イギリスのフォークロック

ブリティッシュ・フォーク・ロックは、1960年代半ばからイギリスで発展し、1970年代に最も顕著になったフォーク・ロックの形式である。フォークとロックの融合はいくつかの源から生まれたが、1964年にイギリスのバンド、アニマルズが発表した「ハウス・オブ・ザ・ライジング・サン」の成功がきっかけとなり、ボブ・ディランが「エレクトリック化」するきっかけとなったと広く考えられている。ディランはアニマルズのようにフォークとロックを融合させ、他のミュージシャンもそれに続いた。同年、ビートルズはアルバム「ビートルズ・フォー・セール」で特に顕著なフォークの影響を音楽に取り入れ始めた。ビートルズと他のブリティッシュ・インヴェイジョン・バンドは、今度はアメリカのバンド、バーズに影響を与えた。バーズは1965年4月にディランの「ミスター・タンバリン・マン」の録音をリリースし、1960年代半ばのアメリカのフォーク・ロック運動を開始した。 1960 年代半ばには、ストローブス、ペンタングル、フェアポート・コンベンションなど、 通常はブリティッシュ・フォーク・リバイバルと関係のある多くのイギリスのグループがフォーク・ロックに移行した。

イギリスのフォーク・ロックは、ブルターニュ、アイルランド、スコットランド、ウェールズ、マン島といった周囲のケルト文化圏で取り入れられ、発展し、ケルト・ロックやその派生音楽を生み出し、イギリスと文化的つながりの深い国々に影響を与えてきた。フォーク・パンクというジャンルを生み出した。1980年代までにこのジャンルの人気は急激に衰退したが、生き残り、重要性を増して復活し、起源であるロック音楽やフォーク音楽の文化と部分的に融合した。一部の評論家は、イギリスのフォーク・ロックの一部に、ミュージシャンがロックとフォーク音楽を融合させるのではなく、伝統的なフォーク音楽を電気楽器で演奏するという特徴を見出し、この演奏形式を「エレクトリック・フォーク」と呼んで区別している。

フォークとロックの融合はいくつかの源から生まれたが、1964年にイギリスのバンド、アニマルズが『朝日のあたる家』で成功を収めたことが、ボブ・ディランがエレクトリックへ移行するきっかけとなったと広く考えられている。^[1]同年、ビートルズは自分たちの音楽にあからさまにフォークの影響を取り入れ始め、最も顕著なのはアルバム『ビートルズ・フォー・セール』の曲『アイム・ア・ルーザー』である。^[2] ビートルズや他のブリティッシュ・インヴェイジョン・バンドは、今度はカリフォルニアのバンド、バーズに影響を与え、バーズはフォークの影響を受けた素材やボブ・ディランの作品をロックの楽器で演奏し始めた。 ^[2] バーズによるディランの『ミスター・タンバリン・マン』は1965年4月にリリースされ、アメリカとイギリスのシングルチャートで1位を獲得し、1960年代半ばのフォークロック運動の火付け役となった。^{[3] [4] [5]} ビートルズの1965年後半のアルバム『ラバー・ソウル』には、 「ノーウェア・マン」や「イフ・アイ・ニーデッド・サムワン」など、アメリカのフォークロックブームの影響を受けた曲が数多く収録されている。^{[6] [7]}この時期、多くのエレクトリックバンドがフォークソングのロックバージョンを演奏し始め、フォークミュージシャンはエレクトリック楽器を使用して独自の曲を演奏した。 1965年夏のニューポートフォークフェスティバル でのディランもその1つである。^[8]

フォーク・ロックは、1960年代後半のロンドンのクラブシーンを中心に台頭してきたイギリスのバンドの間で重要なジャンルとなった。ビートルズを含む多くのイギリスのミュージシャンが演奏家としての原点となったスキッフル運動は、彼らがすでにアメリカのフォークミュージックに精通していたことを意味していた。^[9]ギターとドラムをベースとした形式がロックミュージックの標準として結晶化していたのを模倣したこれらのグループは、サウンドとインスピレーションの中心をアメリカのフォークやフォークロックに移すことが多かった。1967年のこれらのグループの中には、フェアポート・コンベンションがいた。彼らは主にアメリカ起源またはアメリカのスタイルの素材で3枚のアルバムをリリースし、主流でそこそこの成功を収めたが、1969年にアメリカ風のフォークロックとイギリスのフォークリバイバルの産物との出会いから生まれたアルバム『リージ・アンド・リーフ』で急激に方向転換した。^[10]

イギリスの最初のフォーク音楽復興では、19世紀後半から20世紀初頭にかけて、セシル・シャープやヴォーン・ウィリアムズなどの人物によって、伝統的なイギリス音楽を録音しアーカイブ化する大きな努力がなされた。 ^[11]第二次世界大戦後の時期に起こった第2次フォーク音楽復興は、この取り組みを基にしてアメリカで起こった同様の運動に倣ったもので、マッカーシズムの時代にイギリスに逃れたアラン・ロマックスなどの人物によってアメリカと結び付けられた。アメリカの復興と同様に、政治的には明らかに左翼的であることが多かったが、 1950年代初頭からはユアン・マッコールやAL・ロイドなどの人物に率いられ、アメリカの大衆文化の優位に代わる、独特のイギリス音楽を生み出そうともした。彼らの見方では、アメリカの大衆文化は、ますます都市化、工業化が進む労働者階級の伝統音楽に取って代わろうとしていたのである。^{[12]彼らの対応の中で最も重要なのは、大都市での}フォーククラブの設立であり、その始まりはロンドンで1953年にマッコールがバラード＆ブルースクラブを設立したことだった。^[13]これらのクラブは通常都市部にあったが、そこで歌われた歌はしばしば産業革命以前の田舎の過去を思い起こさせるものだった。多くの点で、これは中流階級による忘れ去られたポピュラー音楽の採用だった。1960年代半ばまでに、英国にはおそらく300以上のフォーククラブがあり、伝統的な歌や​​曲をアコースティックで演奏するアーティストにとって重要なサーキットとなり、少数だが熱心な観客を前に演奏することで生計を立てることができた。^[14]これは、1960年代後半までに、音楽のスキルと多種多様な伝統的な歌や​​曲の知識を備えたパフォーマーのグループが存在したことを意味していた。

1960年代半ば、フォーク・リバイバルに参加していた多くのグループが電化の実験を行った。これらには、録音されていないスウィーニーズ・メン・フロム・アイルランドの活動^[15] 、ジャズ・フォーク・グループのペンタングル（純粋なアコースティック楽器から後のアルバムでエレクトリック・ギターを導入した）、1968年に1枚のアルバムをリリースしたエクレクティック^（[16]）、そしてブルーグラス・バンドから1967年までに「プログレッシブ・バーズ」バンドへと発展したストローブス^（[17]）の活動が含まれる。しかし、この方向で持続的または模倣されるような活動を行ったグループはなかった。^[18]フォーククラブサーキット出身者には、1968年にフェアポート・コンベンションに歌手として参加したサンディ・デニーや、 1969年にフェアポートで活動中に出会ったエレクトリック・ミュージックに好意的に反応したフィドル奏者でセッションミュージシャンのデイブ・スウォーブリックもいた。 ^{[19]その結果、「} A Sailor's Life 」という曲の拡張解釈が生まれ、アルバム「 Unhalfbricking 」でリリースされた。この出会いがアシュリー・ハッチングスの興味を掻き立て、彼女はイングリッシュ・フォークダンス・アンド・ソング・ソサエティのライブラリで研究を始めた。その結果、バンドの代表作である「Liege & Lief」（1969年）が誕生した。これは、伝統的な歌や​​曲と、バンドのメンバーが似たようなスタイルで書いた曲を組み合わせたもので、すべてスウォーブリックの増幅されたフィドルを含むエレクトリック楽器の組み合わせで演奏され、イギリスのフォークロックのテンプレートを確立した。^[20]

1970年代にリージ・アンド・リーフに続いて起こったイギリスのフォーク・ロックの急速な拡大は、主に3つの源から生まれた。まず、アコースティック・デュオのボブとキャロル・ペッグを中心に結成されたミスター・フォックスなど、今や「エレクトリファイド」となった既存のフォーク・パフォーマーたち、そして、それまでほとんどエレクトリファイドなしでレコーディングしていたが、1970年に完全に伝統的な素材で構成された4枚目のアルバム「クルーエル・シスター」^{を制作したペンタングルは、まさにイギリスのフォーク・ロックの型に則った演奏をした。 [21]}同様に、スウォーブリックの元演奏パートナーであるマーティン・カーシーは、 1971年にスティーライ・スパンに加入し、フォーク音楽界の多くの人々を驚かせた。^{[22]スペンサーズ・フィートの残党から結成されたバンド、} ファイヴ・ハンド・リールは、最も成功し影響力のあるフォーク・ロック・バンドの1つであることが判明した。トピック/RCAレコードから4枚のアルバムをリリースした彼らは、ほとんどの公演を行っていたヨーロッパで人気を博した。他の人気バンドで流行している「イギリス風」のフォーク曲とは異なり、ファイブ・ハンド・リールはスコットランドやアイルランドの曲を演奏し、 1975年にメロディー・メーカー誌の「フォーク・アルバム・オブ・ザ・イヤー」を受賞した。 ^[要出典]

2つ目はフェアポート・コンベンションのメンバーや元メンバーが直接作ったグループで、そこから組織やパフォーマーのファミリーが生まれた中心として考えることができる。^[23]サンディ・デニーの短命なグループ、フォザリンゲイもその1つで、スティールアイ・スパンもその1つである。スティールアイ・スパンは、アシュリー・ハッチングスが1969年後半にフェアポートを脱退した後、伝統に重点を置きながらも本質的にはエレクトリックなバンドとして結成された。^[24]彼は3枚のアルバムをリリースした後にスティールアイ・スパンを脱退し、最終的にアルビオン・カントリー・バンドを結成した。後にアルビオン・バンドとなったこのバンドは2002年に解散した。^[25]アルビオン・バンドからは、1980年代の最も音楽的に才能のあるイギリスのフォークロック・グループの一つ、ホーム・サービスが生まれ、その3枚目のアルバム『Alright Jack』（1985年）は、このジャンルのもう一つの芸術的頂点を象徴するものとよく見なされている。^[26]

既存のフォークロックバンドを模倣して、はるかに小規模なイギリスのバンドグループが結成された。最も多くはスティールアイ・スパンをモデルにしており、ケンブリッジのグループ、スプリガンズ・オブ・トールガス、ノーサンブリアのバンド、ヘッジホッグ・パイ、そして1978年に見込みのないフィドラーズ・ドラムとしてスタートしたオイスター・バンドなどがその例である。フィドラーズ・ドラムは、シングル「デイ・トリップ・トゥ・バンガー」がイギリスで最高3位を記録したことと、明らかに「スティールアイ・スパンに似たバンド」というステータスから、「一発屋」として軽視されることが多かった。特筆すべき点は、キャシー・レサーフという本物の才能を持ったシンガーソングライターがいることが証明されたことであり、彼女が1980年にアルビオン・バンドに移籍した後、残ったメンバーはオイスター・バンド（後にオイスターバンド）として再結成し、ますますヘビーで政治意識の高いフォークロック・ユニットとなり、1980年代と1990年代にこのジャンルで最高傑作のいくつかを生み出し、発展途上のフォーク・パンクやインディーズ・シーンに融合していった。^[27]

一時期、エレクトリック・フォークは主流に躍り出る勢いを見せ、1970年代前半から半ばにかけて、スティーライ・スパンが1973年にクリスマスのトップ20ヒットシングル（「Gaudete」）を出し、1975年にはトップ5ヒット（「All Around My Hat」）を出したことでピークを迎えた。同名のアルバムは彼らの最も商業的な成功作で、同年、全英アルバムチャートで5位に達した。^[28]比較すると、フェアポート・コンベンションはシングルをほとんど出さず、全英チャートにほとんど影響を与えなかったが、アルバムは1970年代前半によく売れた。リージ・アンド・リーフは1969年に17位に達し、その後のアルバム、エンジェル・ディライトは1971年にトップ10に入った。^[29]その時点から1979年に最初に解散するまで、彼らのキャリアの大半は知名度と売上が下降する時期だった。

他のエレクトリック・フォーク・バンドについても概ね同じことが当てはまった。1970年代後半から1980年代前半は、このジャンルを捨てるか、生き残りをかけて負け戦を戦うかの時期だった。その理由は、1977年にピークを迎えたパンク・ロックの台頭にあるとよく言われる。 ^[30]パンク・ロックはポピュラー音楽の精神を変え、音楽家としての技量と作詞作曲に関する確信を覆し、前世代の旧態依然としたフォーク・ミュージシャン以上に大きな標的となったものはなかった。ポピュラー音楽のトレンドにはすべて世代間の問題があり、聴衆は増えても代わりはいないかもしれないが、フォーク・ロックの場合、その断絶は非常に深刻だった。その結果、 1970年代後半には若いバンドの間でフォーク・パンクの発展とのさらなる融合が進み、ザ・ポーグスやザ・レヴェラーズなど、主流の成功を収めたバンドも現れた。^[31] 1980年代初頭はエレクトリック・フォークのどん底だった。1970年代半ばとは対照的に、アルビオン・バンド（所属のホーム・サービス）とオイスターバンドだけがこのジャンルの主要な代表者として残り、おそらく最も生産性の低い時期だった^[要出典]。ただし、これは少なくとも部分的には、大手レコード会社がこのジャンルに興味を示さなかったためである。フォーク・ロックは、1970年代の全盛期でさえ、レコード会社にとって大きな収入源になったことはなかった。この関心の欠如の結果、1984年から1986年にかけてリリースされたホーム・サービスの3枚のアルバムは、3つの異なる独立系レーベル（ジグソー、コーダ、メイキング・ウェーブス）から発売され、商業的な見通しがさらに悪化した。

1980年代後半になると、このジャンルの状況はずっと好転し始めた。1979年に正式に解散したにもかかわらず、フェアポート・コンベンションは1980年から毎年「再結成」コンサートと呼ばれていたものを開催し、最終的にはクロップレディ・フェスティバル（「フェアポートのクロップレディ・コンベンション」）へと発展した。このフェスティバルは（2022年現在）英国の夏のフェスティバルカレンダーの主力であり、定期的に最大2万人の参加者を集めているが、その全員がフェアポート・コンベンションのファンというわけではない。バンドは1985年に再結成し、ますます長く成功したツアーに乗り出し、高く評価されているアルバムを次々と制作することができた。^[32]このレコーディング復活の理由の1つは、彼らが主流のレコードビジネスを放棄し、代わりに自分たちの聴衆を増やし、自分たちのレーベル（ウッドワームとマティー・グルーヴス）で独立してレコードを制作することに焦点を当てたためであり、皮肉なことに、パンクとポストパンクの時代がそれを加速させたのである。

アルビオン・バンドは当初、演劇の制作に携わることで生き残り、1993年からは規模を縮小して、依然として広範囲に及ぶフォーク・クラブやその他の小規模な会場で演奏できる、より小規模なアコースティック・バンドに転向した。この動きは、エレクトリック・フォークの演奏者がフォーク・リバイバルに同化していく様子を示す上でも重要であった。フェアポート・コンベンションのメンバーのほぼ全員が、ソロまたは小規模なユニットでフォーク・クラブ巡回を行っており、クロップレディでのラインナップには、エレクトリック・アクトと同じくらい多くのアコースティック・アクトが含まれている。^[33]

1980年、スティールアイ・スパンのセイルズ・オブ・シルバーは、伝統的な曲から決定的に離れる決断を下した。このアルバムは商業的には失敗に終わり、6年間の彼らの最後のアルバムとなった。その後、彼らはパートタイムのツアーバンドとなった。しかし、1986年に彼らはバック・イン・ラインを制作し、それ以来、メンバーが何度か入れ替わったにもかかわらず、彼らは演奏を続け、さらに8枚のアルバムをレコーディングした。^[34]

1970年代に解散したストーン・エンジェルやジャック・ザ・ラッドなどのバンドは再結成し、レコーディングやツアー活動を再開した。^[35]

レッド・ツェッペリンやジェスロ・タルなどのハードロックやプログレッシブ・ロックのバンドは、フォークミュージックの要素を音楽に取り入れているが、フォークロック運動の一部とは見なされていない。^[36]レッド・ツェッペリンは、1970年にバース・フェスティバル・オブ・ブルース＆プログレッシブ・ミュージックでフェアポート・コンベンションと共演した。ロバート・プラントとジミー・ペイジのこのジャンルへの関心は、彼らの通常のブルース志向のロック作品の中でも際立った、伝統的なバラードである「Gallows Pole」のレコーディングで初めて明らかになった。この頃、彼らはCoda（1982）に収録されるバラード「 Poor Tom 」も書いた。 ^[37]それは彼らの最も有名なアルバムであるレッド・ツェッペリンIV（1971年）でより微妙に現れており、「天国への階段」や、サンディ・デニーがレッド・ツェッペリンのアルバムにゲストボーカルとして招待された唯一の人物という栄誉を得た「エヴァーモアの戦い」で、アメリカのフォークロックとイギリスのエレクトリックフォークの両方の要素が含まれていました。 ^[38]これらの影響は後のアルバムにも現れましたが、バンドがプレゼンス（1976年）以降ハードロックのサウンドに戻ると減少しました。

レッド・ツェッペリンがエレクトリック・フォークから離れていくと、イギリスのブルース運動のもう一人の長期生存者、ジェスロ・タルがそれに近づき始めた。イアン・アンダーソンは1974年にスティーライ・スパンのアルバム『 Now We Are Six』をプロデュースし、 『Minstrel in the Gallery』 （1975年）で初めてより伝統的なサウンドへの明確な関心を示したが、アンダーソンがバンドをエレクトリック・フォークの領域に導いたのは1977年の『Songs from the Wood』 （1977年）のリリースからだった。 ^[39]アルバムのすべての曲は田舎の生活に焦点を当てており、バンドの通常の電子楽器とフルートに加えて、マンドリン、リュート、パイプオルガンが使用されている。「Hunting Girl」と特に「Velvet Green」の2曲は、アンダーソンの作曲の関心に非常に合ったエロティックなフォークバラードの形式をとっている。同様の流れで、さらに 2 枚のアルバム、Heavy Horses (1978) とStormwatch (1979) がリリースされ、緩やかなフォーク ロック 3 部作が完成しました。その後、アンダーソンは 1980 年代初頭にエレクトロニックの領域へと移行しました。皮肉なことに、このとき、フェアポート コンヴェンションのデイブ ペッグが、このバンドのメンバーの中で初めてジェスロ タルに加入しました。

プログレッシブ・フォークは1960年代半ばにイギリスで発展したが、フォークというジャンルの芸術性を高めようとする試みとしてだけでなく、多様な影響への反応として、アコースティックなフォーク楽器とジャズ、ブルース、ワールドミュージックを組み合わせることが多かった。^[40]その結果、定義が難しく多様なサブジャンルではあるものの、1960年代末にエレクトリック・フォークが登場する前からイギリスで確立されていた。ドノヴァン、インクレディブル・ストリング・バンド、ペンタングル、ストローブス、ニック・ドレイク、ロイ・ハーパー、ジョン・マーティン、オリジナルのティラノサウルス・レックスなどの演奏者が含まれると考えられる。このうち、特にインクレディブル・ストリング・バンドは、サイケまたはサイケデリック・フォークのサブジャンルに発展していると考えられている。^[41]

エレクトリック・フォークの出現は、フォークというジャンルの発展途上の流れに大きな影響を与えた。まず、1965年頃からアメリカのフォークロックの電化モデルを避けてきた多くの既存のアーティストが、今ではそれを採用している。最も顕著なのはペンタングル、ストローブス、アコースティック・デュオのティラノサウルス・レックス（後にエレクトリック・コンボのT-レックスとなる）である。また、プログレッシブ・フォークをより伝統的な素材へと押し進めた。この頃に活動を始めたアコースティック・パフォーマーのダンドー・シャフトとアメイジング・ブロンデルは、この傾向の例である。^[42]

プログレッシブ・フォークとプログレッシブ・ロックの境界線上にしっかりと留まったバンドの例としては、短命だったコムスや、より成功したルネッサンスが挙げられる。ルネッサンスはフォークとロックをクラシック音楽の要素と融合させた。^[43]

プログレッシブ フォークはジャンルとしては 1960 年代後半まで続きましたが、後に新たな形で登場したエレクトリック フォークやプログレッシブ ロックの影に隠れてしまいました。

1970年頃から、特にイギリス、ドイツ、ブルターニュで、エレクトリック・フォークに影響を受けた多くの演奏家が、フェアポート・コンヴェンションの作品の主流であった初期モダンや19世紀のバラードとは対照的に、中世やルネサンスの音楽を自分たちの音楽の基礎として取り入れた。これは、スティールアイ・スパンが探求し、1972年のアルバム『 Below the Salt』で例示されたトレンドに続くものである。この分野のアーティストには、グリフォン、ジェントル・ジャイアント、サード・イヤー・バンドなどがいる。^[44]ドイツでは、もともと1970年にアコースティック・フォーク・グループとして結成されたオウゲンヴァイデが、エレクトリック化する際に中世高地ドイツの音楽だけを取り入れることを選択し、将来のドイツのエレクトリック・フォークの指針を設定した。^{[45]ブルターニュでは、}ケルトロック運動の一環として、1977年のRipailleや1979年のSaga de Ragnar Lodbrockなどのバンドが中世音楽に焦点を当てていました。 ^{[46]しかし、1970年代の終わりまでに、これらの演奏者のほとんどが解散するか、ジェントル・ジャイアントやグリフォンのように、発展途上の}プログレッシブ・ロックの分野に移行しました。^[47]中世フォークロックの著名な代表者として、リッチー・ブラックモアのブラックモアズ・ナイトがいます。

当初、ケルト・ロックはエレクトリック・フォークを模倣していたが、当然のことながら、イングランドの伝統音楽の要素を独自のフォーク音楽に置き換えた。アイルランド、スコットランド、マン島、ウェールズ、コーンウォール、ブルターニュなど、イングランド周辺のケルト諸国や地域で急速にそれが顕著になり、あらゆる地域でエレクトリック・フォーク・モデルが採用・適応された。^[48]少なくとも1970年代前半までは、ケルト・ロックはフォークのルーツに忠実であり、レパートリーは伝統的なケルトのバイオリンやハープ、さらには伝統的なボーカルスタイルに大きく影響を受けていたが、ロックバンドレベルの増幅とパーカッションを使用していたため、エレクトリック・フォーク運動の一部と見なすことができた。しかし、ケルト・パンク、ケルト・メタル、その他のケルト・フュージョンなどの新しい派生音楽やハイブリッド音楽に発展するにつれ、当初のエレクトリック・フォークのパターンは消え始めた。

1980年代半ば、イギリスのフォーク音楽の新たな復活が始まり、今度はパンクロックから派生したエネルギーと政治的攻撃性とフォーク音楽の形式が融合しました。リーダーには、メン・ゼイ・クルドント・ハング、オイスターバンド、ビリー・ブラッグ、ザ・ポーグスなどがいました。フォークダンス音楽も1980年代に人気となり、イングリッシュ・カントリー・ブルース・バンドやタイガー・モスが登場しました。その10年後には、エドワード2世&ザ・レッド・ホット・ポルカスというバンドがイギリスのフォーク音楽にレゲエを取り入れ、特に1987年の代表作「レッツ・ポルカステディ」でそれが顕著でした。

1960年代のエレクトリック・フォークの起源と驚くほどよく似たプロセスで、英国のスラッシュメタルバンドSkycladは、1990年のデビューアルバムThe Wayward Sons of Mother Earthのいくつかのトラックにセッションミュージシャンのバイオリンを追加しました。これが好評を博した彼らは、フルタイムのフィドル奏者を採用し、特徴的なフォークとジグのスタイルに移行し、フォークメタルの先駆者とみなされるようになりました。これは、ダブリンを拠点とするバンドCruachanに直接インスピレーションを与え、伝統的なアイルランド音楽を使用してケルトメタルのサブジャンルを作成しました。このプロセスを再現する試みは他の場所でも行われており、 Orphaned Landの中東フォークミュージック、 Skyforgerのバルト諸国フォークミュージック、 Korpiklaaniのスカンジナビアフォークミュージックなど、さまざまな例があります。ドイツでは、この傾向は、中世メタルとして知られる新中世音楽とより密接に関連しています。

フェアポートのクロップレディ コンベンション(旧クロップレディ フェスティバル) は、1980 年以来毎年、オックスフォードシャー州バンベリーの5 マイル北にある村クロップレディの近くで開催されており、最大 20,000 人のファンが集まります。このイベントは、今でも英国のフォーク フェスティバル カレンダーの主要イベントの 1 つです。

2005年にサフォークのケントウェルホールで野外コンサートを成功させた後、スティールアイ・スパンは、スパンフェストとして知られる独自の年次フェスティバルを開催することを決定しました。

その他のより伝統的なフォーク フェスティバル (シュルーズベリー、タワージー、ケンブリッジ、シドマスなど) では、現在ではフォーク ロック ジャンルの代表者によるパフォーマンスが定期的に開催されています。

1960年代後半から1970年代前半にかけてのイギリスのバンドが自分たちを「エレクトリック・フォーク」と定義したとき、彼らはすでに存在していた「フォーク・ロック」と区別しようとしていた。フォーク・ロックは（彼らにとって）彼らがすでに作っていたもの、つまり、1965年からボブ・ディランとバーズが始めた、ロック楽器で演奏されるアメリカ風、あるいはアメリカ風のシンガーソングライターの楽曲だった。 ^[49]彼らがそのように区別したのは、彼らが土着の（この場合はイギリスの）歌や曲調に重点を置いていたからである。これは、エレクトリック・フォークの支持者全員がアメリカの楽曲を完全に放棄したとか、自分たちの作品にアメリカの楽曲が使われなかったということではないが、彼らの作品は、伝統的なイギリスの歌や曲調を使い、そのスタイルで新しい曲を作り、ロックバンドの形式と楽器を使い、時折より伝統的な楽器を加えるという特徴がある。

この混合の結果、伝統音楽とロック音楽の特定の特徴が交換された。これらは次のように定義されている。^[50]

伝統音楽：

• 歌詞
• 曲（装飾音を含む）
• ドローン（バグパイプを参照）だが、通常はギターやベースで演奏される。
• 一部のアコースティック楽器の使用
• 伝統的なリズムの使用。たとえば、レッド・ツェッペリンの「The Battle of Evermore 」のように、1、4、7 番目の拍子にアクセントがある 3+3+2 の 8 ビートのリズムは珍しくありませんが、標準的なロックのバックビートを排除します。
• 伝統音楽スタイルで複数の曲をブレンドする: 伝統音楽とエレクトリックフォークの両方で、短いインストルメンタル曲が長い歌詞の曲（つまりボーカル付きの曲）にインストルメンタルとして挿入されることがよくあります。

ロックミュージック:

• リズム（特にバックビート）
• フック​
• オスティナーティ（オスティナートの複数形）、楽曲全体または楽曲の一部分で継続的に繰り返される旋律的および/またはリズム的な図形
• 何らかの電気機器の使用
• いくつかの曲のテンポは、伝統的な境界をはるかに超えて変更される可能性がある。
• 重要な変更が加えられる可能性がある

これらの特徴のすべてがすべての曲に見られるわけではありません。たとえば、エレクトリック フォーク グループは、歌詞や曲のソースとして主に伝統的な素材を使用しますが、独自の曲を書くこともあります (伝統的なミュージシャンと同様)。

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