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レオ・オーンスタイン | |
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 若い頃のレオ・オーンスタイン、 1918年頃 | |
| 生まれる | 1895年12月11日 |
| 死亡 | 2002年2月24日（享年106歳） グリーンベイ、ウィスコンシン州、アメリカ合衆国 |
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レオ・オーンスタイン（本名：レフ・オーンシュタイン、ロシア語：レーヴ・オーレンシュテイン、 1895年12月11日頃[注 1] - 2002年2月24日）は、20世紀初頭のアメリカの実験音楽作曲家、ピアニスト。前衛音楽作曲家の作品や、自身の革新的で衝撃的な作品の演奏により、大西洋の両側で有名になった。実験音楽作品の大半はピアノのために書かれた。[1]
オーンスタインは、トーンクラスターを広範に使用した最初の重要な作曲家でした。ピアニストとして、彼は世界クラスの才能と見なされていました。[2] 1920年代半ばまでに、彼は名声を捨て、すぐに人々の記憶から消えました。40歳になる前に最後の公開コンサートを行いましたが、その後半世紀以上にわたって音楽を書き続けました。何十年もほとんど忘れ去られていましたが、1970年代半ばに再発見されました。オーンスタインは、1990年9月に94歳で8番目で最後のピアノソナタを完成させ、当時史上最年長の出版作曲家となりました（この記録はその後エリオット・カーターに破られました）。
若いころ
オルンシュタインはロシア帝国（現在はウクライナの一部）のポルタヴァ県クレメンチュークで生まれた。彼は音楽的な環境で育った。父親はユダヤ人のカントル（ハッザン）で、ヴァイオリニストの叔父が少年の勉強を奨励した。オルンシュタインは早くからピアノの天才として認められ、1902年に有名なポーランドのピアニスト、ヨゼフ・ホフマンがクレメンチュークを訪れた際、6歳のオルンシュタインの演奏を聴いた。ホフマンは彼に、高く評価されているサンクトペテルブルク音楽院への推薦状を与えた。その後まもなく、オルンシュタインは当時ウラジーミル・プチャルスキーが校長を務めていたキエフ帝国音楽学校の生徒として受け入れられた。しかし家族の死により、オルンシュタインは帰国を余儀なくされた。1903年、オシップ・ガブリロヴィッチが彼の演奏を聴き、モスクワ音楽院への推薦を行った。 1904年、9歳のオースティンはサンクトペテルブルクの学校のオーディションを受けて合格した。[3]そこで彼はアレクサンドル・グラズノフに作曲を、アンナ・エシポワにピアノを学んだ。11歳になるまでに、オースティンはオペラ歌手の指導で生計を立てていた。[4]民族主義的で反ユダヤ主義の組織であるロシア人民同盟が扇動したポグロムから逃れるため、家族は彼が亡くなるちょうど96年前の1906年2月24日に米国に移住した。[5]彼らはニューヨークのローワー・イースト・サイドに定住し、オースティンはジュリアード音楽院の前身である音楽芸術研究所に入学し、ベルタ・フェアリング・タッパーにピアノを学んだ。1911年、彼はバッハ、ベートーヴェン、ショパン、シューマンの作品でニューヨーク・デビューを果たし、好評を博した。音楽史家マイケル・ブロイルズによれば、2年後に録音されたショパン、グリーグ、ポルディーニの作品は「感受性、驚異的な技術力、そして芸術的成熟度を備えたピアニスト」であることを証明している。[6]
名声と「未来主義」
オーンスタインはすぐにまったく異なる方向へ進み、不協和音や衝撃的な音を含む作品を作曲し始めた。[5]オーンスタイン自身も、これらの作品の初期の作品に動揺した。「最初は本当に自分の正気を疑いました。ただ、これは何だ、と。今までのどんな経験ともまったくかけ離れている、とだけ言いました。」[7] 1914年3月27日、ロンドンで、当時は「未来派」と呼ばれ、現在はモダニストとして知られる作品を初めて公に演奏した。[n 2]ブゾーニが編曲したバッハの3つの合唱前奏曲とシェーンベルクのいくつかの作品に加えて、オーンスタインは自身の作品もいくつか演奏した。このコンサートは大きな騒ぎを引き起こした。ある新聞はオーンスタインの作品を「シェーンベルクとスクリャービーネ の二乗の合計」と評した。[8]他の人はもっと分析的だった。「いわゆる音楽で表現される、これほど耐え難い醜悪さに苦しんだことはかつてなかった。」[8]
オーンスタインの次の演奏は暴動に近い状態を引き起こした。「2回目の演奏会では自作曲を演奏したが、何を演奏してもおかしくなかった。ピアノの音は自分では聞こえなかった。観客は口笛を吹き、わめき、ステージに手近なミサイルを投げつけた。」[7]しかし、反応は全面的に否定的だったわけではなく、ミュージカル・スタンダード誌は彼を「当時最も注目すべき作曲家の一人...天才の象徴であるリアリズムと人間性の萌芽を備えた」と評した。[9]翌年までに、彼はシェーンベルク、スクリャービン、バルトーク、ドビュッシー、コダーイ、ラヴェル、ストラヴィンスキーの最先端の作品（その多くは米国初演）や、さらに過激な自作曲の演奏でアメリカの音楽界の話題となった。[ 10 ]
1915年から1920年代初頭にかけて、オーンスタインは公の場での演奏を事実上やめていたが、その間、アメリカのクラシック音楽界で最もよく知られた（ある見方では悪名高い）演奏者の一人だった。ブロイルズとデニス・フォン・グラーンの記述によれば、彼の「人気は絶大だった。彼は常に満員のホールで演奏し、2000人以上の観客が集まることも多く、多くの場所では『シーズン最大の観客』だった」[11]。彼のピアノ独奏曲、例えば『野性の舞踏』（別名『野性の舞踏』、1913年～1914年頃）や『テムズの印象』 （1913年～1914年頃）は、クラシック音楽の作曲における音群の総合的使用の先駆けであり、オーンスタインより3歳年下のヘンリー・カウエルがこれをさらに普及させた。学者ゴードン・ラムソンの説明によれば、ワイルド・メンズ・ダンスは「激しく、手に負えないリズム、密集した和音の集まり、そして残忍なアクセントの作品。複雑なリズムと巨大な激しい和音がピアノの全音域を横切る。この作品は、燃えるような猛烈なエネルギーを吹き込むことができる偉大な名手のための作品である。」[12]アーロン・コープランドは、この作品の演奏を、10代後半の最も物議を醸した瞬間として回想している。[13] 2002年、ニューヨーク・タイムズの評論家は、この作品は「衝撃的な作品であり続けている」と評した。[14]批評家のカイル・ガンによれば、『テムズ川の印象』は「ドビュシアンのテクスチャーでは、ドビュッシーが決して試みなかったほどのとげとげしい和音を使い、また高音域のクラスターと、シャルルマーニュ・パレスチナを予感させる低音の響きがあり、それでも変調されていて...説得力のある統一感がある。」[15]
オーンスタインが「抽象音楽」と表現した作品の一例として、彼のヴァイオリンとピアノのためのソナタ（1915年。よく誤って1913年とされるが、そうではない）[16] は、さらに「限界まで」突き進んでおり、彼はこう述べている。「[ソナタ] は音楽をまさに限界まで押し上げたと言えるだろう。… 私はただ身を引いて、『その先には完全な混沌がある』と言っただけだ」[17]。 1916年、批評家のハーバート・F・ペイザーは「世界はまさにベートーヴェンの時代とレオ・オーンスタインの時代を行き来している」と宣言した。[18]その春、オーンスタインはニューヨークにある彼の支持者のひとりの自宅で一連のリサイタルを開催した。これらのコンサートは、1920年代に現代音楽界が繁栄することになる作曲家協会にとって重要な先例となった。[19]オーンスタインは1916年にニューオーリンズにも旅行し、そこでジャズを発見した。[20]翌年、評論家のジェームズ・ハネカーは次のように書いている。
私はアルノルド・シェーンベルクの音が大人しく聞こえるようになるとは思ってもみませんでした。しかし、オルンスタインの後では、彼の音は大人しく、ほとんど臆病で、たどたどしく聞こえます。オルンスタインは、間違いなく、唯一存命の真の未来派作曲家です。[21]
「未来派」に加えて、オーンスタインは、カウエルやその仲間の他の人々とともに、「超近代主義者」とも呼ばれることがあった。ボルティモア・イブニング・サン紙の記事では、オーンスタインを「音楽界全体を魅了し、コンサートの舞台で最も話題になる人物である、妥協を許さないピアニスト」と評した。[22]ミュージカル・クォータリー誌では、オーンスタインを「現代の最も顕著な音楽現象」と評した。[18]スイス生まれの作曲家エルンスト・ブロックは、オーンスタインを「アメリカで唯一、天才の兆候を示す作曲家」と評した。[23]
1918 年までに、オーンスタインは十分に有名になり、彼の完全な伝記が出版されました。フレデリック H. マーテンスによるこの本は、24 歳のオーンスタインの名声の高さだけでなく、彼が文化界に与えた分裂的な影響についても示唆しています。
レオ・オーンスタインは、多くの人にとって、音色の正統性の限界を越え、曲がりくねった音、未来的な絶望の嘆き、キュービズムの叫び、ポスト印象派の叫びと衝突に満ちた奇妙な無人地帯をさまよう邪悪な音楽の天才を表しています。彼は偉大な無政府主義者であり、偶像破壊者です。[24]
ニューヨークで勉強中にオーンスタインと出会ったカウエルは、音楽理論に関する野心的な著作や、前衛音楽を支援する出版や宣伝活動など、壮大な知的・文化的使命の一環として、同様に急進的なスタイルを追求した。アメリカクラシック音楽の先駆的因習打破者オーンスタインは、はるかに特異なミューズを追い求めた。「私は、何が重要で何が重要でないと感じるかに関して、完全に自分の音楽的本能に導かれている。」[25]その証拠は、超近代主義の悪名が絶頂期にあったときでさえ、彼がチェロとピアノのための第1ソナタなど、いくつかの叙情的で調性的な作品を書いたという事実である。[26]「[それは]抵抗できない衝動の下で1週間もかからずに書かれた」とオーンスタインは後に語った。 「私が他の作品の原始主義に熱中していた時期に、なぜこのロマンチックな曲を聴いたのかは理解できない。」[27]オーンスタインの死後約75年経って、批評家のマーティン・アンダーソンはこの作品について「素晴らしい旋律でラフマニノフのチェロソナタに匹敵する」と評した。[28]
1910年代に入る前、おそらく1918年か1919年に、オーンスタインはトーンクラスターを扱った最も特徴的な作品の一つである『飛行機自殺』を作曲した。[29]楽譜には、エンジン音をシミュレートし飛行感覚を捉えることを意図した高速ベースのオスティナートパターンが要求されている。 [30]この作品はジョージ・アンタイルの『飛行機ソナタ』 (1923)のインスピレーションとなり、アンタイルは『ソナタ・ソヴァージュ』 (1923)などの他の作品にオーンスタインの影響を反映している。 [31]ピアニストで歴史家のジョセフ・スミスは2000年の著作で、『飛行機自殺』を「ピアニストの暴力の極みを表す(そして今も表しているかもしれない)」オーンスタインの作品の一つとして挙げている。[32]
1920年代の変遷
燃え尽きたオーンスタインは、1920年代初頭に、その名高い演奏キャリアを事実上諦めた。[33]学者のエリック・レヴィは、彼の「音楽はすぐに忘れ去られ、彼はアメリカの音楽界において本質的に周縁的な存在となった」と書いている。[34]ブロイルズが述べているように、「1920年代の新しい音楽組織が登場した頃には、オーンスタインはほぼ引退していた。オーンスタインは、モダニズム運動がアメリカで定着した頃には、あまりに早すぎ、あまりに独立的だったため、それに参加する意欲がほとんどなかった。…[彼は]宣伝の有無にあまり悩まされていないようだった。彼は自分の声だけを聞いていた。」[35]
オーンスタインの作曲スタイルも変化していた。後年の批評家ゴードン・ラムソンが述べたように、彼の
音楽言語は、シンプルさと荒々しさの間のきらめく明るいグラデーションにまとめられている。メロディーはヘブライ風の色合いを帯びており、オーンスタインは不協和音と調性音楽を並べて配置することをためらわない。このスタイルの変化はオーンスタインの創造的ツールの1つにすぎない。さらに重要なのは、感情が直接的であるため、音楽が真に魅力的であることだ。また、彼の音楽はピアノのために理想的に書かれており、明らかに名ピアニストの作品であることも特筆すべきである。[21]
この変化はオーンスタインが忘れ去られる原因となった。オーンスタインに刺激を受けた人々は、10年前に衝撃を与えた批評家たちと同じくらい激しく彼を拒絶した。ブロイルズによると、「彼は1910年代を通じて急進的モダニズムの代表的人物だったが、彼がそのスタイルを捨ててもっと表現力豊かなスタイルに転向したとき、超近代主義者たちは軽蔑された恋人のように反応した」という。「寛容な性格で知られるカウエルでさえ、オーンスタインを許すことはできなかった」[36]
コンサートステージだけでなく、それに伴う収入も放棄したオーンスタインは、アンピコ・レーベルとピアノロールの独占契約を結んだ。[37]彼はアンピコのために24以上のロールを制作したが、そのほとんどは非モダニストのレパートリーであり、最も頻繁に演奏した作曲家はショパン、シューマン、リストだった。2つのロールには彼自身の作品が収録されていた。『子守唄』（1920年頃 - 1921年）と『悲劇的前奏曲』（1924年）である。[38]オーンスタインは、彼に名声をもたらした未来派の作品を、いかなる形式でも1曲も録音しなかった。
1920年代半ば、オーンスタインはニューヨークを離れ、後に芸術大学の一部となるフィラデルフィア音楽アカデミーで教職に就いた。[39]この時期に、彼は1925年にフィラデルフィア管弦楽団の委嘱を受けたピアノ協奏曲など、彼の最も重要な作品のいくつかを書いた。 [35] 2年後、彼はピアノ五重奏曲を作曲した。不協和音の大胆な使用と複雑なリズムのアレンジが特徴的な壮大な調性作品で、このジャンルの傑作として認められている。[40]
晩年
1930年代初頭、オーンスタインは最後の公の場での演奏を行った。[41]数年後、彼と妻でピアニストでもあったポーリン・コシオ・マレット＝プレヴォー（1892-1985）はフィラデルフィアにオーンスタイン音楽学校を設立した。[42]ここで学んだ生徒の中には、ジョン・コルトレーンやジミー・スミスが後にジャズ界で大活躍した。[43]オーンスタインは1953年に彼らの引退とともに学校が閉校するまで、この学校で監督と指導に当たった。彼らは1970年代半ばまで公の場から姿を消していたが、音楽史家ヴィヴィアン・パーリスによって発見された。夫妻は冬をテキサスのトレーラーパークで過ごしていた（ニューハンプシャーにも家があった）。[44]オーンスタインは作曲を続けていたが、強力な記憶力を備えていたため、すべてを書き留めようとはせず、何十年も公表しようとはしなかった。 1910年代以降、オーンスタインの作風は大きく変化したが、独特の特徴は保持されており、彼の再発見によって新たな生産性が爆発的に増加した。ガンの説明によれば、オーンスタインが80代に作曲したピアノ作品、例えば『孤独』や『湖畔のランデブー』は、「他の作曲家を思い起こさせない、果てしなく華麗な渦巻きから飛び出す」メロディーを特徴としている。[15]
1988年、92歳のオーンスタインは第7ピアノソナタを作曲した。この作品により、オーンスタインはエリオット・カーターが新しい本格的な作品を発表するまで、数年高齢で出版された作曲家となった。[45] 1990年9月23日、94歳でオーンスタインは最後の作品となる第8ピアノソナタを完成させた。[46] ソナタの楽章名は、驚くべき時間の経過だけでなく、衰えることのないユーモアのセンスと探究心を反映している。I.「人生の混乱とちょっとした風刺」/II. 「屋根裏への旅 ― 永遠に失われた子供時代への涙」 (a. 「ラッパ吹き」 / b. 「失われたおもちゃへの哀歌」 / c. 「半分傷ついた揺りかご ― 子守唄」 / d. 「最初のメリーゴーランドの乗り物とハーディガーディの音」) [n 3] / III. 「規律と即興」。ニューヨークでの初演を評して、評論家のアンソニー・トマシーニは次のように書いている。「第 1 楽章と第 3 楽章の狂気の喧騒の間に、中間楽章は屋根裏で発見された子供時代の思い出の品々についての 4 つの短い音楽的黙想の組曲である。まったく不調和ではあるが、音色の変化は大胆で、音楽は心を和ませる。聴衆は夢中で聴き入り、そして拍手で沸き立った。」[14]
2002年2月24日、オーンスタインはウィスコンシン州グリーンベイで老衰のため死去した。享年106歳で、作曲家の中で最も長生きした人物の一人となった。[47]
参照
注記
- ^ オーンスタインの正確な生年月日は不明瞭で、さまざまな情報源では1892年、1893年、1895年とされているが、1917年、1920年、1942年の公式文書では1895年12月11日が誕生日であるとされている。
- ^今日、「 未来派」という用語は、1900年代の最初の10年間後半にイタリアで出現した芸術運動と密接に関連していますが、20世紀初頭には、現在一般的に「モダニスト」と呼ばれる前衛芸術を指すために、より広い意味で使用されることが多かったです。
- ^ マルク＝アンドレ・アムランのピアノソナタ第8番の演奏に関するハイペリオンのオンライントラックリストでは、「失われた少年への哀歌」と「ハーディガーディの音源」が誤って記載されています。アンダーソン (2002b) のライナーノーツでは、「失われたおもちゃへの哀歌」と「ハーディガーディの音」と正しく記載されています。
引用
- ^ ブロイルズ 2001.
- ^ 以下の引用に加えて、例えば、Broyles and Von Glahn (2007)、p. 9 (「並外れた技術を持つピアニスト」)、Rumson (2002)、p. 352 (「素晴らしいピアニスト技術」)、Perlis (1983)、p. 104 (「世界的に有名なコンサートピアニストとして認められている」) も参照。Oja (2000) によると、彼は「1910 年代のアメリカの現代音楽界で最も重要な人物」でした (p. 15)。
- ^ Martens (1975)、pp. 10–11。他の多くの人と同様、Martens もオーンスタインの生年を間違えており、したがって年齢も間違っていることに注意。Martens はオーンスタインが音楽院に入学したとき 8 歳だったと述べているが、たとえば Anderson (2002a) は 12 歳だったと述べている。混乱の原因の一部は、オーンスタインが音楽院に入学したとき年齢制限に達していなかったため、学校に偽の生年月日が伝えられ、オーンスタインが実際よりも年上であると特定されたことにある (たとえば Anderson [2002a] を参照)。他の場合には、家族は明らかに少年の年齢を低く言い、彼を天才少年のように見せようとした（例えば、「Postlude: Vivian Perlis Remembers Leo Ornstein」、2011年6月4日アーカイブ、Wayback Machineで NewMusicBox、2002年4月1日、American Music Center のウェブマガジンを参照。2007年1月31日取得）。この問題を除けば、マーテンスによるオーンスタインの有名なピアニストとの出会いの年代と教育機会の順序が最も信頼できると思われる。
- ^ ブロイルズ（2004）、73ページ。
- ^ ab Broyles と Von Glahn (2007)、p. 3.
- ^ ブロイルズ（2004）、75ページ。
- ^ ab Broyles and Von Glahn (2007)、p. で引用。 4.
- ^ ab Broyles (2004)、p. 78より引用。
- ^ Broyles (2004)、78-79ページに引用。
- ^ Broyles (2004)、72ページ; Martens (1975)、29ページ。
- ^ ブロイルズとフォン・グラーン (2007)、p. 4.
- ^ ラムソン（2002）、352ページ。
- ^ クランデン（2000）、213ページ。
- ^ トマシーニ（2002年）。
- ^ ガン（2000年）。
- ^ 例えば、Ornstein (2002) を参照。これらの注釈では、Ornstein が 1920 年代半ば以降「二度と公の場で演奏することはなかった」と誤って主張していることにも注意してください。
- ^ Broyles (2004)、p. 80より引用。
- ^ ab Broyles and Von Glahn (2007)、p. で引用。 2.
- ^ Oja (2000)、p. 216;クランデン (2000)、p. 3.
- ^ Broyles と Von Glahn (2007)、p. 4 を参照。 9.
- ^ ab アンダーソン（2002a）より引用。
- ^ Broyles (2004)、342ページ、注3より引用。
- ^ Crunden (2000)、pp.4-5より引用。
- ^ マルテンス（1975）、9ページ。
- ^ Rumson (2002)、353-354ページに引用。
- ^ Broyles and Von Glahn (2007) は、この曲の作曲年を 1915 年としている (p. 5)。Anderson (2002a) および作曲者の息子 Severo が管理する詳細な Web サイトでは、この曲の作曲年を 1918 年としている。2007 年 1 月 31 日閲覧。
- ^ Broyles and Von Glahn (2007)、6ページより引用。
- ^ アンダーソン（2002a）。
- ^ 年代測定の問題についてアンダーソン（2002b）を参照。
- ^ Levi (2000)、331 ページ。困惑させられることに、レヴィは「オーンスタインの未来派との短い浮気は、表面的でセンセーショナルに思える」と断言しているが、(a) 直前の段落で「作曲家はイタリア未来派と接触がなかったようだ」と述べている (「浮気」とは到底言えない) こと、(b) オーンスタインは 5 年以上にわたって「未来派」スタイルの重要な作品を書いていた (「短い」とは到底言えない) という事実があるにもかかわらずである。
- ^ ラムソン（2002）、353ページを参照。
- ^ スミス（2001）、p. vi.
- ^ ブロイルズ（2004）、80ページ。
- ^ レヴィ（2000）、331頁。
- ^ ab Broyles (2004)、81ページ。
- ^ ブロイルズ（2004）、150ページ。
- ^ Perlis (1983)、104 ページ。Perlis は「[オーンスタイン] の音楽や演奏の録音は 1976 年以前には存在しなかった」と不正確に述べていることに注意してください。実際、上記で述べられ、Broyles (2004) が説明しているように、オーンスタインは 1913 年にコロンビア レコードで他の人の作品を録音しました。
- ^ Rollography を参照 Archived April 12, 2014, at the Wayback Machine Reproducing Piano Roll Foundation の一部 Archived July 15, 2007, at the Wayback Machine
- ^ Broyles (2004) は、これは 1924 年に起こったと述べています (pp. 80–81)。Broyles は、Von Glahn (2007) とともに、1925 年 (p. 4) と述べています。
- ^ 例えば、Anderson (2002a)を参照。
- ^ ポラック (2000) は、オーンスタインが 1930 年のコープランド・セッションズ・コンサートで演奏したことを確認している (p. 44)。ステップナー (1997) は、彼の確かな情報源に基づくメモの中で、オーンスタインの最後の公開コンサートの日付を 1933 年としているが、Suicide in an Airplane については誤って 1913 年としている。
- ^ Broyles (2004) は、この学校は 1934 年に設立されたと書いている (p. 81)。Broyles と Von Glahn (2007) は、1935 年であったとしている (p. 4)。Anderson (2002a) は、1940 年であったと述べている。
- ^ ポーター（1999）、33ページ; マシソン（2002）、53ページ。
- ^ 「Postlude: Vivian Perlis Remembers Leo Ornstein」2011年6月4日アーカイブ、Wayback Machine NewMusicBox、2002年4月1日、American Music Centerのウェブマガジン。2007年1月30日閲覧。
- ^ Broyles (2004)、p.81; Anderson (2002a)。
- ^ アンダーソン（2002b）。
- ^ ミゼット（2002年）。
出典
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- ブロイルズ、マイケル（2004年）。『アメリカ音楽における異端者とその他の伝統』コネチカット州ニューヘイブン、ロンドン：エール大学出版局。ISBN 0-300-10045-0
- ブロイルズ、マイケル、デニス・フォン・グラーン（2007年）。レオ・オーンスタイン：モダニストのジレンマ、個人の選択。ブルーミントン：インディアナ大学出版局、2007年。ISBN 0-253-02866-3
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- ステップナー、ダニエル (1997)。レオ・オーンスタイン：ピアノ五重奏曲と弦楽四重奏曲第3番（ニューワールド80509）のライナーノーツ（オンラインで入手可能）。
- トマシーニ、アンソニー (2002)。「衝撃を与える力を持つロシア狂詩曲」、ニューヨークタイムズ、3 月 28 日。
- フォン・グラーン、デニス、マイケル・ブロイルズ編 (2005)。レオ・オーンスタイン：ピアノと弦楽五重奏曲、作品92。アメリカ音楽 (MUSA) 第13巻。ウィスコンシン州マディソン：ARエディション。
外部リンク
ウィキメディア・コモンズには、レオ・オーンスタインに関連するメディアがあります。
- 国際音楽スコアライブラリプロジェクト(IMSLP)の Leo Ornstein による無料スコア
- アメリカ合衆国音楽協会 (MUSA) のレオ・オーンスタイン
- レオ・オーンスタインのアーティストのウェブサイト。息子のセベロが作成した作品リスト（多くはオンデマンドの楽譜とMP3付き）を含む。
- イェール大学アーヴィング・S・ギルモア音楽図書館所蔵のレオ・オーンスタイン文書は、彼のキャリアを網羅したアーカイブ文書集である。
- 「Re: 100 In The Shade」マーティン・アンダーソンのオーンスタイン死亡記事のより詳細なバージョン
- LTM におけるレオ・オーンスタインと未来主義
- レオ・オーンスタインとのインタビュー、1987年7月18日
- リスニング
- レオ・オーンスタイン生誕100周年記念プログラム、1992年12月1日、作曲家は生誕100周年を記念してチャールズ・アミルハニアンを訪問した。
- レオ・オーンスタイン：20世紀の最後の異端者オーンスタインと彼の妻がヴィヴィアン・パーリスにインタビューを受ける
- オルンスタイン ピアノ音楽 マルク＝アンドレ・アムランの「飛行機自殺」ハイペリオンよりレオ・オルンスタイン: ピアノ音楽
- サラ・ケイヒルがオーンスタインを演奏するビデオ。2002年の「森の朝」（1971年9月28日）のピアノ独奏版。
