ヌード（アート）

裸の人物像に焦点を当てた視覚芸術の一形態としてのヌードは、西洋美術において永続的な伝統である。^{[2]裸の人物像は}古代ギリシャ美術の大きな関心事であり、中世の半ば休止状態の後、ルネサンスで中心的な位置に戻った。裸の人物像は、寓意画や宗教画を含む歴史画、肖像画、装飾美術など、他の種類の美術でもしばしば重要な役割を果たしている。先史時代から最古の文明に至るまで、裸の女性像は一般に豊穣や幸福の象徴と理解されていた。^[3]

インドでは、 950年から1050年の間に建てられたカジュラホの建造物群が、寺院の装飾の約10％を占める裸婦像で知られていますが、そのうちの少数はエロティックなものです。日本の版画は裸婦像と呼べる数少ない非西洋の伝統の一つですが、日本の共同浴場は、西洋のように衣服を身につけないことに意味を置くことなく、単なるもう一つの社会活動として描かれています。^[4]各時代を通じて、裸婦像は、セクシュアリティ、ジェンダーの役割、社会構造に関する文化的態度の変化を反映してきました。

美術史においてヌードについてよく引用される本に、 1956年に初版が出版されたケネス・クラーク卿の『ヌード：理想形態の研究』がある。序章では、よく引用される裸体とヌードの区別がされている（ただし、これが元祖ではない）。^[5]クラークは、裸になるということは衣服を脱ぐことであり、恥ずかしさや恥辱を意味するが、芸術作品としてのヌードにはそのような意味合いはない、と述べている。

近代美術の特徴の一つは、裸体とヌードの境界線が曖昧になったことである。これはおそらくゴヤの絵画『裸のマハ』 （1797年）で初めて現れ、1815年にスペイン異端審問所の注目を集めた。^[6]衝撃的な要素は、この絵が現代の設定で、女神やニンフの滑らかで完璧な姿ではなく陰毛を生やした特定のモデルを描いており、モデルは鑑賞者の視線をそらすのではなく、見つめ返していたことだった。同じ特徴のいくつかは、約70年後にマネが『オランピア』を展示した際にも衝撃を与えたが、宗教的な問題ではなく、その現代性のためだった。マネの絵は、時代を超越したオダリスクとして安全に無関心で鑑賞できるものではなく、当時の売春婦を描いたものとみなされ、おそらく男性鑑賞者自身の性行為に言及していたのかもしれない。^[7]

衣服を脱いだ人間の身体の画像の意味は、それが文化的文脈に置かれているかどうかによって決まる。西洋文化では、一般的に認識されている文脈は、芸術、ポルノ、情報である。見る人は、ある画像が1つのカテゴリーに属することを容易に識別できるが、他の画像は曖昧である。21世紀は、商業目的で意図的に曖昧さを利用して注目を集める、商品化されたヌードという4番目のカテゴリーを生み出したのかもしれない。^[9]

芸術とポルノグラフィーの違いについて、ケネス・クラークは、芸術の主題としてのヌードの魅力の一部はセクシュアリティにあると指摘し、「どんなに抽象的なヌードでも、たとえそれがほんのわずかな影であっても、鑑賞者にエロティックな感情を喚起しないはずはない。もしそうしないのであれば、それは悪い芸術であり、誤った道徳だ」と述べた。クラークによると、10世紀インドの露骨な寺院彫刻は「エロティシズムがその哲学全体の一部であるため、偉大な芸術作品である」。偉大な芸術は、わいせつでなくても、かなりの性的内容を含むことができる。^[10]

しかし、米国では、芸術におけるヌードは、公的資金と特定の会場での展示によって作品が一般大衆の注目を集める際に、物議を醸す主題となることがある。^[11]ピューリタンの歴史は、博物館やギャラリーで展示される芸術作品の選択に影響を与え続けている。ヌードは多くのパトロンや大衆の目に疑わしいと映る可能性があると同時に、美術評論家は最先端でない作品を拒否する可能性がある。^[12]比較的穏やかなヌードは博物館で展示される傾向があり、ショッキングな価値のある作品は商業ギャラリーで展示される。芸術界は単純な美と喜びの価値を下げてきたが、これらの価値は過去の芸術や一部の現代作品に存在する。^{[13] [14]}

学校のグループが美術館を訪れると、教師やツアーリーダーが答える準備をしておかなければならない質問が必ず出てきます。基本的なアドバイスは、芸術と他のイメージの違い、人体の普遍性、作品に表現されている価値観や感情を強調しながら、事実に基づいた答えをすることです。^[15]

美術史家で作家のフランシス・ボルゼロは、現代の芸術家はもはや過去の理想や伝統に興味がなく、裸の体が表現するあらゆるセクシュアリティ、不快感、不安を鑑賞者に突きつけ、裸とヌードの区別をなくしているかもしれないと書いている。^[16]パフォーマンスアートは、実際の裸体を芸術作品として提示することで最終段階を踏み出す。^[17]

裸体は、後期石器時代のヴィーナス像と呼ばれる女性像とともに美術の始まりに遡る。初期有史時代には、同様の像が豊穣の神々を表していた。^[18]美術における裸体に関する文献を調査すると、裸を衣服の完全な欠如と定義することと、衣服を脱いだ他の状態と定義することの間には相違がある。初期キリスト教美術、特にイエスの像に関する言及では、部分的な衣服（腰布）が裸として描写されていた。^[19]

メソポタミアや古代エジプトのヌード画像は、これらの社会におけるヌードに対する態度を反映している。当時、社交の場で裸になることは、社会的地位の高い人にとって大きな恥ずかしさの原因であった。これは、ヌードと性的な不適切さの間につながりがあるからではなく、むしろそれが低い地位や不名誉を示すものであったからである。^{[20] : 127}初期の文明では、気候の影響で、性的な意味のない、つまり機能的なヌードが一般的であった。子供は一般的に思春期まで裸であり、公衆浴場には男女混合のグループが裸で利用した。地位の低い人々 ― 奴隷に限らない ― は裸であったり、服を着ていても、激しい仕事のために必要な場合は脱いだりすることがあった。ダンサー、ミュージシャン、アクロバットはパフォーマンス中は裸であった。多くのヌード画像がこれらの活動を描いていた。他のヌード画像^{[20] : 144}バーニーのレリーフに描かれた人物は、メソポタミアの性愛と戦争の女神であるイシュタルの姿である可能性がある。^[21]しかし、彼女の鳥の足とそれに付随するフクロウは、リリトゥ（聖書ではリリスと呼ばれている）との関連を示唆しているが、通常の悪魔のリリトゥではないようだ。^[22]

古代ギリシャの生活において裸は例外であった。紀元前8世紀に男性の入会儀式として始まったものが、古典期には「衣装」となった。完全な裸は、ヘブライ人、エトルリア人、ガリア人などの「野蛮人」と文明化されたギリシャ人を区別するものであった。^[23]

最古のギリシャ彫刻は、青銅器時代 初期のキクラデス文明のもので、主に様式化された男性像で構成されており、おそらく裸体である。これは、古代ギリシャ彫刻の主流であった、男性の裸体の大きな立像であるクーロスに間違いなく当てはまる。これらの最初の写実的な裸体男性彫刻は、片足を前に出して硬直した姿勢で立っている裸体の若者を描いている。紀元前5世紀までには、ギリシャの彫刻家が解剖学を熟知したことで、より自然で多様なポーズが生み出された。重要な革新はコントラポスト、つまり、片足で体重を支え、もう片方の足はリラックスした状態で立っている人物の非対称な姿勢である。この初期の例は、ポリュクレイトスの彫刻「ドリュフォロス」 （紀元前 440年頃）である。^[24]

ギリシャの女神は、最初は裸ではなくドレープをまとって彫刻されていました。完全に裸の女性の初めての自立型等身大の彫刻は、プラクシテレスによって紀元前 360年から340年頃に作られたクニドスのアフロディーテです。^{[24]女性の裸体は、後期}ヘレニズム時代にはるかに一般的になりました。英雄的な裸体の慣習では、神や英雄は裸で示され、普通の人間はそうでなかったものの、運動選手や戦闘中の戦士は裸で描かれることが多かった。ギリシャ・ローマ美術の裸体は、概念的に完成した理想的な人物であり、それぞれが健康、若さ、幾何学的な明快さ、有機的な均衡のビジョンを持っています。^[19]ケネス・クラークは、理想化が真の裸体の特徴であると考え、より描写的で芸術性の低い人物は単なる裸体であると考えました。彼が理想化を強調したことは、本質的な問題を指摘している。芸術におけるヌードは魅惑的で魅力的かもしれないが、それは情熱だけでなく心を揺さぶることを意図しているのだ。^[19]

非西洋におけるヌード描写の伝統はインドと日本から来ているが、ヌードは中国美術において重要な側面を形成していない。^{[25]寺院の彫刻や洞窟壁画は、非常に露骨なものもあり、性を重視するヒンズー教の伝統の一部であり、多くの温暖な気候の地域と同様に、}古代インドでは日常生活、少なくとも宮廷生活では、部分的または完全なヌードが一般的であった。多くの神々や神聖な像が部分的または完全にヌードで描かれている。多くの絵画には、非常に薄く張り付いた布をまとった人物が描かれており、これは事実上ヌードである。絵画では、衣服を着ていない部分と衣服を着ていない部分の区別をより明確にするために塗料が使用されていた可能性がある。裸の彫刻は、バールフットやサーンチーなどの仏教遺跡や、カジュラホ、コナーラクなどのヒンズー教の遺跡で発見されている。イスラム教徒のインド侵攻により、現実の生活と美術の両方で身体が表現される量が大幅に減少した。

日本にはごく最近まで混浴の伝統があり、写本のイラストや、後に浮世絵や絵画によく描かれていました。

20世紀初頭、アラブ世界の芸術家たちは、植民地主義から近代世界への脱却を表現した作品の中でヌードを描いたと主張されている。^[26]

キリスト教の考え方は、人体の価値に疑問を投げかけ、キリスト教が貞潔と独身を強調したことで、現存する数少ない中世初期の世俗美術においても、裸の描写はさらに抑制された。中世美術では完全に裸の人物はまれであり、注目すべき例外は、創世記に記録されているアダムとイブと、システィーナ礼拝堂の描写を先取りした最後の審判の場面の地獄に落ちた者たちである。これらの例外はあるものの、ギリシャ・ローマ時代の裸体の理想的な形態はほぼ失われ、恥と罪、弱さと無防備さの象徴へと変化した。^[27]これは西ヨーロッパだけでなく、ビザンチン美術にも当てはまった。^{[28]キリストは、受難の場面、特に}磔刑の場面で、ますます全裸で描かれるようになり、^[29]天国で栄光を受けたときでさえ、苦しみによる傷を見せられるようにした。乳飲み聖母や裸の「悔悛するマグダラのマリア」、そして神学的な理由から ペニスが強調されることもあった幼子イエスは、中世の宗教美術における裸の要素を持つ他の例外である。

中世後期になると、魅力的であることを意図した女性の裸体が芸術に再び現れ、特に比較的プライベートな媒体である彩飾写本や、黄道十二宮やオウィディウスの挿絵などの古典的な文脈でその傾向が強まった。女性の「ゴシックヌード」の形は古典的な理想とは大きく異なり、なだらかな曲線を描く長い体、狭い胸と高い腰、小さく丸い乳房、そして腹部の突出した膨らみがあった。^[30]男性の裸体は、おそらくモデルとして使われた弟子をモデルに、細身で華奢な体型になる傾向があったが、より正確に観察されるようになった。

ルネサンス期には、芸術における裸体への関心が千年ぶりに再燃した。古代ギリシャ・ローマ時代末期には、キリスト教の禁欲、貞潔、肉体の価値低下の教義により、パトロン、そして芸術家にとって裸体への関心は低下した。古代古典期末以降、裸体はアダムとイブの描写など稀な例でしか描かれていなかった。ルネサンス人文主義の台頭により、ルネサンス期の芸術家たちは裸体を描く機会を大いに楽しんだ。^[31]

ルネッサンスにおける古典文化の再活性化により、裸体が芸術に復活した。ドナテッロはフィレンツェ共和国のシンボルである聖書の英雄ダビデ像を2体制作した。最初の作品（大理石製、1408-1409年）は衣服を着た人物を描いているが、2体目はおそらく1440年代のもので、古代以来の独立した裸体像であり^{[32] 、}ミケランジェロの巨大なダビデ像（1501-1504年）の数十年前のものである。ミケランジェロのシスティーナ礼拝堂天井画の裸体は、聖書の物語を描く際に男性の裸体を描く伝統を再確立した。ほぼ裸の聖セバスティアヌスの殉教という主題は、すでに非常に人気が高かった。記念碑的な女性の裸婦像は、1486年にサンドロ・ボッティチェリがメディチ家の依頼で制作した『ヴィーナスの誕生』によって西洋美術に復帰した。メディチ家は古典的な『メディチのヴィーナス』も所有しており、ボッティチェリはそのポーズを翻案した。

アンドレア・マンテーニャ（1431-1506）は、古代古典世界への愛着と、古典的な形式の原理を作品に取り入れたことにより、美術史家から裸体画の復活の立役者とみなされている。^[33] マンテーニャは、作品に古典的な影響を取り入れた最初の画家ではない。しかし、マンテーニャ以前の画家の中で、マンテーニャほど目立った程度と質で古典的な影響を取り入れた画家はほとんどいない。マンテーニャは形式の巨匠として知られ、彼の裸体画は、彼のスタイルが古代古典彫刻の研究と古代ギリシャ・ローマ文化の知識に影響されているため注目に値する。^{[33] [34]}処刑に導かれる聖ヤコブ の素描は、マンテーニャがオヴェタリ礼拝堂のフレスコ画の準備として、初期に裸体解剖の素描を描いていたことを示している。これは、この画家による最も古い素描として知られている。^[35]

ドレスデンの『ジョルジョーネのヴィーナス』（1510年頃）も古典的なモデルを参考にしており、風景の中に横たわる裸婦像を描いている。この作品は『ウルビーノのヴィーナス』 （ティツィアーノ、1538年）や『ロークビーのヴィーナス』（ディエゴ・ベラスケス、1650年頃）など、一連の有名な絵画の始まりとなった。ティツィアーノの『リュート奏者のヴィーナス』や『ウルビーノのヴィーナス』などの像は古代の彫像の比率を反映しているが、女性の身体の理想的な形状よりもセクシュアリティを強調している。これらの作品はその後数世紀にわたって無数の横たわる裸婦像に影響を与えた。^[24]成人男性と女性の像に加え、古典的なエロスの描写は裸の幼子キリストのモデルとなった。^[31]

通常、晩年のラファエロは、それまで使われていたアトリエの弟子や胸を描き足した少年ではなく、一貫して女性モデルを使った最初の芸術家として認められている。通常、最初の裸婦人物習作と言われているミケランジェロの疑わしいほど少年っぽい『墓碑銘のためのひざまずく裸婦の習作』 （ルーブル美術館、1500年頃）は、これより前のもので、最終作品では服を着た姿で示される人物でさえ、衣服の下の形がわかるように裸婦習作でよく練られていたという例である。生きたモデルを使った裸婦デッサンや人物習作は、急速に芸術の実践と訓練の重要な部分となり、20世紀までその状態が続いた。

バロック美術では、古典古代への継続的な関心が芸術家たちのヌードへのアプローチを刷新し拡大する影響を与えたが、より自然主義的であまり理想化されていない描写となり、おそらくは生きたモデルをモデルに描くことが増えた。^[18]両方の性別が表現されており、男性はヘラクレスやサムソンなどの英雄の形で、女性はヴィーナスや三美神の形で描かれている。豊かな体つきと輝く肉体の女性を明らかに楽しんで描いたピーテル・パウル・ルーベンスは、 「ルーベンス風」という形容詞にその名を与えた。レンブラントのヌードは神話や聖書の物語の慣習を取り入れていたが、あまり理想化されておらず、実物から描かれたものであった。^[36]後期バロックまたはロココ時代には、より装飾的で遊び心のあるスタイルが登場し、フランソワ・ブーシェの『愛を慰めるヴィーナス』がその好例である。これはおそらくポンパドゥール夫人の依頼によるものである。

ゴヤの『裸のマハ』は古典からの脱却を表しており、ニンフや女神を暗示するのではなく、陰毛を生やし、見る者に向けた視線を向けた当時の特定の女性を描いている。

19世紀、オリエンタリズム運動により、ヨーロッパ絵画の題材として、横たわる裸婦像が加わった。オダリスク、つまり奴隷やハーレムの少女像である。最も有名な作品の一つは、1814年にアングルが描いた『グランド・オダリスク』^{である。 [37]}パリのサロンで毎年のように理想化された裸婦像が大量に出品されることは、1864年にオノレ・ドーミエが「今年もヴィーナス... いつもヴィーナス!... 本当にこんな体型の女性がいるかのよう!」というキャプションを付けた石版画で風刺された。ヨーロッパでは裸婦像が芸術として受け入れられたが、アメリカでは性的な表現が制限され、古典や聖書を題材にした絵画でさえ批判や検閲が行われることがあった。^[38]

19世紀後半、アカデミックな画家たちは古典的なテーマを描き続けたが、印象派の挑戦を受けた。その構成はティツィアーノやジョジョーネと比較されるが、エドゥアール・マネは『草上の昼食』 （1863年）で現代的な状況にある裸婦を描いて当時の人々に衝撃を与えた。また、『オランピア』 （1865年）のポーズはティツィアーノの『ウルビーノのヴィーナス』に由来すると言われているが、人々はそれを売春婦と見た。ギュスターヴ・クールベも同様に『オウムを連れた女』で女神やニンフの痕跡のない裸の売春婦を 描いたことで批判を浴びた。

エドガー・ドガは入浴中など、日常的な状況にある女性のヌードを多く描いた。^[39]オーギュスト・ロダンは表現豊かに歪んだアダムで古典的な理想化の規範に挑戦した。^[40]写真の発明により、芸術家たちは新しい媒体を絵画の素材として使い始め、ウジェーヌ・ドラクロワはその最初の一人であった。^[18]

リンダ・ニードにとって、女性のヌードはセクシュアリティの抑制の問題である。ケネス・クラークに代表される古典的な美術史の見解の場合、これは露骨なセクシュアリティの理想化と軽視に関するものであるが、現代の見解では、人間の身体は乱雑で、境界がなく、問題が多いと認識されている。^[41]古典美術のイメージが想定していたように、貞淑な女性が依存的で弱いのであれば、強くて独立した女性は貞淑な女性として描写することはできない。^[42]

20世紀初頭にはアカデミックの伝統も印象派も文化的優位性を失ったが、モダニズムの思想によって変容しつつも裸婦は残った。理想化されたヴィーナスは、エゴン・シーレの作品に見られるように、私的な場面で親密に描かれた女性に取って代わられた。^[18]ジャン・メッツィンガー、アメディオ・モディリアーニ、ガストン・ラシェーズ、アリスティード・マイヨールの単純化された近代的な形態は、ギリシャの女神というよりも、元々の豊穣の女神を思い起こさせる。^{[43]初期の抽象絵画では、ピカソの}『アヴィニョンの娘たち』や構造主義やキュビズムの裸婦画のように、身体が断片化またはバラバラにされることがあったが、アンリ・マティスの踊り子や水浴者 など、古典的なテーマの抽象化バージョンもある。

シュザンヌ・ヴァラドンは、 20世紀初頭に男性のヌードだけでなく女性のヌードも描いた比較的数少ない女性芸術家の一人である。^[44] 1916年に彼女は『髪を整える裸婦』を描いたが、これは女性が日常の仕事を率直に、性的な表現やエロチックな表現をせずに行っている様子を描いたものである。^[44]

第二次世界大戦後の時代、抽象表現主義は西洋美術の中心をパリからニューヨークに移した。抽象表現主義の台頭に最も影響を与えた批評家の一人であるクレメント・グリーンバーグは、デ・クーニングの初期の抽象画を支持していた。具象画家としてスタートしたこの芸術家は、グリーンバーグの助言にもかかわらず、1950年初頭に女性シリーズで人間の姿に戻った。女性単体の伝統的な人物像を参考にしている部分もあるが、女性たちは貪欲で、歪んでおり、半抽象的である。芸術家によると、彼は「悲劇の怒りのユーモアを創り出したい」と考えていた。それは、原子時代の狂乱した表情、混乱した世界、喜劇的な救済を必要とする世界を表現することだった。グリーンバーグは後にこう付け加えた。「たぶん…私は自分の中の女性を描いていたのです。芸術は完全に男性的な職業ではありません。一部の批評家はこれを潜在的な同性愛の告白とみなすでしょう。…私が美しい女性を描いたら、私は非同性愛者になるのでしょうか? 私は美しい女性が好きです。生身の女性が、雑誌のモデルでさえも。女性は時々私をいらだたせます。私はそのいらだたしさを『女性』シリーズで描きました。それだけです。」このような考えは、純粋な抽象表現だけでは表現できない。^[45] しかし、一部の批評家は『女性』シリーズを女性蔑視的だと見ている。^[46]

この時期のニューヨークの他の芸術家たちは、人物を主な主題として残した。アリス・ニールは、自分の自画像を含む裸体を、服を着た人物と同じ率直なスタイルで描き、 主に色彩と感情的な内容に関心を寄せた。 [ ^{47 ]} フィリップ・パールスタインは、独特の切り取りと遠近法を用いて裸体の抽象的な性質を探求した。1950年代の若い芸術家として、パールスタインは抽象画と人物画の両方を発表したが、具象画の制作を続けるようアドバイスしたのはデ・クーニングであった。^[49]

ルシアン・フロイドは、フランシス・ベーコンを含む「ロンドン学派」として知られるようになった少数の画家の一人で、1970年代に具象画が流行していなかった時代に創作活動を行った。 ^[51] しかし、晩年までには、肥満体モデルを描いたシリーズに見られるように、理想化の痕跡のない人体を描いた作品は、ポストモダン時代のアイコンとなった。^[52] フロイドの作品の一つに「裸の肖像」という題名があり、これは従来のヌードではなく、特定の裸の女性の写実的なイメージを暗示している。^[53]ニューヨーク・タイムズ紙のフロイドの死亡記事には、次のように記されている。「スタジオで裸で横たわった友人や親しい人たちの荒涼とした露骨な絵画は、肖像画の芸術を刷新し、具象芸術への新しいアプローチを提示した」^[54]

1970年頃、シルヴィア・スレイはフェミニストの理念から、通常は女性に関連付けられるポーズをとった裸の男性を描き出すことで、典型的な芸術的テーマを覆す一連の作品を描いた。^[55]

ジェニー・サヴィルの絵画には、家族や自画像、その他のヌードが含まれる。極端な遠近法で描かれることが多く、リアリズムと抽象性のバランスを取ろうとしている。その一方で、女性が女性のヌードに対してどう感じているかを表現している。^[56] リサ・ユスカヴェージのほぼアカデミックな方法で描かれたヌード像は、「美術史におけるヌードと、女性の姿を物として捉える男性の執着のパロディ」を構成している。^[57] ジョン・カリンも、歴史的なヌードを頻繁に再解釈する画家である。^[58] セシリー・ブラウンの絵画は、デ・クーニングを彷彿とさせるスタイルで具象的要素と抽象性を組み合わせている。^[59]

20 世紀末には、新しいメディアや芸術へのアプローチが登場しましたが、それらはもっと前から始まっていました。特に、インスタレーション アートには人体の画像が含まれることが多く、パフォーマンス アートにはヌードが含まれることがよくあります。オノ ヨーコの「カット ピース」は、1964 年に初めて上演されました (当時は「ハプニング」と呼ばれていました)。観客はステージに上がり、彼女がほぼ裸になるまで彼女の服を切り始めるように求められました。マリーナ アブラモヴィッチ、ヴァネッサ ビークロフト、キャロリー シュネーマンなど、現代のパフォーマンス アーティストの中には、自分の裸体や他のパフォーマーを作品に使用している人もいます。

古典作品では、赤ん坊やプットを除いて裸の子供が描かれることはほとんどなかった。フロイト派の精神分析の時代以前は、思春期前の子供は性的感情を持たないと考えられていたため、裸の子供は純粋な無垢の象徴として描かれた。少年は裸で泳ぐことが多く、ジョン・シンガー・サージェントやジョージ・ベローズなどの近代絵画にも描かれている。他のイメージは象徴的または明示的に、よりエロティックなものであった。^{[60] [61]}

世界の表現は、世界そのものと同様に、人間の仕事です。人間は、自分の観点から世界を描写しますが、それを絶対的な真実と混同します。

— シモーヌ・ド・ボーヴォワール『第二のセックス』

少なくともルネッサンスから19世紀半ばまでは、男性と女性は芸術教育において平等な機会を与えられていなかった。女性芸術家はヌードモデルに近づくことを許されず、芸術教育のこの部分に参加することはできなかった。^{[62] [63]} この時期、ヌード像の研究は、価値ある芸術家になるため、そして歴史的な主題を描くことができるようになるために、すべての男性芸術家が経験することが期待されていたものだった。^[64]

学術的な美術史では、男性ヌードのセクシュアリティを無視し、形態や構成を重視する傾向がある。^[65]

歴史上、裸の男性は殉教者や戦士を表し、芸術における女性の受動的な役割よりも能動的な役割を強調してきました。アリス・ニールとルシアン・フロイドは、性器が目立つように横たわった古典的なポーズで現代の男性の裸体を描きました。シルビア・スレイは、古典的な作品の性別を逆にしたバージョンを描きました。

1960年代まで、美術史や批評は男性の視点以外を反映することはほとんどなかった。フェミニスト芸術運動がこれを変え始めたが、ヌードに込められた政治的メッセージについて最初に広く知られる発言の一つは、1972年に美術評論家のジョン・バーガーによってなされた。著書「Ways of Seeing」の中で、バーガーは女性のヌードは、芸術作品に描かれた女性と主に男性の観客との間に支配的な力関係を反映し、強化するものだと主張した。1年後、ローラ・マルヴェイは著書「Visual Pleasure and Narrative Cinema」を執筆し、その中で男性の視線の概念を映画理論に当てはめ、すべてのヌードは本質的に盗み見的なものだと主張した。^[66]

フェミニスト芸術運動は、女性に芸術が男性の芸術と同じレベルの名声と尊敬を得る機会を与えることを目指していた。女性は男性より知的に劣るという考えはアリストテレスの思想に由来し、ルネサンス時代には大いに頼りにされていた。アリストテレスは、生殖の過程において男性が原動力であると信じていた。男性はすべての創造力を持ち、女性は受け手だった。生殖における女性の唯一の役割は、材料を提供し、容器として機能することだった。この考えは、芸術家と芸術におけるヌードのイメージに引き継がれた。芸術家は特に白人男性とみなされ、成功したプロの芸術家になるための生来の才能と創造性を持つ唯一の人物だった。^[67]この信念体系はヌードアートに広く浸透していた。女性は受動的として描かれ、自分のイメージをコントロールすることはできなかった。ルネサンス時代の女性のヌードは、男性の視線によって作られたイメージだった。^[68]

ジル・フィールズは論文「フェミニスト美術史のフロンティア」で、フェミニスト美術運動と女性のヌード像の評価を検証している。彼女は、女性のヌード像がどのように作られたか、そしてフェミニスト美術史運動が女性のヌード像の表現方法をどのように変えようとしたかを考察している。ルネッサンス期の女性の美の理想から派生した女性の身体像は、男性によって男性の観客のために作られた。ギュスターヴ・クールベの『世界の起源』やフランソワ・ブーシェの『横たわる少女』などの絵画では、女性は脚を開いた状態で描かれており、受動的で利用されるべき対象であることを暗示している。^[69] AWイートンはエッセイ「（女性の）ヌードの何が問題か？フェミニストの視点から見た芸術とポルノ」で、女性のヌードの芸術が女性を客体化するさまざまな方法について論じている。彼女は、男性のヌードは一般的ではなく、活動的で英雄的として表現されているのに対し、女性のヌードははるかに一般的であり、女性は受動的で傷つきやすい性的対象として表現されていると考察している。^[70]フェミニスト美術史運動は、このイメージの認識方法を変えることを目指してきた。1990年代以降、西洋美術において女性のヌードはアイコンとしての重要性が低下してきたが、この重要性の低下は、フェミニスト美術運動のメンバーが「中心核」イメージのようなものを取り入れることを妨げることはなかった。^[71]芸術における女性のヌード像のこの表現方法は、女性が自分のイメージをコントロールしているという事実に焦点を当てていた。中心イメージは、外陰部に関連するシンボルに焦点を当てていた。西洋美術における女性のヌードイメージに新しいイメージとシンボルを取り入れることで、フェミニスト美術史運動は男性優位の美術界を解体しようとし続けている。^[68]

特定の芸術作品の適切性に関する最近の議論は、 Me Too運動の文脈で浮上している。^[72]

女性のヌードは長い間、男性の視線、そして女性の裸体に対する男性の欲望に影響されてきた。^[73]フェミニスト批評は、ほぼ一世紀にわたって、男性の視線に影響された女性のヌードを標的にしてきた。^[73]しかし、この概念をひっくり返し、結果として、男性の視線による女性のヌード描写に具体化された批判を抽出したアーティストもいる。アーティストは、自分たちの作るヌードに女性の視線を吹き込んできた。女性が男性の欲望の対象であるのではなく、一部のアーティストは、女性に関する伝統的な物語に異議を唱え、対照的に女性を非性的として描いてきた。^[74]

さらに、アーティストたちはクィアの視線をアート、特にヌードアートに取り入れており、これも伝統的な男性の視線によるヌードアートに挑戦しています。

• ヘレン・ビアードは、絵画、刺繍、彫刻など、さまざまな媒体で色鮮やかで明るいアートワークを制作し、露骨でポルノ的な性的な体位をとる女性のクローズアップを描いています。 [75]彼女の作品は、女性が自分の体で快感を感じていることを表現しており、従来の伝統的な男性の視線による女性のヌードとは矛盾しています。 [ ^{75 ]}
• ルーシー・リューは「春画」と題したコレクションを制作した。春画とはエロティックな芸術を意味する日本語である。^[76]リューの主題は、ベッドシーツの中で絡み合うレズビアン女性のクローズアップ画像である。^[76]
• マギー・ハンブリングは最近、イギリスのフェミニスト作家メアリ・ウォルストンクラフトを記念して、ウォルストンクラフトのフェミニズムの精神を表すために裸の女性像を使った「メアリ・ウォルストンクラフトのための彫刻」を制作した。 ^[77]これは大きな論争を引き起こし、人々はなぜハンブリングがウォルストンクラフトを裸の姿で描くことを選んだのかと疑問を呈した。^[77]しかし、ハンブリングは、ウォルストンクラフトを精神として、そしてすべての女性の代表として描くことがその理由であると主張している。^[78]
• ルイス・フラティーノは、男性の視線と、ヌードアートにおけるクィアの男性と女性の表現方法を再定義しました。^[79]彼の作品は、日常とエロティックの両方の形式でクィアのセクシュアリティを探求しています。^[80]
• リサ・ユスカヴェージの作品は、 2009年の「女性の視線：女性が女性を見る」展に展示された。 ^[81]彼女の作品には女性のヌード描写が含まれており、女性は自分の身体的な不快感のために他人が自分をどう思うかを気にすることができず、男性の視線にさらされることはない様子が描かれている。^[82]
• シュザンヌ・ヴァラドンは、性的表現をせず、過度にエロチックでもない女性のヌードを描いた。^[83]この芸術作品は、伝統的な男性の視点から女性を描いたものではなく、ヴァラドンは20世紀前半にそのような主題をそのような方法で描いた数少ない女性芸術家の一人であった。^[83]

チャーメイン・ネルソンによると、芸術におけるヌード画像は、白人女性とは異なる形で有色人種の女性に影響を与えてきた。芸術におけるヌードのさまざまな描写は、女性のイメージをコントロールするシステムを確立しただけでなく、有色人種の女性を異質な立場に置いてきた。ネルソンが主張するように、彼らのアイデンティティの交差は「二重にフェティッシュ化された黒人女性の身体」を生み出す。ルネッサンスから1990年代までのヌードアートでは、有色人種の女性は白人女性ほどは表現されておらず、表現される場合でも白人女性とは異なる形で表現されている。ルネッサンス時代の女性の美の理想には黒人女性は含まれていなかった。白人女性は性的イメージとして表現され、ルネッサンス時代の男性にとって理想的な性的イメージだった。20世紀以前のほとんどの主要作品では、白人女性には陰毛がなかった。黒人女性は通常陰毛があり、これが動物的な性的方法で彼らのイメージを作り出した。^[84]白人女性のイメージが純粋で理想化された一方で、黒人女性は絶えず露骨に性的に描かれてきたと彼女は付け加えた。

裸体はまた、強力な社会的、政治的声明を出すためにも使われてきた。例えば、ジョージ・ベローズの『バリケード』（1918年）は、第一次世界大戦でドイツ軍に人間の盾として使われたベルギー市民を描いている。この作品は実際の事件の報告書に基づいており、犠牲者は裸ではなかったが、絵画の中で裸体で描くことで、彼らの脆弱性と普遍的な人間性を強調している。^[85]

人物画は、人物そのものよりも線や形、構成を主眼として、さまざまな形や姿勢で人間の姿を研究するものである。ライフデッサンとは、生きたモデルを観察して描いた作品である。人物の研究は、ルネサンス後期から現在に至るまで、絵の描き方を学ぶ最良の方法と考えられてきた。^[86]

油絵の具は歴史的にヌードを描くのに理想的な媒体であった。絵の具を混ぜたり重ねたりすることで、表面を肌のように見せることができる。「油絵の具は乾燥に時間がかかり、粘度もさまざまであるため、色と質感の豊かで繊細なブレンドを実現でき、人間の物質から別の物質への変化を表現できる。」^[87]

彫刻は耐久性があるため、石器時代から現代に至るまで、裸体像のほぼ途切れることのない完全な歴史を見ることができる。バルカン半島では、紀元前7000年まで遡る裸体像が発見されており^[88]、現在も制作され続けている。インドや東南アジアの彫刻の伝統では、裸体はブレスレットや宝石で飾られることが多く、「男性の筋肉が発達しているのと同じように、裸体の魅力を強調し、体のさまざまな部分を区別する」傾向があった^{[89] 。}

ヌードは、19世紀に発明されて以来、写真の主題となっている。初期の写真家は、過去の古典的なヌードを模倣したポーズを選択することが多かった。^[90]写真はリアルすぎるという問題を抱えており、^{[91] [92]}長年、伝統的な美術に傾倒する人々には受け入れられなかった。^{[93]しかし、}ルース・バーンハルト、アン・ブリッグマン、イモージェン・カニンガム、アルフレッド・スティーグリッツ、エドワード・ウェストンなど、多くの写真家が美術家としての地位を確立している。

20世紀後半には、インスタレーション、パフォーマンス、ビデオアートなど、いくつかの新しい芸術形式が登場し、それらはすべてヌードの概念を探求する作品の制作に使用されました。^[94]一例として、モナ・クーンのサイトスペシフィック・インスタレーション「Experimental」（2018年）があり、ビデオ投影、ビニールインスタレーション、その他の混合メディアを採用しています。^[95]

• アカデミックアート - 絵画と彫刻のスタイル
• 芸術の自由 – 表現と出版の自由
• 体の比率 – 芸術における人体の比率
  • 身体比率の芸術的規範 – 形式的な具象芸術で使用される基準
• 裸体の描写 – 裸の人間の姿を視覚的に表現したもの
• 具象芸術 – 現実の物体を描写した芸術
  • 人物画 – 通常は衣服を着けていない人間の姿を描いた絵
  • 人物画 – 人間の姿を表現した絵画のジャンル
• ヘルガの絵–アンドリュー・ワイエス による絵画とドローイングのシリーズ
• ヌードの歴史 – 裸に対する社会的態度
• エロチックな描写の歴史
• ヌードアートの歴史– 歴史を通じて
• モデル（アート）  – ビジュアルアーティストのためにポーズをとる人
• ヌード写真（芸術）  - 裸の人間の体を撮影した芸術的な写真
• 芸術における膣と外陰部 – 女性器を表現した視覚芸術

• ファルコン、フェリックス・ランス (2006)。ゲイアート：歴史的コレクション [および歴史]、トーマス・ウォーによる序文とキャプション付き。バンクーバー、BC：アーセナル・パルプ・プレス。注：芸術作品は、男性の裸体またはそれに近い白黒のスケッチと絵で、多くのコメントが付いています。ISBN 1-55152-205-5 
• ナッター、トビアス・G.、レオポルド、エリザベス編（2012年）。『ヌードの男たち：1800年から現代まで』ミュンヘン：ヒルマー出版社。ISBN 978-3-7774-5851-9。
• ルサン、ジャック・ド (1982)。Le Nu dans l'art au Québec。ケラ州ラ・プレリー: M. Broquet 版。注: 主に絵画や素描における女性のヌードの芸術的描写に関係します。ISBN 2-89000-066-4