音群

これまでに確認されている西洋音楽作品におけるトーンクラスターの最古の例は、ハインリヒ・ビーバーの弦楽アンサンブルのための「10の戦場」（1673年）のアレグロ楽章にあり、そこではいくつかの全音階クラスターが用いられている。^{[ 18 ]}ハーモニックマイナースケールのすべての音を含むオーケストラの全音階クラスターは、ジャン＝フェリー・ルベルの1737～38年のバレエ「エレメンス」の冒頭の混沌の表現にも見られる。^{[ 19 ]}

その後150年間で、さらにいくつかの例が確認されたが、そのほとんどは、この形式のほんの一瞬の出現に過ぎなかった。例えば、J.S.バッハのカンタータ「永遠の命よ、雷の言葉よ」 BWV 60の冒頭部分などが挙げられる。

あるいは、同じ作曲家のフランス組曲第5番BWV 816の「ルーレ」の最後の2小節にも見られる。

あるいは、バッハの「音楽の捧げ物」^{[ 20 ]}における「サスペンションで一緒にロックされた」複数の線が相互作用することによって生じる衝突。

ドメニコ・スカルラッティ（1685年～1757年）の鍵盤ソナタでは、より大胆で独特なトーンクラスターの使用が見られる。1740年代後半の以下の楽節では、スカルラッティは数小節にわたって不協和音を構築している。

ラルフ・カークパトリックは、これらの和音は「不協和音の恣意的な塊という意味でのクラスターではなく、また、必ずしも全音階的間隔の無作為な充填や隣接する音の同時発声でもなく、スカルラッティの和声言語の論理的な表現であり、彼の調性構造の有機的な現れである」と述べている。^{[ 21 ]}フレデリック・ノイマンは、ソナタ K175 (1750 年代) を「スカルラッティの有名なトーン・クラスターで満ちている」と評している。^{[ 22 ]}この時代にも、チェンバロやピアノのためのいくつかのフランスのプログラム的な作品がクラスターによる砲撃を表現しています。フランソワ・ダンドリュー ( Les Caractères de la guerre、 1724 年)、ミシェル・コレット( La Victoire d'un Combat Naval, remportée par une frégate contre plusieurs corsaires réunis )の作品です。 1780年）、クロード＝ベニーニュ・バルバストル（マルセイヨワ行進曲、1793年）、ピエール・アントワーヌ・セザール（宝石の戦隊、モンス賞、 1794年頃）、ベルナール・ヴィゲリー（マリンゴの戦闘曲、ピアノ三重奏曲のための「軍隊と歴史」、1800年）、ジャック・マリー・ボーヴァレ・シャルパンティエ(オーステルリッツ大砲、1805)。^{[ 23 ]}

フランツ・シューベルトの歌曲「魔王」（1815～21年）には、「仮想」音群の劇的な使用例が見られる。この曲では、恐ろしい魔王の幻影を見た恐怖に怯えた子供が父親に助けを求める。ここで用いられている属短九和音（C7 ^{♭ 9）}の不協和音は、劇的な効果と脅威感を高める上で特に有効である。

この箇所について、リチャード・タルスキンは「少年の叫び声の不協和音のレベルは前例のないものだ。声部は9度音程で、音程が1度高い。左手は7度音程で、音程が1度低い。結果として、事実上の『音群』が生まれる。シューベルトが教わった作曲の規則の範囲内で、これらの進行の和声的な論理は確かに証明できる。しかし、その論理が聴き手の想像力に強く訴えかけるのではなく、むしろ、奔放さの計算された印象（あるいは錯覚）がそうさせるのだ」と述べている。^{[ 24 ]}

ベートーヴェンの最後のピアノソナタ第32番作品111の 最後のアリエッタには、マーティン・クーパーによれば「繰り返される4度のクラスターによって、一瞬ぼやけた印象を与える」一節がある。 ^{[ 25 ]}

シャルパンティエの作品に続いて、トーンクラスターを特徴とする作品として知られているのは、シャルル＝ヴァランタン・アルカンの作品である。一つは1859年に出版された作品55「ロケット」で、最後のページでは低音域の和音を5回連続で叩くように指示されており、G–A–B ♭ –C♯ – D –E–F–Gと記されている。この和音では、白鍵の3つの2度音程をそれぞれ1本の指で押さえることになっている。もう一つは1861年に出版されたピアノ独奏のための49のスケッチ集の中の小品「悪魔の子ら」である。

また、 1861 年に「ブラインド・トム」ベチューンによって作曲され、1866 年に出版されたピアノ独奏曲「マナサスの戦い」もある。楽譜には、ピアニストがさまざまな箇所で「手のひらで、できるだけ多くの音を、できるだけ力強くピアノの低音部を叩く」ことで大砲の発射を表現するように指示されている。^{[ 26 ]}このロール G–A–B–C クラスターは、後に1869 年に出版されたルイ・モロー・ゴットシャルクの「ブラジル国歌による凱旋大幻想曲」にも登場する。このセクションでは、C メジャーのクラスターと F ♯メジャーのキーとの間に鮮やかな対比が見られる。 1887年、ジュゼッペ・ヴェルディは西洋音楽の伝統において、紛れもない半音階的クラスターを作曲した最初の著名な作曲家となった。オテロの冒頭の嵐の音楽には、オルガン・クラスター（C、C♯、D）が含まれており、これは既知の楽譜に記された音楽テクスチャの中で最も長い持続時間を持つ。^{[ 27 ]}グスタフ・マーラーの交響曲第2番の合唱終楽章には、「wird, der dich rief, dir geben」（あなたに恋をした者はあなたに与えるだろう）という言葉につながる声から自然に生じる、非常に感動的なトーン・クラスターが登場する。

しかし、音群が西洋古典音楽の実践において認知された地位を占めるようになったのは、20世紀の第2の10年間になってからのことだった。

「1910年頃、パーシー・グレインジャーは『ガムサッカーズ・マーチ』などの作品で近音クラスターを用いて話題を呼んでいた」とハロルド・C・ションバーグは記している。^{[ 28 ]} 1911年には、真の音クラスターを徹底的に取り入れた最初の出版されたクラシック作品と思われるものが発表された。カナダの作曲家J・ハムフリー・アンガー（1862-1913）による『ティンタマール（鐘の響き）』である。^{[ a ]}

数年のうちに、革新的な作曲家兼ピアニストのレオ・オルンスタインは、最先端の作品の演奏で大西洋両岸のクラシック音楽界で最も有名な人物の一人となった。1914年、オルンスタインは自身のソロピアノ作品をいくつか初演した。ワイルド・メンズ・ダンス（別名ダンス・ソヴァージュ、 1913～14年頃）、テムズ川の印象（1913～14年頃）、ノートルダムの印象（ 1913～14年頃）は、多くの聴衆が初めて聴いたトーン・クラスターを深く探求した作品だった。特にワイルド・メンズ・ダンスは、ほぼ完全にクラスター（聞く^ⓘ ) ^{[ b ]} 1918年、評論家のチャールズ・L・ブキャナンはオルンスタインの革新性を次のように評した。「彼は、8つから12個の半音を積み重ねた和音からなる、耳障りで硬い不協和音の塊を私たちに与えてくれる。」 ^{[ 29 ]}

クラスターはヨーロッパの作曲家による作品にもより多く登場し始めていた。イサーク・アルベニスの『イベリア』（1905～1908年）におけるクラスターの使用は、ガブリエル・フォーレのその後のピアノ作品に影響を与えた可能性がある。^{[ 30 ]}ジョセフ・ホロヴィッツは、第3巻と第4巻の「不協和音の星のクラスター」がオリヴィエ・メシアンにとって特に魅力的だったと示唆しており、メシアンは『イベリア』を「ピアノの驚異」と呼んだ。^{[ 31 ]}トーマス・デ・ハルトマンがワシリー・カンディンスキーの舞台劇『黄色い音』 （1909年）のために作曲した楽譜では、2つのクライマックスで半音階的クラスターが用いられている。^{[ 32 ]}アルバン・ベルクのクラリネットとピアノのための4つの小品（1913年）では、クラスターが他の前衛的な鍵盤技法とともに求められている。^{[ 33 ]}クロード・ドビュッシーのピアノ前奏曲「沈んだ大聖堂」は、クラスターを効果的に使用して「鳴り響く鐘の音」を想起させ、非常に多くの長2度音程が加わっているため、これを全音階的ハーモニーと呼ぶことができる。^{[ 34 ]}

ドビュッシーは、1913年のピアノ前奏曲「ラヴィーン将軍－奇抜な」において、黒人アメリカ人の大衆音楽（ケークウォーク）の影響を受けた最初の作品の1つであるが、次の楽節の終わりに耳障りな音のクラスターを特徴としている。

ドビュッシーは、元々はピアノ連弾曲集であった「6つの古代碑文」 （1914年）を1915年にピアノ独奏用に編曲した際、5曲目の「エジプトのために」にトーンクラスターを取り入れた。^{[ 35 ]}

ロシアの作曲家ウラジーミル・レビコフは、1913年に作曲した作品50の「3つの牧歌」でこれらを多用した。リヒャルト・シュトラウスの「アルプス交響曲」（1915年）は「沈む夕日で始まり、沈む夕日で終わる。変ロ短調のコードクラスターがゆっくりと構築されていく。」^{[ 36 ]}

チャールズ・アイヴスの作品の多くは数年後にようやく公開されたが、彼は以前からトーン・クラスター（彼が「グループ・コード」と呼んだもの）の可能性を探求していた。1906年から1907年にかけて、アイヴスはトーン・クラスターを多用した最初の成熟した作品である「スケルツォ：舗装路の上」を作曲した。^{[ c ]} 9人編成のアンサンブルのために編曲されたこの作品には、ピアノのための黒音と白音の両方のクラスターが含まれている。^{[ 37 ]} 1913年に改訂されたこの作品は、1950年代まで録音・出版されず、初演は1963年まで待たなければならなかった。

オルンスタインがコンサートの舞台にトーン・クラスターを導入していたのと同じ時期に、アイヴスは最も有名なクラスターのセットとなる作品を開発していた。コンコード・ソナタ（ 1904～1915年頃、1920年出版、1928年初演、1947年改訂）の第2楽章「ホーソーン」では、巨大なピアノの和音を演奏するために、長さが15インチ近くもある木製の棒が必要となる。^{[ 38 ]}フェルトまたはフランネルで覆われた棒によって生み出される優しいクラスターは、遠くの教会の鐘の音を表している（聞く^ⓘ ) ^{[ 39 ]}楽章の後半には、右手のための 5 音からなる全音階的クラスターが連続して現れる。楽譜への注釈で、アイヴスは「これらの群和音は、演奏者がそうしたいと思えば、握りこぶしで叩いてもよい」と記している。 ^{[ 40 ]}

1911年から1913年にかけて、アイヴスは弦楽四重奏曲第2番や管弦楽作品「戦没者慰霊祭」と「7月4日」など、トーンクラスターを用いたアンサンブル作品も作曲したが、これらの作品は1930年代まで公開演奏されることはなかった。^{[ d ]}

1913年6月、正式な音楽教育を受けていない16歳のカリフォルニア出身の少年が、「原始的な音のクラスター」を用いたピアノ独奏曲『 Adventures in Harmony 』を作曲した。 ^{[ 41 ]}ヘンリー・カウエルは、間もなくクラスター和声技法の普及における先駆者として頭角を現すことになる。オルンスタインは1920年代初頭にコンサートの舞台から身を引いたが、いずれにせよ、クラスターは彼にとって実用的な和声装置として機能しており、より大きな理論的使命の一部として機能していたわけではなかった。アイヴズの場合、クラスターは彼の作曲作品のごく一部を占めるにすぎず、その多くは何年も聴かれることがなかった。1916年にニューヨークでオルンスタインの演奏を聴いた知的野心家カウエルにとって、クラスターは音楽の未来にとって極めて重要だった。彼はクラスターの「全体的、累積的、そしてしばしば標題的な効果」を探求し始めた。^{[ 42 ]}

コーウェルが19歳の時に作曲したピアノ独奏曲「ダイナミック・モーション」（1916年）は、「おそらく音楽的な拡張と変奏のために独立した二次和音を用いた最初の作品」と評されている。 ^{[ 43 ]}これは完全に正確ではないが、このような方法で半音階的クラスターを用いた最初の作品であることは確かである。コーウェルが翌年に作曲したピアノ独奏曲「マナウナウンの潮」（1917年）は、彼の最も人気のある作品となり、トーン・クラスターを西洋古典音楽の重要な要素として確立する上で最も大きな役割を果たした作品となった。（コーウェルの初期のピアノ作品はしばしば誤って年代が付けられており、上記の2つの作品ではそれぞれ1914年と1912年となっている。 ^{[ 44 ]} ） 本質的にランダムな、あるいはより好意的に言えば偶然的なピアノ的アプローチを伴うと一部の人々は考えているが、コーウェルはトーン・クラスターの作曲と演奏には、他の音楽的特徴と同様に正確さが求められると説明している。

ピアノにおけるトーン・クラスターとは、音階全体をコードとして用いるか、少なくとも音階に沿って連続する３つの音をコードとして用いることです。そして、これらのコードが指で押さえられる音の数を超える場合、手のひら全体、あるいは場合によっては前腕全体を使って演奏する必要があるかもしれません。これは新しいピアノ奏法を考案しようとする意図から行われるのではなく（実際にはそうなるのですが）、このような大きなコードを演奏する唯一の現実的な方法だからです。これらのコードは正確であり、望ましい音質で演奏し、完全に正確なものにするためには、熱心に練習する必要があることは明らかです。^{[ 45 ]}

歴史家であり批評家でもあるカイル・ガンは、コーウェルがクラスターを構築（そして演奏）し、音楽的なテクスチャとして使用した幅広い方法について、「時には最高音をメロディーとして強調し、時には左手のメロディーと並行して伴奏した」と述べている。^{[ 46 ]}

1921年、アイルランドの文化雑誌『フリーマン』に連載された記事を皮切りに、コーウェルは「トーンクラスター」という用語を普及させた。^{[ 47 ]}よく言われるように、彼がこのフレーズを造語したわけではないが、現在の意味で最初に使ったのは彼であるようだ。^{[ e ]} 1920年代から1930年代にかけて、コーウェルは北米とヨーロッパを広くツアーし、トーンクラスターを中心に構成された自身の実験的な作品を演奏した。『マナウナウンの潮』、『ダイナミック・モーション』、そしてその5つの「アンコール」である『これは何だ』（1917年）、『愛想の良い会話』（1917年）、『広告』（1917年）、『アンチノミー』（1917年、1959年改訂、しばしば「アンチモニー」と誤記される）、『時刻表』（1917年）に加えて、これらには『リールの声』（1920年）、『歓喜』（1921年）、『生命のハープ』（1924年）、『富士山の雪』 （1924年）、『リールの軽快さ』（1930年）、『深遠な色彩』（1938年）が含まれる。『虎』（1930年）には53音の和音があり、おそらく1969年まで単一楽器のために書かれた最大の和音である。 ^{[ 48 ]}アイヴスとともに、コーウェルはクラスターを多用した最初の大規模アンサンブル作品をいくつか書いた。動きの誕生（ 1920年頃）は、彼の初期の試みであり、オーケストラのクラスターとグリッサンドを組み合わせている。^{[ 49 ]}コーウェルのピアノとオーケストラのための協奏曲（1928年、初演1978年）の第2楽章「トーン・クラスター」は、ピアノと各楽器グループにさまざまなクラスターを使用している（聞く^ⓘ ) ^{[ 50 ]}四半世紀後の彼の交響曲第11番（1953年）には、ミュートをつけたヴァイオリンで演奏される滑らかな半音階クラスターが登場する。 ^{[ 51 ]}

コーウェルは、数十年にわたり古典派前衛音楽に大きな影響を与えた理論的著作『新しい音楽資源』（1930年）の中で、クラスターは単に色彩のために用いるべきではないと主張した。

和声においては、一度クラスターが始まったら、一貫性を保つために一連のクラスター全体を維持する方が多くの場合良い。なぜなら、1つだけ、あるいは2つだけでは、独立した重要な手順としてではなく、音楽的な論理に従って必然的な結論へと導かれるのではなく、単なる効果として聞こえてしまう可能性があるからである。^{[ 52 ]}

1922年、コーウェルの友人である作曲家デーン・ルディヤーは、トーン・クラスターの発展が「音楽単位である音符」の「存在を危うくする」と賛同的に宣言した。^{[ 53 ]}その脅威は現実のものとはならなかったものの、クラスターはますます多くの作曲家の作品に現れ始めた。アーロン・コープランドはすでにピアノのための「3つの気分」（別名「3つのスケッチ」 、1920～21年）を作曲しており、そのタイトルはレオ・オルンスタインの作品への明らかなオマージュであり、この曲にはトリプル・フォルテのクラスターが含まれている。^{[ 54 ]}コーウェルのトーン・クラスター作品の実演に直接影響を受けた最も有名な作曲家はベーラ・バルトークで、彼はコーウェルにその方法を使用する許可を求めた。^{[ 55 ]}バルトークのピアノ協奏曲第1番、ピアノソナタ、そして「戸外」組曲の「夜の音楽」（いずれも1926年）は、彼が3年間ほとんど作曲せず、トーンクラスターを多用していた後の、最初の重要な作品である。^{[ 56 ]}

1930年代、コーウェルの弟子であるルー・ハリソンは、彼の「グランドピアノのための前奏曲」（1937年）などいくつかの作品で鍵盤クラスターを使用した。^{[ 57 ]}少なくとも1942年には、同じくコーウェルに師事したジョン・ケージがクラスターコードを用いたピアノ曲を書き始めており、同年12月の「ホロコーストの名において」には、半音階、全音階、五音階のクラスターが含まれている。 ^{[ 58 ]}オリヴィエ・メシアンの「幼子イエスへの20の眼差し」（1944年）は、20世紀前半で最も重要なソロピアノ曲と評されることが多いが、全体を通してクラスターを使用している。^{[ 59 ]}それらは、その後、さまざまな作曲家による数多くのピアノ作品に登場することになる。カールハインツ・シュトックハウゼンの「Klavierstück X」（1961年）は、3半音から36半音まで7段階の幅でスケールされた半音階クラスターを大胆かつ修辞的に使用し、上昇および下降クラスターアルペジオとクラスターグリッサンドも使用しています。^{[ 60 ]} 20年後に書かれた彼の「Klavierstück XIII」では、ピアニストが鍵盤に座ることを要求するクラスターとともに、同じテクニックの多くを使用しています。^{[ 61 ]}ジョージ・クラムの「Apparitions, Elegiac Songs, and Vocalises for Soprano and Amplified Piano」 （1979年）は、ウォルト・ホイットマンの詩に曲をつけたもので、クラスターで満たされており、その3つのセクションの導入となる巨大なクラスターも含まれています。^{[ 62 ]}ジョセフ・シュヴァントナーの歌曲集『マガブンダ』（1983年）の第2楽章のピアノパートには、おそらく単一の楽器のために書かれた最大の和音が含まれている。それは鍵盤上の88の音すべてである。^{[ 48 ]}

トーンクラスターは従来ピアノ、特にソロピアノのレパートリーと関連付けられてきたが、室内楽やより大規模なアンサンブルの作品でも重要な役割を担ってきた。ロバート・ライグルは、クロアチアの作曲家ヨシップ・スラヴェンスキーのオルガンとヴァイオリンのためのソナタ「レリギオーサ」 （1925年）の持続的な半音階的クラスターを「アイヴスと（ジェルジ）リゲティの間の失われた環」と評している。^{[ 63 ]}バルトークは、弦楽四重奏曲第4番（1928年）で全音階的クラスターと半音階的クラスターの両方を使用している。^{[ 64 ]}ルース・クロフォード・シーガーの弦楽四重奏曲（1931年）やヤニス・クセナキスのメタスタシス（1955年）などの作品におけるサウンドマス技法は、トーンクラスターの発展形である。 「ほとんどの調性および非調性の線的不協和音とは異なり、トーンクラスターは本質的に静的です。個々の音高は二次的な重要性しかなく、最も重要なのは音の塊です。」^{[ 65 ]}音塊美学に関連する最も有名な作品の1つで、「これまでに書かれた個々の音高の最大のクラスターの1つ」^{[ 66 ]}を含むクシシュトフ・ペンデレツキの広島の犠牲者への哀歌（1959年）は、52の弦楽器のために作曲されており、四分音クラスターは「恐怖の叫び声と悲痛な泣き声を定義する特徴を抽象化し、強調しているように見える」^{[ 67 ]}シュトックハウゼンのコンタクテ（1958～1960年）の電子音楽の2つのセクションにクラスターが登場します。ロビン・マコニーによれば、最初は「合成するのが非常に難しいハンマリングポイント」として、次にグリッサンドとして登場します。^{[ 68 ]} 1961年、リゲティはおそらく史上最大のクラスター和音を作曲した。管弦楽曲「アトモスフェール」では、5オクターブにわたる半音階のすべての音が同時に（静かに）演奏される。^{[ 69 ]}リゲティのオルガン作品はクラスターを多用している。図解記譜法を用いた「ヴォルミナ」（1961～62年）は、静的および可動的なクラスター塊から構成され、多くの高度なクラスター演奏技法を必要とする。^{[ 70 ]}

メシアンのオラトリオ『我らが主イエス・キリストの変容』 （1965～1969年）の第8楽章では、弦楽器に「きらめく音群グリッサンドの光輪」が用いられ、物語で言及されている「明るい雲」を想起させる（聞く^ⓘ )。 ^{[ 71 ]}シュトックハウゼンのフレスコ(1969) とトランス(1971)では、オーケストラのクラスターが用いられています^{。 [ 72 ]}モートン・フェルドマンのロスコ・チャペルでは、「言葉のない声楽のトーン・クラスターが、ヴィオラ、チェレスタ、パーカッションの骨格的な配置を通して滲み出ている」。 ^{[ 73 ]}アルド・クレメンティの室内アンサンブル作品セレモニアルハーモニウムの上に置かれた重みのある木製の板が、作品全体を通してトーン・クラスターを維持します。 ^{[ 16 ]}ジュディス・ビンガムのプラハ(1995) では、金管バンドがトーン・クラスターを作成する機会が与えられています。 ^{[ 74 ]}鍵盤クラスターは、エイノユハニ・ラウタヴァーラの最初のピアノ協奏曲エサ＝ペッカ・サロネン（2007 年）などのオーケストラの力と対比して用いられており、後者はメシアンを彷彿とさせる。 ^{[ 75 ]}エリック・ウィテカーの合唱曲は、彼の作風の特徴としてクラスターを多用している。 ^{[ 76 ] [ 77 ]}ウィテカーのコードクラスターは、基本的に声部連結に基づいており、従来の和声分析では容易に解釈できない。 ^{[ 78 ]}

トーンクラスターをさまざまなアンサンブルで頻繁に使用した作曲家は、ジャチント・シェルシ​​、アルフレッド・シュニトケ（どちらもマイクロトーンの文脈でよく使用した）、そしてルー・ハリソンの3人である。シェルシは、 1986年に初演された最後の大規模作品である『Pfhat』 （1974年）を含め、キャリアの大部分でトーンクラスターを使用した。 ^{[ 79 ]シュニトケの作品には、ピアノと弦楽のための五重奏曲（1972～1976年）で「マイクロトーンの弦楽器がピアノの鍵盤の隙間からトーンクラスターを見つけた」 [ 80 ]}から合唱曲『悔悛の詩篇』 （1988年）まで、トーンクラスターが見られる。ハリソンのクラスターを特徴とする多くの作品には、パシフィカ・ロンド（1963年）、オルガンと打楽器のための協奏曲（1973年）、ピアノ協奏曲（1983～1985年）、男声合唱のための3つの歌（1985年）、グランド・デュオ（1988年）、ライムズ・ウィズ・シルバー（1996年）などがある。^{[ 81 ]}

トーンクラスターは、ジャズという形式の最初期から、さまざまなスタイルのジャズアーティストによって用いられてきました。20世紀初頭頃、ストーリーヴィルのピアニスト、ジェリー・ロール・モートンは、フランスのカドリールをラグタイム風にアレンジした演奏を始め、左前腕で演奏する大きな半音階的トーンクラスターを導入しました。その唸るような効果から、モートンはこの曲を「タイガーラグ」と名付けました。聞く^ⓘ ) ^{[ 82 ]} 1909年、スコット・ジョプリンの意図的に実験的な「ウォール街ラグ」には、記譜されたトーンクラスターを特徴とするセクションが含まれていた。 ^{[ 83 ]}

アーティ・マシューズの『パスタイム・ラグス』（1913～1920年）の4曲目には、右手の不協和音のクラスターが特徴的である。^{[ 84 ]}セロニアス・モンクは、 「ブライト・ミシシッピ」（1962年）、「イントロスペクション」（1946年）、「オフ・マイナー」（1947年）などの作品で、クラスターを中心となる即興演奏の中の劇的な要素として、またその終結部の緊張感を強調するために用いている。 ^{[ 85 ]}アート・テイタムの「ミスター・フレディ・ブルース」（1950年）では、クロスリズムを支える形でクラスターが聴かれる。^{[ 86 ]} 1953年までに、デイヴ・ブルーベックはピアノの音のクラスターと不協和音を、フリージャズの先駆者セシル・テイラーが間もなく発展させるスタイルを予見する形で用いていた。^{[ 87 ]}ハードバップ・ピアニストのホレス・シルバーのアプローチは、テイラーのクラスターの使用のさらに明確な先例である。^{[ 88 ]}同じ時代に、ハービー・ニコルズのリードラインでは、クラスターが句読点のように現れている。^{[ 89 ]}フランシス・デイヴィスがニコルズの傑作と評した「ザ・ギグ」（1955 年）では、「衝突する音符とトーンクラスターが、演奏する内容について意見が食い違う即席バンドを描写している」。^{[ 90 ]}デューク・エリントンのピアノクラスター作品の録音例には、「サマータイム」（1961 年）と「...アンド・ヒズ・マザー・コールド・ヒム・ビル」 （1967 年）、そして元ベーシストへのトリビュートである「ディス・ワンズ・フォー・ブラントン！ 」（ 1972 年、ベーシストのレイ・ブラウンと録音）などがある。^{[ 91 ]}ビル・エヴァンスのアルバム「ポートレート・イン・ジャズ」（1960 年）に収録されている「カム・レイン・オア・カム・シャイン」の解釈は、印象的な5音クラスターで始まる。^{[ 92 ]}

ジャズでは、クラシック音楽と同様に、トーンクラスターは鍵盤楽器に限定されていません。1930年代、ジミー・ランフォード・オーケストラの「ストラトスフィア」には、さまざまな革新的な要素の中にアンサンブルクラスターが含まれていました。^{[ 93 ]}スタン・ケントン・オーケストラの1947年4月の録音「If I Could Be With You One Hour Tonight」（ピート・ルゴロ編曲）では、2番目のコーラスの最後に劇的な4音のトロンボーンクラスターが登場します。^{[ 94 ]}評論家のフレッド・カプランが述べているように、1950年のデューク・エリントン・オーケストラの演奏では、編曲に「ラヴェルを彷彿とさせる豊かで暗いトーンクラスターを吹く」という特徴があります。^{[ 95 ]}コードクラスターは、編曲家ギル・エヴァンスの楽譜にも登場します。エヴァンスは、アルバム『ポーギーとベス』に収録されているジョージ・ガーシュウィンの「ニューヨーク行きの船がもうすぐ出発する」の、彼らしい独創的なアレンジで、マイルス・デイヴィスのソロ即興演奏の伴奏として、フルート、アルトサックス、ミュートトランペットで編曲されたコードクラスターを提供している。1960年代初頭、ボブ・ブルックマイヤーとジェリー・マリガンがマリガンズ・コンサート・ジャズ・バンドのために編曲した作品では、エリントンとラヴェルの両方を彷彿とさせる、密度の高いスタイルでトーンクラスターが用いられた。^{[ 96 ]}エリック・ドルフィーのバスクラリネットのソロでは、「狂ったようなオーバーブローイングによって呼び出されるマイクロトーンクラスター」がしばしば特徴的だった。^{[ 97 ]}評論家のロバート・パーマーは、「曲の表面を突き刺し、その核心にまで達する」鋭いトーンクラスターを、ギタリストのジム・ホールの得意技だと評した。^{[ 98 ]}

クラスターはフリージャズの分野で特に普及している。セシル・テイラーは1950年代半ばから即興演奏の手法の一部としてクラスターを多用してきた。^{[ 99 ]}彼の音楽語彙の多くと同様に、彼のクラスターは「メロディーとパーカッションの間のどこかの連続体上」で機能する。^{[ 100 ]}テイラーがクラスターを採用した主な目的の1つは、特定の音高の支配を避けることであった。^{[ 101 ]}フリージャズの作曲家、バンドリーダー、ピアニストとして著名なサン・ラは、学者ジョン・F・シュウェッドが述べているように、音楽的な要素を再配置するためにクラスターをよく使用した。

彼が、ある曲に導入部や終結部、新たな方向性や新鮮な素材が必要だと感じたとき、彼はスペースコード、つまり「新しいメロディーやリズムを示唆する」大音量での集団即興の音群を求めた。それはピアノ的に考案された手法であり、音楽に新たな文脈、新たなムードを生み出し、新たな音域を開拓するものであった。^{[ 102 ]}

1960年代にフリージャズが広まるにつれ、トーンクラスターの使用も広まった。ジョン・リットワイラーがテイラーの「無限の形式と対比」と表現したものと比較すると、ムハル・リチャード・エイブラムスのソロは、同様に自由だが、より叙情的で流れるような文脈でトーンクラスターを使用している。^{[ 103 ]}ギタリストのソニー・シャロックは、それを即興演奏の中心に据えた。パーマーの記述によれば、彼は「誰かがオーバードライブしたアンプからプラグを抜くことさえせずにギターからピックアップを引き抜いたかのような、ガラスを砕くようなトーンクラスター」を演奏した。^{[ 104 ]}ピアニストのマリリン・クリスペルもトーンクラスターのもう一人の主要なフリージャズの提唱者であり、キャリア初期にエイブラムスと共演したアンソニー・ブラクストンと頻繁にコラボレーションしている。 ^{[ 105 ]} 1990年代以降、マシュー・シップはテイラーの形式における革新を発展させている。^{[ 106 ]}トーンクラスターパレットの発展に貢献したヨーロッパのフリージャズピアニストには、ギュンター・ハンペルとアレクサンダー・フォン・シュリッペンバッハがいる。^{[ 107 ]}

フリージャズとメインストリームジャズの橋渡し役を務めたドン・プーレンは、「即興演奏中に手首を回転させるテクニックを持っていた。そのため手の外側の縁に傷がつき、動くトーンクラスターを作り出した」と評論家のベン・ラトリフは書いている。「アルペジオから構築することで、キーボード上でノイズの渦を作り出すことができた…まるでセシル・テイラーの簡潔な爆発のようだ」^{[ 15 ]} 。ヨアヒム・ベレントの評では、プーレンは「クラスター演奏を独自にメロディ化し、調性を持たせた。彼は右手で衝動的に生々しいクラスターをフレーズ化するが、同時に左手で演奏される明確で調和的に機能する調性コードの中にそれらを埋め込んでいる」^{[ 108 ]。}ジョン・メデスキは、フリージャズの要素をソウルジャズ／ジャムバンドスタイルに取り入れたメデスキ・マーティン＆ウッドのキーボーディストとしてトーンクラスターを使用している^{[ 109 ] 。}

ジャズと同様に、ロックンロールも誕生以来トーンクラスターを使用してきたが、その特徴としては、より意図的ではない方法で使用されてきた。最も有名なのは、 1950年代のジェリー・リー・ルイスのライブ演奏におけるピアノテクニックで、拳、足、お尻を使ったものである。^{[ 110 ]} 1960年代以降、ロック、エレクトロニック、実験音楽の境界線を越えるドローン音楽の多くは、トーンクラスターに基づいている。 1967年9月に録音されたヴェルヴェット・アンダーグラウンドの「シスター・レイ」では、オルガン奏者のジョン・ケイルがドローンの文脈でトーンクラスターを使用している。この曲は、バンドの初期のライブサウンドを録音した中で最も近いものと思われる。^{[ 111 ]}ほぼ同時期に、ドアーズのキーボーディスト、レイ・マンザレクは、バンドのヒット曲「ライト・マイ・ファイア」のライブ演奏中に、ソロにクラスターを取り入れ始めた。^{[ 112 ]}

クラフトワークの1970年のセルフタイトルデビューアルバムでは、繰り返されるテープシーケンスに変化を加えるためにオルガンクラスターが使用されている。^{[ 113 ]} 1971年、評論家のエド・ワードは、ジェファーソン・エアプレインの3人のリードシンガー、グレース・スリック、マーティ・バリン、ポール・カントナーによって作られた「トーンクラスターのボーカルハーモニー」を称賛した。^{[ 114 ]}タンジェリン・ドリームの1972年のダブルアルバム『ツァイト』は、シンセサイザーで演奏されたクラスターで満ちている。^{[ 115 ]}ビートルズの1965年の曲「ウィ・キャン・ワーク・イット・アウト」では、伴奏のキーボードが「time」という単語に合わせてBの持続コードを演奏する中、 A♯とC♯を歌う声が一時的に耳障りなトーンクラスターを特徴としている。^{[ 116 ]}ザ・バンドのデビューアルバム『ミュージック・フロム・ビッグ・ピンク』に収録されている1968年の楽曲「ザ・ウェイト」は、不協和音のボーカルリフレインとサスペンションが特徴で、「you put the load right on me」という歌詞で3音のクラスターで最高潮に達します。

オルガンで演奏されるトーンクラスターの音は、ラジオドラマで夢を表現する際の慣習となった。^{[ 72 ]}クラスターは、ホラー映画やSF映画の音楽によく使われる。 ^{[ f ]}ジョイス・キャロル・オーツの戯曲『トーンクラスター』の2004年の公演では、インディーロックバンドのドロリアンとザ・スタンダードのメンバーである作曲家のジェイ・クラークが、オーツが提案したコーウェルとアイヴスのクラスター作品に感じた印象とは対照的に、「微妙に緊張感を高める」ためにクラスターを使用した。「それらのいくつかは、誰かを殺すための音楽のようだった。ホラー映画の音楽のようだった。」^{[ 117 ]}

• アメリカン・マーベリックス：プログラム1—マーベリックの意味 リクエストに応じてコーウェルの3作品を演奏。ピアノとオーケストラのための協奏曲を含む。その第2楽章は「トーン・クラスター」と題されているが、3つの楽章すべてにその要素が含まれている。
• アメリカの芸術：ヘンリー・コーウェル作曲家による6つの作品。その中には、半音階的および全音階的なクラスターを持つ「マナウナウンの潮」と「生命の竪琴」、そして五音階的なクラスターを特徴とする「歓喜」が含まれる。
• 国家の芸術：ジョン・ケージ 作曲家による3つの作品（ホロコーストの名においてを含む）
• ジョン・ケージ—ホロコーストの名において マーガレット・レン・タンによるパフォーマンスのビデオ
• オルンスタインのピアノ音楽、マルク＝アンドレ・アムランによるレオ・オルンスタインのピアノ音楽集より「飛行機での自殺」の演奏（ハイペリオン 67320）