ルーツの復活

ルーツリバイバル(フォーク リバイバル) は、若い演奏家が先祖の伝統的な音楽スタイルを広める傾向です。ルーツ リバイバルには、社会的、政治的に意識した歌詞を持つ新しく作曲された曲の追加や、フォーク サウンドの全体的な現代化が含まれることがよくあります。

ルーツ リバイバルという用語は曖昧であり、必ずしも同一のイベントを指すとは限りません。ルーツ リバイバルに関連する特徴には次のものがあります。

• これまで主流ではなかった、フォークミュージックから独立した音楽の普及
• フォークスタイルをポップ（またはロック）構造に適応させる
• これまでソロ活動しかなかったバンドのような新しい形態の発明
• 新しい機器の導入
• 主に口頭で伝えられる民謡とは対照的に、演奏者による作品の作曲（シンガーソングライターを参照）
• 政府、宗教、その他の権威、あるいは社会全般を批判することが多い、政治的な歌詞の取り入れ
• 歌詞は、国民が単純な願望や問題以上のものを表現する最初のものであり、国民性や文学的伝統の具体化と見なされることが多い（伝説的なアメリカの作詞家と比較して、そのような作曲家は特定の種類の「ボブ・ディラン」であると言われることが多く、たとえばヴァン・デ・ヴェルデはベルギーのボブ・ディランである）。
• ルーツ・リバイバルの演奏家は、彼らが普及させている音楽スタイルの持ち主と比べると、社会的、経済的背景が大きく異なる場合が多い。

このように曖昧で可変的な定義では、ルーツリバイバルはあらゆる種類のポップミュージック産業の創出を指すと見なすことができますが、ポップの伝統が十分に発達しているにもかかわらず、ルーツリバイバルと呼ばれる時期を経験していない国もあります（ジャマイカ、インド、キューバ、ケニアなど）。たとえば、均質化されたポップは長い間、世界中のほとんどすべての国でファンを獲得してきましたが、これらの国の多くは、フォークミュージックから独自の土着のポップスタイルを生み出してきました。このプロセスはルーツリバイバルと呼ぶことができますが、場合によっては、問題のフォークミュージックがまだ広く普及しており、復活する必要がなかったこともあります。

ブリティッシュ・フォーク・リバイバルは、19世紀後半から20世紀初頭にかけて、伝統的なイギリスの歌曲を書き起こし、録音する学術的な運動であった。この運動の先駆者には、 『The English and Scottish Popular Ballads 』（1882–92）の編纂者であるハーバード大学教授フランシス・ジェームズ・チャイルド（1825–96） 、サビーヌ・ベアリング＝グールド（1834–1924）、フランク・キッドソン（1855–1926）、ルーシー・ブロードウッド（1858–1939）、アン・ギルクリスト（1863–1954）らがいる。^[1]フォーク・ソング協会は、この新しい試みを促進するために1898年に設立された。この運動の主要人物はセシル・シャープであり、彼はその後の演奏者のレパートリーに最も影響を与え、フォーク・ソングの本質を定義した。^[1]彼の講義やその他の出版物は、田舎に起源を持ち、口承で伝えられ、共同体的な性質を持つ音楽の伝統を定義しようとした。^[1]

文化と娯楽に重点を置いたアメリカのフォーク音楽の復興は、1930年代から1940年代に始まった。大恐慌の間、デルタ・ブルース、ラテン系やケイジャン系のミュージシャン、旅回りのホンキートンク歌手がシカゴ、ロサンゼルス、ニューヨークなどの都市に広がり、フォーク音楽のスタイルが国中に広まった。同時期の音楽産業の成長も重要だった。音楽から得られる潜在的な利益が高まったことで、アーティスト、作詞家、レーベルの重役たちは過去のヒット曲を再現するようプレッシャーを感じた。このため、ハワイアン・スラックキー・ギターなどの音楽の流行は、幅広いリズム、楽器、ボーカルスタイルがさまざまな人気ジャンルに取り入れられたため、完全に消滅することはなかった。

この運動は1960年代から1970年代にかけて世界規模で起こった。ほとんどの場合、復活した民謡は完全には絶滅していなかったが、中には何年も演奏されていなかったり、消滅しつつあったものもあった。そのような例としては、コーンウォールやマン島のケルト民謡が挙げられる。カメルーンやドミニカ共和国などの他の国では、音楽は一般的なままであったため復活の必要はなく、単に国内外の主流の聴衆向けに普及・適応されただけであった。

アルジェリア音楽: 1964年頃から始まり、1970年代に勢いを増し、1980年代まで続いた主流のライの復活が起こり、ハレドやチャバ・ファデラのようなポップ・ライのスターが世界中の聴衆を獲得しました。同じ時期に、イディール、フェルハト、ルーニス・アイト・メンゲレットなどのカビル人のミュージシャンの間でも同様の傾向が見られ、彼らの民族固有の音楽を普及させました

ベルギー音楽: 1960年代初頭から、フランドルの伝統を主に取り入れたヴァンネス・ヴァン・デ・ヴェルデを筆頭に、民俗音楽をベースにした人気演奏家が次々と登場しました。1980年代までには、ブラバンツ・フォルクスォルケストやフォークロックバンドのカドリルなどのバンドが人気を博しました。

ベナン音楽：トホン・スタンのようなアーティストは、葬儀のジャンルであるチンクメから派生したチンクシステムなど、ベナンの数多くの土着民俗音楽のスタイルをポピュラーなバージョンに作り変えました。

カンボジアの音楽: 1960年代初頭には、ノロドム・ブッパ・デヴィ王女に触発され、シン・シサマウスが率いる古典音楽と舞踊が復活しましたが、クメール・ルージュの台頭によりこの傾向はほぼ終焉しました。

カメルーンの音楽: 1950 年代にビクツィから始まり20 世紀末までマコッサが続いたカメルーンの大衆化された民俗音楽は、アフリカで最も有名なものの一つになりました。メッシ・メ・ンコンダ・マーティンは、ビクツィをその民俗的起源からエレキギターやその他の輸入楽器を使用して人気のスタイルに進化させるのに最も貢献した人物であることは疑いありません。一方、マヌ・ディバンゴは、マコッサを世界中の新しい聴衆に紹介しました。

中国音楽: 共産党政府が伝統的なスタイルを使って愛国心と忠誠心を煽ろうとする試みに対する反動もあって、1970 年代には中国ロックと広東ポップ(香港) が誕生しました。どちらも、特にボーカル技術において、現地の民俗スタイルをいくらか取り入れています。中国ロックのリーダーは間違いなく崔健です。

コートジボワール音楽:エルネスト・ジェジェのジグリビティ・スタイルには、数百の民族が住む多様性に富んだ国、コートジボワール全土のさまざまな民族音楽のジャンルが取り入れられています。ジェジェに最も直接影響を与えたのは、ベテ族の民族音楽のリズムです。

クロアチアの音楽: 1980 年代までに、クロアチアのポップ フォークは主流の成功を収め、メジムリェのフォーク ミュージックとロックを革新的なサウンドで 融合させた Vještice に触発されたバンドの波が出現しました

チェコ音楽：1966年にポルタ・フェスティバルが開催され、アメリカのピート・シーガーなどにインスピレーションを受けたシンガーソングライターの波が起こりました。

デンマーク音楽: 近隣諸国とは対照的に、デンマークでは、モーテン・アルフレッド・ホイラップのような演奏家が国内で幅広い支持を得た 1990 年代後半まで、ルーツ音楽の復活は見られませんでした。

オランダ音楽: 1960 年代後半には、ヘラルド・ファン・マーサッカースなどの演奏家によってオランダの民俗音楽が復活しました。人気は限定的ですぐに終焉を迎えましたが、フリースラント地方では強力な伝統音楽シーンが維持されています。

エジプト音楽: カイロ市は、北部のサワヒーや南部のサイイーディーなど、さまざまな人気のある民俗音楽を含むエジプト音楽の最も重要な中心地です。

フィンランド音楽: フィンランドの民俗音楽には、さまざまな民族音楽やバラードが含まれており、伝統的な押韻ソリ歌「レキラウ」は、多くのポップ歌手にとって欠かせないものとなっています。1967 年、いくつかの同様のフェスティバルの最初のものとなったサヴォンリンナ オペラ フェスティバルは、フィンランドのオペラやその他のより伝統的なスタイルの復活に貢献しました。

フランス音楽: フランスの地方音楽の多くは普及しているが、最も活気のある音楽シーンは間違いなくブルターニュの伝統音楽である。この地域は独特のケルト文化の伝統を誇り、1970年代初頭にアラン・スティヴェルが率いた復興運動によってそれが強調されてきた。コルシカ音楽も、1970年代のコルシカ民族主義の台頭と同時期に復興を遂げたが、あまり人気はなかった。同様にオック音楽も、60年代のオック民族主義とオック語の復活（ドゴール派との政治危機からフランスの言語帝国主義と保守政治との衝突まで）とともに復興を遂げた 。カナダ音楽のケベック音楽も参照のこと。

ガリシア音楽: 他のケルト民族と同様、ガリシアの伝統的なガイタ (バグパイプ) は、現在では国中で聞くことができます。20 世紀初頭に復活し、1970 年代のスペイン独裁政権の終焉までにさらに強力な復活を遂げました。カルロス ヌニェスとルアル ナ ルブレは、大物ミュージシャンの 2 人です。ヌニェスはチーフテンズによって発見され、最も売れているガリシアのフォーク ミュージシャンの 1 人になりました。ガリシアのアーティストは、ブルターニュのロリアン インターセルティック フェスティバルにも参加しています。

ガンビア音楽: 1970 年代まで、ガンビアのミュージシャンは主に人気のメレンゲやその他のスタイルを演奏していました。ポップ バンドのスーパー イーグルスがレコーディングのためにロンドンを訪れたことで、変化が見られました。彼らはガンビアのフォーク音楽の演奏を続けるよう奨励されたのです。バンドはイファン ボンディとして知られるようになり、彼らの音楽はアフロ マンディング ブルースと呼ばれました。

ガリフナ音楽: 1970 年代から数十年にわたり、中央アメリカ全域に居住するアフリカ系カリブ人であるガリフナ族は、彼らの土着のプンタサウンドに目を向け、プンタ ロックなどの人気スタイルを生み出し、地域全体で人気を集めました。ペン カジェターノは、このシーンで最も重要な人物でした。

ドイツの音楽: 1968 年に西ドイツで学生革命が起こった後、伝統的な影響を受けた表現力豊かで憂鬱な音楽を演奏するシンガーソングライターが人気を博しました。政府の干渉により、東ドイツでは 1970 年代半ばまでこの影響はあまり見られませんでした。

ガーナの音楽: ガーナは、20 世紀を通じて人気を博したハイライフスタイルの音楽で最もよく知られています。しかし、1960 年代後半には、ポップ シーンは西洋の演奏を模倣した一般的なギター バンドに支配されていました。しかし、1971 年のソウル トゥ ソウルフェスティバルには、ウィルソン ピケットやティナ ターナーなど、多くのアフリカ系アメリカ人ミュージシャンが出演し、アフリカ文化を正当化する効果があり、ハイライフを国際的な聴衆に届ける大きなルーツ リバイバルを引き起こしました。

ギリシャ音楽: 1960 年代後半から 1970 年代前半のクーデターにより、その世紀初頭に発展したスタイルであるレンベティカが抑圧されました。皮肉なことに、この抑圧により、政治的抵抗や反乱と関連付けられるようになったこのジャンルの人気が急上昇しました。ディオニシス・サヴォプロスのようなシンガーソングライターも大人気となり、ギリシャ国民の声として見られるようになりました。

イスラエルの音楽: 1880 年代に遡るパレスチナの初期のシオニスト入植者たちは、はるか昔に放棄されていた聖書の音楽様式に基づいた新しいユダヤ民族音楽様式を創り出そうとしました。マティティアフ・シェレム、イェディディア・アドモン、その他多くの作曲家たちは、イエメン、アラビア、その他の古代の資料を参考にして、古代ユダヤ音楽の復活と彼らが考える独自のスタイルを創り出しました。彼らとその追随者たちが作曲した歌は、「イスラエルの地の歌」と呼ばれる民族音楽の正典を構成しています。これらの歌は、今日でも人気アーティストによって広く演奏されています。

イスラエルにおけるルーツ復興のもう一つの例は、地域的なユダヤ音楽スタイルの保存である。北アフリカと中東のユダヤ人コミュニティの音楽は、「ムジカ・ミズラヒト」と呼ばれる折衷的な新しいスタイルに変化した。イディッシュ語とラディーノ語のフォークソングは、チャヴァ・アルベルシュタインやイェホラム・ガオンなどのアーティストによって復活し、録音された。ヤイル・ダラルは、彼の合成音楽スタイルに、彼の母国イラクの音楽の様式的要素を取り入れている。

イタリア音楽: イタリアの多様な地域には、何十種類もの民俗音楽が息づいています。1950年代までに、民俗音楽の人気は急速に衰え、ミュージシャンや音楽学者のグループが、民俗文化の保存を支援するために、Istituto de MartinoやNuovo Canzoniere Italianoなどの組織を設立しました。その後の10年間は​​、チッチョ・ブサッカによるシチリアの民俗スタイルの融合、カンツォニエーレ・デル・ラツィオが開拓した中央イタリアのジャズ風モダン・フォーク、レ・ニリウの作品によるリラの再登場、北イタリア音楽のさまざまなジャンルの普及、ナポリのカンツォーネ・ナポレターナの伝統を復活させた世界的に有名なテノール歌手エンリコ・カルーソーの作品など、多くの伝統が復活しました。他の多くの国とは対照的に、イタリアのルーツ復活は、主流になることはほとんどありませんでした。

日本の音楽: 日本のロックやポップスには日本の伝統音楽の要素が見られますが、唯一の大きなルーツの復活は沖縄音楽であり、1980 年代後半に始まりました。人気のある沖縄の民俗音楽には、河内音頭や江州音頭などのジャンルが含まれます。

韓国音楽: 1970年代初頭、アメリカのボブ・ディランやジョーン・バエズなどにインスピレーションを受けたシンガーソングライターによって演奏されるトンギターと呼ばれるジャンルが生まれました。韓国の民謡はあまり人気がありませんが、パンソリ、農楽、散調のスタイルは人気があります。

ラトビア音楽：ラトビアのコクレ（箱琴に似た楽器）は、ソビエト連邦によって長らく抑圧または流用されてきた伝統楽器ですが、伝統的なスイティ・コクレ奏者のヤニス・ポリキスと民族音楽学者のヴァルディス・ムクトゥパーベルスによって1970年代に復活し、普及しました。

リトアニア音楽:ソビエト連邦は、ダイヌ・シュヴェンチェスなどのいくつかの音楽祭を後援していましたが、歌詞や音楽の革新性はあまり認められず、すべての作詞家が政治的意識や反体制的な歌詞を試すことを禁じていました。1960 年代には、一連の全国的な音楽祭やコンサートを基盤とした活発な文化的反乱が起こりました。

マリ音楽: 1960年代までにマリではキューバ音楽が大人気となり、それに太刀打ちできる民俗音楽はほとんどなかった。しかし、マリの第2代大統領ムーサ・トラオレはマリ音楽産業の成長を奨励し、その結果、サリフ・ケイタが主導する形で、いくつかの民俗音楽が復活し、普及が進ん。後にファント・サッコのバジュルー音楽やワスールー音楽も普及した。しかし、1980年代までには、マリのポップは民俗音楽としての起源の痕跡をほとんど失い、単なるダンス音楽となり、ヨーロッパのチャートでトップに躍り出た。ギニアのアコースティック歌手でコラ奏者のジャリ・ムサ・ジャワラが主導する形で、ルーツ音楽の復活が再び起こった。

モザンビーク音楽: この音楽は 1960 年代にモザンビークの独立運動で使用されました。この運動の指導者たちは、国の音楽産業の成長を奨励しました。1970 年代までには、マラベンタなどの土着の音楽が普及しました。

ロシア音楽: 1966 年頃から、ウラジーミル・ヴィソツキーを筆頭とする吟遊詩人のグループが台頭し、ヴャチェスラフ・シュクロフがフォークシンガーのためのコンサートを数多く開催しました。これがロシアのフォークソングの復活と再活性化につながり、この傾向はその後数十年にわたって続きました。

サーミ音楽：スカンジナビア半島中部と北部、フィンランド北部、ロシア北西部に居住する先住民族サーミ人には、ヨイクと呼ばれる民謡の伝統があり、この歌は、この分野の伝説的存在であるマリ・ボインのような人々によって広められました。

スロベニア音楽: 1950 年代には、アヴセニクやロイゼ・スラクなどのグループによって、現代風のスロベニア風ポルカをベースにした、いわゆる「民俗ポピュラー音楽」が登場しました。1980 年代には、通常は特定の地域の、より古風な民俗音楽をベースにしたまったく異なる傾向が生まれ、イストラノヴァ (スロベニアのイストリア地方) などのグループや歌手のヴラド・クレスリン(プレクムリェ地方)によって普及しました。

アルゼンチン音楽: 1960 年代、アンデス民族主義はアルゼンチン、チリ、ボリビア、ペルーに広まりました。アルゼンチンの民族主義シーンには、メルセデス・ソサやアタワルパ・ユパンキなど、ヌエバ・カンシオンシーンの誕生に貢献した。

ボリビア音楽: 1950 年代には、ケチュア族とアイマラ族を取り巻く民族主義的アイデンティティが高まり、多くの知識人が民族音楽、衣服、料理、その他の要素に関心を寄せるようになりました。1960 年代半ばには、エドガー・ホフレの主導により、民族音楽復興が花開きました。

ブラジル音楽: 1950年代から数十年にわたり、ブラジルのさまざまなスタイル (最も重要なのはサンバ) と輸入されたアメリカのジャズが融合し、大人気のボサノバシーンが生まれました。これはすぐに政治的な意味合いを持つトロピカリアというジャンルに発展し、物議を醸しながらも高く評価されているシンガーソングライターのカエターノ・ヴェローゾとジルベルト・ジルが主演しました。

チリ音楽: 1960 年代前半から中頃にかけて、チリ、アルゼンチン、ボリビア、ペルー全土にヌエバ・カンシオン運動が広がり、民俗的要素と国家主義的な歌詞を盛り込み、政府当局を批判することが多いシンガーソングライターの波が巻き起こり、高い評価を得ました。ビオレタ・パラは、ケチュア語とアイマラ語の歌を広め、ビクトル・ハラのような将来の著名人が演奏する機会を作ったことから、このシーンの創始者と見なされることもあります。

キューバ音楽: 1960 年代までに、キューバ音楽はポップ、マンボ、チャチャチャなどのジャンルで国際的に成功を収め、多くのアーティストはこれらのスタイルが薄っぺらいとみなされ、幻滅しました。シルビオ・ロドリゲスやパブロ・ミラネスなどの先駆的なシンガーソングライターが登場し、ヌエバ・トロバと呼ばれるようになったスタイルで、政治意識の高い曲を作曲しました。

ドミニカ音楽:メレンゲは、紛らわしい民俗音楽の起源から発展して以来、何十年もドミニカ共和国で人気がありましたが、ジョニー・ベンチュラのような伝説のミュージシャンがこの音楽を国内外の新しい聴衆に紹介した 1960 年代初頭まで、真の意味でポップ ミュージックの形式にはなりませんでした。

スペイン音楽は、ソレルのチェンバロ作品でスペイン・バロック音楽に取り入れられました。アルベニス、ファリャ、ロドリーゴ、ジュリアーニなどの後期作曲家は、スペインのダンスのリズムを使用しました。クラシックギタリストのアンドレス・セゴビア、ジョン・ウィリアムズ、ジュリアン・ブリームは、録音を通じてこの音楽を広めました。現在人気のあるフォークミュージシャンには、スサナ・セイヴァネ、エビア、ミラドイロなどがいます。ルーツのリバイバルであるヌエバ・カンシオンは、社会貢献型の音楽の新しい形にも発展し、スペイン語圏のいくつかの国で発生しました。

ポルトガル音楽: 1960 年代から 1970 年代にかけて、ホセ・アフォンソはより伝統的なスタイルのファド音楽への回帰を主導し、その後、社会政治的な歌詞や外国の影響を取り入れた数多くの新しい歌の形式へと進化しました。

英国とケルトの復興を含む

その他のケルト音楽については、上記のフランス語のセクションを参照してください。

オーストラリアの音楽: 1980 年代初頭、オーストラリアのアボリジニは、独自のスタイルのフォーク ミュージックに目を向けるようになり、それが現代化されて、アボリジニ ロックのような人気バンドやスタイルが生まれました。

カナダの音楽:ザ・バンド、ニール・ヤング、ジョニ・ミッチェルなどのアーティストは、1960年代のアメリカのフォークロック界で欠かせない存在でしたが、カナダでは独自のスタイルの復活が見られました。これには、地域の伝説的人物であるフィギー・ダフやスタン・ロジャースが主導し、地域のケルトの伝統を称えた1970年代後半の海上カナダのシーンや、ジル・ビニョーが率いた1960年代半ばのケベックの復活が含まれます。アカディアン、イヌイット、その他のフォークスタイルの復活もありました。1950年代と1960年代には、熱心なフォークミュージック収集家が国中に広がり、伝統音楽を録音しました。歌や曲は、アラン・ミルズ、ステュー・デイビス、マーグ・オズボーン、トラベラーズなどの演奏家によって公共ラジオで普及しました。 ^[2]この伝統音楽を聴いて育った多くのミュージシャンが1970年代にシンガーソングライターになった。例えば、ゴードン・ライトフットやイアン・アンド・シルヴィアなどである。 ^[3]

イギリス音楽: イギリスでは 2 度のフォーク ミュージックの復興がありました。最初はセシル シャープが主導した学術的なものでした。歌や旋律を集め、雑誌に発表するというものでした。1910 年頃にピークを迎えました。2 度目の復興では、1952 年にロイヤル アルバート ホールでコッパー ファミリーが演奏したのを皮切りに、イギリス音楽の大規模な公演が行われ、パブの上の部屋で主に集まるフォーク クラブも急増しました。1960 年代後半から、歌は現代的なスタイルで演奏されるようになり、これがイギリスのフォーク ロックスタイルの起源となりました。

アイルランド音楽: 20世紀初頭、ダブリンとアイルランドの両方でアイルランドのフォークミュージックのリバイバルが始まりました。しかし、より長く続き、より有名なリバイバルは、1955年にダイアン・ハミルトンが監修したアルバム「 The Lark in the Morning 」で始まりました。このアルバムには、影響力があったが米国を拠点とするクランシー・ブラザーズとトミー・メイクムに参加する前のリアム・クランシーとトミー・メイクムが参加していました。その後の有名なグループには、ダブリナーズ（1962年結成）、チーフタンズ（1963年）、セオルトイリ・チュアラン、クラナド（1973年）などがあります。その後、クリスティ・ムーアなどのシンガーソングライターがアメリカの人気フォークシンガーに触発され、アイルランド音楽を現代風にアレンジして現代の聴衆に合うようにしました。その結果、ブズーキの導入やソウルやロックなどの影響。

スコットランド音楽: スコットランドのフォークリバイバルは、1951 年にハミッシュ ヘンダーソンがピープルズ フェスティバルを創設したときに始まりました。ボーイズ オブ ザ ラフは、世界をツアーした最初のケ​​ルト楽器グループの 1 つです。

米国の音楽:アメリカフォークロア協会は 1888 年に設立されました。フランク・クライド・ブラウン、ジョージ・ライマン・キットリッジ、ジョン・ロマックスなどの会員は、少数民族の「些細な」音楽の収集と録音を開始しました。1920 年代後半から 1930 年代前半にかけて、 A.P. カーター、バスコム・ラマー・ランズフォード、レスリー・リドル、ウディ・ガスリーなどの演奏家は、特に伝統的な歌を探し出して演奏レパートリーに取り入れ始めました。伝統音楽の復興がきっかけとなり、 1940 年代に始まったアメリカのフォーク音楽復興が、現代フォーク音楽という新しいジャンルにつながりました。ジョン・A・ロマックス、その息子アラン・ロマックス、詩人カール・サンドバーグ、音楽家チャールズ・シーガーなどを含むアメリカの記録保管担当者と研究者のグループが、古いバラード、獄中歌、アパラチア地方のフォーク音楽、黒人ブルースを収集、録音、出版しました。ピート・シーガー、ジョシュ・ホワイト、バール・アイヴス、ザ・ウィーヴァーズなど、伝統音楽に影響を受けた多くの演奏家が1940年代にかなりの商業的成功を収め、1950年代後半から1960年代半ばにかけては、キングストン・トリオ、ジョーン・バエズ、ピーター・ポール&マリーなどの演奏家が何百万枚ものレコードアルバムを売り上げ、より広範な商業的復活につながった。米国におけるフォーク・リバイバルは、フォーク・ミュージックに関連する歌やテーマを参考にし、ロックンロールの楽器でアレンジした新しいジャンル、フォーク・ロックの創造につながった。このジャンルに関連する初期のアーティストやグループの多くは、フォークミュージシャンとしてスタートし、最も有名なのはボブ・ディラン、サイモン&ガーファンクル、バーズのロジャー・マッギン、グレイトフル・デッドのジェリー・ガルシアである。 ^{[4] [5]} 21世紀には、2000年の映画『オー・ブラザー』のサウンドトラックがリリースされ、アパラチアのフォークミュージックが小規模ながら復活した。 ^{[6]このアルバムには、}ジリアン・ウェルチやアリソン・クラウスなどの歌手や、ブルーグラス奏者のラルフ・スタンリーがフィーチャーされている。

国境を越えた活動: 2010 年代には、フォークにインスパイアされたアーティストが英国、米国、その他の国々でヒットチャートにランクインし始めました。最も有名なのは、英国のグループ、マムフォード & サンズが2013 年に最優秀アルバム部門でグラミー賞(米国全米レコーディング芸術科学アカデミー賞) を受賞したことです。

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