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人物デッサンとは、あらゆる描画媒体を用いて、人間の様々な形や姿勢を描いたものです。この用語は、そのようなデッサンを描く行為そのものを指す場合もあります。表現の度合いは、非常に詳細で解剖学的に正確な描写から、自由で表現豊かなスケッチまで様々です。人物デッサンとは、生きたモデルを観察して描く、伝統的には裸体の人物デッサンです。人物デッサン、あるいは人物習作を人物デッサン教室で制作することは、ルネサンス以来、西洋世界における伝統的な芸術家養成の重要な要素となっています。
人物デッサンは、構成された芸術作品である場合もあれば、絵画などのより完成度の高い作品の準備として行われる人物習作である場合もある。 [ 1 ] : Ch. 8人物デッサンは、おそらく芸術家が一般的に遭遇する最も難しい主題であり、この主題に特化したコース全体が存在する。人間の姿は視覚芸術において最も永続的なテーマの1つであり、肖像画、イラスト、彫刻、医学イラスト、その他の分野の基礎となることがある。
アーティストは、人物を描く際にさまざまなアプローチをとります。生身のモデルや写真[ 2 ] 、マネキン人形、あるいは記憶や想像力から描くこともあります。ほとんどの指導では、「人物デッサン」コースでモデルを使うことに重点が置かれています。写真資料の使用は、写真の発明以来一般的ですが、被写体の動的な側面を捉えきれない「平面的」な画像を生み出す傾向があるため、批判されたり推奨されなかったりすることがよくあります。想像力による描画は、表現力を高める点で高く評価される一方で、人物像を視覚化する際のアーティストの知識不足や記憶力の限界によって生じる不正確さについて批判されることもあります。アーティストの他の方法の経験は、このアプローチの有効性に大きな影響を与えます。
イメージを制作する際、光と影の相互作用によって身体の表面で生み出される形状に焦点を当てるアーティストもいれば、解剖学的なアプローチを取るアーティストもいます。後者の場合、まず人物の内部骨格を近似的に描き、その上に内臓や筋肉を重ね、それらの形状を皮膚で覆い、最後に（必要に応じて）衣服を着せます。この技法には通常、人体の内部解剖学の研究が関わっています。また別の方法としては、頭蓋骨を球体、胴体を円柱などといった幾何学的な形状で身体を大まかに構成し、その後、それらの形状を人間の形により近いものに仕上げていく方法もあります。
視覚的な参考資料なしで作業する場合（または作業を確認する手段として）、人物デッサンで一般的に推奨される比率は次のとおりです。 [ 3 ]
これらの比率は、立っているモデルに最も適しています。体のさまざまな部分が短縮されるようなポーズをとると、これらの比率は変化します。
19世紀のフランス・サロンでは、コンテクレヨン（ワックス、油、顔料を混ぜ合わせた棒状の画材）と特殊な紙の使用が推奨されていた。消しゴムの使用は認められず、画家はまず薄い線で人物像を描き、その後、より濃くはっきりとした線で描き加えることが求められた。
現代でよく用いられる技法の一つに、特別なつるから作られた木炭と、やや粗めの紙を使う方法がある。木炭は紙にゆるやかに付着するため、簡単に消すことができるが、最終的な絵はスプレー式の定着剤を使って木炭が擦れて落ちないように保存することができる。硬く圧縮された木炭を使えば、より意図的で精密な効果が得られ、指や擦筆と呼ばれる円筒形の紙製の道具でぼかすことで、濃淡のグラデーションを作り出すことができる。
グラファイト鉛筆は、人物画にもよく用いられます。この用途向けに、画材用鉛筆は9B（非常に柔らかい）から1B（中程度の柔らかさ）、1H（中程度の硬さ）から9H（非常に硬い）まで、様々な硬さで販売されています。木炭と同様に、消しゴムで消したり、擦筆を使って修正したりすることができます。
インクもまた、よく使われる画材の一つです。画家はまず鉛筆で下書きや輪郭を描き、その後ペンや筆で最終的な線を描き、最後に耐水性インクで仕上げます。インクは水で薄めてグラデーションをつけることもあり、この技法は墨絵と呼ばれます。鉛筆の線はインクを塗った後に消すことも、インクの下にそのまま残しておくこともできます。
鉛筆で下書きをせずに直接インクで描く画家もいる。間違いを修正する機会が限られるにもかかわらず、この手法の即興性を好むのだ。マティスも、このような制作方法で知られていた画家の一人である。
ワトーをはじめとする17世紀から18世紀にかけてのバロック時代やロココ時代の画家たちが好んで用いた手法は、白と黒の中間色を基調とした下地色から始め、ペンとインク、あるいは「クレヨン」を使って黒で陰影をつけ、白でハイライトを加えるというものだった。
人間の姿は先史時代から絵の題材となってきた。古代の芸術家の工房での制作方法は大部分が推測の域を出ないが、彼らの作品の解剖学的な洗練度から、彼らがしばしば裸のモデルを描いていたことが示唆される。プリニウスが語る逸話では、ゼウクシスがアグリジェントゥムの若い女性たちを裸で観察し、その中から5人を選んで、その特徴を組み合わせて理想的な絵を描いたとされている。[ 4 ]中世の芸術家の工房で裸のモデルが使われていたことは、チェンニーノ・チェンニーニの著作にも示唆されており、ヴィラール・ド・オヌクールの写本は、13世紀には人物デッサンが確立された手法であったことを裏付けている。[ 4 ] 1580年代にボローニャにアカデミア・デッリ・インカミナティを開設したカラッチ家は、人物デッサンを中心的な学問分野とすることで、後の美術学校の模範となった。[ 5 ]訓練コースは版画の模写から始まり、次に石膏型からのデッサンに進み、その後、生徒たちは生身のモデルからのデッサンの訓練を受けた。
18世紀後半、ジャック＝ルイ・ダヴィッドの工房では、生徒たちは厳格な指導プログラムに従って学んでいた。デッサン力の習得は絵画の前提条件と考えられていた。生徒たちは毎日約6時間、1週間同じポーズを取り続けるモデルをデッサンした。[ 6 ]「ジャック＝ルイ・ダヴィッドに帰属されるもののような18世紀の素描は、通常、着色紙に赤または黒のチョークで描かれ、白のハイライトと暗い地色が用いられた。モデルのポーズは活発なものが多く、立っている人物は今にも動き出しそうで、座っている人物でさえ劇的に身振りをしている。モデルの身体を綿密に観察することは、その身振りの描写に比べて二次的なものであり、多くの素描は、アカデミック理論に沿って、特定の身体や顔ではなく、代表的な人物像を描いているように見える。それに対し、19世紀に制作されたアカデミー作品は、通常、白紙に黒チョークまたは木炭で描かれ、生身のモデルの身体の特異性や癖を綿密に描写している。画家の手跡は最小限に抑えられ、横たわったり座ったりするポーズはまれだが、立っているポーズでさえ比較的静的である…」[ 7 ] 19世紀後半以前は、一般的に女性は人物素描の授業を受けることができなかった。[ 8 ] [ 9 ]
アカデミーの人物像とは、美術学校やアカデミーでの練習として完成される、通常は実物大の半分の大きさで描かれた、裸体の人間の身体を丁寧に描いたデッサンや絵画のことである。[ 10 ]
歴史的な記録によると、女性画家志望者にとってヌードモデルはほとんど入手不可能だった。女性は、ヌードモデルから学ぶことは不適切であり、場合によっては危険であると考えられていたため、特定の機関から排除されていた。[ 9 ] 男性は男性と女性の両方のヌードにアクセスできたが、女性は石膏像やモデルから解剖学を学ぶことしかできなかった。ロンドンのロイヤル・アカデミーで女性の学生が人物デッサンを許されたのは1893年になってからで、[ 11 ]それでもモデルは部分的に布で覆われている必要があった。[ 12 ]
裸体デッサンへのアクセスが限られていたことが、女性アーティストのキャリアと発展を阻害した。最も権威のある絵画形式には、解剖学に関する深い知識が必要であったが、それは女性には体系的に否定されていた[ 12 ]。そのため、女性は風俗画、静物画、風景画、肖像画といった、あまり評価されない絵画形式に追いやられた。リンダ・ノックリンのエッセイ「なぜ偉大な女性アーティストはいないのか」の中で、彼女は女性が裸体デッサンにアクセスできなかったことが、女性の芸術的発展にとって歴史的に重要な障壁であったと指摘している[ 12 ] 。
人物デッサン指導は、ほとんどの美術およびイラストレーションプログラムの要素です。たとえば、イタリアの美術アカデミーには、学位プログラムの一部であるが外部の学生にも開放されている「ヌード自由学校」があります。 [ 13 ]典型的な人物デッサンスタジオの教室では、学生はモデルの周りに半円形または完全な円形に座ります。2人の学生がまったく同じ視点を持つことはなく、そのため、彼らのデッサンは、モデルに対するアーティストの独自の位置からの視点を反映します。モデルは、学生が遮るもののない視界を見つけやすくするために、スタンドの上に立つことがよくあります。ポーズの種類によっては、家具や小道具が使用される場合があります。これらは通常、アーティストに見える範囲でデッサンに含まれます。ただし、背景は、環境における人物の配置について学ぶことが目的の場合を除き、一般的に無視されます。1人のモデルが最も一般的ですが、より高度なクラスでは複数のモデルが使用される場合があります。多くのスタジオは、さまざまな照明配置を可能にする設備を備えています。
大学レベルで人物デッサンを教える場合、モデルは多くの場合（常にではありませんが）裸体です。ポーズをとる際、モデルは通常、完全に静止していることが求められます。長時間静止し続けることは難しいため、長時間のセッションや難しいポーズの場合は、モデルが休憩したりストレッチしたりするための休憩時間が定期的に設けられるのが一般的です。
人物デッサンセッションの開始時には、モデルはしばしば一連の短いポーズを素早く連続して行うよう求められます。これらはジェスチャーポーズと呼ばれ、通常それぞれ1～3分です。ジェスチャーデッサンは多くのアーティストにとってウォーミングアップの練習ですが、中にはすべての人物デッサンの最初のステップとしてジェスチャーをスケッチするアーティストもいます。これらの大まかなストロークは、手首を軽く振るだけでなく、腕全体を使ってモデルの動きを捉えます。また、アーティストが紙ではなくモデルに集中するのにも役立ちます。人体の描写におけるわずかなプロポーションの誤りは容易に気づかれるため、アーティストはしばしばこの分野のトレーニングにかなりの時間を費やします。
現代美術家は、モデルのポーズから伝わる身振りや雰囲気を強調するために、プロポーションを誇張したり歪めたりすることがある。その結果として生まれる作品は、主題、観察力、感情、そして人物デッサンを通して得られた表現方法といった、あらゆる要素を包含する完成された芸術作品とみなすことができる。
人物デッサン教室では、解剖学はあくまでも最初の段階の関心事に過ぎません。図と地の関係や構図の他の側面も考慮されます。構図のバランスは、人物デッサンを通してより重要になり、より深く理解されるようになります。ポーズに対するアーティストの運動感覚的な反応、そしてそれが画材の選択を通してどのように表現されるかは、より高度な関心事です。人物デッサン教室の目的は、あらゆるタイプの人間を描く方法を学ぶことなので、美しいモデルや「理想的な」体型のモデルだけを選ぶのではなく、あらゆる年齢、体型、民族の男女のモデルが通常求められます。一部の講師は、ファッション写真家が好むようなモデルを意図的に避け、より「現実的な」例を求め、性的対象化の暗示を避けるように努めています。講師は、独特の輪郭や表面の質感に基づいて、特定の体型のモデルを好む場合もあります。雇われるモデルの種類は、長時間ポーズを維持する必要性（落ち着きのない子供や虚弱な高齢者は除外される）や、モデルが裸でポーズをとる場合の慎み深さや法的問題（未成年者の使用を制限する）への懸念によって制限される場合があります。
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