台にしたシーンやカンフーをフィーチャーしたシーンで、アジア文化を表現するためにいくつかの楽器を使用しようとしたが、「プロデューサーはそれを気に入らなかった。彼らはそれが伝統的すぎると思った。」彼は最終的に番組全体で日本のフルートを使用したが、それらはデジタル的に「大幅に加工」された。^[151]ロバート・ライデッカーが第2シーズンの作曲家としてモリスに代わった。^[152]

2017年2月、パエサーノはミニシリーズ『ディフェンダーズ』の作曲に復帰すると発表された。^{[153] 2017年2月、ジョン・パエサーノは}『デアデビル』の最初の2シーズンの作曲家を務めた後、このミニシリーズの作曲家として発表された。^[154]パエサーノは、彼らが「観客がよく知っているあからさまなスーパーヒーローを扱っている」ので、「各キャラクターの限界を押し広げ、オーケストラの色彩にもう少し傾倒する余地があった」と感じた。シンセサイザーと30人編成のオーケストラを融合した彼のスコアは、各キャラクターのテーマの「色彩」をそれぞれのシリーズから借りて、「視聴者にそれぞれの個性を思い出させる」ものとなっている。^[155]ヨハネス・ブラームスの音楽はミニシリーズ全体で使用されており、最初は第2話で、アレクサンドラがアイオロス四重奏団によるブラームス第一弦楽四重奏曲の演奏を聴いているところが映し出される。このシーンでアレクサンドラは「ブラームスの熱狂的ファン」であることがわかる。ミニシリーズの第5話で、ハンドのリーダーたちがディフェンダーズを攻撃する準備をしているときに、ブラームスの交響曲第1番が流れる。最後に、アレクサンドラはブラームスの『悲劇的序曲』の不良な録音を聞く。^[156]

2017年のサンディエゴコミコンで、ローブはショーン・キャラリーを『インヒューマンズ』の作曲家として発表した。^[157] 2017年のサンディエゴコミコンで、ローブはショーン・キャラリーを『インヒューマンズ』の作曲家として発表した。彼は以前、マーベルの『ジェシカ・ジョーンズ』の音楽を作曲していた。^{[158]キャラリーは68人編成のオーケストラと共に}『インヒューマンズ』の音楽を録音したが、これは彼がテレビで一緒に仕事をした中で最大規模であった。彼は自分の音楽について「これまで手がけたどの番組よりもテーマ性が高い」と評した。根本的には王室に関するもので、王国と家族に関する壮大なテーマがいくつかある。Callery は IMAX 版で使用された「冒険的な」メインテーマをこのシリーズのために書き、テレビのエピソードでは「非常に短縮されたバージョン」が使用された。Callery は番組の音楽を使って地球と月のシーンを区別しようとし、各エピソードの音楽を作曲するのに 4、5 日を費やした。

2017年4月、タイラー・ベイツが『パニッシャー』の作曲家として発表された。^[159]

2017年5月、シッダールタ・コスラが『ランナウェイズ』の音楽の作曲を依頼された。 2017年5月、シッダールタ・コスラが同シリーズの音楽の作曲を依頼された。 コスラは、作詞家としての経歴から、自身の作曲プロセスには「これらの歌物語に取り組み、それをさまざまなエピソードに織り込む」ことが含まれると述べた。 彼は『ランナウェイズ』のスコアを「完全に合成」したものと表現し、1980年代のアナログシンセサイザー、具体的にはローランド・ジュノ60とオーバーハイム・エレクトロニクスのシンセサイザーを使用した。 コスラは自身のスコアの「オルタナティブな雰囲気」をデペッシュ・モードに例え、「反抗的な要素があるので、音響的に少し型破りで非伝統的なものを目指すのは適切なアプローチだと思った。この番組で芸術を作っているような気がする」と付け加えた。アレックス・パツァヴァスが音楽監督を務めており、シュワルツとサヴェージのこれまでのシリーズすべてでその役目を務めている。2018年1月12日、12のライセンス曲とコスラによる2曲からなる第1シーズンのサウンドトラックがデジタルでリリースされた。

マーク・アイシャムは2017年5月に『クローク・アンド・ダガー』の音楽を作曲すると発表した。^[160]

2020年1月、クリストフ・ベックが『ワンダヴィジョン』の音楽を担当すると発表した。^[161] ロバート・ロペスとクリステン・アンダーソン＝ロペスは同シリーズのいくつかのエピソードのテーマ曲を書いた。彼らは以前、ディズニーの『アナと雪の女王』シリーズの音楽でベックと共演したことがある。^{[162] [163]}

2020年12月、ヘンリー・ジャックマンが『ファルコン＆ウィンター・ソルジャー』の音楽を担当すると報じられた。^[164]

2021年1月までに、ナタリー・ホルトが『ロキ』の音楽を作曲する予定だった。^[165]

2020年10月までに、ローラ・カープマンが『 What If...?』の音楽を作曲する予定だった。^[166]

2021年9月、クリストフ・ベックが『ホークアイ』の音楽を作曲することが明らかになった。^[167]マイケル・パラスケヴァスもこのシリーズの音楽を担当している。

2022年3月、エジプトの作曲家ヘシャム・ナジフが映画『ムーンナイト』の音楽を作曲していることが明らかになった。これは彼にとって初の英語による主要なプロジェクトとなる。^[168]

2022年5月、ローラ・カープマンが『ミズ・マーベル』の音楽を作曲することが明らかになった。^[169]

2022年7月、エイミー・ドハーティが『シーハルク』の音楽を作曲することが明らかになった。^[170]

2023年2月、クリス・バウワーズが『シークレット・インベージョン』の音楽を作曲することが明らかになり、発表時点では音楽に取り組んでいた。^[171]

2023年2月までにマト・ワユヒが『エコー』の音楽を作曲していたが^[172]、7月末までに関与しなくなった。デイブ・ポーターは12月に自分がこのシリーズの作曲をしたことを明かした。^[173]

2023年3月、ベックは『ワンダヴィジョン』のスピンオフである『アガサ・オール・アロング』の音楽作曲に復帰することを明らかにした。^[174]マイケル・パラスケヴァスもこのシリーズの音楽を担当している。

2024年7月、ニュートン・ブラザーズが『デアデビル』の続編シリーズ『デアデビル:ボーン・アゲイン』の音楽を作曲することが明らかになった。^[175]

マーベルの最初の2本のワンショット短編映画『ザ・コンサルタント』と『マイティ・ソーのハンマーへ行く途中で起こった不思議な出来事』は、どちらもDJポール・オークンフォールドが音楽を担当した。^[176]

3番目のワンショットである『アイテム47』は、以前の短編よりも規模と予算が大きかった。マーベルはクリストファー・レナーツに「大きくて楽しくて面白い」音楽を提供するよう依頼した。レナーツはワンショットを「映画よりも少し風変わりで、テンポが速く、通常は少しコメディーの要素が強い」と説明した。レナーツの短編の音楽は「ロックベース」で、電子機器とギターを多用している。冒頭の銀行強盗シーンでは、「ジャック・ホワイトのギターのような、大きくて低音のギターテーマにした」。短編の最後、お金が「雨のように降る」場面で、レナーツは「古典的なパロディー」な方法でエンニオ・モリコーネに敬意を表した。 ^[177]

ワンショットの音楽を担当したレナーツと監督のデスポジートは、エージェント・カーターにはより伝統的なオーケストラの音楽を望んでいたが、^[177]デスポジートは時代設定と現代のマーベルのスーパーヒーローの雰囲気のバランスを取りたかった。デスポジートは、インスピレーションとしてジョニー・リヴァースの「シークレット・エージェント・マン」を参照したが、「60年代の作品ではあったが」そうである。レナーツは、デスポジートが「[ワンショットの雰囲気を]見事に表現し、それに到達する」と同時に「ジェームズ・ボンドのシークレット・エージェントの感情も持ち合わせている」と感じた。^[178]スコアを作成するために、レナーツは「ビッグバンドを編成し、オーケストラと組み合わせ、現代のエレクトロニックとダブステップの要素を追加」し、それぞれ40年代の設定、マーベルの雰囲気、高度なテクノロジーを表現した。^[177]

『オールヘイル・ザ・キング』は『アイアンマン3』のスピンオフ/続編として制作されたため、同映画の多くのスタッフが、前作に引き続き出演する俳優ベン・キングズレーと共に、作曲家のブライアン・タイラーを含めて制作に携わった。^[179]彼は『オールヘイル・ザ・キング』の音楽を「レトロな雰囲気」と表現した。この作品には『ドクター・ノオ』、 『シャレード』、 『アイアン・モンキー』 、そして「無名のカンフーからファンキーなイタリアンホラーまで」のエクスプロイテーション映画にインスパイアされたタイトルシーケンスが含まれている。^{[180] [181]}

ダニエレ・ルッピは、グルートというキャラクターをフィーチャーした短編シリーズ『 I Am Groot』の音楽を作曲した。 ^{[182] : 5–6}

マイケル・ジアッキーノは監督を務めるとともに『ウェアウルフ・バイ・ナイト』の音楽も作曲した。 ^[183]

『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー ホリデースペシャル』は2020年12月に発表された。 ^[184] ジョン・マーフィーは2022年1月に作曲家として参加し、特別編と映画の制作が絡み合っていたため、 『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー Vol. 3』の監督も務めた。 ^[185]

『アントマン・アンド・ザ・ワスプ』には、スラヴの民間伝承に登場する神話上の人物バーバ・ヤーガを題材にした、デイヴィッド・ダストマルチャンによるオリジナル曲が収録されている。^[186]

『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー Vol. 2』では、映画のクレジットにオリジナル曲が掲載されている。同映画の脚本家兼監督のジェームズ・ガンと音楽作曲家のタイラー・ベイツが共同で書いたこの曲は、「メコのディスコ・スター・ウォーズのテーマ[「スター・ウォーズのテーマ/カンティーナ・バンド」]のガーディアンズ版のようなものとして意図された」ものである。 ^[187]デビッド・ハッセルホフがボーカリストに選ばれたのは、彼がピーター・クイルの子供時代のヒーローの一人であり、ガンがナイトライダーに出演していたときのハッセルホフのファンだったためである。^{[187] [188]}

『アイアンマン2』では、 1964年のニューヨーク万国博覧会に基づいた1974年のスターク万国博覧会が登場する。^[189]兄のロバートと共に多くのディズニーの曲を書いたリチャード・M・シャーマンは、スターク万国博覧会の世界観内テーマとして「Make Way For Tomorrow, Today」というオリジナル曲を書いた。シャーマンは、万国博覧会を作った人物であるハワード・スタークを「ウォルト・ディズニーとハワード・ヒューズを合わせたようなもの」と表現し、ディズニー自身が1964年の世界博覧会の創設に関わっていたことを指摘した。彼は続けて、「映画製作者たちは、スターク万国博覧会のテーマソングにディズニー風の曲を望んでいた」と認め、この曲が、ディズニーが世界博覧会のために作ったアトラクション「カルーセル・オブ・プログレス」のために書かれた彼自身の「 There's a Great Big Beautiful Tomorrow」に触発されたことを認めた。^[190]「Make Way For Tomorrow, Today」は『キャプテン・アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャー』でスターク・エクスポの初期バージョンが登場するときに再び聞かれ、シャーマンは「スタイルは違うけど、曲は同じ」と述べている。^{[189] [190]} 『キャプテン・アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャー』で聞かれた演奏は、『アベンジャーズ/エンドゲーム』のエンドクレジットでインストゥルメンタルバージョンとして再び聞かれる。

『キャプテン・アメリカ/ザ・ファースト・アベンジャー』では、キャプテン・アメリカとコーラス隊がアメリカをツアーし、愛国歌「星条旗の男」に合わせて歌とダンスのナンバーを披露するモンタージュがフィーチャーされている。^{[191]この歌は、}アラン・メンケンと作詞家デイヴィッド・ジッペルが映画のために書き、メトロ・ヴォイセズが録音した。^[192]メンケンは映画の音楽も提供したいと考えていたが、スケジュールの都合でできなかったため、映画の主要撮影が始まる前に曲を書き（メンケンがアニメ映画で使う手法）、アラン・シルヴェストリの音楽と調和することを願った。メンケンは、この曲は「『これが陸軍だ、ミスター・ジョーンズ』や『神よアメリカを祝福せよ』という意味で、アーヴィング・バーリンに叫びたくなるような曲だ。愛国的で楽しい曲でなければならない。目標は、40年代のUSO [経験]に忠実なオーケストラを作ることだった」と語った。^{[191]クリストファー・レナーツは『}エージェント・カーター』シーズン1でこの曲の新しいアレンジを指揮し、1940年代のキャプテン・アメリカのラジオドラマのテーマ曲として使用された。^[128]

この曲の現代版アレンジは『ファルコン&ウィンター・ソルジャー』のエピソード「星条旗の男」で使用されており、キャプテン・アメリカの地位に就いたジョン・ウォーカーがスタジアムに入場する際にマーチングバンドが演奏する音楽として使用されている。 ^[193]オリジナルのアレンジは『ミズ・マーベル』の第1話「ジェネレーション・ホワイ」で再利用されており、アベンジャーコンのバックグラウンドで再生されている。^[194]

『ドクター・ストレンジ・イン・ザ・マルチバース・オブ・マッドネス』には、ビリー役のジュリアン・ヒリアードとトミー・マキシモフ役のジェット・クラインが歌う「The Ice Cream Song」というオリジナル曲が登場する。^[195]この曲はエルフマンが考案・作曲し、ウォルドロンが作詞した。^[196]

『オールヘイル・ザ・キング』のために、ドリュー・ピアースはCBSの1980年代の架空のテレビパイロット『ケージド・ヒート』（ベン・キングズレー演じるトレバー・スラッテリーが主演）を制作し、^[197]ファイギは「思い切ってやれ。トレバーの目的は、レールを外れることだ」と彼に勧めた。その後、ファイギとマーベルはピアースにパイロット版のフルタイトルシーケンスを制作するよう提案した。^{[179]ファイギの映画のサウンドトラックへの愛は「小さなテープレコーダーを持っていて、}サイモンとサイモンと特攻野郎Aチームのテーマを録音して再生したときに始まった。それらはすべてマイク・ポストの曲だった」^[197]ため、ピアースはポストに連絡して、彼の古いテーマの1つをシーケンスに使用したいと依頼した。ポストは彼が書いたテーマの権利をすべて売却しており、ピアースが目指していた「ロシアの私立探偵マグナム」の雰囲気にはどれも合わないと感じたため、彼はこのプロジェクトのために特別に新しいテーマを書くことを申し出た。ポストは1980年代の象徴的なシリーズのテーマ曲を録音したのと同じ機材でテーマ曲を録音した。^[179]

ワンダヴィジョンのエピソード「生のスタジオ観客の前で撮影」では、クリステン・アンダーソン＝ロペスとロバート・ロペスが書いたオリジナルのテーマソングが使われており、「テレビの黎明期」を思い起こさせるものだった。彼らは、マキシモフとヴィジョンの愛について「ジャズ調に歌う楽観的なグループの歌声」を盛り込み、「ガール」や「ハビー」などの言葉や、歌の途中での「大きな音楽の失敗」を大いに盛り込んだ。^{[198] : 9} 「ガール」は、歌詞と音楽の選択を結び付け、テーマが1950年代後半に書かれたように聞こえるようにするために、3連符とともに使用されている。 ^[199]

ワンダヴィジョンのエピソード「ドント・タッチ・ザット・ダイヤル」では、クリステン・アンダーソン・ロペスとロバート・ロペスが書いたオリジナルのテーマソングが使用されている。「ワンダヴィジョン」は曲の唯一の歌詞であり、アンダーソン・ロペスとロペスは1960年代のテレビシリーズのミニマルで反復的な「クールジャズ・ビーバップ風」のテーマソングを模倣したかった。彼らはまた、ピエロ・ウミリアーニの「マ・ナ・マ・ナ」やデイヴ・ブルーベックの作品にも影響を受けたと述べている。^[200]

ワンダヴィジョンのエピソード「Now in Color」では、クリステン・アンダーソン・ロペスとロバート・ロペスが書いたオリジナルのテーマソングが使用されている。この曲の作曲家たちは、このエピソードのテーマソングの歌詞を誇りに思っており、ロペスは「1プラス1は2以上」と「1プラス1は家族」という歌詞が「私たちが書いた中で最もバカバカしく、最も面白く、最もテレビっぽい歌詞」だと感じている。アンダーソン・ロペスは、2回目は元々「1プラス1は3以上」だったが、オリジナルはネタバレになる可能性があると感じたため「1プラス1は家族」に書き直されたと指摘した。^[199]アンダーソン・ロペスはこのテーマソングの主な作者であり、妊娠に関連する言葉を選び、「ここで何が起こっているのか、そしてそれを私たちが進むにつれて作り上げていく。また、私たち対世界のように。」という複雑さを設定している。^[201]

ワンダヴィジョンのエピソード「Now in Color」では、ショーランナーのジャック・シェーファーが作詞し、シリーズの言語コーチであるコートニー・ヤングが架空のソコヴィア語に翻訳した子守唄も取り上げられている。エリザベス・オルセンが歌ったこの歌は、シリーズの大きな謎ではなく、母親が子供に歌う歌だとシェーファーは言い、「テレビのホームコメディのテーマソングの誠実なバージョン」と表現した。^[202]

ワンダヴィジョンのエピソード「特別なエピソードで… 」では、クリステン・アンダーソン・ロペスとロバート・ロペスが作曲したオリジナルのテーマソングが使用されている。作曲家たちは、1980年代に育った頃からこのシリーズのために書いた曲の中で、これが一番のお気に入りだと考えていた。ロペスは「テーマソングの作曲技術は80年代にピークを迎えた」と感じており、テーマは「より長く…感動的なバラード」だった。 ^[199]これが彼らが「Making it Up as We Go Along」で真似しようとしたスタイルであり、その時代の主題歌はより長かったため、カップルは「その感情をうまく表現することができた」。ロペスは、彼とアンダーソン・ロペスにはエピソードに登場するワンダとヴィジョンと同じ年齢の子供がおり、また「世界が崩壊しつつある中でも物事をうまくやろうとしていた」ため、そのような感情を見つけるのは簡単だったと付け加えた。この曲には、映画「グローイング・ペインズ」 （BJ・トーマスとジェニファー・ウォーンズによる「 As Long As We Got Each Other 」 ）や映画「ファミリー・タイズ」（ジョニー・マティスとデニース・ウィリアムズによる「Without Us」）のテーマソングへの音楽的なオマージュが込められている。^{[203]ロペスとアンダーソン＝ロペスは、}マイケル・マクドナルド、クリス・クリストファーソン、ヒューイ・ルイス、テイラー・デインなど、1980年代のロックやポップシンガーの影響を受けていると語った。この曲にはもともと歌詞に「ワンダヴィジョン」は含まれていなかったが、マーベルからそれを入れるよう勧められ、曲のエンディングに追加された。^[201]

ワンダヴィジョンのエピソード「オールニューハロウィーン・スプークタキュラー！ 」では、クリステン・アンダーソン・ロペスとロバート・ロペスが作詞作曲し、アンダーソン・ロペスとライオット・ガール・アーティストのキャスリーン・ハンナが歌ったオリジナルのテーマソングが使用されている。アンダーソン・ロペスは、ハンナが歌ったことで「信じられないほどの本物らしさ」が加わったと感じている。作曲家たちは、1990年代はテレビがなかった時代に大学に通っていたため、テーマソングを書くのが最も難しい時代だと感じた。^[200]この曲は3つの異なる歌詞のセットを経て、 1990年代の多くのテーマソングがパンクロックであったため、マルコムin the Middleのテーマソングであるゼイ・マイト・ビー・ジャイアンツの「Boss of Me」に似たオルタナティブ・パンクロックの曲となった。^{[204] [205]}このエピソードではワンダにとって物事が崩れ始める様子が描かれているため、夫婦はテーマソングにも「混沌と崩壊、そしてある種の疎外感の要素」を持たせたいと考えていた。^[205]この曲の作曲家たちは、1990年代はテレビがなかった時代に2人とも大学に通っていたため、テーマソングを書くのが最も難しい時代であると感じた。^{[200] [204] [205]}

ワンダヴィジョンのエピソード「第四の壁を破る」では、クリステン・アンダーソン・ロペスとロバート・ロペスが作曲したオリジナルのテーマソングが使用されている。この曲は、マンスターズのテーマソングやアダムス・ファミリーの「アダムス・ファミリーのテーマ」に似ている。このカップルは過去のモンスター中心のシリーズの音楽に惹かれ、アガサのテーマソングに「魔女のような、不気味な感じ」と「少しウンパルンパのテノールの感じ」を与えた。ハーンはこのテーマソングのリードシンガーで、ロペスは以前のテーマソングの他の男性バックシンガーと共にバックシンガーを務めている。^[205]

ルーク・ケイジのシーズン1では、メソッド・マンがエピソード「カオスの独白」にゲスト出演し、^[206]主人公の英雄的行動を目撃する。その後、アーティストは「防弾愛」というタイトルのエピソードでオリジナルのラップ曲を作り、自ら演奏する。^[207]実際のトラックは、シリーズの作曲家であるエイドリアン・ヤングとアリ・シャヒード・ムハンマドによってメソッド・マンのためにアレンジされ、ショーランナーのチェオ・ホダリ・コーカーがシリーズを通して伝えたかった社会政治的なコメントの多くが含まれている。エピソードでは、「ケイジのトレードマークである「防弾」パーカーを着て通りを歩く黒人男性」のモンタージュが添えられている。^{[206] [207]}

ジェシカ・ジョーンズシーズン2のエピソード「 AKA I Want Your Cray Cray」の回想シーンでは、かつて子役だったトリッシュ・ウォーカーが短期間ポップスターとして活動していたことが示され、その際に「I Want Your Cray Cray」という曲をリリースしている。シリーズでウォーカーを演じるレイチェル・テイラーとキャンディ・マークスが歌ったこの曲は、テイラーによって「十分に中毒性がある」と評され、ウォーカーが「さまざまな方向へ向かっている理由」を説明していると指摘した。「彼女は人生で尊重されていないと感じさせられてきました。彼女は[麻薬]中毒者でした。それは感情的にシーズン2が何であるかを多く説明しています」。^{[208] [209]}

ホークアイのエピソード「Never Meet Your Heroes 」には、架空のブロードウェイミュージカル「ロジャース：ザ・ミュージカル」のミュージカルナンバー「Save the City」が採用されている。ニューヨークの戦いを題材に、マーク・シャイマンとスコット・ウィットマンが脚本を書いた。^[210] 11月24日にシングルとしてリリースされた^。[211]

ロキのエピソード「ラメンティス」には、ノルウェーの作家エルレン・O・ノトヴェットとミュージシャンのベネディクト・モーゼスがノルウェー語と英語で書き、トム・ヒドルストンが歌った酒飲み歌（ 「 Jeg saler min ganger 」としても知られる）が登場する。ノトヴェットとモーゼスはこの民謡の4つの詩を作ったが、最終的にエピソードで使われたのは1つだけだった。スクリーン・ラントのハンナ・ショー・ウィリアムズは、コーラスは「明るく明るい」が、エピソードで聞かれる詩は「はるかに憂鬱」で、痛烈な歌詞が「ロキの自主的な孤立と孤独を捉えている」とコメントした。^[212]

エージェント・カーターのエピソード「小さな歌とダンス」は、白黒で始まる夢のシーンで始まり、その後「真のオズの魔法使い風」にカラーに移行し、ブロードウェイ風のダンスナンバーで、作曲家クリストファー・レナーツと作詞家デイヴィッド・ジッペルによるオリジナル曲が、シリーズのエグゼクティブ・プロデューサーであるタラ・バターズとミシェル・ファゼカスと共同で演奏された。^{[213] [214] 「Whatcha Gonna Do (It's Up to You)」と題されたこの曲は、俳優の}エンヴェル・ジョカイとヘイリー・アトウェルによって歌われた。^[214]ジッペルとの共演について、レナーツは「デイヴィッドと曲を共作するのはとても興奮した。彼の音楽スタイルは、特にこのエピソードで、私たちが目指していたジャズ調の音楽のトーンとよく調和した」と語った。^[215]

マーベル・エンターテインメントがウォルト・ディズニー・カンパニーに買収され、マーベル・スタジオが他の会社と配給会社として協力することなく「独自の存在」となった後、スタジオは映画やテレビシリーズの新しい制作ロゴを発注した。最初の映画はマーベルのロゴだけを使用した『マイティ・ソー/ダーク・ワールド』だった。ファイギは「以前のロゴから車輪を再発明したくはなかったが、より大きく、より重厚に感じさせたかった。そして、すべての偉大なスタジオのロゴと同様に、ファンファーレが必要であり、それはこれまでなかった」と説明した。そのため、マーベルは『アイアンマン3』と『ダーク・ワールド』の音楽を手掛けたブライアン・タイラーに、ロゴに合わせて新しい「壮大な」ファンファーレの作曲を依頼した。^[216]

ファンファーレに取り組む際、タイラーは映画だけでなく「マーベル全体、ヒューマン・トーチからコミックまで遡って」検討した。^[217]「リスナーや視聴者が音楽的にそこに何があるのか​​を本当に理解する時間はほとんどなかった」ため、タイラーは「メロディーとしてもう少しシンプルに演奏できるものが必要でした。それからオーケストレーション全体、ご存知のように、私はこれらの弦楽器のラインを書きましたが、これは実際には幻想的でより複雑な性質を持っています。それは、より口笛のようなメロディーをサポートするだけです。」マーベルはこのアプローチに同意し、タイラーと協力してオーケストレーションを磨きました。「グラフィックが完成するにつれて、私たちは本当にキラキラとした輝きで小さな瞬間を打ち出し、より具体的にしたいと考えました。」メインメロディーはタイラーの最初の作曲から変更されていませんでした。^[53]

外部ビデオ
マーベルスタジオのロゴアニメーション - ソー：ラブ＆サンダーエディションは、PerceptionのチャンネルからのYouTubeビデオであるソー：ラブ＆サンダーで演奏されたマーベルスタジオのファンファーレのバージョンを紹介します。

2016年7月、マーベルは映画スタジオに焦点を当て、マーベル全般やコミックブックでの歴史ではなくMCUのイメージを取り入れた新しいロゴを導入した。ドクター・ストレンジで初めて登場した新しいロゴに合わせて、ドクター・ストレンジの作曲家マイケル・ジアッチーノが新しいマーベル・スタジオのファンファーレを作曲した。^[218]スパイダーマン：ホームカミングでは、ドクター・ストレンジで導入されたファンファーレが「スパイダーマン（オリジナルテレビシリーズ）のテーマ」に置き換えられた。これは1967年のアニメシリーズのテーマのジアッチーノバージョンである。 ^{[219]ファンファーレのロックバージョンは}マイティ・ソー：ラブ＆サンダーのオープニングで演奏され、^{[220]ホラーバージョンは}ウェアウルフ・バイ・ナイトのオープニングで演奏された。^{[221]ジアッチーノは}マーベル・スタジオの特別プレゼンテーションのファンファーレも作曲した。^[222]

タイラーは2014年3月に再びマーベル・スタジオのために作曲し、テレビスペシャル『マーベル・スタジオ：アッセンブル・ア・ユニバース』の音楽を提供した。^[49]

2016年2月、アントマンとハルクが主演するコカコーラのミニ缶のCMがスーパーボウル50で放映された。これはマーベルとの提携により制作され、ルッソ兄弟が監督した。^{[223] [224]}このCMの音楽は、アントマンの作曲家クリストフ・ベックと、アントマンに追加の素材を提供したジェフ・モローが担当した。^{[64] [225]}

ディズニー・カリフォルニア・アドベンチャーのアベンジャーズ・キャンパスをテーマにしたエリアの音楽は、ジョン・パエサーノが作曲したもので、アベンジャーズ、スパイダーマン、ドクター・ストレンジ、ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー、アントマン、キャプテン・マーベル、ブラックパンサーの映画のテーマを参考にしている。「Welcome Recruits」と題されたシングルは、2022年4月22日にハリウッド・レコードとマーベル・ミュージックからデジタルリリースされた。^[226]

クリストファー・レナーツ、ジョーダン・ピーターソン、アレックス・カルカスの音楽による『ロジャース：ザ・ミュージカル』のオリジナルキャストアルバムは、2023年9月15日にウォルト・ディズニー・レコードからリリースされました。 ^[227]

2016年7月、ルーク・ケイジのショーランナーであるチェオ・ホダリ・コーカーは、同シリーズのビニール製サウンドトラックアルバムの計画を明らかにした。作曲家のエイドリアン・ヤングとアリ・シャヒード・ムハンマドがプロデュースする予定である。 ^[228]ビニール盤は2016年10月7日にモンド社から発売され、黄色のビニールにプレスされ、マシュー・ウッドソンによるコレクターズアートワークが施された。^{[229] [230]} 10月8日、モンド社はリリースの初回プレス分がすべて完売しており、追加注文は11月下旬から出荷を開始すると発表した。^[231]

11月7日、モンド社はデアデビルシーズン1とジェシカ・ジョーンズシーズン1のサウンドトラックのビニール盤リリースを発表した。それぞれ赤と紫のビニール盤にプレスされた。各リリースは3000枚限定で、ウッドソンによる収集価値のあるアートワークも付属し、11月9日にオンラインとニューヨーク・ブルックリンのアラモ・ドラフトハウス・シネマの両方で発売された。後者は「アラモ・ドラフトハウス・チェーンで初めて劇場のバー内に常設レコードラックを設置し、厳選されたモンドのビニール盤がオンラインで発売された当日に購入可能になる」。新しいサウンドトラックのリリースを記念して、モンド社は11月9日にブルックリンのハウス・オブ・ワックス・バーでイベントを開催し、ヤングによるライブDJセットに合わせて3枚のアルバムすべてを販売した。^[232]さらに、モンド社は11月10日にウッドソンのアートのポスターをリリースした。スクリーンプリントには「イラストのさまざまな要素に命を吹き込むためにスポットニスの層が施されている」^[233]。

モンドは2017年8月18日にグリーンとブラックのビニールでアイアン・フィスト・シーズン1のサウンドトラックをリリースした。このリリースには再びウッドソンによるオリジナルアートが含まれており、ポスターとしても追加リリースされた。^[234]

モンド社は『アベンジャーズ/エンドゲーム』の公開に先立ち、それまでに公開されたすべてのMCU映画と『アベンジャーズ/エンドゲーム』のサウンドトラックのアナログレコードを発売すると発表した。最初に制作されたアナログレコードは2019年4月24日の『アントマン・アンド・ワスプ』で、ファントム・シティ・クリエイティブがデザインしたコレクターズアートワークと14曲の未発表ボーナストラックをフィーチャーしており、その後『ブラックパンサー』と『マイティ・ソー バトルロイヤル』が続いた。^[235]

ジョン・ファヴロー監督は、ハードロックバンドAC/DCの曲を最初のアイアンマン映画で使用し、AC/DCのコンサートでインスピレーションを得て、コンサートのようなイベントで続編でアイアンマンを紹介した。ファヴローはバンドについて、「彼らの面白いところは、私が高校生だった頃、彼らがヘビーメタルの真の実力者だったことだ。彼らはまさに本物だった。彼らは一部の人々を不安にさせ、悪魔崇拝者ではないかと疑問を抱かせた。そして、彼らは今日、同じショーを披露している...そして、そのすべてにユーモアのセンスがある...当時は最高にエッジの効いた音楽だったが、今では私には奇妙な優しささえ感じられる。それは、トニー・スタークのキャラクターと同じように、未熟さと若さを讃えている」と語った。^[236] 2010年1月、マーベルはコロンビアレコードとのコラボレーションにより、AC/DCの音楽が『アイアンマン2』で大きく取り上げられると発表し、コロンビアレコードはAC/DCの名曲15曲を収録した映画のサウンドトラックアルバムをリリースした。^[237]

2014年2月、ジェームズ・ガン監督は『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』に、主人公ピーター・クイルのウォークマンに入っているミックステープに入っている「フックト・オン・ア・フィーリング」などの1960年代と1970年代の曲を取り入れることを明らかにした。このミックステープは、ピーターが失った地球、故郷、家族とのつながりを保つための手段となっている。^[238]曲を選ぶ際、ガンはビルボードのチャートで1970年代のトップヒット曲をすべて読み、「半分は知っている、でもすぐには名前が思い出せないような」曲を「数百曲」ダウンロードし、映画の雰囲気に合う曲すべてのプレイリストを作成した。その後、ガンはプレイリストを聴いて「曲を中心にシーンを作るインスピレーションを得た」り、「音楽が必要なシーンがあり、プレイリストを聴いて様々な曲を思い浮かべ、どれが一番合うかを考えたり」して、映画の曲を選んだ。選ばれた曲の多くは、撮影現場で「俳優とカメラマンがショットに最適なグルーヴを見つける」ために流されたが、デヴィッド・ボウイの「Moonage Daydream」だけがポストプロダクション中に選ばれ追加された曲だった。^{[239]アルバム『} Awesome Mix Vol. 1』に加えて、ハリウッド・レコードは2014年11月28日にレコード・ストア・デイ参加者限定でサウンドトラックのカセット版をリリースした。このカセットは2003年以来ディズニー・ミュージック・グループから発売された初のものだった。^[240]

ガンは『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー Vol. 2』のミックステープ『 Awesome Mix Vol. 2 』を制作するにあたって「少しプレッシャーを感じた」と語り、「とても多くの人が[第1作のサウンドトラック]を気に入ってくれて、プラチナディスクを獲得するなど、いろいろなことがあったから。でも、第2作のサウンドトラックの方が良いと感じている」と語った。[ ^241] 2015年6月までに全ての曲が選ばれ、脚本に組み込まれた。 ^[242] 2016年1月、ガンは映画で使用するためにボウイの曲をもう1曲選んだが、その曲が使われていたオリジナルのシーンはカットしたと明かした。その曲が含まれていれば、ボウイは両方のミックステープでフィーチャーされる唯一のアーティストになるはずだった。その月にボウイが亡くなったため、ガンはボウイがガンのアイドルの1人であったことから、彼に敬意を表す「公平かつ適切な」方法として、選ばれた曲を映画のどこかに含める方法を見つけたいと望んだ。^[243]ガンは、サウンドトラックは最初の『ガーディアンズ』のものよりも「より多様」であると述べ、「聞いたことはあるかもしれないが、曲名や歌手の名前を知らない曲がたくさんありました。今作では、本当に信じられないほど有名な曲もあれば、人々が聞いたことのない曲もあります。」と語った。^[244]

ケンドリック・ラマーはトップ・ドッグ・エンターテインメントの創設者アンソニー・ティフィスとともに、この映画の厳選されたサウンドトラックを制作した。これは「映画のために特別に作成された複数のオリジナルレコーディングを統合した」初のMCUサウンドトラックであった。^[245] ブラックパンサー：ザ・アルバムは2018年2月9日にリリースされた。^[246]

88risingのさまざまなアジア人アーティストをフィーチャーしたアルバムが『シャン・チー・アンド・ザ・レジェンド・オブ・ザ・テン・リングス』のためにリリースされました。 『ブラックパンサー: ザ・アルバム』と同様に、これらのレコーディングは映画のために特別に作成されました。『シャン・チー』の俳優、シム・リウがトラックの 1 つでボーカルを提供しています。^[要出典]

『ブラックパンサー:ワカンダ フォーエバー』の公開に先立ち、ゴーランソンがプロデュースした拡張プレイアルバムが2022年7月25日にリリースされた。このアルバムには、テムズ、アマーラエ、サンタフェ・クランの3曲が収録されている。^[247]

2022年10月には『ブラックパンサー: ワカンダ フォーエバー』のコンピレーションアルバムが2022年11月4日に発売されることが発表され、リアーナによるリードシングル「リフト」は2022年10月28日に発売される。^[248]

『デッドプール&ウルヴァリン (オリジナル・サウンドトラック)』 (『デッドプール&ウルヴァリン: Van Jamz 』としても知られる) は、 『デッドプール&ウルヴァリン』のサウンドトラックアルバムである。2024年7月24日に発売され、7月26日に物理リリースされた。このアルバムには、映画で使用された、または映画にインスピレーションを受けた17曲と、ロブ・シモンセ​​ンによる映画のテーマ曲が収録されている。^{[249] [250]}

デッドプール&ウルヴァリン: マドンナの「ライク・ア・プレイヤー」EPは、マドンナの「ライク・ア・プレイヤー」と、映画のために制作された同曲の別バージョンを収録したEPアルバムで、2024年8月9日にリリースされた。^{[251] [252]} デッドプール&ウルヴァリンにはライアン・レイノルズとヒュー・ジャックマンが主演し、監督のショーン・レヴィはマドンナに映画でこの曲を使用する許可を求め、マドンナはその後、この曲を組み込みたいシーンについてメモを提供した。^[253]

2014年10月、ジョン・コギンはインターナショナル・ポリシー・ダイジェスト誌でこれまでのマーベル・シネマティック・ユニバースの音楽を振り返った。彼は、特に『スター・ウォーズ』や『ロード・オブ・ザ・リング』などの他の主要フランチャイズと比較した場合、映画のヒーローたちのための「力強いファンファーレ」が欠けていることと、異なるスコア間の連続性が欠けていることから、音楽が共有ユニバースの大きな欠点であると感じていた。彼は、パトリック・ドイルの『マイティ・ソー』が「テーマの強さと統一性」の点で最高である一方で、他の映画は独自の音楽テーマを印象的な方法で展開していないと感じ、ブライアン・タイラーがドイルのテーマをすべて完全に破棄したことは「注目に値する」と感じた。コギンは記事の最後に、MCUは「まだ若い」と述べ、「やがてマーベルは個々のヒーローたちのためにより大胆なテーマを展開できるし、展開すべきだ。映画間で何らかのテーマの連続性を確立すべきだ」と述べた。^[254] Tor.comのエメット・アッシャー＝ペリン氏は音楽の連続性についてさらに論じた。彼女は映画間の連続性がマーベルにとってMCUの非常に重要な側面であったことを指摘し、それゆえ「同じ一貫性がサウンドトラックに適用されていない」ことに困惑した。アッシャー＝ペリンは、他のフランチャイズがテーマ素材を効果的に思い出す多くの例を挙げ、スコアの連続性の欠如は「不快」であるだけでなく、マーベルとフランチャイズのまとまりにとって機会損失であると意見を述べた。^[255]

Filmtracks.comのクリスチャン・クレメンソンは、マーベル映画のスコアは「常にまとまりのあるアイデンティティを形成するのに苦労してきた」ことに同意した。彼はシルヴェストリが記憶に残るテーマ曲を作ることに最も成功した作曲家だと感じており、タイラーの『アイアンマン3』と『マイティ・ソー/ダーク・ワールド』の作品は「スタジオからのハンス・ジマーの超大作への期待の男らしさと、実際に（今でも）機能しているジェリー・ゴールドスミスのリズム感覚を組み合わせる」ことで、フランチャイズにふさわしい雰囲気を確立する点で優れていると見ていた。^[256]クレメンソンは、ダーク・ワールドでのタイラーの作品について、ドイルのテーマを自分の「ありきたりな」テーマに「不可解に」置き換えたことを批判したが^[258]、その後、シルヴェストリの以前のテーマと自分のテーマを再利用しながら、以前に確立したサウンドを維持しようとした作曲家の努力をアベンジャーズ/エイジ・オブ・ウルトロンで賞賛した。彼はまた、ダニー・エルフマンがシルヴェストリのアベンジャーズのテーマを「単に丸暗記するのではなく」映画のためにアレンジし進化させた方法を強調した。この賞賛にもかかわらず、クレメンソンは最終的にエイジ・オブ・ウルトロンのスコアを「機能的」としか呼びませんでした。そして、音楽が編集され映画で使用された方法は「完全な混乱」であり、これは彼がMCUのスコアの多くに見られた問題だと感じたと感じました。^[256]

Flickering Myth で、サイモン・コロンブは、アイアンマン3とマイティ・ソー/ダーク・ワールドのタイラーのスコアが「まあまあ」と評されたことに対し、「マーベル映画の忘れられがちなサウンドトラック」と題した意見記事で反応した。彼は、映画音楽は「核となる要素」であるため、スコアは「まあまあ」と否定するよりも批判されるべきであると主張した。彼は、MCUのスコアはすべて「一貫して標準以下で...サウンドトラックは常に不明瞭で混乱していて、一貫性がない」と感じていた。彼はまた、継続性の欠如にも触れ、「テーマと音楽を使用して一貫した調和のとれた雰囲気を作り出す」機会を逃したことを嘆いた。^[259] /Filmのジェイコブ・ホールはMCUの音楽の質に焦点を当て、「バニラプディングに相当する音楽。MCUの映画には識別可能な音楽が1つもなく、それは残念だ」と表現した。ホールは、マーベルのフェーズ3の映画シリーズで「映画やテレビの音楽で最も才能があり、高く評価されている現代の作曲家の一人」と称するマイケル・ジアッキーノの雇用と、唯一記憶に残り、認識できるテーマ曲「キャプテン・アメリカ・マーチ」を作曲したと感じたシルヴェストリの再雇用がこの傾向を変えることを期待し、特にジアッキーノが「MCUに切望されていた魔法をもたらす」ことを期待していた。^{[257] [260]}

2016年9月、映画や映画製作のプロセスを分析するYouTubeチャンネルEvery Frame a Paintingは、MCUの音楽について議論するビデオエッセイを投稿した。このビデオではまた、スターウォーズやジェームズボンドなどのフランチャイズと比較して、一般の観客にとってMCUの音楽が記憶に残らないことを強調し、その理由として、音楽がバックグラウンドノイズになる傾向があったり、ナレーションなどの他の音の後ろに「隠れて」いたりすること、画面上の出来事を厳密に反映しているため、目立ったり観客を驚かせたりしないこと、他の音楽と似ていることが多いことなどを挙げており、ビデオでは、その原因を暫定プロセスと、映画製作者が作曲家を呼び込む前に暫定音楽に合わせて映画を編集したり、作曲家に暫定トラックを模倣するよう依頼したりすることにあるとしている。このビデオでは、音楽は悪くなく、ただ「当たり障りがなく無害」だと述べ、マーベルはもっとリスクを冒して音楽を改善できると述べている。例えば、他の効果音なしで音楽に重点を置いたり、映像とミスマッチさせたり、例えば「ユーモラスな」シーンで「感情的な」音楽を流して、登場人物の表面的な行動ではなく、その根底にある感情にもっとインパクトを与えるなどである。^[261]

2024年5月、ディズニー・コンサート、マーベル・スタジオ、ロサンゼルス・フィルハーモニックは、マーベル・スタジオの『インフィニティ・サーガ・コンサート・エクスペリエンス』を2024年8月30日と31日にハリウッド・ボウルで初開催すると発表しました。フィルハーモニックの音楽・芸術監督グスターボ・ドゥダメルが指揮するこのコンサートでは、フィルハーモニックが『アベンジャーズ』のテーマや『アベンジャーズ/エンドゲーム』の「ポータル」など、インフィニティ・サーガ映画の音楽の「特別に作成されたスコア」を映像に合わせてライブで演奏します。^[262]コンサートの前半は映画の個々のキャラクターに焦点を当て、後半は『アベンジャーズ/インフィニティ・ウォー』と『アベンジャーズ/エンドゲーム』に重点が置かれました。「ポストクレジットシーン」では、フィルハーモニックが『ファンタスティック・フォー/ファースト・ステップ』（2025年）のマイケル・ジアッキーノのテーマを演奏しました。^[263]この公演ではハリウッドボウルのプロセニアムにプロジェクションマッピングが使用され、観客はピックスモブの光るリストバンドを着けた。^{[262] [264]}このコンサートは2025年に世界ツアーを行う予定である。^{[263] [264]}