エレクトロニック・ダンス・ミュージック

著者のマイケル・ビールは、1968年から1985年の間に隆盛を極めたルーツ・レゲエとサウンドシステム文化に由来するジャマイカの音楽であるダブ・ミュージックを、現代のエレクトロニック・ダンス・ミュージックの重要な先駆者の1つとみなしている。 ^{[ 8 ]}ダブ作品は、リズム、断片化された歌詞とメロディーの要素、そして残響のテクスチャを強調したリミックスされたレゲエ・トラックであった。 ^{[ 9 ]}この音楽は、キング・タビー、エロール・トンプソン、リー・スクラッチ・ペリー、サイエンティストなどのスタジオ・エンジニアによって開拓された。^{[ 8 ]}彼らの作品には、ビールがミュジック・コンクレートで使用された技術に匹敵すると考えるテープ編集とサウンド処理の形式が含まれていた。ダブのプロデューサーは、スタジオのミキシング・ボードを演奏楽器として使用することで、既存のマルチトラック・レゲエ・ミックスを即興的に解体した。また、補助センド・ルーティングを創造的に使用することで、リバーブやディレイなどの空間効果を前面に出した。^{[ 8 ]}ローランド株式会社が製造したローランド・スペース・エコーは、1970年代にダブ・プロデューサーによってエコーやディレイ効果を生み出すために広く使用されました。^{[ 10 ]}

キング・タビーやリー・スクラッチ・ペリーといったダブの先駆者たちが利用できる電子機器は限られていたにもかかわらず、彼らのリミックス文化における実験は音楽的に最先端だった。^{[ 11 ]}アンビエント・ダブはキング・タビーや他のジャマイカのサウンドアーティストによって開拓され、ドロップアウト、エコー、イコライゼーション、サイケデリックな電子効果を備えたDJに影響を受けたアンビエント・エレクトロニクスが使用された。レイヤリング技術が特徴で、ワールドミュージック、重厚なベースライン、ハーモニックサウンドの要素が取り入れられていた。 ^{[ 12 ]}長いエコーディレイなどの技術も使用された。^{[ 13 ]}

ヒップホップは1970年代以降、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの発展に一定の影響を与えてきた。^{[ 14 ]}ジャマイカのサウンドシステム文化に触発されたジャマイカ系アメリカ人のDJクール・ハークは、ブロンクスに重低音の効いた大型スピーカー・リグを導入した。^{[ 15 ]}彼のパーティーは、1973年にニューヨーク市のヒップホップ・ムーブメントのきっかけを作ったとされている。^{[ 15 ]} DJクール・ハークが開発し、ヒップホップ文化で人気となったテクニックは、同じレコードの2枚を2台のターンテーブルで交互に、曲のブレイク部分で再生することだった。このテクニックはさらに、純粋にパーカッシブなブレイクを手動でループさせるためにも使用され、後にブレイク・ビートと呼ばれるようになった。^{[ 16 ]}

ターンテーブリズムは、松下電器産業（現パナソニック）のエンジニア、小畑修一によるダイレクトドライブターンテーブルの発明に端を発する。^{[ 17 ]} 1969年、松下電器産業はこれをSP-10として発売した。[ 19 ^{]これは市場}初のダイレクトドライブターンテーブルであり、^影響力のあるテクニクスシリーズのターンテーブルの最初の機種となった^{。[20]最も影響}力^{のあるターン}テーブルはテクニクスSL-1200^で、 1971年に松下電器産業の小畑修一率いるチームによって開発され、1972年に発売された。^{[ 17 ] 1980}年代と1990年代には、^ヒップホップDJがターンテーブルを楽器として使い、その高度な使い方がターンテーブリズムと呼ばれる創造的な実践へと発展した。^{[ 21 ]}

In 1974, George McCrae's early disco hit "Rock Your Baby" was one of the first records to use a drum machine,^[22] an early Roland rhythm machine.^[23] The use of drum machines in disco production was influenced by Sly and the Family Stone's "Family Affair" (1971), with its rhythm echoed in McCrae's "Rock Your Baby",^[24] and Timmy Thomas' "Why Can't We Live Together" (1972).^[25][23][24] Disco producer Biddu used synthesizers in several disco songs from 1976 to 1977, including "Bionic Boogie" from Rain Forest (1976),^[26] "Soul Coaxing" (1977),^[27] and Eastern Man and Futuristic Journey^[28][29] (recorded from 1976 to 1977).^[30]

Acts like Donna Summer, Chic, Earth, Wind & Fire, Heatwave, and the Village People helped define the late 1970s disco sound. Giorgio Moroder and Pete Bellotte produced "I Feel Love" for Donna Summer in 1977. It became the first well-known disco hit to have a completely synthesized backing track. Other disco producers, most famously American producer Tom Moulton, grabbed ideas and techniques from dub music (which came with the increased Jamaican migration to New York City in the 1970s) to provide alternatives to the four-on-the-floor style that dominated.^[31][32] During the early 1980s, the popularity of disco music sharply declined in the United States, abandoned by major US record labels and producers. Euro disco continued evolving within the broad mainstream pop music scene.^[33]

シンセポップ（シンセサイザーポップの略。^{[ 34 ]}テクノポップとも呼ばれる^{[ 35 ] [ 36 ]}）は、1970年代後半に初めて注目を集めた音楽ジャンルで、シンセサイザーが主要な楽器として用いられている^{[ 37 ]} 。1960年代から1970年代初頭にかけて、プログレッシブ・ロック、エレクトロニック、アート・ロック、ディスコなどでシンセサイザーが使用されたことで、その前身が示された。

初期のシンセポップのパイオニアには、日本のグループであるイエロー・マジック・オーケストラ、イギリスのバンドであるウルトラボックス、ヒューマン・リーグ、ベルリン・ブロンズなどが挙げられる。ヒューマン・リーグは、モノフォニック・シンセサイザーを使用して、シンプルで簡素なサウンドの音楽を制作した。 1979年にゲイリー・ニューマンが全英シングルチャートでブレイクした後、1980年代初頭には、ジャパンやオーケストラル・マヌーヴァーズ・イン・ザ・ダークといった1970年代後半にデビューしたバンドや、デペッシュ・モードやユーリズミックスといった新進気鋭のバンドなど、多くのアーティストがシンセサイザーをベースとしたサウンドで成功を収め始めた。日本では、イエロー・マジック・オーケストラの成功が、Pモデル、プラスティックス、ヒカシュといったシンセポップバンドの道を切り開いた。安価なポリフォニック・シンセサイザーの開発、 MIDIの定義、ダンスビートの使用により、シンセポップはより商業的で親しみやすいサウンドになった。このこと、そしてニューロマンティック運動のスタイルを重視するアーティストたちがこのスタイルを採用したこと、さらにMTV​​の台頭が相まって、デュラン・デュランやスパンダー・バレエなど、多くのイギリスのシンセポップ・アーティストがアメリカで成功を収めることになった。

ポピュラー音楽におけるデジタルサンプリングとループの使用は、日本の電子音楽バンド、イエロー・マジック・オーケストラ（YMO）によって開拓されました。^{[ 38 ] [ 39 ] [ 40 ] [ 41 ]}彼らのサンプリングへのアプローチは、コンピュータ技術を使用して音の断片を切り取ってループさせることで音楽を構築する現代的なアプローチの先駆けとなりました。^{[ 40 ]}「コンピュータ・ゲーム/ファイヤークラッカー」（1978年）は、マーティン・デニーのメロディーを引用し、^{[ 42 ]}スペース・インベーダー^{[ 43 ]}のビデオゲームのサウンドをサンプリングしました。^{[ 42 ]}テクノデリック（1981年）は、主にサンプルとループで構成された最初のアルバムとして、ポピュラー音楽におけるデジタルサンプリングの使用を導入しました。^{[ 39 ] [ 41 ]}このアルバムは、エンジニアの村田健二がYMOのためにカスタムメイドした東芝EMIのLMD-649デジタルPCMサンプラーを使用して制作されました。^{[ 41 ]} LMD-649は、1980年代初頭にはYMO関連のアーティストである真鍋千恵美^{[ 44 ]}やLogic System ^{[ 45 ]}など、他の日本のシンセポップアーティストによってもサンプリングに使用されました。

1979年中頃から後半にかけて始まった「ディスコ」への反発に続くポスト・ディスコ時代（米国では市民の不安やシカゴでの「ディスコ解体の夜」として知られる暴動につながった）^{[13]には、「根本的に異なるサウンド」 [14]}を特徴とする「削ぎ落とされた」ディスコに影響を受けた音楽のアンダーグラウンド・ムーブメントが東海岸で出現し始めた。^{[15] [注1]}この新しいシーンは主にニューヨーク大都市圏で見られ、当初はディスコ文化の過剰な商業化とその後の衰退に反応したアーバン・コンテンポラリー・アーティストによって主導された。出現したサウンドは、ディスコのエレクトロニック・サイドであるPファンク^[18]、ダブ・ミュージック、その他のジャンルに由来する。この時期に制作された音楽の多くは、ディスコと同様に、シングル主導の市場をターゲットにしていた。^[14]この頃、クリエイティブ・コントロールは独立系レコード会社、あまり知られていないプロデューサー、クラブDJへと移り始めた。^[14]ディスコ後の時代に人気が出始めた他のダンススタイルには、ダンスポップ、^{[19] [20]}ブギー、^[14]エレクトロ、ハイエナジー、イタロディスコ、ハウス、^{[19] [21] [22] [23]}テクノなどがあります。^{[22] [24] [25] [26] [27]}

1980年代初頭、エレクトロ（「エレクトロ・ファンク」の略）は、シンセポップ、ファンク、ブギーの融合として登場した。エレクトロ・ファンクまたはエレクトロ・ブギーとも呼ばれるが、後にエレクトロと略されるようになった。先駆者として挙げられるのは、坂本龍一、アフリカ・バンバータ^{[ 57 ]} 、ザップ^{[ 58 ]} 、D.トレイン^{[ 59 ]}、シナモン^{[ 59 ]}などである。初期のヒップホップとラップは、ジョルジオ・モロダー、ダン・ラックスマン（テレックス）、イエロー・マジック・オーケストラなどのヨーロッパと日本のエレクトロポップの影響を融合させ、エレクトロの誕生を促した^{[ 60 ]} 。電子音楽が発展するにつれて、ベースギターやドラムなどの楽器はシンセサイザー、特にローランドTR-808やヤマハDX7などの象徴的なドラムマシンに置き換えられた。^{[ 61 ]} TR-808 の初期の使用例としては、1980 年の坂本龍一の「Riot in Lagos」^{[ 47 ]} 、1980 年から 1981 年のイエロー マジック オーケストラのいくつかのトラック、1982 年のアフリカバンバータのトラック「 Planet Rock 」 、1982 年のマーヴィン ゲイの曲「Sexual Healing」などがある。^{[ 62 ]} 1982 年、プロデューサーのアーサー ベイカーはアフリカ バンバータと共に、イエロー マジック オーケストラ (坂本龍一 - Riot In Lagos 1980) に影響を受けた画期的な「Planet Rock」をリリースし、ドラム ビートは TR-808 で提供された。Planet Rock に続いて、その年の後半には、ワープ 9による別の画期的なエレクトロ レコード「Nunk」がリリースされた。 1983年、ハシムは「Al-Naafyish (The Soul)」 ^{[ 57 ]}でエレクトロファンクサウンドを作り出し、ハービー・ハンコックに影響を与え、同年ヒットシングル「Rockit 」を生み出した。1980年代初頭はエレクトロが主流のピークを迎えた時期だった。著者のスティーブ・テイラー^{[ 63 ]}によると、 アフリカ・バンバータの「Planet Rock」は「それ以降のすべての興味深いダンスミュージックのテンプレート」となっている^{[ 63 ] 。}

1980年代初頭、シカゴのラジオDJ、ザ・ホット・ミックス5とクラブDJのロン・ハーディとフランキー・ナックルズは、古いディスコレコード（主にフィリーディスコとサルソウル^{[ 64 ]}のトラック）、イタロディスコ、アフリカ・バンバータ^{[ 65 ]}などのアーティストによるエレクトロファンクトラック、新しいイタロディスコ、マン・パリッシュ、ジェリービーン・ベニテス、アーサー・ベイカー、ジョン・ロビーによるBボーイヒップホップ音楽、ジョルジオ・モロダーやイエロー・マジック・オーケストラによるエレクトロニックポップ音楽など、さまざまなスタイルのダンスミュージックをプレイした。中には、リール・トゥ・リール・テープでお気に入りの曲を独自に編集してプレイし、エフェクト、ドラムマシン、その他のリズミカルな電子楽器をミックスすることもあった。 1984年にシカゴのDJジェシー・サンダースがプロデュースし、ヴィンス・ローレンスが共作した催眠的なエレクトロニック・ダンス・ソング「On and On」には、ローランドTB-303ベースシンセサイザーやミニマルなボーカル、ローランド（具体的にはTR-808）ドラムマシン、コルグ（具体的にはPoly-61）シンセサイザーなど、初期のハウスサウンドの定番となる要素が含まれていた。

「On and On」は「最初のハウスレコード」として挙げられることもあるが、^{[ 66 ] [ 67 ]} JM Silkの「Music is the Key 」（1985年）など、同時期の他の例も挙げられている。^{[ 68 ]}ハウスミュージックは、ニューヨーク、ニューアーク、デトロイトなどのアメリカの都市に急速に広がり、それぞれ独自の地域シーンが発展した。1980年代半ばから後半にかけて、ハウスミュージックはヨーロッパや南米、オーストラリアの主要都市でも人気を博した。^{[ 69 ]}シカゴハウスは、House Master Boyz and the Rude Boy of Houseの「House Nation」（1987年）などのリリースでヨーロッパで商業的な成功を収めた。これに続いて、 M | A | R | Rの「 Pump Up The Volume 」など、ハウスに影響を受けたリリースが数多く登場した。 S（1987）、S'Expressの「Theme from S'Express」（1988）、Coldcutの「 Doctorin' the House 」 （1988）がポップチャート入りを果たした。

チャランジット・シンのアルバム『Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat』（1982年）は、ディスコ・スタイルで演奏されたインドのラーガを収録しており、電子楽器の使用とミニマルなアレンジはアシッド・ハウス・ミュージックのサウンドを予見していたが、21世紀にこのアルバムが再発見される以前に、このジャンルに影響を与えたという記録はない。^{[ 70 ] [ 71 ] [ 72 ]}

1980年代、デトロイトのDJであるフアン・アトキンス、デリック・メイ、ケビン・サンダーソンは、テクノと呼ばれることになる新しい音楽スタイルの基礎を築きました。彼らは、シカゴ・ハウスの影響を受けたエレクトロニック・ミュージックと、デトロイト（モータウンを含む）の影響を受けたファンク・サウンドを、ポスト工業都市の機械的な雰囲気と融合させ、四分音符にキックドラム、二分音符、四分音符、または八分音符にスネアまたはハイハットを鳴らす、四つ打ちビートのテクノ・サウンドを生み出しました。

1980年代半ば、スペインのバレアレス諸島の小さな島、イビサ島でハウスミュージックが隆盛を極めた。バレアリックサウンドは、当時この島から生まれた音楽の精神であり、古いレコードのロック、ポップ、レゲエ、ディスコのレコードと「何でもあり」の姿勢が組み合わさって、イビサ島はドラッグに触発された音楽実験の中心地となった。 ^{[ 73 ]}レジデントDJのアルフレド・フィオリトがバレアリックハウスの先駆者となったアムネシアというクラブが、このシーンの中心だった。^{[ 74 ]}アムネシアはヨーロッパ中に知られるようになり、1980年代半ばから後半にかけては大陸中から人々が集まるようになった。^{[ 75 ]}

1988年までに、ハウスミュージックはヨーロッパで最も人気のあるクラブミュージックの形態となり、同年にはイギリスとドイツでアシッドハウスが注目すべきトレンドとして発展した。 ^{[ 76 ]}イギリスでは、イギリスのアフリカ系カリブ人のサウンドシステムシーンを中心とした確立されたウェアハウスパーティーのサブカルチャーが、ダンスミュージックのみをフィーチャーしたアンダーグラウンドのアフターパーティーを盛り上げた。また1988年には、イビサのDJアルフレドに関連するバレアリックパーティーの雰囲気がロンドンに持ち込まれ、ダニー・ランプリングとポール・オークンフォールドがそれぞれクラブShoomとSpectrumをオープンした。どちらの場所もアシッドハウスと同義となり、この時期にMDMAがパーティー ドラッグとして注目を集めるようになった。イギリスの他の重要なクラブには、リーズのBack to Basics 、シェフィールドのLeadmillとMusic Factory、マンチェスターのThe Haçiendaがあり、マイク・ピッカリングとグレアム・パークのスポットNudeはアメリカのアンダーグラウンドダンスミュージックの重要な試金石となった。^{[注1 ] [ 77 ]}ハウスとアシッドハウスの成功により、デトロイトテクノへの道が開かれた。このスタイルは当初、シカゴ、ニューヨーク、北イングランドの少数のハウスミュージッククラブによって支持され、デトロイトのクラブは後に追いついた。^{[ 78 ]}テクノという用語は、 1988年に10 Records/Virgin Recordsからリリースされたコンピレーション「Techno: The Dance Sound of Detroit」の後に初めて使用された。 ^{[ 79 ]}

デトロイトで制作され、広く注目を集めた最初の作品の1つが、デリック・メイの「Strings of Life」（1987年）で、メイの前作「Nude Photo」（1987年）と共に、1987年から1988年のハウスミュージックブーム（「Second Summer of Love 」参照）の時期に、ヨーロッパ、特にイギリスとドイツでテクノの知名度を高めるのに貢献した。^{[ 80 ]}これはメイの最も有名なトラックとなり、フランキー・ナックルズによれば、「爆発的にヒットした。初めて聴いた人がそのレコードから感じたパワーとエネルギーは、想像もできないほどだった。マイク・ダンは、ベースラインのないレコードを人々がどうやって受け入れられるのか全く理解できないと言っている。」^{[ 81 ]}イギリスのDJマーク・ムーアによると、「Strings of Life」がロンドンのクラブ客にハウスミュージックを受け入れるきっかけとなった。「ほとんどの人がハウスミュージックを嫌っていて、レアグルーヴとヒップホップばかりだったから…マッドクラブで『Strings of Life』をかけるとフロアが空になったんだ」。^{[ 82 ] [注2 ]} 1980年代後半には、クラブシーンでハウス、アシッドハウス、テクノへの関心が高まり、 イギリスでは午前2時に閉店するクラブにMDMAでハイになったクラブ客は、深夜の倉庫パーティーに逃避場所を求め始めた。1年以内に、1989年の夏には、一度に最大25,000人がレイヴと呼ばれる商業的に組織されたアンダーグラウンドパーティーに参加するようになった。^{[ 1 ]}

トランスは1980年代後半にイギリスのレイヴシーンから生まれ、1990年代初頭にドイツでさらに発展し、その後、テクノやハウスから派生したよりメロディックなジャンルとしてヨーロッパ全土に広まった。ヨーロッパでトランス音楽が発展するのと同時に、このジャンルはインドのゴア州でも支持を集めていた。^{[ 84 ]} トランスは主にインストゥルメンタルだが、ボーカルがミックスされることもある。通常、ボーカルはメゾソプラノからソプラノの女性ソロ歌手によって歌われ、伝統的な詩/コーラス構造はしばしばない。トランス音楽の構造化されたボーカル形式は、ボーカルトランスというサブジャンルの基礎を形成しており、これは「壮大で、高揚感があり、オペラティック」で「シンセサイザーの間を漂う幽玄な女性リード」と表現されている。^{[ 85 ] [ 86 ]}トランスミュージックは、アシッドトランス、クラシックトランス、ハードトランス、プログレッシブトランス、^{[ 87 ]}アップリフティングトランスなど、多くのサブジャンルに分類されます。^{[ 87 ]}アップリフティング トランスは、「アンセム トランス」、「エピック トランス」、「コマーシャル トランス」、「スタジアム トランス」、「ユーフォリック トランス」とも呼ばれ^、 [ ^{88 ] 1990年代[ 87 ]および 2000 年代には、}フェリー コーステン、アーミン ヴァン ビューレン、ティエスト、プッシュ、ランク 1などの主要アーティストによってクラシック音楽の影響を強く受けており、現在では、アンディ ブルーマン、シロ ヴィソーネ、サウンドリフト、アークティック ムーン、セルゲイ ネヴォーネ & サイモン オシャインなどのアーティストによって、「オーケストラ アップリフティング トランス」または「シンフォニック オーケストラ付きアップリフティング トランス」というサブジャンルが発展しています。アップリフティング トランスと密接に関連しているのがユーロ トランスで、これは、非常に商業化されたヨーロッパのダンス ミュージックの幅広い種類を表す一般的な用語となっています。いくつかのサブジャンルは、他の主要なエレクトロニックミュージックのジャンルとのクロスオーバーです。たとえば、テックトランスはトランスとテクノのミックスであり、ボーカルトランスは「トランスのプログレッシブな要素とポップミュージックを組み合わせたもの」です。^{[ 87 ]}ドリームトランスのジャンルは1990年代半ばに始まり、当時はロバート・マイルズが人気を牽引していました。

AllMusicはプログレッシブ・トランスについて次のように述べています。「トランス界のプログレッシブ派は、そもそもトランスがチャート上位に食い込むことがほとんどなかったため、より商業的でチャート志向のサウンドへと直接つながりました。ユーロダンスやハウスのよりスムーズなサウンドを強調し（そして時折、ベースメント・ジャックスよりもジャン・ミッシェル・ジャールを彷彿とさせる）、プログレッシブ・トランスはミレニアムの終わりまでに世界のダンスフロアのサウンドとなりました。批評家たちは、予測可能なブレイクダウンへのこだわりとビートミックスのスキルの相対的な欠如を嘲笑しましたが、プログレッシブ・トランスは最もホットなDJによって叩かれました。」^{[ 89 ]}

1990年代初頭までに、レイヴシーンの中で、アメリカのハウスやテクノとは異なる独自の音楽スタイルが発展した。この音楽は、それ以前のヒップホップと同様に、サンプリングされたシンコペーションのリズムやブレイクビーツ、さまざまな音楽ジャンルからのサンプル、そして時には映画やテレビ番組の音楽、会話、効果音のサンプルを組み合わせたものだった。ハウスやテクノといった初期のダンスミュージックのスタイルと比較すると、いわゆる「レイヴミュージック」はベースサウンドを強調し、テンポ（1分あたりの拍数：BPM）を速くする傾向があった。このサブジャンルは「ハードコア」レイヴとして知られていましたが、1991年頃から、ハイテンポのブレイクビーツ、重厚なベースライン、古いジャマイカ音楽のサンプリングで構成された楽曲は、「ジャングルテクノ」と呼ばれるようになりました。これはジャック・スムースやベースメント・レコードの影響を受けたジャンルで、後に単に「ジャングル」と呼ばれるようになり、イギリスのレイヴや海賊ラジオで人気の独立した音楽ジャンルとして認識されるようになりました。

1994年までにジャングルは主流の人気を獲得し始め、この音楽のファン（しばしばジャングリストと呼ばれる）は若者サブカルチャーのより認知された一部となった。このジャンルはさらに発展し、ラガマフィンサウンド、ダンスホール、MCチャント、ダブベースライン、そしてますます複雑で高度に編集されたブレイクビートパーカッションなど、既存の幅広い音楽ジャンルの要素を取り入れ、融合させた。エクスタシーに酔ったレイヴシーンとの関連性にもかかわらず、ジャングルは暴力や犯罪行為との関連性も受け継いでおり、これは英国のヒップホップシーンに影響を与えたギャング文化と、ジャングルのしばしば攻撃的で威嚇的なサウンドや暴力のテーマ（通常はサンプルの選択に反映されている）の両方によるものである。しかし、これはより広範なレイヴシーンやロンドンで流行しているダンスホールを基盤としたジャマイカ音楽文化の一部としての音楽の、概して肯定的な評判と並行して発展した。 1995年までに、この文化的分裂への反動としてか、あるいはそれとは無関係に、ジャングル・プロデューサーの中には、ラガの影響を受けたスタイルから離れ、便宜上ドラムンベースと総称されるようになるものを作り始めた者もいた。^{[ 90 ]}

ダブステップは、1990年代後半にロンドン南部で生まれたエレクトロニック・ダンス・ミュージックのジャンルです。一般的に、サブベース周波数が目立つベースラインを持つ、まばらでシンコペーションされたリズムパターンが特徴です。このスタイルは、2ステップ、ダブ・レゲエ、ジャングル、ブロークンビート、グライムなどの関連スタイルの流れを汲むUKガラージの派生として出現しました。^{[ 91 ] [ 92 ]}イギリスでは、このジャンルの起源は1980年代初頭のジャマイカのサウンドシステム・パーティーシーンの成長に遡ることができます。 ^{[ 92 ] [ 93 ]}

最も初期のダブステップのリリースは1998年に遡り、通常は2ステップ・ガレージ・シングルのB面として収録されていた。これらのトラックは、ボーカルの比重が少なく、よりダークで実験的なリミックスであり、ブレイクビートやドラムンベースの要素を2ステップに取り入れようとしていた。2001年、この曲やその他のダーク・ガレージ・ミュージックの系統が、ロンドンのナイトクラブPlastic Peopleの「Forward」ナイト（FWD>>と表記されることもある）で紹介され、プロモーションされるようになり、ダブステップの発展に影響を与えたと考えられている。音楽ジャンルを指す「ダブステップ」という用語は、Big Apple 、Ammunition、Tempaなどのレーベルによって2002年頃から使われ始め、その頃には、これらのリミックスを作成する際に使用されたスタイルの傾向が、2ステップやグライムとはより顕著で明確に区別されるようになってきた。^{[ 94 ]}

リディムは2010年代初頭にダブステップのサブジャンルとして誕生し、ジャマイカのダンスホール音楽の反復的な楽器パターンに強く影響を受けている。「リディム」という用語は、2012年頃にダブステップアーティストのジェイクスによって造語され、トラック全体を通して繰り返される単一のキャッチーなベースラインに焦点を当てたこの新しいミニマルなスタイルを表現している。^{[ 95 ]}

エレクトロハウスは、ベースラインやキックドラムが際立ち、テンポが1分間に125～135拍、通常は128拍であるハウスミュージックの一種です。^{[ 96 ] [ 97 ] [ 98 ]}その起源はエレクトロの影響を受けています。この用語は、ディミトリ・ベガス＆ライク・マイク、ハードウェル、スクリレックス^{[ 99 ] [ 100 ]}、スティーヴ・アオキ^{[ 101 ]}など、多くのDJ Mag Top 100 DJの音楽を説明するために使用されてきました。イタリアのDJ、ベニー・ベナッシは、2002年にリリースしたトラック「Satisfaction」で、エレクトロハウスをメインストリームに持ち込んだ先駆者と見なされています。^{[ 102 ]} 2000年代半ばまでに、エレクトロハウスの人気が高まり、2005年にはStudio Bの「I See Girls」のTom Nevilleリミックス（UKチャート11位）などのヒット曲が生まれました。2006年11月には、 Fedde Le GrandのelectroGqハウストラック「 Put Your Hands Up for Detroit」と、BodyroxとLucianaの「Yeah Yeah」のD. Ramirezリミックスが、それぞれUKトップ40シングルチャートで1位と2位を獲得しました。^{[ 103 ]}それ以来、 Feed Me、Knife Party、The M Machine、Porter Robinson、Yasutaka Nakata ^{[ 104 ]}、Dada Lifeなどのエレクトロハウスプロデューサーが登場しました。

ビッグルームハウスは、2010年代半ばに登場したエレクトロとプログレッシブハウスのサブジャンルで、シンプルなメロディーとドロップ、アリーナや野外フェスティバルなどの大規模な会場に適したサウンドデザインが特徴です。^{[ 105 ] [ 106 ] [ 107 ]}

トラップミュージックは、テクノ、ダブ、ダッチハウスから派生しただけでなく、 2000年代後半から2010年代初頭にかけてのサザンヒップホップの派生ジャンルからも影響を受けています。このトラップミュージックは、以下の3つの特徴で簡単に説明できます。「1/3はヒップホップ（テンポと曲の構成は似ており、ほとんどのトラックは通常70～110bpmの間）で、ボーカルはピッチダウンされることもあります。1/3はダンスミュージックで、高音域のダッチシンセサウンド、ハードスタイルのサンプリング、そして人気のEDM曲のトラップリミックスが数多く含まれています。1/3はダブ（低周波に重点を置き、曲全体を通して反復性を強く強調しています）」。^{[ 108 ]}このジャンルを普及させたアーティストの中には、他の何人かのアーティストとともに、2014 年にリリースされたトラック「Core」と「Scylla」のRL Grime 、 2015 年にリリースされたアルバムHdynation RadioのFlosstradamus 、 2012 年にリリースされたトラック「Turn Up」のCarnageなどのプロデューサーがいる。 ^{[ 108 ]}この意味でのトラップミュージックは、「ソウルフルなシンセ、808、パンフルート、鋭いスネア、長くシロップのように滑らかな母音」によって特徴付けられ、ダーティでアグレッシブなビートが作られ、「ダークなメロディー」を生み出した。トラップは現在、主に既存の曲のリミックスを作成するために使用されている。^{[ 109 ] [ 108 ]}

アフロEDMは、アフリカの伝統的な音楽とエレクトロニックダンスミュージックの要素を融合させたアフリカのエレクトロニックダンスミュージックのジャンルとスタイルを指します。さまざまなアフリカのリズム、楽器、ボーカルスタイルを取り入れ、現代のEDM制作技術と融合させています。アフロEDMは何十年も前から存在していましたが、21世紀のテクノロジーの出現によって初めてア​​フリカのEDMは真に繁栄し始めました。現代のミレニアムで人気のアフロEDMのジャンルとスタイルは、グコム（南アフリカ）とアフロビーツ（ナイジェリア）のジャンルに見られます。ウガンダやコンゴ民主共和国（テクノ・キントゥエニ）など、他のアフリカ諸国にも音楽シーンが存在します。^{[ 110 ]}

ポンポン（ADMまたはアフリカンダンスミュージックとも呼ばれる）は、2018年頃にナイジェリアで出現し、EDMの影響とアフロビーツ、ナイジェリアのアフロポップ、ダンスホール、ハイライフが混ざり合ったものである。その派生形として、2020年代に出現したナイジェリアンアフロEDMがあり、アフロビーツ、ナイジェリアンアフロハウス、アフロエレクトロを包含している。^{[ 111 ] [ 112 ]}

Gqomは、2009年から2010年頃にダーバンで、地元のレコードプロデューサーの先駆的な努力によって誕生しました。Gqomは、テクノ、ブロークンビーツ、ハウスミュージックの要素を融合させたものです。伝統的なハウスミュージックとは異なり、Gqomは典型的な4つ打ちのリズムを避けることで差別化されています。Gqomは、多様な制作技術とバリエーションを特徴とするEDMとハウスミュージックの両方に分類されます。^{[ 110 ] [ 113 ] [ 114 ] [ 115 ] [ 116 ] [ 117 ]}

EDM業界、特にライブイベントの分野では、企業統合が2012年に始まった。2012年6月、メディア幹部のロバート・F・X・シラーマン（現在のライブ・ネイションの創設者）は、 SFXエンターテインメントをEDMコングロマリットとして再始動させ、EDMビジネスを買収するために10億ドルを投資する計画を発表した 。買収対象には、地域のプロモーターやフェスティバル（トゥモローランドを主催するID&Tを含む）、マイアミのナイトクラブ運営会社2社、エレクトロニックミュージックに特化したオンライン音楽ストアのBeatportなどが含まれる。^{[ 148 ] [ 149 ]}ライブ・ネイションは、クリーム・ホールディングスとハード・イベントも買収し、2013年にはEDC主催者のインソムニアック・イベントと「クリエイティブ・パートナーシップ」を発表し、独立企業でありながらそのリソースを利用できるようにした。^{[ 150 ]}ライブ・ネイションのCEO、マイケル・ラピノは、EDMを「新しいロックンロール」と表現した。^{[ 129 ] [ 151 ] [ 152 ]}

米国のラジオ複合企業であるiHeartMedia, Inc.（旧Clear Channel Media and Entertainment）もEDMとの連携に努めた。2014年1月、同社は著名な英国人DJでBBC Radio 1のパーソナリティであるピート・トングを雇い、ダンスラジオブランド「Evolution」の番組制作を依頼した^{[ 153 ]。}また、SFXと提携し、同社のトップ40ラジオ局向けにライブコンサートやEDMに特化したオリジナル番組を共同制作すると発表した。iHeartMediaの社長であるジョン・サイクスは、同社の資産を「EDMにとって最高の目的地」にしたいと説明した^{[ 154 ] [ 155 ] 。}

大手ブランドもEDM現象をミレニアル世代をターゲットにする手段として利用しており^{[ 156 ] [ 157 ] [ 158 ] [ 159 ]}、EDMの楽曲やアーティストはテレビCMや番組でますます取り上げられるようになっている^{[ 160 ]} 。アヴィーチーのマネージャーであるアッシュ・プールヌーリは、こうした慣行を2000年代初頭のヒップホップの商業化になぞらえた^{[ 160 ]} 。ハイネケンはウルトラ・ミュージック・フェスティバルとマーケティング上の関係を持ち、オランダのプロデューサーであるアーミン・ヴァン・ブーレンとティエストを広告キャンペーンに取り入れている。アンハイザー・ブッシュはSFXエンターテイメントのイベントのビールスポンサーとして同様の関係を持っている^{[ 160 ]}。2014年、セブンアップは「7x7Up」というマルチプラットフォームのEDMベースのキャンペーンを開始し、デジタルコンテンツ、プロデューサーをフィーチャーした広告、ウルトラとエレクトリック・デイジー・カーニバルの両方でのブランドステージが含まれていた。^{[ 156 ] [ 161 ] [ 162 ]}ワイヤレスキャリアのT-Mobile USはSFXと契約を結び、SFXのイベントの公式ワイヤレススポンサーとなり、Above & Beyondと提携して2015年のツアーのスポンサーとなった。^{[ 157 ]}

2015 年 8 月、SFX は価値の低下を経験し始め、^{[ 163 ]} CEO の Sillerman による会社を非公開化しようとする試みは失敗に終わった。同社は、会社の売却につながる可能性のある戦略的代替案を検討し始めた。^{[ 164 ] [ 165 ]} 2015 年 10 月、Forbes は、SFX Entertainment の業績低下、収益の伸びの鈍化、フェスティバルの開催とタレントのブッキングのコストの増加、および米国東部と西部でのフェスティバルの過剰供給を受けて、EDM の「バブル」の可能性を宣言した。Insomniac の CEO である Pasquale Rotella は、業界は「イノベーション」に焦点を当て、新しい市場に参入することで、市場全体の財政的不確実性を乗り越えることができると感じていた。^{[ 166 ]}人気のある EDM への関心が薄れるという予測にもかかわらず、2015 年の米国での EDM 産業は 55 億ポンドと推定され、2012 年の推定値と比較して 60% 増加した。^{[ 167 ]}

SFXは、 AEG Liveの元幹部であるランディ・フィリップスのリーダーシップの下、2016年12月にLiveStyleとして破産から脱却した。^{[ 168 ] [ 169 ]}同社は2018年にライブ音楽資産の売却を徐々に開始し、ロック・イン・リオ（ラスベガス版フェスティバルの試みの一環として取得した）の株式売却^{[ 170 ] [ 171 ]} 、その後ID&T ^{[ 172 ] [ 173 ]やReact Presents [ 174 ]}などのSFX所有の他のプロモーターの売却も行った。フィリップスは他のプロジェクトを追求するため、2019年にCEOを辞任した。^{[ 175 ]}

アメリカでEDMが普及した後、カール・コックス、スティーブ・ローラー、マーカス・シュルツなどのプロデューサーやDJが、ダンスミュージックの過剰な商業化がDJingの芸術に影響を与えているという懸念を表明した。コックスは、新しいEDM DJが採用している「再生ボタンを押す」アプローチは、彼が「DJの精神」と呼ぶものを代表していないと考えた。^{[ 141 ]} Mixmagに寄稿したDJのティム・シェリダンは、オートシンクを使用し、「明らかなヒット曲」の録音済みセットを再生する「ボタンを押すだけのDJ」は、「見世物、金、ショービジネス」に支配された状況を生み出したと主張した。^{[ 176 ]}フェスティバルでの演奏を想定して作られたシンプルな曲が特徴のEDMジャンルである「ビッグルームハウス」（マーティン・ギャリックスの「アニマルズ」などの曲がその典型）も、オリジナリティに乏しい均質化されたサウンドであるという批判に直面した。 ^{[ 105 ] [ 106 ] [ 107 ]} 2014 年 5 月、NBC のバラエティ番組「サタデー ナイト ライブ」は、「When Will the Bass Drop?」というタイトルのデジタル ショート で EDM 文化とプッシュ ボタン DJ を風刺した。この番組では、コンピューター ゲームをしたり、卵を焼いたり、お金を集めたりといった日常的な活動を行う DJ が登場し、巨大な「BASS」ボタンを押すと、コンサートの観客の頭が爆発する。^{[ 177 ] [ 178 ] [ 179 ]}

ハウスミュージックのプロデューサーの中には、「商業的な」EDMにはさらなる差別化と創造性が必要だと公然と認める者もいた。2013年のアルバム『True』にリードシングル「 Wake Me Up 」などブルーグラスの要素を取り入れた曲を収録したAviciiは、ほとんどのEDMには「長続き」がないと述べている。^{[ 180 ]} Deadmau5は、人気のあるEDMの均質化を批判し、「どれも同じように聞こえる」と指摘した。2014年のウルトラ・ミュージック・フェスティバルでは、Deadmau5は新進気鋭のプロデューサー、Martin Garrixについて批判的なコメントをし、その後、Garrixの「Animals」を「Old McDonald Had a Farm」のメロディーに合わせてリミックスした編集版をプレイした。その後、ティエストはツイッターで、デッドマウスがアヴィーチーの「Levels」と自身の「Ghosts 'n' Stuff」を「皮肉っぽく」ミックスしたことを批判した（これは、アヴィーチーが体調不良でフェスティバルのスケジュールから急遽代役として参加したことを指している）。これに対しデッドマウスは、「皮肉っぽく」曲を演奏するというのは「シンクボタンを押しながらニヤニヤ笑うこと」なのかと問い返した。 ^{[ 181 ] [ 182 ] [ 183 ] ​​[ 184 ]}

ポーター・ロビンソンもまた、商業的なEDMを批判する一人であり、EDMは芸術性よりも「娯楽」に向いていると考え、ダンスやDJ向けに曲を作ろうとすることは音楽の質を損なうと感じていた。2014年8月、彼はスタジオアルバム『Worlds』をリリースした。これは、それまでのEDM中心の作品から方向転換し、ビデオゲーム音楽、ニューウェーブ、エレクトロポップの要素を取り入れた雰囲気のあるトラックを選んだものである。^{[ 185 ] [ 186 ]}後期のアルバム『Nurture』と『 Smile! :D』は、エレクトロニックミュージックからのさらなる脱却を反映しており、前者はインディーポップ主導のサウンド、^{[ 187 ] [ 188 ]}後者はポップパンクとハイパーポップの影響を受けている。^{[ 189 ]}

長年の急速な成長の後、アメリカの人気EDM市場は2016年に衰退し始め、一部のプロデューサーが「ビッグルーム」サウンドを超えて多様化を始めた。この展開は、そのようなDJの2人、デヴィッド・ゲッタとショーテックによって、2016年4月にリリースされたテクノの影響を受けたシングル「The Death of EDM」で直接言及された。 ^{[ 190 ]} 2010年代末までに、EDMは他のスタイルに取って代わられ、主流のポピュラー音楽における支配的な力としての地位が横ばいになり始めた。^{[ 121 ] [ 191 ]}

主要なエレクトロニックミュージックのコンサートやフェスティバルでは、薬物使用が原因とみられる死亡事故が複数発生している。ロサンゼルス・メモリアル・コロシアムは、2010年のエレクトリック・デイジー・カーニバルで未成年の参加者が「メチレンジオキシメタンフェタミン中毒による虚血性脳症の合併症」で死亡したことを受け、インソムニアック・イベントをブラックリストに登録した。その結果、同イベントは翌年ラスベガスに移された。^{[ 244 ] [ 205 ] [ 245 ] [ 246 ] [ 247 ]}アメリカ合衆国ニューヨーク市で開催されたエレクトリック・ズー2013とマレーシアのクアラルンプールで開催されたフューチャー・ミュージック・フェスティバル・アジア2014での薬物関連の死亡事故により、両イベントの最終日が中止された。^{[ 246 ] [ 248 ]}一方、ライフ・イン・カラーは、この事件とインドネシアのジャカルタで開催されたA State of Trance 650コンサートで発生したその他の薬物関連の死亡事故を懸念し、マレーシアでの予定イベントを中止した。^{[ 249 ] [ 250 ] [ 251 ]}

2016年9月、アルゼンチンのブエノスアイレス市は、同年4月に同市で開催されたタイムワープ・フェスティバルで薬物関連の死者5名と負傷者4名が発生したことを受け、今後の法制化を待つ間、すべての電子音楽イベントを禁止した。この禁止により、電子音楽バンドのクラフトワークは、フェスティバルと自分たちのコンサートには違いがあると主張したにもかかわらず、同市でのコンサートを中止せざるを得なくなった。^{[ 252 ] [ 253 ]}