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イギリス・ルネサンス演劇、あるいはエリザベス朝演劇は、1558年から1642年までのイギリスの演劇の中心であった。その代表的な劇作家は、ウィリアム・シェイクスピア、クリストファー・マーロウ、ベン・ジョンソンである。
イギリス・ルネサンス演劇という用語は、16世紀半ばから1642年にイギリス議会によって演劇が禁止されるまでの期間を指します。[ 1 ]
厳密に言えば、「エリザベス朝」とはエリザベス女王の治世（1558年～1603年）のみを指す。イギリス・ルネサンス演劇は、1558年から1603年までのエリザベス朝演劇、1603年から1625年までのジェームズ朝演劇、そして1625年から1642年までのカロライン朝演劇を包含すると言えるだろう。
職業の経済状況とともに、演劇の性質もこの時代の終わりに変化した。エリザベス女王の治世下では、演劇は社会階級に関して統一された表現であった。宮廷の人々は、庶民が公共の劇場で観るのと同じ芝居を観ていた。私設劇場の発展に伴い、演劇は上流階級の観客の趣味や価値観により向くようになった。チャールズ1世の治世の後半には、公共劇場のために書かれた新作はほとんどなくなり、劇場は過去数十年の蓄積された作品で運営を維持していた。[ 2 ]
大陸の学校と同様に、イギリスのグラマースクールも、文法、論理学、修辞学のトリヴィウムに特に重点を置いていた。修辞学の指導は、法律などの公務員としてのキャリアの準備を目的としていたが、記憶（memoria）と表現（pronuntiatio）、身振りや声といった修辞学の規範、そしてプロギュムナスマタの練習（例えば、擬人法）は、演劇のスキルを教えていた。[ 3 ] [ 4 ]生徒は通常、ラテン語とギリシャ語のテキストを分析し、独自の作品を書き、それを暗記し、教師や同級生の前で発表した。[ 5 ]記録によると、この毎週の発表に加えて、生徒は祝日にも劇を上演し、[ 6 ]ラテン語と英語の両方で上演していた。[ 7 ]
エリザベス朝の宮廷と関係のある聖歌隊学校には、セント・ジョージ礼拝堂、チャペル・ロイヤル、セント・ポールズなどがあった。[ 8 ]これらの学校は、女王のために劇やその他の宮廷娯楽を上演した。[ 9 ] 1560年代から1570年代にかけて、これらの学校は一般の観客のためにも上演を始めた。[ 10 ]少年俳優の劇団は聖歌隊学校から派生した。[ 11 ]ジョン・リリーは、子供劇団のために脚本を書く契約を結んだ劇作家の初期の例として挙げられる。リリーはポールズ・ボーイズのために『ガラテア』、『エンディミオン』、『ミダス』を書いた。 [ 12 ]もう1つの例はベン・ジョンソンで、『シンシアの祝宴』を書いた。[ 13 ]
学術演劇は、中世後期から近世初期にかけての奇跡や道徳劇、愚者の祭り、そして道徳の王の選出といった慣習に由来する。[ 14 ]愚者の祭りには仮面劇が含まれる。[ 15 ]大学、特にオックスフォード大学とケンブリッジ大学には、学士号と修士号、そして法学、医学、神学の博士号取得を目指す学生が通っていた。[ 16 ] 1400年代には、演劇はしばしば仮面劇に限られ、誰かがすべての役をラテン語で読み上げることが多かった。[ 17 ]イギリス・ルネサンス期に古典作品が再発見され再普及すると、ラテン語とギリシャ語の劇が再上演されるようになった。[ 18 ]これらの劇にはしばしば宴会が伴った。[ 19 ]エリザベス1世はオックスフォードとケンブリッジへの訪問中に演劇を鑑賞した。[ 20 ]大学で書かれ上演された有名な劇のサイクルは、パルナッソス劇である。[ 14 ]
卒業後、多くの大学生、特に法律の道に進む学生は、法曹院に住み、そこで活動に参加した。法曹院は、現役の弁護士と大学の卒業生のコミュニティであった。[ 21 ]法曹院に住んでいた著名な文学者や劇作家には、ジョン・ダン、フランシス・ボーモント、ジョン・マーストン、トーマス・ロッジ、トーマス・キャンピオン、エイブラハム・フランシス、サー・フィリップ・シドニー、サー・トーマス・モア、サー・フランシス・ベーコン、ジョージ・ガスコインなどがいる。[ 22 ] [ 23 ]大学と同様に、法曹院も独自の「ロード・オブ・ミスルール」を選出した。[ 24 ]その他の活動には、模擬裁判、討論、仮面劇への参加などがあった。[ 24 ] [ 23 ]法曹院で書かれ上演された劇には、『ゴルボダック』、『サレルヌのギスムンド』、『アーサーの不幸』などがある。[ 23 ]宿屋で上演された有名な仮面劇の例としては、ジェームズ・シャーリーの『平和の勝利』がある。シェイクスピアの『間違いの喜劇』と『十二夜』もここで上演されたが、これらは商業劇場向けに書かれたものである。[ 25 ]
イギリス初の常設劇場であるレッド・ライオン劇場は1567年に開場したが[ 26 ]、短命に終わった。シアター劇場など、最初の成功した劇場は1576年に開場した。
大規模で収益性の高い公共劇場の設立は、イギリス・ルネサンス演劇の成功に不可欠な促進要因であった。劇場が稼働すると、演劇は一時的な現象ではなく、固定された恒久的な現象となった。劇場の建設は、 1572年にロンドン市長と市当局がペスト対策として初めて演劇を禁止し、1575年には正式にすべての役者を市から追放したことがきっかけとなった。 [ 27 ]これにより、ロンドンの管轄外、ショーディッチのハリウェル/ホーリーウェル自由地域、後にクリンク、そしてサリー州の田園地帯にあるセント・ジョージズ・フィールズの既存の娯楽地区近くのニューイントン・バッツに、恒久的な劇場が建設されることになった。[ 27 ]劇場は、1576 年にジェームズ・バーベージが義理の兄弟ジョン・ブレイン（1567 年に失敗に終わったレッド・ライオン劇場の所有者）とともにショーディッチに建設した[ 28 ]。ニューイントン・バッツ劇場は、おそらくジェローム・サベージによって、1575 年[ 29 ]から 1577 年[ 30 ]の間に設立された。劇場に続いて、近くにカーテン劇場(1577 年)、ローズ劇場(1587 年)、スワン劇場(1595年) 、グローブ劇場(1599 年)、フォーチュン劇場(1600 年)、レッド・ブル劇場(1604 年) が次々と建てられた。[ a ]
一方、1572年の放浪者法により、旅芸人は浮浪者として訴追される可能性があり、常設の劇場を提供してくれる裕福な後援者を探すようになった。同時に、貴族階級の人々は、王族や貴族の客をもてなすための劇団を持つことが、社会的地位を高める上で有益であると考えた。[ 31 ]
20 世紀後半に行われたローズ劇場とグローブ劇場の基礎部分の考古学的発掘調査により、ロンドンのすべての劇場にはそれぞれ違いがあったものの、共通の機能のために同様の全体的な計画が必要であったことが明らかになった。[ 32 ]公共劇場は 3 階建てで、中央のオープン スペースを中心に建てられていた。通常は全体的に丸みを帯びた効果を与えるために平面図は多角形であったが、レッド ブル劇場と最初のフォーチュン劇場は正方形であった。内側に向いた 3 層のギャラリーは、ステージが突き出た中央のオープン スペースを見下ろしていた。ステージは基本的に、3 方を観客に囲まれたプラットフォームであった。後方は俳優の出入りと音楽家の座席のために制限されていた。ステージの後ろの上層階は、ロミオとジュリエットやアントニーとクレオパトラのようにバルコニーとして使用することも、ジュリアス シーザーのように俳優が群衆に演説する場所として使用することもできた。[ 33 ]ピットは、最も貧しい観客がショーを見ることができる場所であった。 1600年代頃、劇場に「ガレット」と呼ばれる新しい空間が導入された。ガレットとは、俳優たちが舞台袖へ移動するために使う、目に見えない通路のことで、そこで人々は素早く衣装を着替えるのが常だった。
劇場は一般的に木材と漆喰で建てられていました。個々の劇場の説明には、スワン劇場の建設に火打ち石が使用されたなど、その構造に関する追加情報が記載されています。劇場はまた、大勢の人々を収容できるように建設されました。[ 34 ]
1599年に長期にわたって定期的に使用されるようになったブラックフライアーズ劇場では、異なるモデルが開発されました。[ b ]ブラックフライアーズ劇場は、以前の劇場に比べて小さく、空に開かれているのではなく屋根がありました。それは、以前の劇場とは異なる点で、現代の劇場に似ていました。他の小さな屋内劇場が続き、特にホワイトフライアーズ劇場（1608年）とコックピット劇場（1617年）がありました。 1629年に廃墟となったホワイトフライアーズ劇場の近くにソールズベリー・コート劇場が建設されたことで、ロンドンの観客は6つの劇場から選択できるようになりました。3つの現存する大きな野外公共劇場（グローブ劇場、フォーチュン劇場、レッドブル劇場）と、3つの小さな屋内私設劇場（ブラックフライアーズ劇場、コックピット劇場、ソールズベリー・コート劇場）です。[ c ] 1630年代の観客は、半世紀にわたる活発な演劇的発展の恩恵を受けました。マーロウやシェイクスピア、そして彼らと同時代の劇作家たちの戯曲は、主に公立劇場で定期的に上演され続けており、同時に、新進気鋭の劇作家たちの最新作も、主に私立劇場で数多く上演されていた。
1580年頃、夏の日に劇場とカーテンの両方が満席だった頃、ロンドンの劇場の総収容人数は約5000人だった。新しい劇場施設の建設と新しい劇団の結成により、1610年以降、ロンドンの劇場の総収容人数は1万人を超えた。[ 35 ]
この時期のチケット価格は一般的に変動していた。入場料は、劇場内のどの席に座りたいか、あるいはその人がどれだけのお金を払えるかによって決まっていた。舞台がよく見える席や、群衆から離れた席を希望する人は、入場料を多く支払った。この時期にインフレが起こったため、一部の劇場では入場料が1ペニーから6ペンス、あるいはそれ以上に値上がりした。[ 36 ]
商業劇場は主にロンドン市の境界のすぐ外側に位置していた。これは、市当局が大人向けの劇団を警戒する傾向があったためである。しかし、巡業劇団はイングランド全土で演劇を上演していた。[ 37 ]イギリスの劇団は、特にドイツやデンマークなど海外でも巡業してイギリスの演劇を上演した。[ 38 ] [ d ]
上流階級の観客は、快適さを求めてクッションを使ってギャラリー席にお金を払った。グローブ座では、貴族は舞台のすぐ横に座ることができた。[ 40 ]
劇団はレパートリー制で運営されていた。数ヶ月や数年も上演される現代の作品とは異なり、この時代の劇団が同じ演目を2日連続で上演することはめったになかった。[ 41 ]トーマス・ミドルトンの『チェスゲーム』は1624年8月に9回連続で上演されたが、当局によって上演中止となった。しかしこれは劇の政治的な内容によるものであり、他に類を見ない、前例のない、二度と起こらない現象であった。1592年のローズ劇場でのロード・ストレンジ一座のシーズンははるかに代表的なものであった。2月19日から6月23日まで、劇団は聖金曜日と他の2日間を除いて週6日間上演した。彼らは23種類の異なる演目を上演し、中には1回しか上演されないものもあった。そして、このシーズンで最も人気のある演目である、キッドの『スペインの悲劇』に基づく『ヒエロニモ第一部』は15回上演された。彼らは同じ演目を2日連続で上演することは決してなく、同じ演目を1週間に2回上演することもめったになかった。[ 42 ] [ e ]俳優、特にリチャード・バーベージやエドワード・アレンのような主演俳優の仕事量は相当なものだったに違いない。
これらの劇団の特徴の一つは、男性または少年のみが出演していたことである。女性役は、女性の衣装を着た少年俳優が演じた。一部の劇団は、少年俳優のみで構成されていた。 [ f ]グローブ座のような公共劇場での公演は、午後に行われ、人工照明は使用されなかったが、劇の途中で光が弱まり始めると、ろうそくが灯された。[ 45 ]ブラックフライアーズのような閉鎖された私設劇場では、終始人工照明が使用された。劇には舞台装置はほとんど、あるいは全くなく、舞台装置は俳優によって説明されたり、劇の途中で衣装によって示されたりした。[ 46 ]
エリザベス朝時代については、16 世紀に俳優や劇団が何人いたかについては研究で結論が出ているが、イギリスのルネサンス期の舞台における俳優の役割については研究がほとんどない。まず、エリザベス朝時代には、女性は舞台で演技することが許されていなかった。俳優は全員男性で、実際、ほとんどが少年だった。男女の役がある劇では、女性の役は最年少の少年俳優が演じた。[ 47 ]悲劇におけるより強い女性の役は、経験が豊富な年長の少年俳優が演じた。[ 47 ]少年俳優として、声や運動能力（フェンシングもその一つ）など、多くのスキルを身につける必要があった。[ 47 ]
エリザベス朝時代の娯楽においては、劇団が結成され、彼らは俳優集団とみなされていた。演劇は当時最も娯楽性の高い芸術であったため、彼らはイングランド各地を巡業した。
エリザベス朝の俳優たちは、同じ演目を連続して上演することはなく、2週間ごとに新しい演目をレパートリーに加えていました。これらの俳優たちは劇団内で給料をもらっていたので、仕事としてイングランドのさまざまな都市を巡業しながら、常に新しい演目を学んでいました。これらの劇には、劇のナレーターを務める台本係がいて、俳優と彼らが演じるさまざまな役を紹介していました。台本係は、ある場面のナレーションを語らないこともあり、観客は自分でそれを知ることができました。エリザベス朝とジェームズ朝の劇では、劇の登場人物/役の数が多すぎて、それを演じるのに十分な俳優がいないことが多かったため、役を兼任するというアイデアが生まれました。[ 48 ]役を兼任することは、俳優が異なる役を同時に演じることで、劇のテーマを強調するために使われます。[ 49 ]その理由は、劇団が給与コストを管理するため、または他の劇団から俳優を貸してもらうなどのリソースがない状況でも上演できるようにするためでした。[ 49 ]
演技スタイルには、形式的演技と自然演技の2種類があった。形式的演技は客観的で伝統的であるのに対し、自然演技は役柄に徹し、架空の状況を模倣することで観客に錯覚を起こさせようとする。形式的俳優は象徴するが、自然的俳優は解釈する。自然的俳優は役を演じるが、形式的俳優は役を演じる。自然演技と形式的演技は互いに正反対であり、自然演技は主観的である。全体として、これらの演技スタイルと二役という劇的手法の使用により、エリザベス朝の演劇は非常に人気を博した。[ 50 ]
エリザベス朝時代の衣装の主な用途の一つは、舞台上の背景、セット、小道具の不足を補うことでした。衣装は観客に視覚効果を与え、全体的なパフォーマンスの不可欠な部分でした。[ 51 ]舞台上の主な視覚的魅力は衣装であったため、衣装はしばしば鮮やかな色で、視覚的に魅惑的でした。色は社会階級を象徴し、衣装はそれを反映するように作られました。たとえば、登場人物が王族であれば、衣装には紫が含まれていました。色と衣装のさまざまな生地によって、観客は登場人物が最初に舞台に登場したときに、それぞれの身分を知ることができました。[ 52 ]
衣装は在庫として保管されていました。多くの場合、衣装は俳優に合わせて個別に作られることはなく、代わりに劇団が保管している在庫から選ばれました。劇団は可能な限り衣装を再利用し、新しい衣装を作ることはめったにありませんでした。衣装自体は高価だったので、通常、俳優は劇の時代に関係なく、当時の服を着ていました。最も高価な衣装は、舞台上で社会的地位を示すために衣装が使われていたため、上流階級の役者に与えられました。劇場内の生地は、劇団自体の富を示していました。最もよく使われた生地は、ベルベット、サテン、シルク、金糸織り、レース、オコジョでした。[ 53 ]重要でない役の場合、俳優は自分の服を着ていました。
俳優たちは遺言で後継の俳優が使えるように服を残した。主人も遺言で召使いに服を残したが、召使いは派手な服を着ることは許されず、代わりにその服を劇団に売り戻した。[ 52 ] チューダー朝とエリザベス朝の時代には、特定の階級は社会における地位に見合った服装しか着ることができないという法律があった。階級内にも地位による差別があった。上流階級は服装を通して富と権力を誇示したが、高級娼婦と俳優だけが例外だった。服装はいわば彼らの「労働資本」を表していたが、彼らは仕事をしている間だけその服装をすることが許されていた。俳優が認可された劇団に所属している場合は、作品の特定の役柄のために社会における地位以上の服装をすることが許されていた。[ 54 ]
ロンドンの人口増加、人々の富の増加、そしてスペクタクルへの嗜好が、驚くほど多様で質の高い、そして膨大な量の演劇文学を生み出した。エリザベス朝の舞台のために約3,000の戯曲が書かれ、そのほとんどは失われてしまったが、少なくとも543は現存している。[ 55 ] [ 56 ]
これらの戯曲を書いた人々は、主に質素な出自から成り上がった人々でした。[ g ]彼らの中にはオックスフォード大学かケンブリッジ大学で教育を受けた者もいましたが、多くはそうではありませんでした。ウィリアム・シェイクスピアとベン・ジョンソンは俳優でしたが、大多数は俳優ではなかったようで、1600年以降に登場した主要な作家で、演技で収入を補っていたという人物は知られていません。彼らの生活は、近世初期の時代に生きたすべての人と同じように、危険と早すぎる死にさらされていました。クリストファー・マーロウは酒場での乱闘で殺され、ベン・ジョンソンは決闘で俳優を殺しました。何人かは恐らく兵士だったでしょう。
劇作家は通常、執筆過程において分割払いで報酬を受け取り、作品が採用されれば、1日分の公演収益も受け取ることができた。しかし、彼らは自分が書いた戯曲の所有権を一切持っていなかった。戯曲が劇団に売却されると、その劇団が所有権を持ち、劇作家は配役、上演、改訂、出版に関して一切の権限を持たなかった。
劇作家という職業は困難で、決して儲かるものではなかった。[ 58 ]フィリップ・ヘンズローの日記には、1600年頃、ヘンズローが戯曲1本につきわずか6ポンドか7ポンドしか支払わなかったことが記されている。これはおそらく最低額だったが、最高の作家でさえそれ以上を要求することはできなかった。一人で活動する劇作家は、通常、年にせいぜい2本の戯曲しか書けなかった。1630年代、リチャード・ブロームはソールズベリー・コート劇場と年間3本の戯曲を提供する契約を結んだが、仕事量をこなすことができなかった。シェイクスピアは20年以上にわたるキャリアの中で、40本未満のソロ戯曲しか書かなかった。彼が経済的に成功したのは、俳優であり、そして何よりも、自分が出演する劇団と劇団が使用する劇場の株主だったからである。ベン・ジョンソンは宮廷仮面劇の興行主として成功を収め、当時の社会経済生活において重要な要素であった後援者獲得の駆け引きにも長けていた。一方、純粋な劇作家たちはそれほど成功しなかった。ジョージ・ピールやロバート・グリーンといった初期の劇作家、そしてブロームやフィリップ・マッシンジャーといった後期の劇作家たちの伝記は、経済的な不安定さ、苦闘、そして貧困に満ちている。
劇作家たちは、2人、3人、4人、さらには5人のチームを組んで戯曲のテキストを作成することで、生産性の自然な制限に対処した。この時代に書かれた戯曲の大部分は共同制作であり、ジョンソンやシェイクスピアのように共同作業を一般的に避けていた単独の作家は例外であった。もちろん、仕事を分担すれば収入も分担することになるが、この取り決めは十分に機能し、それに見合うだけの価値があるように思われる。トーマス・デッカーの作品群として知られている70以上の作品のうち、およそ50は共同制作である。デッカーは1年間（1598年）に興行主フィリップ・ヘンズローのために16の共同制作に取り組み、30ポンド、つまり週12シリング弱の収入を得た。これは平均的な職人の1日1シリングの収入のおよそ2倍である。[ 59 ]トーマス・ヘイウッドは晩年、約220本の戯曲の執筆に「片手全体、少なくとも主指」を携えたと豪語したことで有名である。単独の劇作家が戯曲を書くには通常数ヶ月を要したが（ジョンソンは『ヴォルポーネ』を5週間で書いたと言われている）、ヘンズローの日記によれば、4、5人の作家のチームであればわずか2週間で戯曲を完成させることができた。しかし、日記には、ヘンズローの専属劇作家チーム（アンソニー・マンデイ、ロバート・ウィルソン、リチャード・ハサウェイ、ヘンリー・チェトル、その他、若き日のジョン・ウェブスターも含む）がプロジェクトを開始し、前払い金を受け取ったにもかかわらず、上演に値する作品を何も生み出せなかったことも記されている。[ 60 ]
短い黄色の線は27歳を示しており、これはこれらの作家たちが劇作家としてのキャリアを始めた平均年齢である。
この時代のジャンルには、イギリスやヨーロッパの歴史を描いた歴史劇が含まれていた。シェイクスピアの『リチャード三世』や『ヘンリー五世』といった王の生涯を描いた劇は、クリストファー・マーロウの『エドワード二世』やジョージ・ピールの『エドワード一世の有名な年代記』と同様に、このカテゴリーに属する。歴史劇は、 1576年のアントワープ略奪を劇化した『ロンドンへの大砲』のように、より近年の出来事も扱った。より有名な劇としては、ピールの『アルカサルの戦い』（1591年頃）があり、これは1578年のアルカセル・キビルの戦いを描いている。
悲劇は非常に人気のあるジャンルでした。マーロウの悲劇、例えば『フォースタス博士』や『マルタのユダヤ人』などは特に大成功を収めました。観客はトーマス・キッドの『スペインの悲劇』のような復讐劇を特に好みました。シェイクスピアの最高傑作とされる4つの悲劇（『ハムレット』、『オセロ』、『リア王』、『マクベス』）もこの時期に創作されました。
喜劇も一般的だった。この時代に発展したサブジャンルの一つに、ローマ新喜劇の様式に倣ってロンドンの生活を風刺的に描いた都市喜劇がある。例としては、トーマス・デッカーの『靴屋の休日』やトーマス・ミドルトンの『チープサイドの貞淑な娘』などが挙げられる。
牧歌劇（『忠実な羊飼いの娘』、1608年）や道徳劇（『四つの劇を一つにまとめた』 、1608～1613年頃）といった古いジャンルは、周縁化されてはいたものの、影響力を及ぼすことができた。1610年頃以降、悲喜劇という新しいハイブリッドなサブジャンルが隆盛を極め、仮面劇もまた、スチュアート朝最初の2人の国王、ジェームズ1世とチャールズ1世の治世を通じて隆盛を極めた。
聖書を題材にした劇はよく見られ、ピールの『ダビデとベツサベ』は数少ない現存する例の一つである。
イギリス・ルネサンス演劇の戯曲のうち、印刷されたものはごく少数に過ぎない。ヘイウッドの220の戯曲のうち、書籍として出版されたのは約20だけである。[ 61 ]この時代全体では600を超える戯曲が出版され、そのほとんどは個別の四つ折り版であった。（シェイクスピア、ベン・ジョンソン、ボーモントとフレッチャーの戯曲のような大規模な全集版は、後期の限定的な発展であった。）近代の大部分において、戯曲のテキストはルネサンス期の読者の間で人気があり、印刷販売する文具店にかなりの利益をもたらしたと考えられていた。21世紀初頭までに、この考えに対する学説の風潮はやや変化した。現代の研究者の中には、戯曲の出版はリスクが高く、利益の少ないビジネスであったと主張する者もいる[ 62 ] ―ただし、この結論は他の研究者によって異議を唱えられている。[ 63 ]ウィリアム・ポンソンビーやエドワード・ブラントなど、イギリス・ルネサンス期で最も成功した出版者の中には、戯曲を出版することはほとんどなかった者もいる。
この時代の戯曲のうち、印刷されたテキストではなく手書きの形で残っているものはごくわずかである。[ h ]
台頭しつつあったピューリタン運動は、「娯楽」を罪深いものと考えていたため、劇場に対して敵対的だった。政治的には、劇作家や俳優は王室や貴族の庇護下にあり、ほとんどが王党派を支持していた。ロンドンで長らく勢力を誇っていたピューリタン派は、第一次イングランド内戦の初期にロンドンを掌握し、1642年9月2日、ピューリタンの影響下にある議会派の推進を受けた長期議会は、ロンドンの劇場での演劇上演を禁止した。しかし、一般に言われていることとは異なり、劇場自体の閉鎖はおろか、破壊さえも命じていなかった。
一方、自らの血に染まった苦境にあるアイルランドと、内戦によって血の雲に脅かされている混乱したイングランドは、これらの裁きに現れる神の怒りを鎮め、回避するためにあらゆる手段を必要としており、その中でも断食と祈りは、非常に効果的であることが何度も試され、最近も今もなお命じられている。公のスポーツは公の災難にはふさわしくなく、公の舞台劇は屈辱の時期にはふさわしくない。なぜなら、これは悲しく敬虔な厳粛さの実践であり、一方、舞台劇は快楽の見世物であり、あまりにも一般的に好色な陽気さと軽薄さを表現しているからである。したがって、この議会に集まった貴族院と庶民院は、これらの悲惨な出来事と定められた屈辱の時期が続く間は、公の舞台劇は中止され、廃止されるべきであると考え、これを制定した。その代わりに、この国の国民には、悔い改め、和解、そして神との平和という有益で時宜を得た考察が推奨される。これはおそらく外的な平和と繁栄を生み出し、これらの国々に再び喜びと歓喜の時をもたらすであろう。
この法律は、禁止は一時的なものであるとしている（「…これらの悲しい出来事や屈辱の時代が続く限り、公の舞台劇は中止され、禁止される」）が、期限は定めていない。
1642年以降、イングランド内戦とその後の共和制時代（イングランド共和国時代）においても、イングランド・ルネサンス演劇は一部継続された。例えば、ドロールと呼ばれる短い喜劇は当局によって上演が許可されたが、長編劇は禁止された。劇場建物は閉鎖されたわけではなく、演劇の上演以外の目的で使用された。[ i ]
演劇の上演はその後18年間ほとんど禁止されたままだったが、1660年の王政復古後に再び許可された。劇場では、以前の時代の多くの戯曲が上演され始めたが、多くの場合、脚色された形で上演された。王政復古期の喜劇やスペクタクルといった新しいジャンルがすぐに生まれ、17世紀後半のイギリス演劇に独特の特徴を与えた。
イギリス・ルネサンス期の劇団の年表
この年表は、1572年（「無法者処罰法」により、十分な地位のパトロンを持つ俳優のみが演技できるようになった）から1642年（議会による劇場の閉鎖）までの、イギリスの主要な劇団の存在を示しています。1572年以前にも、様々な巡業劇団や、初期のロンドンを拠点とする劇団が存在していました。状況はしばしば流動的で、この歴史の多くは不明瞭です。この年表は、場合によっては実際よりも高い精度を前提としています。左側のラベルは、劇団の最も一般的な名称を示しています。バーのセグメントは、特定のパトロンを示しています。児童劇団（法的状況が異なる）の場合は、創設者の一部が記されています。
{{cite book}}: CS1メンテナンス: DOIは2025年7月現在非アクティブです（リンク）