トーンクラスター

トーンクラスターは、音階内の少なくとも 3 つの隣接する音で構成される音楽コードです。プロトタイプのトーン クラスターは半音階に基づいており、半音で区切られています。たとえば、3 つの隣接するピアノのキー(C、C ♯、Dなど) を同時に押すと、トーン クラスターが生成されます。トーン クラスターのバリエーションには、全音階、五音階、または微分音階で区切られた隣接する音で構成されるコードが含まれます。ピアノでは、このようなクラスターでは、隣接する白鍵または黒鍵を同時に押すことがよくあります。

20世紀初頭、ラグタイムのアーティスト、ジェリー・ロール・モートンやスコット・ジョプリンの先駆的な作品では、トーン・クラスターが中心的な役割を担うようになった。1910年代には、クラシック音楽の前衛音楽家、作曲家兼ピアニストのレオ・オーンスタインおよびヘンリー・カウエルが、トーン・クラスターを初めて広範囲に探求した人物として認められた。同時期に、チャールズ・アイヴズはいくつかの作品でトーン・クラスターを採用したが、それらは1920年代後半または1930年代まで公に演奏されることはなかった。1930年代後半にはバルトークもトーン・クラスターを採用した。20世紀半ば以降は、ルー・ハリソン、ジャチント・シェルシ​​、アルフレッド・シュニトケ、カールハインツ・シュトックハウゼン、そして後にはエリック・ウィッテカーなどの作曲家の作品で、トーン・クラスターが目立つように取り上げられている。トーン・クラスターは、セシル・テイラー、マシュー・シップ、ケヴィン・カストニングなどのフリージャズミュージシャンの作品でも重要な役割を果たしている。

ほとんどの西洋音楽では、トーン クラスターは不協和音として聞こえる傾向があります。クラスターは、3 つ以上の音を同時に演奏できるほぼすべての楽器で演奏できます。また、ほとんどの楽器または声のグループでも演奏できます。鍵盤楽器は、複数の音をユニゾンで演奏するのが比較的簡単なので、トーン クラスターの演奏に特に適しています。

典型的なトーン クラスターは、半音階上の 3 つ以上の隣接する音符のコード、つまり、それぞれが半音だけ隔てられている3 つ以上の隣接するピッチです。全音階と五音階に基づく 3 音のスタックも、厳密に言えばトーン クラスターです。ただし、これらのスタックでは、半音階の半音間隔よりも大きな音符間の間隔が含まれます。これは、各キーのピッチが次のキーから半音 1 つ隔てられているキーボードで簡単に確認できます (黒鍵がキーボードの端まで伸びているように視覚化します)。全音階 (通常は白鍵で演奏されます) には、半音間隔が 2 つしか含まれず、残りは全音です。西洋音楽の伝統では、五音階 (通常は黒鍵で演奏されます) は、半音よりも大きい間隔のみで構成されます。したがって、解説者は、全音階と五音階のスタックがスケール内の連続する 4 つ以上の音符で構成されている場合にのみ、それらを「トーン クラスター」と見なす傾向があります。^[1]西洋のクラシック音楽の標準的な慣習では、すべての音群は2度和音として分類できます。つまり、短2度（半音1つ分の音程）、長2度（半音2つ分の音程）、または特定のペンタトニック音群の場合は増2度（半音3つ分の音程）から構成されます。隣接する微分音ピッチの積み重ねも音群を構成します。^[2]

トーン・クラスターでは、音符は完全にユニゾンで鳴らされ、アチャカトゥーラなどの装飾音型とは区別されます。その効果も異なる傾向があり、装飾はハーモニーやハーモニーとメロディーの関係に注意を向けるために使われますが、トーン・クラスターはほとんどの場合、独立した音として使われます。定義上、クラスターを形成する音符は同時に鳴らされる必要がありますが、すべての音が同時に鳴り始める必要はありません。たとえば、 R・マレー・シェーファーの合唱曲「月光の墓碑銘」（1968年）では、各合唱セクション（ソプラノ/アルト/テナー/バス）を4つのパートに分割してトーン・クラスターが構成されています。16のパートはそれぞれ別々に登場し、前のパートのハミング音より半音低い音をハミングして、16のパートすべてがクラスターに貢献するまで続きます。^[4]

トーン クラスターは一般に不協和な音楽テクスチャーと考えられており、そのように定義されています。^[5]しかし、アラン ベルキンが指摘しているように、楽器の音色はクラスターの効果に大きな影響を与える可能性があります。「クラスターはオルガンでは非常にアグレッシブですが、弦楽器で演奏すると非常に柔らかくなります (弦楽器のピッチのわずかな連続的な変動が内部の可動性を提供するためと考えられます)。」^[6]このトピックに関する最初の出版された論文で、ヘンリー カウエルは、トーン クラスターは「その外側の境界が協和音の間隔を形成すると、より心地よくなり、耳に受け入れられる」と述べています。^[7]カウエルは、「いわゆる不協和音の自然な間隔は、倍音列のように 7 度や 9 度ではなく、2 度です。... 2 度間隔のグループは、特に同じ倍音列の低いところから取った基本コード ノートと組み合わせて演奏すると、耳に心地よく聞こえます。それらをブレンドして、耳に説明します。」と説明しています。^[8]トーンクラスターはノイズともみなされてきた。マウリシオ・カーゲルは「クラスターは一般的に反ハーモニーの一種として、音とノイズの移行として使われてきた」と述べている。^[9]そのため、トーンクラスターは打楽器的な使い方にも適している。歴史的には、トーンクラスターは軽蔑の念を込めて議論されることもあった。1969年の教科書では、トーンクラスターを「非ハーモニー音の塊」と定義している。^[10]

1917年の作品「マナウナーンの潮流」で、カウエルはピアノやその他の鍵盤楽器の音のクラスターを表す新しい記譜法を紹介した。この記譜法では、クラスターの最上部の音と最下部の音だけが、1本または2本の線で結ばれて表される。^[11]これは、右の図に示す実線スタイルに発展した。ここで、最初のコード（D ₂からD _4まで2オクターブに及ぶ）は、全音階（いわゆる白音）のクラスターであり、五線譜の下にナチュラル記号で示されている。2番目はペンタトニック（いわゆる黒音）のクラスターであり、フラット記号で示されている。クラスターの境界を示す音がシャープで表記されている場合は、シャープ記号が必要になる。半音階のクラスター（黒鍵と白鍵が一緒）は、この方法では記号のない実線で示される。^[12] 1960年代初頭、リゲティはオルガン独奏曲『ヴォルミナ』の大規模で密集したクラスターを楽譜にする際に、グラフィカル記譜法を用いて鍵盤のセクション全体をブロック化した。^[13]

鍵盤の音クラスターの演奏は「拡張テクニック」と広く考えられており、大きなクラスターには拳、手の平、前腕などを使った珍しい演奏方法が必要になることが多い。セロニアス・モンクとカールハインツ・シュトックハウゼンはそれぞれ肘でクラスターを演奏し、シュトックハウゼンは特別な手袋でクラスターグリッサンドを演奏する方法を開発した。 ^[14] ドン・プーレンは手の甲を鍵盤の上で転がすことで動くクラスターを演奏した。^[15]チャールズ・アイヴズのコンコード・ソナタ( 1904-19年頃)のように、さまざまな寸法のボードが使用されることもある。長時間のクラスターを演奏するために、ボードに重しを付けることもある。^[16]ルー・ハリソンのスコアのいくつかでは、高速の鍵盤クラスター演奏を容易にするために作られた「オクターブ・バー」の使用が求められている。^[17]ハリソンとパートナーのウィリアム・コルヴィグがデザインしたオクターブ・バーは、

高さ約2インチの平らな木製の装置で、上部にグリップ、下部にスポンジゴムが付いており、演奏者はこれで鍵盤を叩く。グランドピアノでは、その長さは1オクターブに及ぶ。スポンジゴムの底は、両端が中央よりわずかに低くなるように彫刻されており、オクターブの外側の音が中間の音よりも強く響く。これにより、ピアニストは恐ろしいほど速いパッセージを一気に駆け抜けることができ、一撃ごとに正確に1オクターブをまたぐことができる。^[17]

西洋音楽作品における音群の最も古い例は、弦楽アンサンブルのためのハインリヒ・ビーバーの『十人の戦闘』（1673年）のアレグロ楽章で、複数の全音階クラスターが要求されている。^[18]ハーモニックマイナースケールのすべての音を含むオーケストラの全音階クラスターは、ジャン＝フェリー・ルベルの1737-38年のバレエ『元素』の冒頭の混沌の表現にも見られる。^[19]

その後150年ほど経つと、J.S.バッハのカンタータ「神の声よ、神の声よ」BWV60の冒頭など、この形式の例はほんの一瞬しか見られないが、さらにいくつか例が見つかっている。

または、同じ作曲家のフランス組曲第 5 番、BWV 816 の「ルール」の最後の 2 小節で、

あるいはバッハの『音楽の捧げもの』における「宙吊りにされた」複数の線の相互作用から生じる衝突^[20]：

ドメニコ・スカルラッティ(1685–1757)の鍵盤ソナタでは、より大胆で独特な音のクラスターの使い方が見られます。1740 年代後半の次の一節では、スカルラッティは数小節にわたって不協和音を構築しています。

ラルフ・カークパトリックは、これらの和音は「不協和音の恣意的な塊という意味でのクラスターではなく、また必ずしも全音階の音程を無計画に埋めたり、隣り合う音を同時に鳴らしたりするものでもありません。これらはスカルラッティの和音言語の論理的表現であり、彼の調性構造の有機的な現れです」と述べている。^[21]フレデリック・ノイマンはソナタK175（1750年代）を「スカルラッティの有名な音のクラスターでいっぱい」と表現している。^[22]この時代にも、チェンバロやピアノのためのいくつかのフランスのプログラム的な作品がクラスターによる砲撃を表現しています。フランソワ・ダンドリュー ( Les Caractères de la guerre、 1724 年) 、ミシェル・コレット( La Victoire d'un Combat Naval, remportée par une frégate contre plusieurs corsaires réunis )の作品です。 1780年）、クロード＝ベニーニュ・バルバストル（マルセイヨワ行進曲、1793年）、ピエール・アントワーヌ・セザール（宝石の戦隊、モンス賞、 1794年頃）、ベルナール・ヴィゲリー（マリンゴの戦闘曲、ピアノ三重奏曲のための「軍隊と歴史」、1800年）、ジャック・マリー・ボーヴァレ・シャルパンティエ(オーステルリッツ大砲、1805)。^[23]

「仮想」音群のドラマチックな使用例は、フランツ・シューベルトの歌曲「魔王」（1815～21年）に見ることができます。ここでは、邪悪な魔王の幻影を見て怯えた子供が父親に呼びかけます。ここで使用されている属短九和音（C ^{7 ♭ 9} ）の不協和音は、ドラマと脅威感を高めるのに特に効果的です。

この一節について、リチャード・タラスキンは「少年の叫び声の不協和音は前例のないレベルだ。声は第九音を高く、左手は第七音を低く鳴らす。その結果、事実上の『音の塊』が生まれる。シューベルトが教わった作曲のルールの範囲内で、これらの進行のハーモニーの論理は確かに証明できる。しかし、その論理は聴き手の想像力に強く訴えるものではなく、むしろ計算された奔放さの印象（または錯覚）である」と述べている。^[24]

ベートーヴェンの最後のピアノソナタ第32番作品111の 最後のアリエッタには、マーティン・クーパーによれば「4度音程の繰り返しによって一瞬のぼやけた感じを与える」パッセージがある。 ^[25]

シャルパンティエの次に知られている音のクラスターを特徴とする作品は、 1859年に出版されたシャルル・ヴァランタン・アルカンの「Une fusée（ロケット）」作品55と、 1861年に出版されたピアノ独奏のための49のスケッチ集からのミニチュアである「Les Diablotins（小鬼たち）」である。 ^[要出典]

また、1861年に「ブラインド・トム」ベチューンによって作曲され、1866年に出版されたピアノ独奏曲「マナサスの戦い」もある。楽譜では、ピアニストに「手の平で、できるだけ多くの音を、できるだけ強く、ピアノのベースを」叩くことで、さまざまな地点で大砲の砲火を表現するように指示されている。^[26] 1887年、ジュゼッペ・ヴェルディは、西洋の伝統の中で初めて、紛れもない半音階のクラスターを書いた著名な作曲家となった。オテロの冒頭の嵐の音楽には、オルガンのクラスター（C、C ♯、D）が含まれており、これは、知られている限りの楽譜化された音楽テクスチャの中で最も長い表記時間を持つ。^[27]グスタフ・マーラーの交響曲第2番の合唱終楽章では、声から自然に生じる非常に悲痛な音のクラスターが特徴的で、「wird, der dich rief, dir geben」という言葉につながる。

それでも、トーン・クラスターが西洋のクラシック音楽の実践において認知されるようになったのは、20 世紀に入ってから 10 年ほど経ってからでした。

「1910年頃、パーシー・グレインジャーは『ガムサッカーズ・マーチ』などの作品で近音クラスターを使って騒ぎを起こしていた」とハロルド・C・ショーンバーグは書いている。 ^[28] 1911年には、真音クラスターを徹底的に取り入れた最初の古典作品と思われる作品が出版された。カナダの作曲家J・ハンフリー・アンガー（1862年 - 1913年）の『ティンタマーレ（鐘の音）』である。^[a]

数年のうちに、急進的な作曲家でありピアニストでもあったレオ・オーンスタインは、最先端の作品の演奏により、大西洋の両側でクラシック音楽界で最も有名な人物の一人となった。1914年、オーンスタインは自身のピアノ独奏作品をいくつかデビューさせた。『Wild Men's Dance』（別名Danse Sauvage、1913年～ 1914年頃）、 『 Impressions of the Thames』（ 1913年～ 1914年頃）、『Impressions of Notre Dame』（1913年～ 1914年頃）は、大量の聴衆が耳にしたトーン・クラスターを深く探求した最初の作品であった。特に『Wild Men's Dance』は、ほぼ完全にクラスターで構成されていた（聴く^ⓘ）。^[b] 1918年、評論家のチャールズ・L・ブキャナンはオーンスタインの革新性を次のように評した。「[彼は]私たちに、8音から12音の半音を重ねた和音、鋭く激しい不協和音の塊を与えてくれる。」^[29]

クラスターはヨーロッパの作曲家たちの作品にも登場し始めていた。イサーク・アルベニスがイベリア（1905-1908）でクラスターを使ったことは、ガブリエル・フォーレのその後のピアノ曲に影響を与えた可能性がある。^[30] ジョセフ・ホロヴィッツは、第3巻と第4巻の「不協和音の星団」が特にオリヴィエ・メシアンの心を捉えたと示唆しており、メシアンはイベリアを「ピアノの驚異」と呼んだ。^[31]ワシリー・カンディンスキーの舞台ショー「黄色い音」 （1909年）のトーマス・デ・ハルトマンのスコアでは、2つのクライマックスで半音階のクラスターが使われている。^[32]アルバン・ベルクのクラリネットとピアノのための4つの小品（1913年）では、他の前衛的な鍵盤楽器のテクニックとともにクラスターが使われている。^[33]クロード・ドビュッシーのピアノ前奏曲「ラ・カテドラル・アングルティ」は、クラスターを強力に使用して「鳴り響く鐘の音」を呼び起こし、「多くの長二度音程が加えられているため、これを全音階的ハーモニーと呼ぶこともできる」 ^{[34] 。}

1913 年のピアノ前奏曲「ラヴィーン将軍 - エキセントリック」は、アメリカの黒人ポピュラー スタイル (ケークウォーク)の影響を受けた最初の作品の 1 つで、ドビュッシーは次のようなパッセージの終わりに、ざらざらとした音のクラスターを特徴としています。

ドビュッシーは、1914年に作曲した『古代の碑文6つ』を1915年にピアノ独奏用に編曲したが、これはもともとピアノ連弾曲集だったが、5番目の曲『エジプトのために』に音のクラスターを盛り込んでいる。^[35]

ロシアの作曲家ウラジーミル・レビコフは、 1913年に作曲した『 3つの牧歌』作品50で、この技法を多用した。 ^[要出典] リヒャルト・シュトラウスの『アルプス交響曲』（1915年）は「沈む太陽で始まり、沈む太陽で終わる。変ロ短調の和音がゆっくりと下がっていく。」^[36]

チャールズ・アイヴズの作品の多くは数年後にようやく公開されたが、彼は以前から「グループコード」と呼んでいたトーンクラスターの可能性を模索していた。1906年から1907年にかけて、アイヴズはトーンクラスターを多用した最初の成熟した作品である「スケルツォ：舗道の上で」を作曲した。^[c] 9人編成のアンサンブル用に編曲されており、ピアノの黒音クラスターと白音クラスターの両方が含まれている。^[37] 1913年に改訂されたが、1950年代まで録音・出版されず、初演は1963年まで待たなければならなかった。オーンスタインがトーンクラスターをコンサートの舞台に導入していたのと同じ時期に、アイヴズは最も有名なクラスターのセットを含む曲を作曲していた。コンコードソナタ（ 1904年頃～ 1915年、出版1920年、初演1928年、改訂1947年）の第2楽章「ホーソーン」では、巨大なピアノコードを演奏するために、ほぼ15インチの長さの木製の棒が必要となる。^[38]フェルトまたはフランネルで覆われた棒によって生み出される穏やかなクラスターは、遠くの教会の鐘の音を表現している（聴く^ⓘ）。^[39]楽章の後半には、右手のための5音の全音階クラスターが連続して登場する。アイヴズは楽譜の注釈で、「これらのグループコードは、演奏者がその気になれば、握りこぶしで叩くこともできる」と述べている。^{[40] 1911年から1913年の間に、アイヴズは第2弦楽四重奏曲や管弦楽曲「デコレーション・}デイ」や「独立記念日」など、音階を伴うアンサンブル作品も作曲したが、1930年代まで公に演奏されることはなかった。^[d]

マナウナウンの潮流（1917）

コーウェルの代表作の冒頭

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1913年6月、正式な音楽教育を受けていない16歳のカリフォルニア人が「原始的な音のクラスター」を使ったピアノ独奏曲「ハーモニーの冒険」を書いた。 ^[41] ヘンリー・カウエルは、クラスター和声技法の推進者としてすぐに頭角を現した。オーンスタインは1920年代初頭にコンサートの舞台を去ったが、いずれにせよクラスターは実用的な和声装置として役立ったのであって、より大きな理論的使命の一部ではなかった。アイヴズの場合、クラスターは彼の作曲作品の比較的小さな部分を占め、その多くは何年もの間聴かれなかった。知的に野心的なカウエル（1916年にニューヨークでオーンスタインの演奏を聴いた）にとって、クラスターは音楽の未来にとって極めて重要だった。彼はクラスターの「全体的、累積的、そしてしばしばプログラム的な効果」を探求しようとした。^[42]

コーウェルが19歳の時に作曲したピアノ独奏曲「ダイナミック・モーション」 ^{（1916年）は、「おそらく、音楽の拡張と変化のために2度和音を独立して使用した最初の作品」と評されている。 [43]}これは正確ではないが、半音階クラスターをこのように使用した最初の作品であるように思われる。コーウェルが翌年に作曲したピアノ独奏曲「マナウナウンの潮流」（1917年）は、彼の最も人気のある作品であり、西洋のクラシック音楽の重要な要素としてトーン・クラスターを確立した最も大きな功績を残した作品である。（コーウェルの初期のピアノ曲は、しばしば誤って1914年と1912年と記されている。 ^[44]）この曲は、本質的にランダムな、あるいはもっと親切に言えば偶然的なピアノ的アプローチを伴うと一部の人々は推測しているが、コーウェルは、トーン・クラスターの作曲と演奏には、他の音楽的特徴と同様に正確さが求められると説明する。

ピアノのトーンクラスターとは、コードとして使用される音階全体、または少なくともコードとして使用される音階上の連続した3つの音です。そして、これらのコードが手の指の数を超える場合、手の平で、または時には前腕全体で演奏する必要があるかもしれません。これは、新しいピアノテクニックを考案しようとする観点から行われるのではなく（実際にはそうなりますが）、むしろ、これがそのような大きなコードを演奏する唯一の実用的な方法だからです。これらのコードは正確であり、望ましい音質で演奏し、本質的に完全に正確になるようにするために熱心に練習することは明らかです。^[45]

歴史家で批評家のカイル・ガンは、カウエルがクラスターを構築（そして演奏）し、それを音楽のテクスチャーとして使用した幅広い方法について、「時にはトップノートを旋律的に引き出し、時には左手のメロディーを並行して伴奏する」と説明しています。^[46]

1921年、アイルランドの文化雑誌『ザ・フリーマン』に連載された記事から、カウエルはトーン・クラスターという用語を広めた。^[47]よく言われるように彼がこのフレーズを作ったわけではないが、現在の意味でこのフレーズを使ったのは彼が初めてだったようだ。^[e] 1920年代から1930年代にかけて、カウエルは北米やヨーロッパを広くツアーし、トーン・クラスターを中心に構築された自身の実験的な作品を演奏した。『マナウナーンの潮流』、『ダイナミック・モーション』とその5つの「アンコール」である『What's This』（1917年）、『Amiable Conversation』（1917年）、『Advertisement』（1917年）、 『 Antinomy』（1917年、1959年改訂。よく「Antimony」と間違えられる）、『Time Table』（1917年）に加えて、『The Voice of Lir』（1920年）、『Exultation』（1921年）、『The Harp of Life』（1924年）、『Snows of Fujiyama』（1924年）、『Lilt of the Reel』（1930年）、『Deep Color』（1938年）などがある。『Tiger』（1930年）は53音の和音で、1969年まで単一の楽器で書かれたものの中ではおそらく最大の和音である。^[48]アイヴズとともに、カウエルはクラスターを多用した最初の大編成の楽曲のいくつかを書いた。最も初期の作品である『動きの誕生』（ 1920年頃）では、オーケストラのクラスターとグリッサンドが組み合わされている。 ^[49]カウエルの『ピアノと管弦楽のための協奏曲』（1928年、初演1978年）の第2楽章「トーン・クラスター」では、ピアノと各楽器グループにさまざまなクラスターが用いられている（聴く^ⓘ）。^[50]四半世紀後の『交響曲第11番』（1953年）では、ミュートされたバイオリンで演奏されるスライディング・クロマチック・クラスターが特徴的である。^[51]

数十年にわたってクラシック音楽の前衛音楽に大きな影響を与えた 理論書『新しい音楽資源』（1930 年）の中で、カウエルは、クラスターは単に色彩のためだけに使用すべきではないと主張しました。

ハーモニーにおいては、クラスターが一度始まると、クラスター全体を連続して維持する方が一貫性を保つために良い場合が多い。なぜなら、1つだけ、あるいは2つだけでも、音楽の論理に従って必然的な結論に導かれる独立した重要な手順としてではなく、単なる効果として聞こえる可能性があるからである。^[52]

1922年、カウエルの友人であった作曲家のデイン・ラドヤーは、トーン・クラスターの発達が「音楽の単位である音符の存在を危うくした」と賛同して宣言した。 ^[53]その脅威は現実のものとはならなかったが、クラスターはますます多くの作曲家の作品に現れるようになった。アーロン・コープランドは既にピアノのための『スリー・ムード』（別名トロワ・エスキス、1920-21年）を書いており、その題名はレオ・オーンスタインの作品へのオマージュと思われるが、この作品にはトリプルフォルテのクラスターが含まれている。^[54]カウエルによるトーン・クラスター作品のデモンストレーションに直接影響を受けた最も著名な作曲家はベーラ・バルトークであり、彼はカウエルにこの手法を使用する許可を求めた。 [ ^55]バルトークのピアノ協奏曲第1番、ピアノソナタ、戸外組曲より「夜の音楽」（すべて1926年）は、3年間にわたって小規模ながら広範囲に特徴的な音のクラスターを制作した後の最初の重要な作品である。^[56]

1930年代には、カウエルの弟子ルー・ハリソンが、グランドピアノのための前奏曲（1937年）など、いくつかの作品で鍵盤のクラスターを使用した。^[57]少なくとも1942年には、やはりカウエルに師事したジョン・ケージが、クラスターコードを使ったピアノ曲を書き始めており、その年の12月の『ホロコーストの名において』には、半音階、全音階、ペンタトニックのクラスターが含まれている。^[58] オリヴィエ・メシアンの『幼いイエスを見つめて20の時』（1944年）は、20世紀前半の最も重要なピアノ独奏曲と言われることが多いが、作品全体を通してクラスターを使用している。^[59]クラスターは、その後も様々な作曲家の数多くのピアノ曲で取り上げられることになる。カールハインツ・シュトックハウゼンのピアノ作品集第10番（1961年）は、3から36半音まで7段階の幅でスケールされた半音階のクラスター、および上昇および下降するクラスター・アルペジオとクラスター・グリッサンドを大胆かつ修辞的に使用している。^[60]その20年後に書かれたシュトックハウゼンのピアノ作品集第13番では、ピアニストが鍵盤の前に座ることを要求するクラスターとともに、多くの同じ技法が用いられている。^[61] ウォルト・ホイットマンの詩に曲を付けたジョージ・クラムのソプラノと増幅ピアノのための幻影、哀歌、およびヴォカリーズ（1979年）は、3つのセクションの導入部となる巨大なクラスターを含め、クラスターで満たされている。^[62]ジョセフ・シュワントナーの歌曲集『マガブンダ』（1983年）第2楽章のピアノパートは、おそらく単一の楽器のために書かれたものの中で最大の和音で、鍵盤上の全88音で構成されています。^[63]

トーン・クラスターは、ピアノ、特にピアノ独奏曲のレパートリーと通常結び付けられるが、室内楽団やより大規模なアンサンブルの作曲においても重要な役割を担っている。ロバート・レイグルは、クロアチアの作曲家ヨシップ・スラヴェンスキーのオルガンとヴァイオリンのためのソナタ・レリギオーサ（1925年）の持続的な半音階のクラスターを「アイヴズとリゲティ（ジェルジ）の間の失われたつながり」としている。^{[64]バルトークは}、第4弦楽四重奏曲（1928年）で全音階と半音階の両方のクラスターを採用している。^[65]ルース・クロフォード・シーガーの弦楽四重奏曲（1931年）やヤニス・クセナキスのメタスタセイス（1955年）などの作品における音響マス技法は、トーン・クラスターの発展形である。 「ほとんどの調性および非調性の線形不協和音とは異なり、音塊は本質的に静的です。個々の音程は二次的な重要性しかなく、最も重要なのは音塊です。」^[66]音塊美学に関連する最も有名な作品の 1 つで、「これまでに書かれた個々の音程の最大のクラスターの 1 つ」を含む^[67]クリストフ・ペンデレツキの52 弦楽器のための「広島の犠牲者に捧げる哀歌」 (1959 年) では、四分音クラスターが「恐怖の叫びと悲しみの悲鳴を特徴付ける特徴を抽象化し、強調しているように見えます。」^{[68]クラスターは、シュトックハウゼンの「}コンタクト」 (1958 年 - 1960 年)の電子音楽の 2 つのセクションに登場します。ロビン・マコニーによると、最初は「非常に合成が難しいハンマーポイント」として、次にグリッサンドとして登場します。^[69] 1961年、リゲティはおそらく史上最大のクラスター和音を作曲した。管弦楽曲「アトモスフェール」では、5オクターブの範囲にわたる半音階のすべての音が一度に（静かに）演奏される。^[70]リゲティのオルガン作品ではクラスターが多用されている。グラフィカルに記譜された「ヴォルミナ」（1961-62年）は、静的および可動性のクラスター・マスで構成されており、多くの高度なクラスター演奏テクニックが求められている。^[71]

メシアンのオラトリオ 『神の御子イエス・キリストの変容』（1965-1969年）の第8楽章では、弦楽器に「きらめく音群のグリッサンドの輪」が見られ、物語で言及されている「明るい雲」を想起させます（聴く^ⓘ）。^{[72]シュトックハウゼンの}『フレスコ』（1969年）と『トランス』（1971年）では、オーケストラの音群が随所に使用されています。 ^[73]モートン・フェルドマンの『ロスコ・チャペル』 （1971年）では、「言葉のない声の音群が、ビオラ、チェレスタ、パーカッションの骨組みの配置を通してにじみ出ています。」^[74] アルド・クレメンティの室内アンサンブル作品「セレモニアル」（1973年）は、ヴェルディとアイヴズの両方を想起させ、オリジナルの長時間演奏とマスクラスターの概念を組み合わせている。電気ハーモニウムの上に置かれた重みのある木の板が、作品全体を通して音のクラスターを維持している。 ^[16]ジュディス・ビンガムの「プラハ」（1995年）は、ブラスバンドに音のクラスターを作る機会を与えている。^{[75 ] ピアノ協奏曲では、}エイノユハニ・ラウタヴァーラの最初の協奏曲（1969年）やエサ＝ペッカ・サロネンの協奏曲（2007年）など、オーケストラの力に対して鍵盤クラスターが設定されている。後者はメシアンを連想させる。^[76]エリック・ウィテカーの合唱作品では、彼のスタイルの特徴として、クラスターがよく使われている。^{[77] [78]ウィテカーのコードクラスターは、基本的に}声部の進行に基づいており、従来の和声分析では簡単に解釈できない。^[79]

トーン・クラスターをさまざまなアンサンブルで頻繁に使用した作曲家は、ジャチント・シェルシ​​、アルフレッド・シュニトケ（両者とも微分音の文脈でトーン・クラスターを頻繁に使用していた）、ルー・ハリソンの3人である。シェルシはキャリアの大半でトーン・クラスターを使用しており、最後の大規模な作品である1986年に初演されたPfhat （1974年）でも使用していた。 ^[80]シュニトケの作品では、微分音の弦楽器がピアノの鍵盤の隙間からトーン・クラスターを見つけるピアノ五重奏曲（1972年 - 1976年）^{[81]から合唱曲の}Psalms of Repentance （1988年）まで、トーン・クラスターが見られる。ハリソンのクラスターを特徴とする作品には、パシフィカ・ロンド（1963年）、オルガンと打楽器のための協奏曲（1973年）、ピアノ協奏曲（1983年 - 1985年）、男声合唱のための3つの歌（1985年）、グランド・デュオ（1988年）、ライムズ・ウィズ・シルバー（1996年）などがある。^[82]

トーンクラスターはジャズの初期の頃から、様々なスタイルのジャズアーティストによって使われてきました。20世紀初頭、ストーリーヴィルのピアニスト、ジェリー・ロール・モートンはフランスのカドリーユをラグタイム風にアレンジし、左前腕で演奏する大きな半音階のトーンクラスターを導入しました。唸るような効果から、モートンはこの作品を「タイガーラグ」と名付けました（聴く^ⓘ）。^[83] 1909年、スコット・ジョプリンの意図的に実験的な「ウォールストリートラグ」には、記譜されたトーンクラスターを顕著にフィーチャーしたセクションが含まれていました。^[84]

アーティ・マシューズの『パスタイム・ラグス』（1913-1920年）の4曲目では、右手の不協和音のクラスターが特徴的である。^[85] セロニアス・モンクは、「ブライト・ミシシッピ」（1962年）、「イントロスペクション」（1946年）、「オフ・マイナー」（1947年）などの作品で、クラスターを即興演奏の中心的な部分で劇的な音形として、また終盤の緊張感を強調するために使用している。^[86]アート・テイタムの「ミスター・フレディ・ブルース」（1950年）でも、クロス・リズムの基盤としてクラスターが使用されている。^[87] 1953年までに、デイヴ・ブルーベックは、フリージャズの先駆者セシル・テイラーが間もなく開発するスタイルを予期して、ピアノの音のクラスターと不協和音を採用していた。^[88]ハード・バップのピアニスト、ホレス・シルバーのアプローチは、テイラーのクラスター使用のさらに明確な先駆けである。^[89]同じ時期に、ハービー・ニコルズのリードラインではクラスターが句読点として登場する。^[90]フランシス・デイヴィスがニコルズの最高傑作と評した「ザ・ギグ」（1955年）では、「ぶつかり合う音とトーンクラスターが、何を演奏するかで対立するピックアップバンドを表現している」。^[91]デューク・エリントンのピアノクラスター作品の録音例としては、「サマータイム」（1961年）や...アンド・ヒズ・マザー・コールド・ヒム・ビル（1967年）、そして1972年にベーシストのレイ・ブラウンと録音した元ベーシストへのトリビュート「ディス・ワンズ・フォー・ブラントン！」などがある。^[92] ビル・エヴァンスによる「カム・レイン・オア・カム・シャイン」の解釈は、アルバム「ポートレート・イン・ジャズ」（1960年）から、印象的な5トーンクラスターで始まる。^[93]

ジャズでは、クラシック音楽と同様、トーン・クラスターはキーボードに限定されていない。1930年代、ジミー・ランスフォード・オーケストラの「Stratosphere」には、一連の進歩的な要素の中にアンサンブル・クラスターが含まれていた。^[94]スタン・ケントン・オーケストラが1947年4月に録音した「If I Could Be With You One Hour Tonight」（ピート・ルゴロ編曲）では、第2コーラスの終わりにドラマチックな4音トロンボーン・クラスターが使われている。^{[95]評論家の}フレッド・カプランが述べたように、デューク・エリントン・オーケストラによる1950年の演奏では、集団で「ラヴェルを思わせる豊かで暗いトーン・クラスターを吹く」編曲が特徴的である。^{[96]コード・クラスターは、編曲家}ギル・エヴァンスのスコアにも登場する。アルバム『ポーギーとベス』収録のジョージ・ガーシュインの「ニューヨーク行きの船がもうすぐ出る」をエヴァンスが特徴的に想像力豊かにアレンジした曲では、マイルス・デイヴィスのソロ即興演奏の伴奏として、フルート、アルトサックス、ミュートしたトランペットでオーケストラ化したコードクラスターを提供している。1960年代初頭、ボブ・ブルックマイヤーとジェリー・マリガンによるマリガンズ・コンサート・ジャズ・バンドのアレンジでは、エリントンとラヴェルの両方を思い起こさせる濃密なスタイルでトーンクラスターが使われていた。^[97]エリック・ドルフィーのバスクラリネットソロでは、「必死に吹き過ぎて呼び起こされる微分音クラスター」がよく使われていた。^[98]評論家のロバート・パーマーは、ギタリストのジム・ホールの得意技として「曲の表面を突き抜けてその核心にまで入り込む」「辛辣なトーンクラスター」を挙げた。^[99]

クラスターはフリージャズの分野で特によく使われる。セシル・テイラーは1950年代半ばから即興演奏法の一部としてクラスターを多用してきた。^[100]彼の音楽語彙の多くと同様に、クラスターは「メロディーとパーカッションの間のどこかの連続体」で機能する。^[101]テイラーがクラスターを採用した主な目的の1つは、特定のピッチの優位性を避けることだった。^[102]フリージャズの作曲家、バンドリーダー、ピアニストとして著名なサン・ラは、音楽家具の配置を変えるためにクラスターを頻繁に使用したと、学者のジョン・F・スウェドは述べている。

曲に導入部や結末、新しい方向性や新鮮な素材が必要だと感じると、彼はスペースコード、つまり集団で即興的に大音量で音を鳴らすことを要求し、「新しいメロディー、あるいはリズムを示唆する」ものだった。それは音楽に別の文脈、新しいムードを創り出し、新鮮な音域を切り開く、ピアニストが考案した装置だった。^[103]

1960年代にフリージャズが広まるにつれ、トーンクラスターの使用も広まった。ジョン・リトワイラーがテイラーの「果てしない形式とコントラスト」と表現したものと比較すると、ムハル・リチャード・エイブラムスのソロは、同様に自由ではあるが、より叙情的で流れるような文脈でトーンクラスターを使用している。^[104]ギタリストのソニー・シャーロックは、トーンクラスターを即興演奏の中心的な部分にした。パーマーの説明によれば、彼は「オーバードライブされたアンプからプラグを抜くこともせずにギターのピックアップを引きちぎったかのような、ガラスを砕くようなトーンクラスター」を演奏した。 ^[105]ピアニストのマリリン・クリスペルは、トーンクラスターのもう1人の主要フリージャズ支持者であり、キャリアの初期にエイブラムスと演奏したアンソニー・ブラクストンと頻繁にコラボレーションしている。 ^[106] 1990年代以降、マシュー・シップはテイラーのこの形式の革新を基に構築してきた。^[107]トーンクラスターパレットの発展に貢献したヨーロッパのフリージャズピアニストには、ギュンター・ハンペルやアレクサンダー・フォン・シュリッペンバッハなどがいます。^[108]

フリージャズとメインストリームジャズの架け橋となったドン・プーレンは「即興演奏中に手首を回すテクニックを持っていた。手首の外側の縁に傷がついた。動きのあるトーンクラスターを作り出すためだ」と評論家のベン・ラトリフは書いている。「アルペジオから構築して、キーボードにノイズの渦を作り出すことができた...まるで簡潔なセシル・テイラーの爆発のようだった。」^[15]ヨアヒム・ベレントの説明では、プーレンは「クラスター演奏を独特のメロディーにし、調性を持たせた。右手で衝動的に生々しいクラスターをフレーズ化し、同時に左手で演奏される明瞭で調和のとれた機能的な調性コードにそれらを組み込む。」^[109] ジョン・メデスキは、フリージャズの要素をソウルジャズ/ジャムバンドスタイルにミックスしたメデスキ・マーティン&ウッドのキーボード奏者としてトーンクラスターを採用している。^[110]

ジャズと同様、ロックンロールも誕生以来、トーン・クラスターを活用してきたが、その特徴としては、あまり意図的ではない。最も有名なのは、 1950年代のジェリー・リー・ルイスの拳、足、お尻を使ったライブ演奏のピアノテクニックだ。^[111] 1960年代以降、ロック、エレクトロニック、実験音楽の境界を越えた多くのドローン音楽は、トーン・クラスターに基づいている。 1967年9月に録音されたヴェルヴェット・アンダーグラウンドの「シスター・レイ」では、オルガン奏者のジョン・ケイルがドローンのコンテキストでトーン・クラスターを使用している。この曲は、バンドの初期のライブサウンドに最も近いレコードであると思われる。^[112]同じ頃、ドアーズのキーボード奏者レイ・マンザレクは、バンドのヒット曲「ライト・マイ・ファイア」のライブ演奏中にソロにクラスターを取り入れ始めた。^[113]

クラフトヴェルクの1970年のデビューアルバム『クラフトヴェルク』では、繰り返されるテープシーケンスに変化を与えるためにオルガンクラスターが使用されている。^[114] 1971年、評論家のエド・ワードは、ジェファーソン・エアプレインの3人のリードシンガー、グレース・スリック、マーティ・バリン、ポール・カントナーが作り出した「トーンクラスターのボーカルハーモニー」を賞賛した。^[115] タンジェリン・ドリームの1972年のダブルアルバム『Zeit』には、シンセサイザーで演奏されるクラスターが満載されている。^[116]ビートルズの1965年の曲「We Can Work It Out」では、AシャープとCシャープを歌う声と、Bの持続コードを「time」という言葉に合わせて演奏するキーボードが一瞬耳障りなトーンクラスターを特徴としている。^[117]ザ・バンドの1968年のデビューアルバム『ミュージック・フロム・ビッグ・ピンク』収録の曲「ザ・ウェイト」は、不協和音のボーカルリフレインと、 3音のクラスターで最高潮に達する「君は僕に重荷を背負わせる」という歌詞が 特徴である。

オルガンで演奏されるトーン・クラスターの音は、夢を題材にしたラジオドラマの慣例となった。 ^[73]クラスターはホラー映画やSF映画の音楽によく使われる。 ^[f]ジョイス・キャロル・オーツの演劇『トーン・クラスター』の2004年の制作では、インディーズ・ロックバンドのドロリアンとザ・スタンダードのメンバーである作曲家のジェイ・クラークが、オーツが示唆したカウエルとアイブスのクラスター作品に感じたものとは対照的に、「その一部は人を殺すための音楽のようで、ホラー映画の音楽のようだった」とクラークは語った。^[118]

日本の伝統的な宮廷音楽である雅楽では、笙（口琴の一種）で演奏される音のクラスターが一般に倍音マトリックスとして用いられる。^[119] 松平頼経は1920年代後半から2000年代初頭にかけて活躍し、雅楽のハーモニーと調性を西洋の前衛的な技法と融合させた。彼の作品の多くは、笙の10の伝統的なクラスター構成に基づいている。^[120]ルー・ハリソンのパシフィカ・ロンドは東洋と西洋の楽器とスタイルをミックスしており、雅楽のアプローチを反映しており、持続するオルガンのクラスターが笙の音と機能を模倣している。^[121]笙はまた、ベンジャミン・ブリテンが1964年に劇的な教会の寓話「カーリュー・リバー」の楽器のテクスチャーを生み出す際にもインスピレーションを与えた。その音は、チェンバーオルガンで演奏される特徴的な持続クラスターコードに浸透している。 [ ^{122]韓国の伝統的な宮廷音楽や貴族音楽では、複数の楽器で同時に装飾音を奏でるパッセージが用いられ、不協和音のクラスターが作り出されている。この技法は、20世紀の韓国系ドイツ人作曲家}ユン・イサンの作品にも反映されている。^[123]

笙を含む東アジアのフリーリード楽器のいくつかは、古代中国の民族楽器である笙をモデルにしており、後に正式な音楽の文脈に取り入れられた。笙で演奏される伝統的なコード構成の1つであるウバドゥヘッセンには、3つのピッチのクラスターが含まれる。^[124]マレーの民族音楽家は、笙や笙のように音のクラスターを生み出す土着の口琴を使用する。^[125]中央インドのパルダン族がかき鳴らすハープであるビンバジャで演奏される特徴的な音楽形式は、「音のクラスターによるリズミカルなオスティナート」と表現されている。 ^[126]

現在ガーナにあたる地域のアシャンティ族の間では、伝統的なトランペット音楽に音群が使われている。特徴的な「舌を鳴らす技法」によって、すでに不協和な音群にさらに活気が与えられる。意図的な不協和音は悪霊を追い払い、騒音が大きければ大きいほど、音の集中砲火も大きくなる。 ^[127]

• レオ・オーンスタインは、トーンクラスターを特徴とする「Wild Men's Dance」を含むいくつかのスコアを作曲しました。
• 「新しい土壌からの新たな成長」2004-05 年の修士論文。コーウェルの音のクラスターの使用について詳細に考察している（ただし、『マナウナウンの潮流』と『ダイナミック モーション』は両方とも日付が誤っている）。著者: ステファニー N. スタリングス

• アメリカン・マーベリックス：プログラム1「マーベリックの意味」ピアノと管弦楽のための協奏曲を含むコーウェルの3つの作品をオンデマンドで演奏。第2楽章は「トーン・クラスター」と題されているが、3つの楽章すべてにトーン・クラスターが使用されている。
• 州の芸術：ヘンリー・カウエル作曲の6つの作品には、半音階と全音階のクラスターを持つ「マナウナーンの潮」と「生命のハープ」 、そして五音階のクラスターを特徴とする「歓喜」が含まれています。
• アメリカの芸術：ジョン・ケージ作曲の3つの作品、その中には「ホロコーストの名において」も含まれる
• ジョン・ケージ - ホロコーストの名において マーガレット・レン・タンによるパフォーマンスのビデオ
• オルンスタイン ピアノ音楽、マルク＝アンドレ・アムランによる『飛行機内での自殺』の演奏、レオ・オルンスタイン: ピアノ音楽(Hyperion 67320)