劇場概要

以下は、演劇の概要とトピックガイドとして提供されています。

演劇–舞台芸術の総称であり、通常は共同で行われる芸術形態で、特定の場所で観客の前で、生身のパフォーマーが演技、歌唱、ダンスを通じて現実または想像上の出来事（物語など）の体験を披露します。パフォーマーは、スピーチ、身振り、パントマイム、人形、音楽、ダンス、音響、スペクタクルなど、他の舞台芸術の要素を組み合わせて、この体験を観客に伝えます。デザインや舞台芸術の要素は、体験の身体性、存在感、即時性を高めるために使用されます。 ^[1]

演劇は、次のように説明することができます。

• 芸術の一つ
  • 舞台芸術の一つ
• 文学作品の源泉であり、演劇、オペラ、舞踏、文学作品の翻案など、観客の前で上演されるもの。^[2]
• 必ずしも高尚な芸術ではない：「いつの時代も、演劇は高尚な芸術だけで構成されているわけではない」とブルックス・マクナマラは書いている。「大衆娯楽やアマチュア娯楽、そして20世紀にはラジオ、テレビ、映画、インターネットなど、関連する形態の複合体から構成されている。」^[3]

演劇の歴史

西洋の伝統における年代順の動きには以下のものがあります。

• 古代ギリシャの演劇-紀元前 550 年頃から紀元前 220 年頃にかけて古代ギリシャで栄えた演劇文化。悲劇 (紀元前 6 世紀後半)、喜劇(紀元前 486 年)、サテュロス劇は、そこで生まれた3 つの劇ジャンルです。西洋演劇はアテネで始まり、そのドラマは西洋文化全体に重要かつ持続的な影響を与えてきました。
• 古代ローマの演劇–祭りの街頭演劇、裸踊り、アクロバットから、プラウトゥスの幅広い支持を集めたシチュエーション・コメディの上演、セネカの格調高く言葉巧みに表現された悲劇まで、多様な芸術形態。ローマには演劇の伝統があったが、紀元前3世紀のローマ文化のギリシャ化はローマ演劇に深く活気を与え、舞台用の最高品質のラテン文学の発展を促した。
• 中世演劇–西暦 5 世紀の西ローマ帝国の崩壊から西暦 15 世紀頃のルネッサンスの始まりまでのヨーロッパの演劇。中世演劇は、その千年の間にヨーロッパで制作されたすべての演劇を網羅し、典礼劇、ミステリー劇、道徳劇、茶番劇、仮面劇など、さまざまなジャンルを指します。
• コンメディア・デラルテは、16 世紀にイタリアで始まった、仮面をつけた「役者」を特徴とする演劇形式で、女優の登場や、スケッチやシナリオに基づいた即興演技のきっかけとなった。
• 英国ルネサンス演劇は、初期近代英国演劇とも呼ばれ、宗教改革から1642年の劇場閉鎖までの間に起こった、主にロンドンを拠点とした英国の演劇を指します。ウィリアム・シェイクスピア、クリストファー・マーロウ、その他多くの有名な劇作家の戯曲が含まれます。
• 王政復古喜劇- 1660年から1710年の王政復古期に書かれ、上演されたイギリスの喜劇。清教徒政権により18年間にわたり舞台公演が禁止されていたが、1660年に劇場が再開されたことでイギリス演劇の復興が始まった。王政復古喜劇は性的な表現が露骨であることで有名である。
• 王政復古スペクタクル- 17 世紀後半の王政復古期に始まった、アクション、音楽、ダンス、動く舞台装置、バロックの幻想的な絵画、豪華な衣装、そして落とし戸のトリック、空飛ぶ俳優、花火などの特殊効果で観客を魅了する、手の込んだ舞台作品。
• 新古典主義演劇- 18 世紀半ばから 19 世紀にかけてヨーロッパで主流だった古代ギリシャや古代ローマの「古典的な」芸術と文化からインスピレーションを得た演劇運動。
• 19世紀演劇– 19世紀のヨーロッパとアメリカの演劇文化における幅広い運動。西洋では、ロマン主義、メロドラマ、スクリーブとサルドゥの良質な劇、フェイドーの茶番劇、自然主義とリアリズムの問​​題劇、ワーグナーのオペラの総合芸術、ギルバートとサリバンの劇とオペラ、ワイルドの応接室喜劇、象徴主義、アウグスト・ストリンドベリとヘンリック・イプセンの晩年の作品に見られるプロト表現主義などが含まれる。^[4]
  • 19世紀の劇場の舞台
• 20 世紀の演劇–自然主義、リアリズム、表現主義、実験演劇など、20 世紀の演劇文化における幅広い運動。
  • イギリスの劇場–ローマ人によって導入され、少なくとも 1585 年以来 イギリス文化の一部となっています。
    • ウエストエンド–ロンドンの「シアターランド」、ウエストエンドの大劇場で上演される主流のプロの演劇を指す一般的な用語。^[5]
    • ロンドン フリンジ– 小規模な劇場で、多くはパブの上にあり、ニューヨークのオフ ブロードウェイやオフ オフ ブロードウェイ劇場に相当します。
    • フリンジ フェスティバル-エディンバラ フェスティバル フリンジやアデレード フリンジなどの審査のないフェスティバルでは、アーティストがさまざまな作品を制作できます。
  • アメリカの演劇–西洋の伝統に基づいています。
    • ブロードウェイ–ニューヨーク市マンハッタンのブロードウェイを中心とした劇場街とリンカーンセンターで上演される演劇を指します。^[6]ロンドンのウエストエンド劇場と並んで、ブロードウェイ劇場は英語圏で最もレベルの高い商業劇場であると広く考えられています。
    • オフブロードウェイ– ニューヨーク市内にある、100〜499席の座席を備えた演劇、ミュージカル、レビューなどの特定の公演のための専門劇場。^{[7]これらの劇場は}ブロードウェイの劇場よりも小さい。
    • オフ・オフ・ブロードウェイ– ニューヨーク市内の座席数が100未満の劇場。^[8]ただし、この用語は、オフ・ブロードウェイやブロードウェイと契約していないニューヨーク市内のあらゆるショーに使用できます。
      • ダウンタウン シアター– 1970 年代に始まり、マンハッタンの 14 番街の下に中心を置く前衛芸術運動の一部です。
    • 地方劇場- ニューヨーク市外で独自のシーズンを制作するプロの劇団。
    • サマーストックシアター-米国内で夏季のみ舞台作品を上演する劇場。プロの俳優の出発点と見なされることが多いストックキャストは、通常、高校を卒業したばかりかまだ大学生の若者です。
  • ソビエト連邦劇場
    • プロレトカルト劇場– 1917年の革命後の数年間、政治的プロパガンダとしてイデオロギー的内容を強力に表現することに取り組んでいたソビエト文化運動プロレトカルトの演劇部門。プラトン・ケルジェンツェフはその主要な実践者の一人でした。^[9]

アフリカの演劇には以下が含まれます:

• 古代エジプトの準演劇的行事 – 記録に残る最古の準演劇的行事は、紀元前 2000 年に遡る古代エジプトの「受難劇」です。このオシリス神の物語は、文明全体の祭りで毎年上演されました。
• ヨルバ演劇– 起源はエグングン（「祖先崇拝」）の仮面舞踏会に遡る。 ^[10]伝統的な儀式は、祖先が子孫を訪ねるために現世に戻ってくると考えられている仮面舞踏会の真髄で最高潮に達する。^[11]ヨルバ演劇は、儀式に起源を持つだけでなく、「ヨルバの神々の多く、例えば大神オバタラ、創造の神オグン、嵐の神サンゴなどの『演劇的』性質にまで遡ることができる」。その神々への崇拝は、「ドラマや演劇、そして相対的な解釈における象徴的な全体的な関連性」に満ちている。^[12]

アジアの演劇

• インドの演劇はサンスクリット演劇から始まり^[13]、紀元1世紀から10世紀にかけて繁栄しました。この時代はインドの歴史の中で比較的平和な時代であり、この時代に何百もの劇が書かれました。^[14]現代のインド演劇は、19世紀半ばから20世紀半ばにかけてのイギリス帝国の植民地支配の時代に発展しました。 ^[15]
  • 寺院舞踊-アガマ（寺院の儀式などを成文化した経典）に定められている、寺院で行われるサディールなどの宗教的パフォーマンス。インドの古代寺院舞踊の痕跡は、バラタナティヤムやオディッシーに見られます。
• 中国の演劇–商王朝の時代に始まり、幸福な芝居、パントマイム、アクロバットなパフォーマンスを伴うことが多かった。今日では中国オペラと呼ばれることが多いが、これは通常、京劇や広東オペラなどのよく知られた形式を指す。中国には他にも多くの形式の演劇があった。
• タイ演劇– 中世から続く、インドの叙事詩を基にした演劇の伝統。特に、インドの『ラーマーヤナ』のタイの国民的叙事詩『ラーマキエン』の演劇版は、今日でもタイで人気を博しています。
• クメールとマレーの劇場-カンボジアの古都アンコールワットでは、インドの叙事詩『ラーマーヤナ』と『マハーバーラタ』の物語が寺院や宮殿の壁に彫られています。同様のレリーフがインドネシアのボロブドゥールにも見られます。
• 日本の演劇–能、狂言、歌舞伎、文楽（人形劇）など、世界的に有名な日本の伝統的な演劇。

• 中東演劇–中世イスラム世界で最も人気のあった演劇は、人形劇（手袋人形、影絵、マリオネット劇を含む）と、タズィヤと呼ばれる生きた受難劇で、役者がイスラム史のエピソードを再現する。特に、シーア派イスラム演劇は、アリーの息子ハサン・イブン・アリーとフサイン・イブン・アリーのシャヒード（殉教）を中心に展開した。アフラジャと呼ばれる世俗劇は中世のアダブ文学に記録されているが、人形劇やタズィヤ演劇ほど一般的ではなかった。 ^[16]

• アマチュア演劇-アマチュアの俳優や歌手が演じる演劇。
• ブロードウェイ劇場-ニューヨーク市マンハッタンのミッドタウン、ブロードウェイ沿いの劇場街とリンカーン センターにある、座席数 500 以上の41 の専門劇場で上演される演劇。
• コミュニティ シアター-コミュニティのメンバー、専門家、またはその両者のコラボレーションによって上演される、コミュニティ向けに制作された演劇パフォーマンス。
• ディナーシアター- レストランでの食事と舞台劇やミュージカルを組み合わせたものです。
• フリンジシアター– スタイルや主題が実験的な演劇。
• ハプニング– 多くの場合、マルチメディア、特定の場所、視覚芸術を伴うパフォーマンス。
• イマーシブシアター- 舞台をなくし、観客をパフォーマンスそのものの中に没入させるパフォーマンス。
• インタラクティブ シアター–伝統的にパフォーマーと観客を物理的にも言葉的にも隔てる「第四の壁」を打ち破るプレゼンテーションまたは演劇の形式または作品。
• ミュージカル– 歌、セリフ、演技、ダンスを組み合わせた演劇形式。
• オフ・ブロードウェイ– ニューヨーク市マンハッタンの劇場で行われる、座席数 100 ～ 499 の演劇。
• オフ・オフ・ブロードウェイ–ニューヨーク市で、反商業主義、実験的、または前衛的な演劇および演劇運動の一環として始まった演劇作品。オフ・オフ・ブロードウェイ劇場はブロードウェイやオフ・ブロードウェイ劇場よりも小規模で、座席数は通常 100 未満です。
• オフ ウエスト エンド–ウエスト エンド劇場に含まれない劇場で行われるロンドンの演劇公演で、通常、座席数は 40 ～ 400 程度です。
• オペラ–歌手と音楽家が、通常は劇場の舞台で、台本と呼ばれるテキストと楽譜を組み合わせた劇的な作品を演じる芸術形式。
• オペレッタ– 軽いオペラの一種で、音楽も主題も軽い。英語の作品では、ミュージカルの形式と密接に関連している。
• 演劇–登場人物間の台本に基づいた会話を含む演劇。
• 地方劇場- 独自のシーズンを制作するプロまたはセミプロの劇団による演劇公演。地方劇場という用語は、ほとんどの場合、ニューヨーク市以外のプロの劇場を指します。
• レパートリー劇場–常駐劇団が特定のレパートリーの作品を通常は交代またはローテーションで上演する西洋演劇およびオペラの公演。
• レビュー–音楽、ダンス、スケッチを組み合わせた、多幕の人気演劇。レビューは 19 世紀アメリカの人気娯楽とメロドラマに起源を持ちますが、1916 年から 1932 年にかけての黄金期には、独自の大きな文化的存在に成長しました。
• サイトスペシフィックシアター-標準的な劇場以外の、ユニークで特別に改造された場所で上演されるように設計されたあらゆる種類の演劇作品。
• ストリートシアター–特定の有料観客なしで屋外の公共スペースで行われる演劇のパフォーマンスおよびプレゼンテーションの形式。
• サマーストックシアター-夏季のみ舞台作品を上演する劇場。
• 巡回劇場- 旅しながら各都市の異なる場所で上演される独立系劇場。
• バラエティショー– さまざまな演目、特に音楽パフォーマンスとスケッチコメディを組み合わせたもので、通常は司会者またはホストによって紹介されます。その他の演目としては、マジック、動物やサーカスの芸、アクロバット、ジャグリング、腹話術などがあります。
• ヴォードヴィル– 1880 年代初期から 1930 年代初期にかけて米国とカナダで人気があった、さまざまな娯楽の演劇ジャンル。各公演は、共通のプログラムにまとめられた一連の独立した無関係な演目で構成されていました。演目の種類には、ポピュラーおよびクラシック音楽のミュージシャン、ダンサー、コメディアン、訓練された動物、手品師、女形および男形、アクロバット、イラスト付き歌、ジャグラー、一幕劇または劇のワンシーン、アスリート、講演する有名人、ミンストレル、映画などがありました。
• ウエストエンド劇場–ロンドンのウエストエンドおよびその近郊にある「シアターランド」の大劇場で上演されるプロの演劇。
• ワークショップ制作–演劇パフォーマンスの一種で、完全な制作の一部を含まない控えめな形式で演劇やミュージカルが上演されます。

作家、プロデューサー、監督がさまざまな好みに合わせて演劇で採用できる ジャンルは多岐にわたります。

• クローゼットドラマ–
• コメディー–一般的に笑いを誘って楽しませることを目的としたユーモラスな談話や作品。
  • ブラックコメディ- ブラックユーモアやギャロウズユーモアを取り入れたコメディ作品。^[17]
  • コンメディア・デラルテは、16 世紀にイタリアで始まった、仮面をつけた「役者」を特徴とする演劇形式で、女優の登場や、スケッチやシナリオに基づいた即興演技のきっかけとなった。
  • 間違いの喜劇 - 軽妙でユーモアや風刺的な調子の作品で、一連の滑稽な誤認が描かれ、最終的にはテーマ上の対立が幸せな形で解決されることが多い。^{[18] [19]}
  • マナーコメディ-社会階級のマナーや態度を風刺したもので、多くの場合、典型的な登場人物によって表現されます。
  • シチュエーションコメディ- 家庭や職場など、同じ共通の環境を共有する登場人物が登場し、会話の一部としてジョークが添えられます。
  • 茶番劇- ありそうもない、突飛な、あり得ない状況、変装や人違い、言葉遊びを含むこともあるさまざまなレベルの洗練された言葉によるユーモア、そして通常はスピードが増し、しばしば手の込んだ追跡シーンを含む結末に至るテンポの速い筋書きによって観客を楽しませることを目的としています。
  • ロマンティックコメディー-真実の愛はほとんどの障害を乗り越えられるといったロマンチックな理想を中心に据えた、明るくユーモラスなストーリーライン。 ^[20]
• ドキュメンタリー劇場–
• 家庭ドラマ- 一般的にルネッサンス以降の時代を指す、特定の社会の中流階級または下層階級の現実的な日常生活に焦点を当てています。
• ドラマ–
• 壮大な劇場–
• 実験演劇–
• ファンタジー–
• グランギニョル–
• 歴史演劇–
• 即興演劇– 俳優や即興俳優が即興演技技法を使って自発的に演技する、多くの場合は喜劇的、時には感動的またはドラマチックな作品。
• イン・イヤーフェイス・シアターは、1990年代にイギリスで生まれた演劇用語で、観客を巻き込み、影響を与える手段として、下品で衝撃的で対立的な題材を舞台で上演する若い劇作家の作品を指す。^[21]
• 主流の演劇 –
• 道徳劇–
• ミュージカル–
• ナティア–
• パントマイム–
• フィジカルシアター–主に身体的、また二次的に精神的手段を通じてストーリーテリングやドラマを追求するあらゆるパフォーマンス形式。
• 政治演劇–
• 大衆演劇 –
• ポストドラマティック演劇-ドラマや文章よりもパフォーマンスの美学を優先する体験型の前衛的な演劇スタイル。
• 人形劇–
• ラジオドラマ–
• リーディングシアター– 俳優がセリフを暗記しない演劇スタイル。代わりに、俳優たちは台本を持ってブロッキングを行い、セリフを読み上げたり、一緒に舞台に座ったり立ったりして、一緒に台本を読み上げたりします。
• ロックオペラ–
• サイトスペシフィックシアター- 従来のプロの劇場会場の外で行われ、多くの場合、ユニークな（一度限りの）パフォーマンスのためにその場所を参考にするスタイル。
• 開発のための演劇- 市民の対話と参加を促進することを目的とした、コミュニティベースまたはインタラクティブな演劇実践の一種。
• 若者向け演劇
• 被抑圧者の演劇– 1970 年代にアウグスト・ボアルによって開発された演劇形式の集合体であり、社会的および政治的変化を促進する手段として観客と演者の間に相互作用を生み出すことを目的としています。
• 不条理演劇– 1950 年代後半にヨーロッパの劇作家によって主に書かれた、第二次世界大戦後の不条理劇のジャンル。人間の存在に意味がなく、すべてのコミュニケーションが崩壊したときに何が起こるかというアイデアを探求しています。
• 悲劇– 人間の苦しみをベースにした、カタルシスを伴う演劇のスタイル。
• 悲喜劇–
• ヴァンガードスタイルの劇場 –

演劇やドラマでは、さまざまな演劇スタイルが用いられます。これには次のようなものがあります。

• 不条理主義– 人間が意義を追求する試みはすべて非論理的であるという見方を提示します。究極の真実は確実性がほとんどない混沌です。私たちを駆り立てる必然性はありません。
• 表現主義– 外見は歪んでおり、真実は人間の中にあると見なす反現実主義。永遠の真実を描写するために、舞台上の外見は歪んで非現実的になることがあります。
• メロドラマ– 音楽がアクセントになった感傷的なドラマ。悪人の手によって善人が苦しむが、最後は善人が勝利してハッピーエンドとなるという、あり得ない筋書きが多い。高潔な英雄、長い間苦しんできた窮地の乙女、冷血な悪役など、お決まりの登場人物が登場する。
• モダニズム– 演劇を含む芸術を純粋に人生から切り離し、人生を批判的に反映できるものとして捉える幅広い概念。
• 自然主義- 舞台上の生活は、「現実の生活」の観察に基づいて、細部にまで細心の注意を払って表現されます。
• ポストモダン演劇は、モダニズム演劇に対する反動として、20 世紀半ばにヨーロッパでポストモダン 哲学から生まれました。ポストモダン演劇は、答えや決定的な真実を提供しようとするのではなく、疑問を提起します。
• 人形劇– 演者/人形遣いが演じている物体を操作する古代の形式。人形劇にはさまざまなバリエーションと形式があります。
• リアリズム- 現実的な設定と舞台設定により、登場人物は現実に近いものとして描かれます。

• オペラハウス–オペラの上演に使用される劇場の建物で、舞台、オーケストラピット、観客席、衣装やセットを作るための舞台裏の設備で構成されています。オペラ専用に建設された会場もありますが、他のオペラハウスはより大きな舞台芸術センターの一部です。^[22]
• ブラック ボックス– 通常、学生の制作やプレゼンテーションに使用されます。最小限の照明と音響機器を備えた小さな正方形のスペース。多くの場合、黒または他の中間色で塗装されています。
• プロセニアム– プロセニアムアーチは、18世紀、19世紀、20世紀に最もよく見られた劇場建築の形式です。「アーチ」は額縁のような役割を果たし、その額縁を通して演技を見ることができます。^[23]
• 円形劇場-観客が舞台を取り囲む劇場。^[24]
• スラストステージ- 観客が3方向に座り、舞台の上流端が舞台裏のエリアとつながっているステージ。^[25]

• 俳優–
• 舞台監督–
• 技術者–
• 小道具マスター/ミストレス –
• ランニングクルー–
• フロント–
• オーケストラ–
• 衣装係 –
• テクニカルディレクター–
• 劇作家–

• 幕- 演劇は幕に分かれており、幕は場面に分かれています。
• 演技– パフォーマンスの芸術
• コールド リーディング- 初めて脚本を読むこと。通常、デザイナーはキャストが選ばれる前に、デザイン目的で脚本を読んで分析します。コールド リーディングには、キャスト、スタッフ、デザイナー全員が参加し、アンサンブルとして初めて脚本を体験することもあります。
• カーテンコール– 公演の最後にお辞儀をすること。俳優は通常、オーケストラピット（ミュージシャンがいる場合）と進行スタッフ、そして観客に挨拶をします。
• ドラマセラピー– 様々な問題に対するセラピーとして演劇を利用すること。^[26]
• エブリマン- 観客が共感できる普遍的な人物という概念。
• フットライト– 元々は観客の邪魔にならないように、舞台の前端のフードの下に設置された照明でした。演劇に携わりたい人なら誰でも使う一般的な用語です。この名前の演劇は現在ミュージカル^[27]になっており、ケンブリッジ大学の演劇コメディー劇団にもなっています。^[28]
• 劇場小道具– 小道具とは、俳優が舞台上で拾ったり、使用したり、移動したりするアイテムのことです。これには、飲み物や食べ物などの消耗品が含まれます。
• ステージ– セットが構築され、俳優が立って物語を語る表面。傾斜（つまり、角度）をつけることができます。
• 舞台美術– 通常は劇場のデザイン面を指します。例: 照明、音響、小道具、衣装、メイク、セット。
• 劇場の制約– 予算、時間、アレルギー
• 劇場の舞台装置- セットまたは舞台装置とも呼ばれます。劇の世界を物理的に表現したもの。
• 演劇の迷信– 劇場によっては独自の迷信があるところもありますが、多くの演劇人が信じている普遍的な迷信もあります。
• チケット– これはフロント オブ ハウスの領域であり、プログラム、案内係、および観劇客 (観客) が、劇の開始時および休憩時に照明が暗くなる前に着席することになります。
• スペクタクル– 観客が体験するもの。
• リハーサル– 俳優と監督（場合によっては助監督）が、すべてのシーンの動き、テンポ、タイミング、エネルギー レベルを計画し始めます。
• リハーサル– すべての要素 (衣装、照明、セット、小道具、俳優) が一堂に会し、劇の最初から最後まで通して上演します。セットや衣装の変更などの問題が確定し、タイミングが正確になるだけでなく、照明、音響、テンポなどの小さな問題も解決されます。
• テクニカル リハーサル– 俳優が関与しないリハーサル。音響、照明、および進行スタッフが、ドレス リハーサルの前にリハーサルを行い、熟練したスムーズなリズムを作成する機会となります。
• リハーサル – この用語の意味は監督によって異なります。一般的には、俳優と一緒に演技をリハーサルすることを意味します (技術的な側面は含まれません)。ウィッグの変更も必要な場合は複雑になる可能性があるため、衣装の変更が含まれる場合もあります。衣装の変更はリハーサルで 30 秒から 2 分程度で完了します (ウィッグを使用する場合)。

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