エレクトロニックダンスミュージック

エレクトロニック・ダンス・ミュージック（EDM）^[1]は、クラブ・ミュージックとも呼ばれ、もともとナイトクラブ、レイブ、フェスティバル向けに作られた幅広いパーカッシブな電子音楽のジャンルです。通常、DJが再生するために制作され、DJは録音から録音へとつなぎ合わせることで、 DJミックスと呼ばれるシームレスなトラックの選択を行います。 ^{[2] EDMプロデューサーは、コンサートやフェスティバルの場で、}ライブPAと呼ばれることもある環境で音楽を生演奏することもあります。EDMは誕生以来、幅広いサブジャンルを含むように拡大してきました。

1980年代後半から1990年代前半にかけて、レイブ、海賊ラジオ、パーティークルー、アンダーグラウンドフェスティバルの出現とクラブ文化への関心の高まりを受けて、EDMはヨーロッパで主流の人気を獲得しました。しかし、レイブ文化は米国ではそれほど広く人気がなく、ニューヨーク、フロリダ、中西部、カリフォルニアの地域シーン以外で見られることは通常ありませんでした。エレクトロ、シカゴハウス、デトロイトテクノなどの先駆的なジャンルはヨーロッパと米国の両方で影響力がありましたが、米国の主流メディアとレコード業界は1990年代以降も公然と敵対的でした。また、EDMとドラッグ文化の間には関連性があると考えられていたため、州および市の政府はレイブ文化の拡大を阻止することを目的とした法律や政策を制定しました。^[3]

その後、新世紀には、EDMの人気は世界的に高まり、特に米国とオーストラリアで高まりました。2010年代初頭までに、「エレクトロニック・ダンス・ミュージック」という用語と「EDM」という頭字語は、アメリカの音楽業界と音楽プレスによって、アメリカのレイブ文化のブランドを再構築する取り組みの一環として推進されました。^{[3]業界が特定のEDMブランドを作成しようとしたにもかかわらず、この頭字語は}、ダンスポップ、ハウス、テクノ、エレクトロ、トランス、およびそれぞれのサブジャンルを含む複数のジャンルの総称として使用され続けています。これらはすべて、頭字語よりも古いものです。^{[4] [5] [6]}

過去40年間で、ハウス、テクノ、ドラムンベース、ダンスポップなど、さまざまなEDMジャンルが進化してきました。確立されたEDMジャンル内のスタイルのバリエーションにより、サブジャンルと呼ばれるものが出現することがあります。2つ以上のジャンルの要素が組み合わされるハイブリッド化により、まったく新しいEDMジャンルが出現することもあります。^[4]

1960年代後半には、シルバー・アップルズなどのバンドがダンス用の電子音楽を制作した。^[7]後の電子ダンス音楽に影響を与えた初期の音楽としては、1960年代後半から1970年代のジャマイカのダブ音楽、 ^[6] 1970年代後半のイタリア人プロデューサー、ジョルジオ・モロダーによるシンセサイザーベースのディスコ音楽、1970年代半ばから後半のクラフトヴェルクやイエロー・マジック・オーケストラによるエレクトロポップなどがある。 ^[5]

作家のマイケル・ヴィールは、1968年から1985年の間に栄えたルーツ・レゲエとサウンドシステム文化から生まれたジャマイカ音楽であるダブ・ミュージックを、現代のエレクトロニック・ダンス・ミュージックの重要な先駆者の1つとみなしている。 ^[8]ダブ作品は、リズム、断片化された歌詞とメロディーの要素、残響のテクスチャを強調したリミックスされたレゲエ・トラックであった。^{[9]この音楽は、シルヴァン・モリス、}キング・タビー、エロール・トンプソン、リー・「スクラッチ」・ペリー、サイエンティストなどのスタジオ・エンジニアによって開拓された。^{[8]彼らの作品には、ヴィールがミュージック・}コンクレートで使用されるテクニックに匹敵すると考えるテープ編集やサウンド処理の形式が含まれていた。ダブのプロデューサーは、スタジオのミキシングボードを演奏楽器として使用して、既存のマルチトラック・レゲエ・ミックスを即興で解体した。彼らはまた、補助センド・ルーティングを創造的に使用して、リバーブやディレイなどの空間効果を前面に出した。^[8]ローランド社が製造したRoland Space Echoは、1970年代にエコーやディレイ効果を生み出すためにダブプロデューサーに広く使用されていました。^[10]

キング・タビーやリー・"スクラッチ"・ペリーのようなダブの先駆者たちは利用できる電子機器が限られていたにもかかわらず、リミックス文化における彼らの実験は音楽的に最先端だった。^[11] アンビエント・ダブはキング・タビーや他のジャマイカのサウンドアーティストによって開拓され、ドロップアウト、エコー、イコライゼーション、サイケデリックな電子効果を備えたDJ風のアンビエント・エレクトロニクスを使用した。レイヤー技術を特徴とし、ワールドミュージック、深いベースライン、ハーモニックサウンドの要素を取り入れた。 ^[12]ロングエコーディレイなどの技術も使用された。^[13]

ヒップホップ音楽は、 1970年代からエレクトロニックダンスミュージックの発展にいくらか影響を与えてきました。^[14]ジャマイカのサウンドシステム文化に触発されたジャマイカ系アメリカ人のDJクール・ハークは、大型で低音の重いスピーカー装置をブロンクスに導入しました。^[15]彼のパーティーは、1973年にニューヨーク市のヒップホップムーブメントを開始したと言われています。^{[15] DJクール・ハークによって開発され、}ヒップホップ文化で人気となったテクニックは、 2つのターンテーブルで同じレコードを2枚交互に、トラックにブレイクがあるポイントで再生するというものでした。このテクニックはさらに、純粋にパーカッシブなブレイクを手動でループするために使用され、後にブレイクビーツと呼ばれるようになりました。^[16]

ターンテーブリズムは、松下電器産業（現パナソニック）の技術者であった小幡修一氏によるダイレクトドライブターンテーブルの発明に端を発する。 ^{[18] 1969}年、松下電器産業はこれをSP-10 ^[19]として発売した。これは市場初のダイレクトドライブターンテーブルであり、[ ^{20]同社の影響力の大きい}テクニクスシリーズの第1弾でもあった。^[19]最も影響力のあったターンテーブルはテクニクスSL-1200 ^[21]であり、これは1971年に松下の小幡修一氏率いるチームによって開発され、1972年に発売された。 ^[17] 1980年代から1990年代にかけて、ヒップホップDJはターンテーブルを楽器として独自の方法で使用し、その巧みな使用法はターンテーブリズムと呼ばれる創造的な実践へと発展した。^[21]

1974年、ジョージ・マクレーの初期のディスコヒット「ロック・ユア・ベイビー」は、初期のローランドのリズムマシンであるドラムマシンを使用した最初のレコードの1つでした。 ^{[23]ディスコ制作におけるドラムマシンの使用は}、スライ&ザ・ファミリー・ストーンの「ファミリー・アフェア」（1971年）の影響を受けており、そのリズムはマクレーの「ロック・ユア・ベイビー」^[24]やティミー・トーマスの「ホワイ・キャント・ウィー・リヴ・トゥゲザー」（1972年）に反映されています。^{[25] [23] [24]}ディスコプロデューサーのビドゥは、1976年から1977年にかけて、レインフォレスト（1976年）の「バイオニック・ブギー」 、 ^[26]「ソウル・コーシング」（1977年）、^[27]イースタン・マンとフューチャリスティック・ジャーニー^{[28] [29]} （1976年から1977年にかけて録音）など、いくつかのディスコソングでシンセサイザーを使用しました。^[30]

ドナ・サマー、シック、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、ヒートウェーブ、ヴィレッジ・ピープルなどのアーティストが、1970年代後半のディスコサウンドの定義に貢献した。ジョルジオ・モロダーとピート・ベロッテは1977年にドナ・サマーの「アイ・フィール・ラブ」をプロデュースした。これは完全にシンセサイザーのバックトラックを持つ最初の有名なディスコヒットとなった。他のディスコプロデューサー、最も有名なのはアメリカ人プロデューサーのトム・モールトンは、ダブミュージック（1970年代のニューヨークへのジャマイカ人移住の増加に伴って登場した）からアイデアとテクニックを取り入れ、支配的だった4つ打ちスタイルに代わるものを提供した。^{[31] [32]} 1980年代初頭、ディスコミュージックの人気は米国で急激に衰え、米国の大手レコード会社やプロデューサーに見捨てられた。ユーロディスコは、幅広い主流のポップミュージックシーンの中で進化を続けた。^[33]

シンセポップ（シンセサイザーポップの略。^[34]テクノポップ^{[35] [36]}とも呼ばれる）は、1970年代後半に初めて目立つようになった音楽ジャンルで、シンセサイザーを主要な楽器として特徴づけている。^[37] 1960年代から1970年代初頭にかけて、プログレッシブ・ロック、エレクトロニック、アートロック、ディスコ、特にクラフトヴェルクのようなバンドのクラウトロックでシンセサイザーが使用されたことで、その形が予見された。1970年代後半のニューウェーブ運動の一環として、ポストパンク時代に日本とイギリスで独自のジャンルとして生まれた。

初期のシンセポップの先駆者には、日本のグループ、イエロー・マジック・オーケストラや、イギリスのバンド、ウルトラヴォックス、ヒューマン・リーグ、ベルリン・ブロンドス [要出典] などがいる。ヒューマン・リーグは、モノフォニック・シンセサイザーを使用して、シンプルで質素なサウンドの音楽を制作した。1979年にゲイリー・ニューマンがイギリスのシングルチャートでブレイクした後、 1980年代初頭には、^{ジャパンやオーケストラ}・マヌーヴァーズ・イン・ザ・ダークなどの1970年代後半の新人や、デペッシュ・モードやユーリズミックスなどの新人を含む多くのアーティストがシンセサイザーベースのサウンドで成功し始めた。日本では、イエロー・マジック・オーケストラの成功が、P-モデル、プラスチックス、ヒカシューなどのシンセポップバンドへの道を開いた。安価なポリフォニック・シンセサイザーの開発、 MIDIの定義、ダンスビートの使用により、シンセポップはより商業的で親しみやすいサウンドになった。これと、ニューロマンティック運動のスタイルに敏感なアーティストによる採用、そしてMTVの台頭により、多数のイギリスのシンセポップアーティスト（デュラン・デュランやスパンダー・バレエなど）が米国で成功を収めることになった。

ポピュラー音楽におけるデジタルサンプリングとループの使用は、日本のエレクトロニックミュージックバンド、イエロー・マジック・オーケストラ（YMO）によって開拓されました。^{[38] [39] [40] [41]}彼らのサンプリング手法は、音の断片を切り取ってコンピュータ技術を使用してループすることで音楽を構築するという現代の手法の先駆けでした。^[40]「Computer Game/Firecracker」（1978年）は、マーティン・デニーのメロディーを補間し、^[42]スペースインベーダー^[43]の ビデオゲームのサウンドをサンプリングしました。^[42] テクノデリック（1981年）は、サンプルとループで構成された最初のアルバムとして、ポピュラー音楽にデジタルサンプリングの使用を紹介しました。^{[39] [41]}このアルバムは、エンジニアの村田健司がYMOのために特注した東芝EMIのLMD-649デジタルPCM サンプラーを使用して制作されました。 ^{[41] [より良い情報源が必要]} LMD-649は、1980年代初頭に真鍋千枝美^[44]やロジックシステムなどのYMO関連のアーティストを含む他の日本のシンセポップアーティストによるサンプリングにも使用されました。^[45]

1980年代のエレクトロニック・ダンス・ミュージックの出現は、いくつかの新しい電子楽器、特に日本のローランド社による楽器の開発によって形作られました。ローランドTR-808（しばしば「808」と略される）は、ダンスミュージックの進化において特に重要な役割を果たしました。^[46]アフリカ・バンバータの「プラネット・ロック」（1982年）がダンスフロアで非常に人気になった後。 ^{[47]クラフトヴェルクの}トランス・ヨーロッパ・エクスプレスのメロディーラインもフィーチャーされたこのトラックは、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの発展、^[48]やマイアミ・ベース、デトロイト・テクノなどのサブジャンルに影響を与え、808を「未来的なサウンドの基本要素」として普及させました。^[49] Slateによると、「プラネット・ロック」は「808を有名にしたというよりは、808を中心としたポスト・ディスコ・ダンス・ミュージックの世界全体を再方向付けた」とのことです。^[50]ローランドTR-909、TB-303、Juno-60も同様にテクノ、ハウス、アシッドなどのエレクトロニックダンスミュージックに影響を与えました。^{[51] [52] [53]}

1979年半ばから後半にかけて始まった「ディスコ」に対する反発に続くポスト・ディスコ時代は、米国では社会不安やシカゴでのディスコ・デモリション・ナイトとして知られる暴動を引き起こしたが、^{[13]、東海岸では「根本的に異なるサウンド」 [14]}を特徴とする「簡素化された」ディスコ風音楽のアンダーグラウンド・ムーブメントが出現し始めた。^{[15] [注 1]この新しいシーンは主に}ニューヨーク都市圏で見られ、当初はディスコ文化の過度な商業化とそれに続く衰退に反応していた都会の現代アーティストによって主導された。出現したサウンドは、ディスコのエレクトロニック面であるPファンク^[18]、ダブ・ミュージック、その他のジャンルから生まれた。この時期に制作された音楽の多くは、ディスコのようにシングル主導の市場に対応していた。^[14]この時期、クリエイティブ・コントロールは独立系レコード会社、あまり知られていないプロデューサー、クラブDJに移行し始めた。^[14]ポストディスコ時代に人気が出始めた他のダンススタイルには、ダンスポップ、^{[19] [20]}ブギー、^[14]エレクトロ、Hi-NRG、イタロディスコ、ハウス、^{[19] [21] [22] [23]}テクノなどがあります。^{[22] [24] [25] [26] [27]}

1980年代初頭、エレクトロ（「エレクトロ・ファンク」の略）は、シンセポップ、ファンク、ブギーの融合として登場した。エレクトロ・ファンクやエレクトロ・ブギーとも呼ばれ、後にエレクトロと短縮された。先駆者としては、坂本龍一、アフリカ・バンバータ、^[54] ザップ、^[55] D.トレイン、^[56]シナモンなどが挙げられている。^{[56]初期のヒップホップやラップと、}クラフトヴェルクやイエロー・マジック・オーケストラなどのドイツや日本のエレクトロポップの影響が組み合わさり、エレクトロが誕生した。^[57]エレクトロニックサウンドが発達するにつれ、ベースギターやドラムなどの楽器はシンセサイザーに置き換えられ、最も顕著なのはローランドTR-808やヤマハDX7などの象徴的なドラムマシンである。^[58] TR-808の初期の使用例としては、 1980年から1981年にかけてのイエロー・マジック・オーケストラのいくつかの曲、1982年のアフリカ・バンバータの曲「 Planet Rock」 、マーヴィン・ゲイの1982年の曲「 Sexual Healing 」などがある。^[59] 1982年、プロデューサーのアーサー・ベイカーはアフリカ・バンバータとともに、イエロー・マジック・オーケストラの影響を受け、クラフトワークのサンプルを使用し、TR-808でドラムビートを供給した「Planet Rock 」をリリースした。その年の後半には、ワープ9によるもう一つの画期的なエレクトロレコード「 Nunk」が続いた。1983年、ハシムは「Al-Naafyish (The Soul)」でエレクトロファンクサウンドを生み出し^[54]、ハービー・ハンコックに影響を与え、同年のヒットシングル「Rockit 」につながった。1980年代初頭は、エレクトロが主流となった時期であった。作家のスティーブ・テイラーによれば、^[60] アフリカ・バンバータの『プラネット・ロック』は「それ以降のあらゆる興味深いダンスミュージックのテンプレート」となっている。^[60]

1980年代初頭、シカゴのラジオDJであるザ・ホット・ミックス5やクラブDJのロン・ハーディとフランキー・ナックルズは、古いディスコレコード（主にフィラデルフィアディスコやサルソウル^[61]の曲）、アフリカ・バンバータ^[62]などのアーティストによるエレクトロファンクの曲、より新しいイタロディスコ、マン・パリッシュ、ジェリービーン・ベニテス、アーサー・ベイカー、ジョン・ロビーによるB-Boyヒップホップ、クラフトワークやイエロー・マジック・オーケストラによるエレクトロニックポップミュージックなど、様々なスタイルのダンスミュージックをプレイしていた。中には、お気に入りの曲をオープンリールテープで独自に編集したものを作って演奏したり、エフェクトやドラムマシン、その他のリズミカルな電子楽器をミックスしたりする者もいた。 1984年にシカゴのDJジェシー・サンダースがプロデュースし、ヴィンス・ローレンスが共同作詞した催眠的なエレクトロニックダンスソング「On and On」には、ローランドTB-303ベースシンセサイザーやミニマルなボーカル、ローランド（具体的にはTR-808）ドラムマシン、コルグ（具体的にはPoly-61）シンセサイザーなど、初期のハウスサウンドの定番となった要素が含まれていた。

「On and On」は「最初のハウスレコード」として引用されることもあるが、^{[63] [64]} JM Silkの「Music is the Key 」（1985年）など、その頃の他の例も挙げられている。^{[65]ハウスミュージックはすぐにニューヨーク、}ニューアーク、デトロイトなどのアメリカの都市に広がり、各都市で独自の地域シーンが形成された。 1980年代半ばから後半にかけて、ハウスミュージックはヨーロッパ、南米の主要都市、オーストラリアでも人気を博した。^[66]シカゴハウスは、ハウスマスターボーイズとルードボーイオブハウスの「House Nation」（1987年）などのリリースにより、ヨーロッパで商業的な成功を収めた。これに続いて、M|A|R|R|Sの「 Pump Up The Volume」（1987 年）、S'Expressの「 Theme from S'Express」（1988 年）、Coldcutの「 Doctorin' the House」（1988 年）など、ハウスにインスパイアされた数多くのリリースがポップ チャートに登場しました。

チャランジット・シンの『シンセサイジング：ディスコビートへの10のラーガ』 (1982年)は、インドのラーガをディスコスタイルで演奏したアルバムで、その電子楽器と最小限のアレンジはアシッドハウスミュージックのサウンドを先取りしていたが、21世紀にアルバムが再発見されるまで、このジャンルに何らかの影響を与えたとは知られていない。^{[67] [68] [69]}

1980年代、デトロイトのDJ、フアン・アトキンス、デリック・メイ、ケビン・サンダーソンは、テクノと呼ばれる新しいスタイルの音楽の基礎を築きました。彼らは、シカゴ・ハウスの影響を受けたエレクトロニックとデトロイト（モータウンを含む）の影響を受けたファンクのサウンドを、脱工業化都市の機械的な雰囲気と融合させ、四分音符のキックドラムと、2分音符、4分音符、または8分音符のスネアまたはハイハットで駆動する4つ打ちのビートのテクノサウンドを生み出しました。

1980年代半ば、スペインのバレアレス諸島の小さな島、イビサ島ではハウスミュージックが盛んだった。バレアリックサウンドは当時島から生まれた音楽の精神であり、古いビニール製のロック、ポップ、レゲエ、ディスコレコードと「何でもあり」の姿勢が組み合わさり、イビサ島はドラッグに誘発された音楽実験の中心地となった。^[70]バレアリックハウスの先駆者であるアルフレド・フィオリートがレジデントDJを務めるアムネシアというクラブがシーンの中心だった。^[71]アムネシアはヨーロッパ中で知られるようになり、1980年代半ばから後半にかけては大陸全土から人々が集まるようになった。^[72]

1988年までに、ハウスミュージックはヨーロッパで最も人気のあるクラブミュージックとなり、同年、イギリスとドイツではアシッドハウスが顕著なトレンドとなった。 ^[73]イギリスでは、イギリスのアフリカン・カリビアン・サウンドシステムシーンを中心としたウェアハウスパーティーのサブカルチャーが確立し、ダンスミュージックのみをフィーチャーしたアンダーグラウンドのアフターパーティーを活気づけた。また、1988年には、イビサのDJアルフレドに関連するバレアリックパーティーの雰囲気がロンドンに持ち込まれ、ダニー・ランプリングとポール・オークンフォールドがそれぞれクラブシュームとスペクトラムをオープンした。両店はアシッドハウスの代名詞となり、この時期にMDMAがパーティードラッグとして注目を集めた。その他の重要なイギリスのクラブには、リーズのバック・トゥ・ベーシックス、シェフィールドのリードミルとミュージックファクトリー、マンチェスターのハシエンダなどがあり、マンチェスターのマイク・ピカリングとグレアム・パークのスポットNudeは、アメリカのアンダーグラウンドダンスミュージックの重要な実験場となった。^{[注 1] [74]}ハウスとアシッドハウスの成功はデトロイトテクノへの道を開いた。このスタイルは当初シカゴ、ニューヨーク、北イングランドのいくつかのハウスミュージッククラブで支持され、後にデトロイトのクラブも追いついた。^[75]テクノという用語は、 1988年に10レコード/ヴァージンレコードのコンピレーション『テクノ：デトロイトのダンスサウンド』がリリースされた後に初めて使用された。 ^[76]

デトロイトで最初に広く注目された作品の1つは、デリック・メイの「ストリングス・オブ・ライフ」（1987年）で、メイの前作「ヌード・フォト」（1987年）とともに、1987年から1988年のハウスミュージックブーム（セカンド・サマー・オブ・ラブを参照）の間、ヨーロッパ、特にイギリスとドイツでテクノの知名度を高めるのに貢献した。^[77]この曲はメイの最も有名な曲となり、フランキー・ナックルズによると「爆発した。初めて聞いたとき、人々がそのレコードから得たパワーとエネルギーは、想像もできないようなものだった。マイク・ダンは、ベースラインのないレコードを人々が受け入れることができるのか全く分からないと言っている。」^{[78]イギリスのDJ}マーク・ムーアによると、「ストリングス・オブ・ライフ」はロンドンのクラブ通いがハウスを受け入れるきっかけとなった。「ほとんどの人がハウスミュージックを嫌っていて、レアグルーヴやヒップホップばかりだったから…マッド・クラブで「ストリングス・オブ・ライフ」をかけるとフロアが空になった」。^{[79] [注2]} 1980年代後半までに、クラブシーンではハウス、アシッドハウス、テクノへの関心が高まり、MDMAを摂取したクラブ通いは、イギリスでは午前2時に閉店するため、夜通しのウェアハウスパーティーでアフターアワーの避難場所を探し始めた。1年も経たないうちに、1989年の夏には、一度に最大2万5000人がレイブと呼ばれる商業的に組織されたアンダーグラウンドパーティーに参加するようになった。^[1]

トランスは1980年代後半にイギリスのレイブシーンから生まれ、1990年代初頭にドイツでさらに発展し、テクノやハウスから派生したよりメロディアスな音楽としてヨーロッパ全土に広まった。^{[要出典]トランスミュージックがヨーロッパで発展していたのと同時期に、このジャンルはインドの}ゴア州でも支持を集めていた。^[81] トランスは主にインストゥルメンタルだが、ボーカルが混ざることもある。典型的にはメゾソプラノからソプラノの女性ソリストによって演奏され、伝統的な詩やコーラスの構造がないことが多い。トランスミュージックの構造化されたボーカル形式は、ボーカルトランスのサブジャンルの基礎を形成し、「壮大で高揚感がありオペラ的」で「シンセサイザーの間に漂う優美な女性リード」と表現されている。^{[82] [83]}トランスミュージックは、アシッドトランス、クラシックトランス、ハードトランス、プログレッシブトランス、^[84]アップリフティングトランスなど、いくつかのサブジャンルに分類されます。^{[84] [要出典]} アップリフティングトランスは、「アンセムトランス」、「エピックトランス」、「コマーシャルトランス」、「スタジアムトランス」、「ユーフォリックトランス」とも呼ばれ^、 [ ^85] 1990年代^{[84]と2000年代には}フェリー・コーステン、アーミン・ヴァン・ブーレン、ティエスト、プッシュ、ランク1などの一流アーティストによってクラシック音楽から強い影響を受けており、現在ではアンディ・ブルーマン、チーロ・ヴィゾーネ、サウンドリフト、アークティック・ムーン、セルゲイ・ネヴォン&サイモン・オシャインなどのアーティストによって「オーケストラアップリフティングトランス」または「シンフォニックオーケストラによるアップリフティングトランス」というサブジャンルが発展している。アップリフティングトランスと密接に関連しているのがユーロトランスで、これは高度に商業化されたヨーロッパのダンスミュージックの多種多様な総称となっている。いくつかのサブジャンルは、他の主要なエレクトロニック音楽ジャンルとクロスオーバーしています。たとえば、テックトランスはトランスとテクノのミックスであり、ボーカルトランスは「[トランスの]プログレッシブ要素とポップミュージックを組み合わせたものです。」^[84]ドリームトランスのジャンルは1990年代半ばに始まり、当時はロバートマイルズによって人気を博しました。

AllMusic はプログレッシブトランスについて次のように述べている。「トランスはそもそもチャートであまりヒットしなかったため、トランスファンのプログレッシブ派はより商業的でチャート志向のサウンドへと直接つながっていった。ユーロダンスやハウスのよりスムーズなサウンドを強調し (時にはベースメント・ジャックスよりもジャン＝ミシェル・ジャールを彷彿とさせる)、プログレッシブトランスはミレニアムの終わりまでに世界中のダンスフロアのサウンドとなった。批評家はプログレッシブトランスが予測可能なブレイクダウンに焦点を当てていることやビートミックスのスキルが比較的欠けていることを嘲笑したが、プログレッシブトランスは最もホットな DJ に打ち負かされた。」^[86]

1990 年代初頭までに、レイブ シーン内で、アメリカのハウスやテクノとは異なるアイデンティティを持つ音楽スタイルが生まれました。この音楽は、それ以前のヒップホップと同様に、サンプリングされたシンコペーションビートやブレイクビーツ、さまざまな音楽ジャンルからのその他のサンプル、そして時には映画やテレビ番組の音楽、セリフ、効果音のサンプルを組み合わせたものでした。ハウスやテクノなどの初期のダンス ミュージック スタイルと比較すると、いわゆる「レイブ ミュージック」はベース サウンドを強調し、より速いテンポ、つまり1 分間の拍数(BPM) を使用する傾向がありました。このサブジャンルは「ハードコア」レイブとして知られていましたが、1991年という早い時期から、これらのハイテンポのブレイクビーツ、ヘビーなベースライン、古いジャマイカ音楽のサンプルで構成された一部の音楽トラックは、ジャック・スムースとベースメント・レコードの影響を受けたジャンルである「ジャングル・テクノ」と呼ばれていました。その後、単に「ジャングル」と呼ばれ、イギリスのレイブや海賊ラジオで人気の独立した音楽ジャンルとして認識されるようになりました。ドラムンベースの歴史を語る上で重要なのは、ジャングル以前にレイブ音楽がより速く、より実験的になっていたことです。

1994年までに、ジャングルは主流の人気を集め始め、音楽のファン（しばしばジャングリストと呼ばれる）は若者のサブカルチャーのより認識される部分となった。このジャンルはさらに発展し、ラガマフィンサウンド、ダンスホール、MCチャント、ダブベースライン、ますます複雑で大幅に編集されたブレイクビーツパーカッションなど、既存の音楽ジャンルの幅広い要素を取り入れ、融合した。エクスタシーに満ちたレイブシーンとの関連にもかかわらず、ジャングルは、英国のヒップホップシーンに影響を与えたギャング文化と、ジャングルのしばしば攻撃的または威嚇的なサウンドと暴力のテーマ（通常はサンプルの選択に反映されている）の両方の結果として、暴力や犯罪行為との関連も受け継いでいる。しかし、これは、ロンドンで普及しているより広範なレイブシーンとダンスホールベースのジャマイカ音楽文化の一部としての音楽の多くの場合肯定的な評判と並行して発展した。 1995年までに、この文化的分裂への反応としてか、あるいは独立してか、一部のジャングルプロデューサーはラガの影響を受けたスタイルから離れ、便宜上ドラムンベースと総称されるものを作り始めました。^[87]

ダブステップは、1990年代後半にサウスロンドンで生まれたエレクトロニックダンスミュージックのジャンルです。一般的に、サブベースの周波数が目立つベースラインを伴う、まばらでシンコペーションのあるリズムパターンが特徴です。このスタイルは、 2ステップ、ダブ・レゲエ、ジャングル、ブロークンビート、グライムなどの関連スタイルの系譜を引き継いで、 UKガレージから派生したスタイルです。^{[88] [89]}英国では、このジャンルの起源は、1980年代初頭のジャマイカのサウンドシステムパーティーシーンの成長にまで遡ることができます。 ^{[89] [90]}

最も古いダブステップのリリースは1998年に遡り、通常は2ステップガレージのシングルリリースのB面としてフィーチャーされていました。これらのトラックは、ボーカルに重点を置かず、よりダークで実験的なリミックスであり、ブレイクビーツやドラムンベースの要素を2ステップに取り入れようとしていました。2001年、この曲やその他のダークガレージ音楽がロンドンのナイトクラブPlastic Peopleの「Forward」ナイト（FWD>>と表記されることもあります）で紹介され、宣伝され始めました。これはダブステップの発展に影響を与えたと考えられています。音楽のジャンルを指す「ダブステップ」という用語は、Big Apple、Ammunition、Tempaなどのレーベルによって2002年頃に使用され始めました。その頃には、これらのリミックスを作成する際に使用されるスタイルの傾向が、2ステップやグライムとはより顕著になり、区別されるようになりました。^[91]

エレクトロ・ハウスは、ハウスミュージックの一種で、目立つベースラインやキックドラムと、1分間に125から135拍（通常は128）のテンポが特徴である。 ^{[92] [93] [94]その起源は}エレクトロに影響を受けた。^[要出典]この用語は、ディミトリ・ベガス・アンド・ライク・マイク、ハードウェル、スクリレックス、^{[95] [96]}スティーヴ・アオキなど、多くのDJ Magトップ100 DJの音楽を説明するために使用されている。^[97]イタリアのDJベニー・ベナッシは、2002年にリリースされたトラック「サティスファクション」で、エレクトロ・ハウスを主流にもたらした先駆者と見なされている。^{[98] 2000年代半ばまでに、エレクトロ・ハウスは人気が高まり、2005年には}スタジオBの「I See Girls」のトム・ネヴィルによるリミックス（イギリスで11位）などのヒット曲が生まれた。 2006年11月、エレクトロGQハウスのトラック、フェデ・ル・グランの「 Put Your Hands Up for Detroit」と、ボディロックスとルシアナによる「Yeah Yeah」のD・ラミレス・リミックスが、それぞれイギリスのトップ40シングルチャートで1位と2位を獲得した。^{[99]それ以来、} Feed Me、ナイフ・パーティー、ザ・M・マシーン、ポーター・ロビンソン、中田ヤスタカ^[100]、ダダ・ライフなどのエレクトロ・ハウスのプロデューサーが登場した。

トラップ ミュージックは、テクノ、ダブ、ダッチ ハウスから生まれましたが、 2000 年代後半から 2010 年代前半にかけての南部ヒップホップから派生したものでもあります。この形式のトラップ ミュージックは、次の 3 つの特徴で簡単に説明できます。「1/3 ヒップホップ (テンポと曲の構成は似ており、ほとんどのトラックは通常 70 ～ 110 bpm) - ボーカルのピッチが下げられることもあります。1/3 ダンス ミュージック - オランダの高音シンセ、ハードスタイルのサンプリング、人気の EDM 曲のトラップ リミックスが多数、1/3 ダブ (低周波に重点を置き、曲全体で繰り返しを強調)」。^[101]このジャンルを普及させたアーティストの中には、2014年にリリースされた「Core」と「Scylla」のトラックを制作したRL Grime 、 2015年にリリースされたアルバムHdynation RadioのFlosstradamus 、 2012年にリリースされたトラック「Turn Up」のCarnageなどのプロデューサーがいます^{。 [101]}この意味合いでのトラップミュージックは、「ソウルフルなシンセ、808、パンフルート、鋭いスネア、長くシロップのようにスラーリングされた母音」が特徴で、ダーティでアグレッシブなビートを生み出し、「ダークなメロディー」を生み出しました。トラップは現在、既存の曲のリミックスを作成するために主に使用されています。^{[102] [101]}

1980年にイギリスのプロデューサー、リチャード・ジェームズ・バージェスと彼のバンド、ランドスケープは、シングル「ヨーロピアン・マン」のジャケットで「エレクトロニック・ダンス・ミュージック...EDM。聴く人の喜びのために完璧にプログラムされたコンピュータ」という言葉を使った。ニューロマンティックという用語の造語者として認められているかどうかという質問に対して、バージェスは「最初はフューチャリスト、エレクトロニック・ダンス・ミュージック（ランドスケープのシングルにはEDMと印刷されている）、ニューロマンティックの3つの用語を使っていた」と答えている。^{[103] [104]}

ジャーナリストのサイモン・レイノルズはガーディアン紙に寄稿し、 2000年代後半にアメリカの音楽業界がEDMという用語を採用したのは、アメリカの「レイブ文化」を再構築し、1990年代のレイブシーンと区別しようとする試みだったと指摘した。それはエレクトロニックミュージックの時代と表現されており、MixMagの記事では「ドロップが多く、スタジアムを埋め尽くし、拳を突き上げ、チャートのトップを飾り、アメリカを征服した大規模に商業化されたメインステージサウンド...おそらくエレクトロとプログレッシブハウスの中間で、マイケル・ベイ監督によるもので、多くの音楽ジャンルと同様に、それを正確に特定しようとするのは、水を握りしめようとするようなものだ」と表現されている。^[105]イギリスでは、「ダンスミュージック」または「ダンス」がEDMのより一般的な用語である。^[4]「クラブミュージック」として広く認識されているものは、時とともに変化しており、現在ではさまざまなジャンルを含み、必ずしもEDMを包含するわけではない。同様に、「エレクトロニックダンスミュージック」は人によって意味が異なる場合があります。 「クラブミュージック」と「EDM」はどちらも曖昧に思えるが、これらの用語は、別個の無関係なジャンルを指すために使用されることもある（クラブミュージックは人気があるかどうかで定義され、EDMは音楽的特徴で区別される）。^[96]ビルボードは1974年に「ダンス」チャートを初めて導入したが、米国の音楽業界全体が音楽チャートを作成したのは1990年代後半になってからだった。[ ^93] 1995年7月、ナーバス・レコードとプロジェクトXマガジンが「エレクトロニック・ダンス・ミュージック・アワード」と名付けた最初の授賞式を主催した。^{[注 4]}

エレクトロニック・ダンス・ミュージックは、一般的にサンプラー、シンセサイザー、エフェクト・ユニット、MIDIコントローラーなどの専用機器を備えたレコーディング・スタジオで作曲・制作され、これらはすべてMIDIプロトコルを使用して相互に作用するように設定されている。このジャンルの初期の頃は、ハードウェアの電子楽器が使用され、制作では主にオーディオ信号の操作ではなくMIDIデータの操作に重点が置かれていた。1990年代後半以降、ソフトウェアの使用が増加している。現代のエレクトロニック・ミュージック制作スタジオは通常、デジタル・オーディオ・ワークステーション（DAW）を実行するコンピューターで構成され、ソフトウェア・シンセサイザーやエフェクト・ユニットなどのさまざまなプラグインがインストールされ、 MIDIキーボードなどのMIDIコントローラーで制御される。このセットアップは通常、作品全体を完成させるのに十分であり、その後マスタリングの準備が整う。^[106]

ゴーストプロデューサーとは、ビジネス契約で雇われた音楽プロデューサーで、他のDJ/アーティストのために曲をプロデュースし、その曲を自分のものとしてリリースする人物のことである。^{[107]通常、ゴーストプロデューサーは、その曲の制作者であることを明かすことを禁じられた契約を結んでいる。 [108]ゴースト}プロデューサーは、その仕事に対して簡単な報酬またはロイヤリティを受け取り、名声のプレッシャーや国際的に認められたDJのようなライフスタイルを強いられることなく、自分の好みに合わせて仕事をすることができることが多い。 [107]ゴーストプロデューサーは、定評のある「ビッグネーム」DJやプロデューサーと知り合うことで、音楽業界での知名度を高めることができる。^[107]マーティン・ギャリックスやポーター・ロビンソンのようなプロデューサーは、他のプロデューサーのゴーストプロデュースでよく知られているが、デヴィッド・ゲッタやスティーブ・アオキは、曲の中でゴーストプロデューサーを起用することで知られている。一方、ティエストのようなDJは、非難を避け、透明性を保つために、プロデューサーを公然とクレジットしている。^[109]

多くのゴースト・プロデューサーは、他の誰かのために働いたり、ソロ・アーティストとして名を馳せたりすることを禁じる契約を結んでいる。^[110]このような秘密保持契約は、ゴースト・プロデューサー、特に10代のプロデューサーは音楽業界を理解していないため、しばしば略奪的であると指摘されている。^[110 ]ロンドンのプロデューサー、マット・ゾーは、ゴースト・プロデューサーを雇うDJは「自分の音楽を作っているふりをして、私たち実際のプロデューサーを苦労させている」と主張している。^[111]

ベッドルームプロデューサーとは、ラップトップや自宅スタジオで電子音楽を作成する独立したミュージシャンのことである。従来のレコーディングスタジオとは異なり、ベッドルームプロデューサーは通常、外部ハードウェアなしで完全に「ボックス内」で音楽を作成することができる低コストで入手しやすいソフトウェアと機器を使用する。^[112]

アフロEDMは、伝統的なアフリカ音楽の要素とエレクトロニックダンスミュージックを融合したアフリカのエレクトロニックダンスミュージックのジャンルとスタイルを表しています。さまざまなアフリカのリズム、楽器、ボーカルスタイルを取り入れ、現代のEDM制作技術と融合しています。アフロEDMは何十年も存在していました。しかし、アフリカのEDMが本当に繁栄し始めたのは、21世紀のテクノロジーの出現によってのみでした。現代の人気のあるミレニアムアフロEDMのジャンルとスタイルは、gqom（南アフリカ）とAfrobeats（ナイジェリア）のジャンルに見られます。ウガンダやコンゴ民主共和国（tekno kintueni）など、他のアフリカ諸国にも音楽シーンが存在します。^[113]

ポンポン（ADMまたはアフリカンダンスミュージックとも呼ばれる）は、2018年頃にナイジェリアで登場し、EDMの影響とアフロビート、ナイジェリアのアフロポップ、ダンスホール、ハイライフが混ざり合った音楽です。その変種として、2020年代に登場したナイジェリアアフロEDMがあり、アフロビート、ナイジェリアアフロハウス、アフロエレクトロを包含しています。^{[114] [115]}

Gqomは2009年から2010年頃にダーバンで地元のレコードプロデューサーの先駆的な努力によって生まれました。Gqomはテクノ、ブロークンビーツ、ハウスミュージックの要素を融合しています。伝統的なハウスミュージックとは異なり、gqomは典型的な4つ打ちのリズムを避けることで分岐しています。GqomはEDMとハウスミュージックの両方に分類され、多様な制作技術とバリエーションが特徴です。^{[113] [116] [117] [118] [119] [120]}

当初、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの普及は、ヨーロッパのレイブやクラブ文化と関連付けられており、米国での人気は限定的だった。1990年代半ばから後半にかけて、アメリカの音楽業界がさまざまなダンスジャンルを「エレクトロニカ」として売り出す努力を始めたことで、この状況は変わり始めた。^[121]当時、ザ・プロディジー、ケミカル・ブラザーズ、ファットボーイ・スリム、アンダーワールドなど、イギリスのエレクトロニック・ミュージック・バンドの波は、時期尚早に「アメリカのエレクトロニカ革命」と関連付けられていた。^{[122] [123]}しかし、主流の成功を収めるどころか、確立された多くのEDMバンドは米国業界の周辺に追いやられた。^[122] 1998年、クラブ・ミュージックのトレンドに大きく影響を受け、イギリスのプロデューサー、ウィリアム・オービットとプロデュースしたマドンナのアルバム「Ray of Light」は、ダンス・ミュージックをポピュラー音楽リスナーの注目を集めた。^{[124] [125]} 1990年代後半、アメリカのメディアがエレクトロニカとして再ブランド化されたダンスミュージックに興味を示したにもかかわらず、アメリカのハウスやテクノのプロデューサーはDJやプロデューサーとしてのキャリアを確立するために海外に渡り続けました。^[122]ニューヨークタイムズのジャーナリスト、ケレファ・サンネによると、アリーヤの2000年のシングル「トライ・アゲイン」は「エレクトロニックダンスミュージックの革新的な技術をアメリカのポップチャートに密輸するのに役立った」とのことです。^[126]

2000年代半ばまでに、オランダ人プロデューサーのティエストは、2004年夏季オリンピックの開会式で選手入場のBGMを提供したことで、EDMに世界的な注目を集めるようになった。このイベントは、ガーディアン紙によってダンスミュージックにおける最も重要な50のイベントの1つとみなされた。^[127] 2003年、ダンスミュージックがアメリカのラジオに影響を与えた結果、ビルボードは史上初のダンス/ミックスショーエアプレイチャートを作成した。^[128] 2005年までに、北米の大衆文化におけるダンスミュージックの重要性は著しく高まった。スピンによると、 2006年のコーチェラでのダフトパンクのパフォーマンスはEDMの「転換点」であり、このデュオを新世代の「ロックキッズ」に紹介した。^[122]エンターテインメントウィークリーが指摘したように、ジャスティンティンバーレイクの「セクシーバック」は、エレクトロニックダンスミュージックのバリエーションと歌手のR&Bサウンドを融合させ、EDMサウンドをトップ40ラジオに紹介するのに役立った。 ^{[129] [130]} 2009年、フランスのハウスミュージシャンであるデヴィッド・ゲッタは、ケリー・ローランドとの「 When Love Takes Over 」などトップ40チャートでのクロスオーバーヒットの数々や、^[131]エイコン（「Sexy Bitch」）やブラック・アイド・ピーズ（「I Gotta Feeling」）などの米国のポップやヒップホップのアーティストとのコラボレーションにより、主流のポップミュージックで注目を集め始めました。 ^[132]音楽共有ウェブサイトのSoundCloudや動画共有ウェブサイトのYouTubeも、エレクトロニックミュージックへの関心を高めるのに貢献しました。ダブステップのプロデューサーであるスクリレックスは、「ブロステップ」と呼ばれるより激しいサウンドを普及させ、ヘビーメタルの攻撃性と音色と比較されました。^{[3] [133] [134] [135]}

エレクトロニック・ダンス・ミュージックの人気が高まるにつれ、プロモーターや会場は、DJが従来のミュージシャンよりも大きな利益を生み出せることに気づいた。ディプロの説明によると、「バンドの演奏時間は45分だが、DJは4時間演奏できる。ロック・バンドには3000～4000人収容の会場で演奏できるヘッドライナーが数人いるが、DJも同じ会場で演奏し、観客を2回入れ替え、人々はより高い値段で一晩中飲み物を買う。これは双方にとって有利だ」という。^[122]ラスベガスのエレクトリック・デイジー・カーニバル（EDC）やマイアミのウルトラ・ミュージック・フェスティバルなどのエレクトロニック・ミュージック・フェスティバルも規模を拡大し、視覚的な体験や、有名人の地位を獲得し始めたDJに重点が置かれた。^{[3] [133]}アヴィーチーやスウェディッシュ・ハウス・マフィアなど、有名になった他のメジャー・アーティストは、クラブではなくアリーナやスタジアムなどの主要会場をツアーした。 2011年12月、スウェディッシュ・ハウス・マフィアはニューヨークのマディソン・スクエア・ガーデンのチケットを完売させた初のエレクトロニック・ミュージック・バンドとなった。^[133]

2011年、スピン誌はデヴィッド・ゲッタ、デッドマウス、スクリレックスなどのアーティストが率いる「新しいレイブ世代」を宣言した。^[122] 2013年1月、ビルボードはEDMに焦点を当てた新しいダンス/エレクトロニックソングチャートを導入し、売上、ラジオでの放送、クラブでの再生、オンラインストリーミングに基づいてトップ50のエレクトロニックソングを追跡した。^[136]イベントブライトによると、EDMファンはソーシャルメディアを使用してイベントやライブを発見したり共有したりする傾向がある。また、ファンの78％が、仲間がイベントに参加すると自分も参加する可能性が高いと回答しているのに対し、一般のファンは43％であることも判明した。EDMには若くて社交的なファンが多い。^[137] 2011年後半までに、ミュージックトレードはエレクトロニックダンスミュージックを世界で最も急速に成長しているジャンルと表現していた。^[138]エレクトロニックミュージックの要素は、ポップミュージックでもますます目立つようになった。^[122]ラジオとテレビもダンスミュージックの主流への受容に貢献した。^[139]

EDM業界の企業統合は2012年に始まり、特にライブイベントの面で顕著だった。2012年6月、メディア幹部で現在のLive Nationの創設者であるロバート・F・X・シラーマンは、 SFX EntertainmentをEDMコングロマリットとして再出発させ、EDM事業の買収に10億ドルを投資する計画を発表した。買収対象には、地域のプロモーターやフェスティバル（Tomorrowlandを主催するID&Tを含む）、マイアミのナイトクラブ運営会社2社、エレクトロニックミュージックに特化したオンラインミュージックストアのBeatportなどがあった。^{[140] [141]} Live NationはCream HoldingsとHard Eventsも買収し、2013年にはEDC主催者のInsomniac Eventsとの「クリエイティブパートナーシップ」を発表し、独立企業でありながら同社のリソースにアクセスできるようになるとしていた。^{[142] Live NationのCEOマイケル・ラピーノはEDMを「[新しい]}ロックンロール」と表現した。^{[121] [143] [144]}

米国のラジオ複合企業iHeartMedia, Inc. (旧 Clear Channel Media and Entertainment) も EDM との提携に努めた。2014 年 1 月には、BBC Radio 1 のパーソナリティで有名なイギリス人 DJ のPete Tongを雇い、ダンスラジオブランド「Evolution」の番組制作を依頼した。 ^[145]また、SFX と提携してライブコンサートや EDM に特化したオリジナル番組を上位 40 のラジオ局向けに共同制作すると発表した。iHeartMedia の社長 John Sykes は、自社の資産を「EDM にとって最高の目的地」にしたいと説明した。^{[146] [147]}

大手ブランドもEDM現象をミレニアル世代をターゲットにする手段として利用しており^{[148] [149] [150] [151]}、EDMの曲やアーティストがテレビのCMや番組で取り上げられることが増えている。^[152]アヴィーチーのマネージャー、アッシュ・ポルノリは、これらの慣行を2000年代初頭のヒップホップの商業化に例えた。 ^[152] ハイネケンはウルトラ・ミュージック・フェスティバルとマーケティング関係を持ち、オランダ人プロデューサーのアーミン・ヴァン・ブーレンとティエストを広告キャンペーンに起用している。アンハイザー・ブッシュはSFXエンターテインメントのイベントのビールスポンサーとして同様の関係にある。^[152] 7アップは2014年に「7x7Up」を立ち上げた。これはデジタルコンテンツ、プロデューサーを起用した広告、ウルトラとエレクトリック・デイジー・カーニバルの両方でのブランドステージを含むマルチプラットフォームのEDMベースのキャンペーンである。^{[148] [153] [154]}無線通信事業者T-Mobile USはSFXと契約を結び、同社のイベントの公式無線通信スポンサーとなり、Above & Beyondと提携して2015年のツアーのスポンサーとなった。^[149]

2015年8月、SFXは価値の低下を経験し始め、^[155] CEOのシラーマンによる非公開化の試みは失敗に終わった。同社は、会社売却につながる可能性のある戦略的代替案を検討し始めた。^{[156] [157]} 2015年10月、フォーブスは、SFXエンターテインメントの衰退、収益の伸びの鈍化、フェスティバルの開催とタレントのブッキングにかかる​​コストの増加、米国東部と西部のフェスティバルの飽和状態を受けて、EDM「バブル」の可能性を宣言した。インソムニアックのCEO、パスクアーレ・ロテラは、業界が「イノベーション」に焦点を当て、新しい市場に参入することで、市場全体の財政的不確実性を乗り越えられると感じていた。[ 158 ^]人気のEDMへの関心が薄れるとの予測にもかかわらず、2015年には米国で55億ポンドの産業になると推定され、2012年の推定と比較して60％増加した。^[159]

SFXは2016年12月にAEGライブの元幹部ランディ・フィリップスの指揮の下、ライブスタイルとして破産から脱却した。^{[160] [161]}同社は2018年にライブ音楽資産の売却を徐々に開始し、ロック・イン・リオ（フェスティバルのラスベガス版の試みの一環として購入した）の株式を売却し、^{[162] [163]その後、} ID＆T ^{[164] [165]}やリアクト・プレゼンツなど、SFXが所有する他のプロモーターも売却した。^[166]フィリップスは2019年に他のプロジェクトを追求するためにCEOを退任した。^[167]

アメリカでEDMが普及した後、カール・コックス、スティーブ・ローラー、マルクス・シュルツなど多くのプロデューサーやDJが、ダンスミュージックの過度な商業化がDJの芸術に影響を与えていると懸念を表明した。コックスは、新しいEDM DJが採用した「ボタンを押すだけのDJ」のアプローチは、彼が「DJの精神」と呼ぶものを代表するものではないと考えた。^{[133] DJのティム・シェリダンは、} Mixmagに寄稿し、自動同期を使用し、事前に録音された「明らかなヒット曲」のセットを再生する「ボタンを押すだけのDJ」が、「見世物、金、芸能界」に取って代わられた状況を生み出したと主張した。^[168]

一部のハウスプロデューサーは、「商業的な」EDMにはさらなる差別化と創造性が必要であることを公然と認めた。2013年のアルバム『True』にリードシングル「 Wake Me Up」などのブルーグラスの要素を取り入れた曲を収録したアヴィーチーは、ほとんどのEDMには「長続きしない」と述べた。 ^[169]デッドマウスは、人気のEDMの均質化を批判し、「どれも同じように聞こえる」と述べた。2014年のウルトラミュージックフェスティバルで、デッドマウスは新進気鋭のEDMアーティスト、マーティン・ギャリックスについて批判的なコメントをし、後にギャリックスの「Animals 」を「 Old McDonald Had a Farm 」のメロディーにリミックスした編集版を演奏した。その後、ティエストはツイッターでデッドマウスがアヴィーチーの「Levels」と自身の「Ghosts 'n' Stuff」を「皮肉にも」ミックスしたと批判した（健康上の問題によりフェスティバルのスケジュールでアヴィーチーの直前の代役を務めたことに言及）。これに対してデッドマウスは、曲を「皮肉にも」演奏することは「シンクボタンを押しながら冷笑すること」を伴うのかと質問した。 ^{[170] [171] [172] [173]}

2014年5月、NBCのコメディシリーズ『サタデー・ナイト・ライブ』は、デジタルショート『When Will the Bass Drop? 』で、EDM文化とボタンを押すDJのステレオタイプをパロディ化した。この番組では、コンピューターゲームをしたり、卵を焼いたり、お金を集めたりといった日常的な活動をしているDJが、巨大な「BASS」ボタンを押してコンサート参加者の頭を爆発させるという内容だった。^{[174] [175] [176]}

アメリカのポピュラーEDM市場は、何年にもわたる急速な成長の後、いわゆる「ビッグルーム」エレクトロハウスを制作することで有名なアーティストたちがスタイルの多様化を始めた2016年に衰退し始めた。この発展は、 2016年4月にリリースされたテクノの影響を受けたシングル「The Death of EDM」で、そのようなDJ2人、デビッド・ゲッタとショウテックによって直接言及された。 ^[177] 2010年代の終わりまでに、主流のポピュラー音楽における支配的な勢力としてのEDMの地位は、他のスタイルに取って代わられ、頭打ちになり始めた。^{[105] [178]}

2015年5月、国際音楽サミットのビジネスレポートでは、世界のエレクトロニックミュージック産業の価値が約69億ドルに達したと推定されています。この数字には、音楽販売、イベント収入（ナイトクラブやフェスティバルを含む）、DJ機器やソフトウェアの販売、その他の収入源が含まれています。このレポートでは、主に国内、米国、欧州の投資による東アジア、インド、南アフリカなど、エレクトロニックダンスミュージックの新興市場もいくつか特定されています。また、いくつかの主要なフェスティバルがラテンアメリカに進出し始めました。^[179]

西アフリカのガーナでは、 Djskyというアーティストが2015年から現在までEDMを紹介し、Hey Ibiza、Sunset music Festival、Sky showなどの成功したフェスティバルやイベントを企画しました。^{[180] [181] [182] [183]}​​ WatsUp TVのインタビューで、Djskyはガーナの音楽にエレクトロニックミュージックダンスを紹介した最初の人物であると明かしました。^{[184] [185]}

エチオピアでは、2018年にロフナンという若いアーティストがEDMのサウンドを伝統的なリズムやメロディーに取り入れてブレイクして以来、EDMは主流の音楽の一部となっている。^[186]彼のショーでは、何万人もの若者が全国のスタジアムを埋め尽くし、ラジオではこの新興ジャンルが放送され始めた。^{[187] [188]}

中国は、当初EDMがあまり浸透していなかった市場である。プロモーターたちは、主にインストゥルメンタルの音楽が比喩的な言語の壁を取り除くと信じていたが、他の地域と同様に中国には目立ったレイブ文化がないこと、また外国のアーティストよりも中国国内のポップスが人気だったことが、中国でのEDMの成長を妨げた。元ユニバーサルミュージックの幹部であるエリック・ゾウは、米国の成長に触発され、2013年に上海で初開催されたストームフェスティバルの企画、アンハイザー・ブッシュのバドワイザーブランドとのフェスティバルのタイトルスポンサー契約の締結、地元の才能の発掘、アヴィーチーと王力宏の「Lose Myself」など、EDMプロデューサーと中国人歌手とのコラボレーションの企画など、中国で最初の大規模な電子音楽投資を行った。その後の数年間で、より多くのEDMイベントが中国で開催されるようになり、ストーム自体も、初開催年よりも2014年に多くのプレパーティーが行われた。 2015年10月に開催された第1回国際音楽サミット中国で発表された新しいレポートによると、中国のEDM業界は、イベント数の増加（モダンスカイや陰陽などの新しい主要フェスティバルブランドを含む）、国内のエレクトロニックミュージックの売上の6％増加、市場全体の大きな規模を理由に、緩やかな成長を遂げていることが明らかになった。周氏はまた、中国の「実践的な」政治環境と、文化イベントへの中国の投資が、国内のEDMの成長を「促進」するのに役立っていると信じていた。^{[189] [190]}

1980年代には、倉庫、放棄された航空機格納庫、野原、その他の大きなオープンエリアなどの秘密の場所で開催される違法なアンダーグラウンド レイブ パーティーで、エレクトロニック ダンス ミュージックがよく演奏されていました。1990年代から2000年代にかけて、1980年代から1990年代初頭のアンダーグラウンドレイブカルチャーの側面が、合法で組織化された EDM コンサートやフェスティバルへと進化し始めました。大規模なフェスティバルでは、多くの場合、さまざまな EDM ジャンルを代表する多数のアーティストが複数のステージで出演します。フェスティバルでは、全体的な体験の一部として視覚的なスペクタクルに重点が置かれており、基礎となるテーマのある精巧なステージ デザイン、複雑な照明システム、レーザー ショー、花火などが取り入れられています。レイブファッションも参加者の間で進化し、ガーディアン紙は、1990年代の「キャンディ・レイバー」から「ベニスビーチとシルク・ドゥ・ソレイユ、ウィリー・ウォンカ、ゲイ・プライド・パレードの中間のような、洗練されてセクシーでありながらキッチュでシュールなイメージ」へと進化したと評した。^{[3] [133] [153]}これらのイベントは、組織化された性質、多くの場合主要な会場で開催され、参加者の健康と安全を確保するための対策が講じられている点で、アンダーグラウンドのレイブとは異なっていた。^[192] MTVのローリー・ボーンスタインは、エレクトロニックミュージックを「新しいロックンロール」と表現し、^{[193]ロラパルーザの主催者}ペリー・ファレルも同様に表現した。^[194]

ビルボードのレイ・ワデルは、フェスティバルのプロモーターがブランディングで素晴らしい仕事をしたと指摘した。^[193]大規模なフェスティバルは開催都市にプラスの経済的影響を与えることが証明されている。 ^{[192] 2014年のウルトラ・ミュージック・フェスティバルは、マイアミ/}南フロリダ地域の経済に16万5000人の参加者と2億2300万ドル以上をもたらした。 ^{[154]ベルギーの}トゥモローランド・フェスティバルの米国版であるトゥモローワールドの初開催は、アトランタ地域に8510万ドルをもたらした。これは、今年初めに開催されたNCAAファイナル・フォー（ NCAAディビジョンI男子バスケットボールトーナメントの準決勝と全国選手権）の収益に匹敵する。 ^[195] EDCラスベガスは、3日間（6月19日〜21日）で40万5000人以上の参加者を記録し、2015年だけでクラーク郡の経済を3億5030万ドル押し上げた。^[196]

EDMとフェスティバルの人気により、コーチェラやロラパルーザなど、エレクトロニック音楽とはあまり関係のないマルチジャンルのフェスティバルでも、ラインナップにエレクトロニック系のアーティストが加わるようになった。これらのフェスティバルではEDM専用のステージで演奏することが多いが、デッドマウス、カルヴィン・ハリス、サブトロニクスなどのメジャーアーティストが、それぞれロラパルーザやコーチェラのメインステージでヘッドライナーを務めている。これらは通常、ロックやオルタナティブ系のアーティストが出演する場所である。^{[197] [198]} グローブ・アンド・メール紙のラッセル・スミスは、商業的なフェスティバル業界はレイブ・サブカルチャーの本来の原理とは正反対であると感じており、「高額なチケット、巨大企業スポンサー、粗野なブロカルチャー（スタジアムを巡回する上半身裸の筋肉質の少年たち、彼らの肩に乗るビキニ姿の小柄な人気少女たち）、そして感傷的な音楽そのもの」を挙げている。^[199]薬物関連の事件や参加者の行動をめぐるその他の苦情は、エレクトロニック音楽イベントに対する地元当局の否定的な認識や反対につながっている。^{[199] [200]}

2014年のウルトラ・ミュージック・フェスティバルで初日に大勢の観客が警備員を踏みつける事件が起きた後、マイアミ市の市政委員会は踏みつけ事件やわいせつな行為、参加者から嫌がらせを受けたというダウンタウンの住民の苦情を理由に、同市でのフェスティバルの開催を禁止することを検討した。委員会は、主催者がセキュリティ、薬物使用、参加者のわいせつな行為に対処するという条件で、ウルトラの経済効果がプラスであることを理由にマイアミでの開催継続を許可する投票を行った。^{[201] [202] [203]懸念が続いた後、2018年に委員会は}ベイフロント・パークとマイアミのダウンタウンでのフェスティバルの開催を禁止する投票を行ったが、^{[204] [205] [206]}その後、イベントをマイアミの防波堤の島の一つ、バージニア・キーに移す提案を承認した。^[207]交通問題（バージニアキーとマイアミ本土の間には車両が1本しかないため）やその他の問題の影響を受けたフェスティバルの後、ウルトラは合意から撤退し、ベイフロントパークに戻る合意を交渉した。 ^{[208] [209]}ジャングルとドラムンベースに特化した英国のレコードレーベル、ホスピタルレコードは、英国やEDMの影響が大きい他の国のクラブやその他の場所でホスピタリティ^[210]と呼ばれるフェスティバルを運営している。これらのイベントは通常、レコードのミュージシャン名簿に載っているアーティストのコンサートである。

COVID-19パンデミックにより、フェスティバルの中止やソーシャルディスタンスの制限が、フェスティバルや音楽業界の経済活動に悪影響を及ぼしている。^[211]フェスティバルは、多くの人が集まるリスクが高いため、健康と安全に関する規制や危機管理やリスク管理が求められている。その結果、フェスティバルやパフォーマンスがオンラインでストリーミング配信されることが当たり前になった。^[211]

2020年、COVID-19パンデミックの影響で、すべての大規模なEDM音楽フェスティバルが延期または中止となった。2020年3月4日、ウルトラマイアミは、州の収容人数規則と郡の安全プロトコルと規制に準拠できなかったため、イベントを中止した最初のエレクトロニックダンスミュージックフェスティバルとなった。^[212] 2020年4月21日、ミシガン州ロスベリーのエレクトリックフォレスト音楽フェスティバルは、健康上の懸念から、2020年6月25日〜27日のイベントを2021年6月に再スケジュールした。^[213] 2020年7月9日、ニューヨーク市長のビル・デブラシオは、9月30日まですべての大規模イベントを中止することを決定した。 ^[214]その結果、レイバーデーウィークエンドにニューヨーク市のランドールズ島で開催されるエレクトリック ・ズー2020は、2020年のイベントを完全にキャンセルした。

北米最大のダンスミュージックフェスティバルであるエレクトリック・デイジー・カーニバル・ラスベガス（EDC）は、2020年5月15〜17日に開催される予定でした。4月にEDCは5月のイベントを2020年10月2〜4日に延期し、その後8月2日にEDCラスベガス2020を正式にキャンセルすると発表しました。 ^[215]代わりに、EDCのCEOであるパスクアーレ・ロテッラは、2021年5月21〜23日にEDCの25周年を祝うことを発表しました。 ^[216] 2021年4月9日、EDCは2021年5月に開催されるイベントのラインナップとCOVID-19安全プロトコルをまだ発表していませんでした。^[217] 2021年4月20日、ロテッラはフェスティバルを2021年10月22〜24日に延期しました。^[218]

これらのイベントのキャンセルは、音楽業界とイベントを運営する企業に経済的な打撃を与えた。EDC 2020は当初、最初のイベントのチケット20万枚が完売したが、新しい日程に来られない人のために全額返金を提供した。^[219] Electric Zooは、一般入場券に50ドル、VIPチケットに100ドルを追加で提供することで、顧客がチケットを保持するインセンティブを含め、フェスティバル会場での商品や食べ物に使用できるようにした。^[214]  ほとんどの音楽フェスティバル会社は、チケットを次のイベントに繰り越すか、参加できない人に対して全額返金することを提案したが、最終的にはCOVID-19の不確実性により多くの顧客を失った。^[211]

ダンスミュージックは娯楽目的の薬物使用と長い関連があり、^{[220]特に「}クラブドラッグ」という名前で分類されているさまざまな薬物と関連している。ラッセル・スミスは、薬物と音楽サブカルチャーの関連は決してエレクトロニックミュージックに限ったことではないと指摘し、サイケデリックロックとLSD、ディスコミュージックとコカイン、パンクミュージックとヘロインなど、特定の薬物と関連した音楽ジャンルの過去の例を挙げた。^[199]

メチレンジオキシメタンフェタミン（MDMA）はエクスタシー、E、モリーとも呼ばれ、レイブ文化では好まれる薬物とみなされることが多く、クラブ、フェスティバル、ハウスパーティーでも使用されています。^[221]レイブ環境では、音楽や照明による感覚的効果が薬物と非常に相乗効果を発揮することがよくあります。MDMAのサイケデリックなアンフェタミンの性質は、「レイブ」環境のユーザーにとって魅力的な理由を複数提供します。薬物の抑制を軽減する効果から大衆の交わりの感覚を楽しむユーザーもいれば、薬物の刺激効果のためにパーティーの燃料として使用するユーザーもいます。^[222]パラメトキシアンフェタミン（4-MA）はピンクエクスタシー、PMA、「デス」または「ドクターデス」としても知られ、MDMAに似ていますが、効果が出るまでに最大1時間かかることがあり、高体温やその後の臓器不全を引き起こす可能性があります。 PMAを摂取する人は、それがMDMAであると誤解されることが多い。^{[223] [224]}

MDMAは幻覚剤と併用されることが時々知られています。より一般的な組み合わせとしては、MDMAとLSD、MDMAとDMT、MDMAとシロシビンキノコ、MDMAと解離性薬物ケタミンなどがあります。多くの使用者は、薬物の効果を体験しながらの冷却感のために、MDMAを服用する際にメントール入り製品を使用します。例としては、メントールタバコ、ヴィックスヴェポラップ、ナイキル、^[225]、トローチなどがあります。

レイブやその他のパーティーでは、非医療用ケタミンの発生が増加している。^[226]しかし、高用量での麻酔作用（例：ろれつが回らない、動けなくなる）のため、クラブドラッグとしてのケタミンの出現は他のクラブドラッグ（例：MDMA ）とは異なります。 ^[227]さらに、ケタミンが「エクスタシー」として販売されているという報告もあります。^[228]「クラブ後の体験」の一環としてのケタミンの使用も記録されています。^[229]香港では、1990年代末までにダンスカルチャーにおけるケタミンの台頭が急速に進みました。^[227] 1999年に米国で連邦政府の規制物質になる前は、ケタミンは転用された医薬品として、また国内の化学品供給会社から大量に販売された純粋な粉末として入手可能でした。^[230]現在、非医療目的に転用されているケタミンの多くは中国とインドで生産されています。^[230]

主要なエレクトロニック音楽のコンサートやフェスティバルでは、薬物使用によると思われる死亡事故が多数発生している。ロサンゼルス・メモリアル・コロシアムは、 2010 年のエレクトリック・デイジー・カーニバルで未成年の参加者が「メチレンジオキシメタンフェタミン中毒による虚血性脳症の合併症」で死亡したことを受けて、インソムニアック・イベントをブラックリストに登録した。その結果、イベントは翌年ラスベガスに移転された。^{[231] [192] [232] [233] [234]}アメリカ合衆国ニューヨーク市で開催されたエレクトリック・ズー2013とマレーシアのクアラルンプールで開催されたフューチャー・ミュージック・フェスティバル・アジア2014で薬物関連の死亡事故が発生したため、両イベントの最終日は中止となった。^{[233] [235]}一方、ライフ・イン・カラーは、この事件とインドネシアのジャカルタで開催されたA State of Trance 650コンサートで発生したその他の薬物関連の死亡事故を懸念して、マレーシアで予定されていたイベントを中止した。^{[236] [237] [238]}

2016年9月、アルゼンチンのブエノスアイレス市は、2016年4月に同市で開催されたタイムワープフェスティバルで薬物関連の死亡者5名、負傷者4名が発生したことを受けて、今後の法律制定を待ってすべてのエレクトロニック音楽イベントを禁止した。この禁止令により、エレクトロニックバンドのクラフトヴェルクは、フェスティバルとコンサートの間に相違点があると主張したにもかかわらず、同市で予定されていたコンサートをキャンセルせざるを得なかった。^{[239] [240]}

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• Hewitt, Michael. Music Theory for Computer Musicians. 1st Ed. U.S. Cengage Learning, 2008. ISBN 978-1-59863-503-4
• "Electronic dance music glossary" by Moby for USA Today (December 13, 2011)
• Simplified guide to the various EDM genres with sample tracks: "An Idiot's Guide to EDM Genres"
• Vice Magazine. 2013. Rave Culture, a handy guide for middle America: "Explaining Rave Culture to Americans"
• "Beat Explorers Dance Music Guide" from "BeatExplorers"