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オーストラリア演劇とは、オーストラリア人によって上演、執筆、または制作された、オーストラリアにおけるライブ舞台芸術の歴史を指します。
3万年以上前に遡るコロボリーなどのオーストラリア先住民の儀式には、演劇的で劇的な側面があります。1788年のイギリス人入植後、オーストラリアの演劇芸術はイギリス文学の伝統やイギリスおよびアイルランドの演劇と結びつきました。近年では、オーストラリアの文学や演劇の芸術家（アボリジニの人々だけでなく、多文化的な移民オーストラリア人も含む）が、オーストラリアの文化と新しい大陸の特色を世界に発信しています。
他の多くの分野と同様に、舞台芸術も州によって組織形態が異なっている。著名な劇場施設としては、シドニーのシドニー・オペラハウスやメルボルンのメルボルン・アーツセンターなどが挙げられる。演劇芸術の主要な教育機関としては、シドニーの国立演劇芸術学院（ NIDA）とパースの西オーストラリア舞台芸術アカデミー（ WAPA）がある。
オーストラリアの演劇界には非常に多くの人々が貢献してきました。中でも特に有名な人物としては、以下のような人々が挙げられます。
オーストラリアは数多くの国際的な映画俳優を輩出してきた。彼らの多くは舞台俳優としてキャリアをスタートさせ、その後も舞台で活躍を続けている。
一般的に、大規模な舞台芸術団体は、定期的かつ保証された政府資金なしには存続できず、これは人口が少なく、ヨーロッパやアメリカから遠く離れたオーストラリアでは特に当てはまる。[ 1 ]
オーストラリア・エリザベス朝劇場トラストは、1953年のエリザベス2世女王の訪問を機に、オペラやバレエといったハイカルチャーをオーストラリアにもたらすため、「オーストラリア人によるオーストラリア人のための」劇場として設立されました。一般からの寄付と連邦政府からの同額の拠出金によって設立され、オペラ・オーストラリアとオーストラリア・バレエ財団、そしてシドニーとメルボルンの関連オーケストラを育成しました。[ 2 ]
オーストラリア芸術評議会は、主要な英語圏諸国の同様の組織をモデルとして、1967 年に設立が発表されました。1960 年代の初期のオーストラリア芸術評議会の助成金はシアター トラストを通じて分配され、主に大手劇団に支給されました。1973 年、ゴフ・ウィットラムの改革派政権は芸術への資金提供を倍増させ、評議会を 7 つの自治委員会からなる法定機関として再編成しました。委員会はピア レビュー プロセスを使用して、支援する組織や個人を選定しました。舞台芸術にとって最も重要な委員会は、演劇芸術委員会と文学委員会でした。[ 3 ]
2014年から2015年にかけて、芸術助成金の大部分（総額1億180万ドル）が削減され、芸術分野は混乱に陥り、多くの中小規模の劇団が倒産した。失われた資金は、業界による集中的なロビー活動の後、2016年に返還された。[ 4 ]
2020年から2021年にかけてのCOVID-19パンデミックは、世界中のどこよりもオーストラリアのライブパフォーマンスに大きな打撃を与えたが、オーストラリアの演劇界は他の多くの地域よりも多少ましな状況だった。[ 5 ]
コロボリーで行われるオーストラリア先住民の伝統的な儀式舞踊には、演劇的な要素が含まれています。コロボリーでは、アボリジニの人々は踊り、音楽、衣装を通してドリームタイムと交流し、多くの儀式でドリームタイムの出来事が再現されます。 [ 6 ]ヨーロッパ人がオーストラリアを占領し始めて以来、多くの地域でコロボリーは発展し、適応し、新しいテーマや物語を取り入れてきました。学者のメアリーローズ・ケイシーは、「オーストラリア先住民の文化は、おそらく世界で最もパフォーマンス重視の文化でしょう。つまり、明確に振り付けられたパフォーマンスが、教育から精神的な実践、結婚の取り決め、司法や外交機能に至るまで、幅広い社会的目的に使用されてきたということです」と述べています。[ 7 ]ケイシーは、「コロボリー」は「アボリジニの演劇」とも呼ばれる可能性があると示唆しています。[ 8 ]
ヨーロッパの演劇の伝統は、1788年に第一艦隊によるヨーロッパ人の入植が始まったことでオーストラリアにもたらされた。最初の作品は、 1706年にジョージ・ファークハーによって書かれた『徴兵官』で、1789年に囚人によって上演された。[ 9 ]オーストラリア演劇の創設の並外れた状況は、トーマス・キニーリーの小説『劇作家』に描かれている。参加者はサディスティックな看守に監視されている囚人で、主演女優は死刑の脅威にさらされていた。[ 10 ]
オーストラリアに言及した最初のヨーロッパの戯曲は、フランスの戯曲『 Les Emigres aux Terres Australes』である。イギリスの戯曲としては、マイケル・ハウの『The Terror of Van Diemen's Land』が最も古い。
初期の劇場は、イギリスの小規模劇場で行われていたバーレスクやヴォードヴィルのスタイルを模倣し、コメディ、オペラ、サーカスなど、さまざまな独立した演目を上演していた。バーレスクという形式は常に人気があり、現在でも劇場レストランなどで続けられている。
1796年にロバート・シダウェイによってシドニーに劇場が開設されたが、「堕落した影響」として閉鎖された。その理由の一つは、観客の中にスリがいたことである。主要なバラエティ劇場では酒類が豊富に提供され、1870年代まで売春婦が主要なバラエティ劇場の客席で公然と客を募っていた。[ 11 ]
シドニーでプロによって上演された最初のオーストラリアの戯曲は、『ハイバーニアン・ファーザー』だった。
1876年から、アメリカ人俳優のJCウィリアムソンはオーストラリアでショーに出演した。彼はオーストラリアでギルバート＆サリバンのミュージカルを上演する権利を獲得し、オーストラリアを代表する興行主となった。彼は多くの有名なビクトリア朝時代の舞台俳優をオーストラリアに招き、あらゆる種類の壮大で大規模な作品で知られるようになった。主にシドニーとアデレードのシアター・ロイヤルで活動したが、他にも多くの劇場を所有またはリースしていた。彼の劇場帝国は世界最大規模となり、1913年に彼が亡くなった後も1976年に会社が閉鎖されるまで続いた。1945年以降、この会社はオーストラリアでロングランのアメリカとイギリスのミュージカルを制作することで最もよく知られるようになった。[ 12 ]
1901年の連邦成立後、演劇作品は1890年代からオーストラリア文学に存在していた国民的アイデンティティの感覚を体現した。オーストラリアで初期に活躍した劇作家には、アーサー・アダムス、ミュゼット・モレル、マルコム・アフォード、ウォルター・J・ターナー、チャールズ・ハドン・チェンバースなどがいる。ルイス・エッソンはヴァンス・パーマーと共に、オーストラリアの戯曲の上演と国立劇場の発展に尽力したパイオニア・プレイヤーズを設立した。彼らは4年間の活動期間中に18本の新作オーストラリア戯曲を上演した。[ 13 ]
ミュージカルはアルフレッド・ウィーラー、アーリーン・サウアー、エドマンド・ダガンによって書かれた。その他の例としては、『ザ・バニップ』、『FFF』、そして6人のオーストラリア人作曲家による音楽を用いた1918年のパントマイム版『ロビンソン・クルーソー・オン・レインボー・アイランド』などがある。オペラはモーリッツ・ホイゼンレーダーとアーサー・チャンターによって作曲された。[ 14 ]
劇場は通常、屋内での演劇、歌、ダンスの上演や、大規模なイベントや式典に必要であるため、都市で最も目立つ建物のひとつです。その建設は通常、当時の繁栄と建築様式を反映しています。[ 15 ] 1850年代に始まったオーストラリアのゴールドラッシュは、ビクトリア様式の壮大な劇場をはじめとする多くの公共建築物の建設資金を提供しました。[ 16 ] [ 17 ] 1890年代の西オーストラリアのゴールドラッシュは、パースで同様の建設ブームを引き起こしました。[ 18 ]
最も古い壮麗な歴史的劇場建築物には以下のようなものがある。
戦間期には、アールデコ様式の豪華な映画館が数多く建設されました。映画館の人気がなくなると、これらの建物は公演や地域イベントのための総合劇場として再利用されることもありました。シドニーのキャピトル劇場は、 1972年に主要なミュージカルの劇場となる前は、屋根付き市場、サーカス、映画館として長い歴史がありました。[ 27 ]ステート劇場（1963年にフォーラムに改名）とリージェント劇場はどちらも1929年にメルボルンにオープンし、当初は映画館でしたが、アスター劇場は1939年にオープンしました。[ 28 ]セントキルダのパレ劇場は、現在もオーストラリア最大の座席数を誇る劇場です。パースでは、戦間期にアールデコ様式の豪華な映画館（現在は劇場）がいくつかオープンしました。1937年にスビアコにリーガル劇場、マウントローリーにアスター劇場がオープンしました。 [ 29 ] [ 30 ]
1960年代以降、オーストラリアの主要都市では、非営利の劇場、オペラ、ダンスカンパニーが入居する、政府所有の新しい舞台芸術センターが次々と建設された。例としては、シドニー・オペラハウス、メルボルン・アーツセンター、アデレード・フェスティバルセンター、キャンベラ・シアターセンター、ブリスベンのクイーンズランド舞台芸術センターなどが挙げられる。
メルボルン芸術地区にあるメルボルン芸術センターは、建築家サー・ロイ・グラウンズによって設計されました。複合施設のマスタープランは1960年に承認され、芸術センターの建設は1973年に始まりました。複合施設は段階的にオープンし、 1982年にハマーホールが、1984年にシアターズビルがオープンしました。現在、このセンターでは、オペラ・オーストラリア、オーストラリア・バレエ団、メルボルン・シアター・カンパニー、メルボルン交響楽団による定期公演のほか、多数のオーストラリア国内外の公演や制作会社が公演を行っています。[ 31 ]
1973年、シドニーにシドニー・オペラハウスが開館し、世界で最も有名な公演会場の一つとなり、世界遺産にも登録されました。オーストラリア・バレエ団、オペラ・オーストラリア、シドニー交響楽団の本拠地であり、演劇劇場やその他の施設も備えています。シドニー湾の壮大な立地と表現主義的なデザインにより、オーストラリアで最も多くの観光客が訪れる観光名所となっています。[ 32 ]
同じく1973年に開館したアデレード・フェスティバル・センターは、オーストラリア初の多目的アートセンターであり、3つの劇場を備えています。アデレード・フェスティバルをはじめとするいくつかのフェスティバルが開催され、州の主要な舞台芸術団体の本拠地となっています。[ 33 ]
ほとんどの主要地方都市や多くの郊外都市圏には、地方自治体が運営するプロ水準の舞台芸術センターがあり、リバーサイド・シアターズ・パラマッタ、ワガワガ・シビック・シアター、フランクストン・アーツ・センターのように新設されたものもあれば、ニューカッスル・シビック・シアター、ホバートのシアター・ロイヤル、トゥーウンバのエンパイア・シアターのように、歴史ある劇場や映画館を改修したものもある。
シドニーのニュータウンにあるニュー・シアターのような非体制派の劇場は、より急進的な観客層に応えてきた。ニュー・シアターはもともと、共産党と関係のある国際的なニュー・シアター運動の一環として1932年に設立され、継続的に公演を行っている最古の劇団である。その最も有名な作品は、 1891年のオーストラリアの羊毛刈りストライキを題材にした1953年の『リーディ・リバー』で、1950年代のフォーク・ミュージック・リバイバルのきっかけとなった。[ 34 ]メルボルンにも、急進的な劇作家ベティ・ローランドが1936年に設立したニュー・シアターがあった。この劇場は、ピルバラ・ストライキを題材にした先住民オーストラリア人を支持する最初の劇『ホワイト・ジャスティス』を上演し、ブレヒトを上演した最初の劇場でもあった。[ 35 ]
長い間、革新的な演劇は大学構内の劇場で学生劇団によってのみ上演されていた。[ 36 ]よく知られている大学の舞台芸術劇場には以下のようなものがある。
特定の劇団に所属する小規模な劇場が多数存在します。各都市に存在する主要な劇場の一覧は以下のとおりです。
オーストラリアでは、劇団が演劇作品の大部分を制作している。成功している劇団は、様々な持続可能なビジネスモデルに基づいて運営されている。ほとんどの劇団は単一の劇場に所属しているが、複数の劇場で公演を行う劇団もある。常駐のプロの劇団は、オーストラリア国内外の演劇作品や、時にはミュージカルをメインステージで上演する。
複数の都市を拠点とする劇団は存在しない。主な劇団には以下のようなものがある。
プロの劇団の中には、古典演劇（ベル・シェイクスピア）、青少年向け演劇（ウィンドミル、バーキング・ゲッコー、パッチ、アリーナ、モンキー・バー）、ミュージカル（ザ・プロダクション・カンパニー、ハーベスト・レイン）、サーカスやフィジカルシアター（サーカ、サーカス・オズ）など、特定のジャンルに特化したものもある。1980年代のアデレード・シアター・グループは、シェリダン劇場で新作や既存作品の実験的な上演において最も注目を集めた。その他、障害のあるアーティスト（バック・トゥ・バック）、先住民アーティスト（下記参照）、特定のコミュニティ（アーバン・シアター・プロジェクト、ビッグ・ハート）など、特定の分野に特化した劇団もある。
オーストラリアの若手俳優のための主要な訓練センターは、 1958年に設立されたニューサウスウェールズ大学の国立演劇芸術学院（NIDA）である。有名な卒業生には、ケイト・ブランシェット、トニ・コレット、メル・ギブソン、バズ・ラーマンなどがいる。[ 57 ]
もう一つの専門大学トレーニングセンターは、 1980年に設立されたエディス・コーワン大学の西オーストラリア舞台芸術アカデミー（WAAPA）です。エリートコースであるため、毎年18人の学生しか受け入れません。有名な卒業生には、ヒュー・ジャックマンやティム・ミンチンなどがいます。[ 58 ]
また、オーストラリアのほぼすべての大学が演劇学の学位および卒業証書コースを提供している。[ 59 ]
すべての州には、演劇の訓練を行うための地域密着型の組織や大学が数多くあります。青少年向けの劇団としては、シドニーのPACT Centre for Emerging Artists 、メルボルンのSt Martins Youth Arts Centre、アデレードのWindmill Theatre Companyなどがあります。[ 60 ]シドニーのレッドファーンにあるEora Centreは、1984年7月の設立以来、現代視覚芸術、舞台芸術、アボリジニ研究の中心地となっています。
ベティ・ローランドはオーストラリア初の「真の劇作家」と呼ばれている。[ 61 ] 1928年の『タッチ・オブ・シルク』などの初期の戯曲は主にロマンティックなドラマやコメディだったが、ニュー・シアターでの後期の作品はアジプロ的で非常に政治的だった。彼女はまた、小説、自伝、映画、ラジオ、テレビの脚本も執筆しており、オーストラリア初のトーキー映画『スパー・オブ・ザ・モーメント』の脚本も手掛けている。同時期に活躍した左派のフェミニスト劇作家には、ヨーロッパの左派コミュニティで国際的な名声を築いたディムフナ・キューザックもいた。[ 62 ]
モナ・ブランドはニュー・シアターとも関係があり、彼女の28の戯曲のほとんどは政治的なメッセージを含んでいた。1950年から1980年にかけて、彼女の戯曲は他のどのオーストラリア人よりも多く海外で上演されたが、オーストラリア国内でプロの演出による上演は一度もなかった。[ 63 ]
1950年代以降まで、オーストラリアの俳優はイギリスで訓練を受け、典型的なイギリス上流階級のアクセントを身につけていた。1970年代になっても、多くの俳優はオーストラリアのアクセントや方言を使うのに苦労していた。レイ・ローラー作の『17番目の人形の夏』は、オーストラリア演劇にとって画期的な作品であり、オーストラリア特有の生活やオーストラリア訛りの登場人物を率直かつ真正に描いた。1955年にメルボルンのユニオン劇場で初演され、オーストラリア・エリザベス朝劇場トラストによって上演され、オーストラリア全州、ロンドン、ニューヨークで上演された。オーストラリアで愛される戯曲となり、映画、テレビ、オペラにも翻案されている。[ 64 ]
オーストラリアの神話を批判的に扱った劇もあった。アラン・シーモアは『 The One Day of the Year』で、オーストラリア人がガリポリの戦いでの敗北を記念するANZACデーの逆説的な性質を研究した。初演は1960年にアデレード劇場グループによって行われ、関係者の多くが殺害予告を受けた。[ 65 ]
1970年代（「ニューウェーブ」と呼ばれることもある）には、デイヴィッド・ウィリアムソン、ドロシー・ヒューエット、ジョン・ロメリル、アレックス・ブゾ、バリー・オークリー、ジャック・ヒバード、アルマ・デ・グローンなどの作家の作品によって、オーストラリア演劇の著しい拡大が始まった。これらの劇作家の多くは、メルボルンのラ・ママやシドニーのニムロッドでデビューし、その後、主流の劇場で作品を発表するようになった。[ 66 ]
デイヴィッド・ウィリアムソンは、オーストラリア史上最も成功した劇作家である。彼は60以上の戯曲を執筆しており、そのうち『ザ・クラブ』は130回以上上演され、 『ザ・リムーバリスツ』と『ドンズ・パーティー』は50回以上上演され、これらはオーストラリア史上最も人気のある戯曲となっている。[ 67 ]これらの3つの戯曲と、『コウノトリの到来』、『北への旅』、『完璧主義者』は映画化された。ウィリアムソンはまた、 『エリザ・フレイザー』、『ガリポリ』、『危険な年』、『ファーラップ』などの注目度の高い映画の脚本にも携わった。彼は2012年にオーストラリア年間最優秀シニア賞を受賞した。[ 68 ]
ヨーロッパとは異なり、オーストラリアのオリジナル演劇のほとんどは自然主義的であったが、パトリック・ホワイト、ディムフナ・キューザック、ダグラス・スチュワートは、非自然主義的で詩的な要素を戯曲に取り入れた。1969年からは、西オーストラリアの詩人、劇作家、小説家であるドロシー・ヒューエットによる一連の戯曲が、異質な演劇的要素が渦巻く、オーストラリア発祥の表現主義的または叙事詩的演劇をオーストラリアにもたらした。ヒューエットは、西オーストラリア大学の野外劇場ニュー・フォーチュン・シアターのために特別に多くの戯曲を書き、その中には1971年のオーストラリア初の「第二波フェミニズム」劇『危険な礼拝堂』も含まれている。 [ 69 ]ヒューエットの戯曲には音楽が多用されており、彼女の22の戯曲のうち7つはミュージカルで、ジム・コッターなどの劇場作曲家を起用した。[ 70 ]
ニック・エンライトは俳優兼演出家としてキャリアをスタートしたが、戯曲と脚色でオーストラリア作家組合からメジャーAWGIE賞を4回受賞した。彼は自分の戯曲をツアーで上演することを好んだ。戯曲「デイライト・セービング」は2000年から2001年にかけてオーストラリア全土を巡る旅で45の劇場で上演された。ティム・ウィントンの「クラウドストリート」の脚色は興行的にも批評的にも高い評価を受け、オーストラリア、ダブリン・フェスティバル、ロンドンでツアー上演された。彼はピーター・アレンを題材にした「ザ・ボーイ・フロム・オズ」など、数々のミュージカルの作詞と脚本を手がけた。エンライトは52歳でメラノーマにより死去した。[ 71 ]
オーストラリア出身の俳優の中には、国内で有名だったり、海外で主要な役を演じたりした者も複数いる。
1950年代以降、オーストラリアでは俳優としてキャリアを築くことが可能になった。最も有名で尊敬されている俳優には以下のような人物がいる。
1980年代以降、オーストラリア人俳優はハリウッドで主役やアクションヒーロー役を演じるようになった。おそらく国際的に最もよく知られているのは、 Aリストのセレブリティでありアカデミー賞受賞者でもあるケイト・ブランシェット、ニコール・キッドマン、メル・ギブソン、ラッセル・クロウ、ヒース・レジャーだろう。
映画やテレビは舞台よりも資金が豊富で、俳優や脚本家を目指す人々にとってキャリアを築く手段となっている。逆に、舞台に興味を持つ映画スターは、集客力のある重要な舞台作品の主役を務めてきた。オーストラリア国内外で舞台に大きく貢献してきたオーストラリアの映画やテレビのスターには、ピーター・フィンチ、マイケル・ケイトン、ジャッキー・ウィーバー、ヘレン・モース、ウェンディ・ヒューズ、ブライアン・ブラウン、ギャリー・マクドナルド、ジェフリー・ラッシュ、ジュディ・デイヴィス、メル・ギブソン、シグリッド・ソーントン、ヒューゴ・ウィーヴィング、グレタ・スカッキ、ニコール・キッドマン、ヒュー・ジャックマン、ケイト・ブランシェット、トニ・コレットなどがいる。[ 80 ]
ジャンル間の相互作用の例として、1979年にシドニーの貧しい若手俳優メル・ギブソンとジェフリー・ラッシュがアパートをシェアし、地元の『ゴドーを待ちながら』で共演した。[ 81 ]ギブソンはNIDAで学び、1976年の『ロミオとジュリエット』でクラスメートのジュディ・デイヴィスと共演して舞台デビューを果たした後、『マッドマックス』や『ガリポリ』で国際的に有名になった。[ 82 ]ラッシュは1980年代にジム・シャーマンのライトハウス・シアター劇団に加わり、オーストラリアを代表する舞台俳優の一人として名声を築き、その後映画で国際的に有名になった。[ 83 ]
逆に、規模の大きな劇団の中には、一貫して映画俳優を起用しているところもある。シドニー・シアター・カンパニーに所属する俳優には、メル・ギブソン、ジュディ・デイヴィス、ヒューゴ・ウィーヴィング、ジェフリー・ラッシュ、トニ・コレットなどがいる。[ 84 ] [ 85 ]
フェスティバルは、大勢の人々が集まることで衣装を身に着け、リハーサルを重ねたパフォーマンスが促される、最も古い演劇形態と言えるかもしれません。オーストラリアでは、フェスティバルは通常よりも幅広い層の人々にとって重要なショーケースとなっています。主な文化フェスティバルとしては、パース国際芸術祭（オーストラリアで最も長く続く文化フェスティバルで、1953年に初開催） 、アデレード芸術祭（1960年から）、メルボルン国際芸術祭（1973年から） 、シドニー・フェスティバル（1977年から）、ダーウィン・フェスティバル（1978年から）、ブリスベン・フェスティバル（1996年から）などがあります。これらの大規模なフェスティバルでは、通常、海外とオーストラリアのあらゆる種類のパフォーマンスが披露されます。オーストラリアには、他にも多くの小規模な専門フェスティバルや地域フェスティバルがあります。
芸術会議は、新しい作品を紹介し、他の人と出会い、アイデアを共有する重要な手段となってきた。オーストラリア国立劇作家センターと提携して1972年から2006年まで開催された全国劇作家会議は、業界の礎となった。[ 86 ]全国演劇祭は、短命に終わったPlaywriting Australiaの後援の下、2012年から2019年まで開催された。[ 87 ] [ 88 ]新しい劇作家会議は、 Currency Pressの主催で2022年に始まった。[ 89 ]
1960年代から1980年代にかけて、オーストラリアの大学演劇祭は、大学生が互いに演劇を上演し、劇作や演出を学ぶ機会を提供した。最も有名な集まりの1つは1963年のもので、ジャーメイン・グリアがブレヒトの『肝っ玉おっ母とその子供たち』に出演し、急進的な劇作家フェルナンド・アリバルがパリから招かれた。[ 90 ]
オーストラリアではミュージカルが常に非常に人気がありましたが、多くの場合、それは国際的なスターが主演するイギリスやアメリカのミュージカルの大規模な公演を意味していました。JCウィリアムソンズは1879 年から 1963 年までギルバートとサリバンの作品を上演しました。ロジャースとハマースタインのブロードウェイ ミュージカルは1949 年からロング ランとなり、その後1970 年代からはアンドリュー ロイド ウェバーのミュージカルが上演されました。ヘアー、ゴッドスペル、ジーザス クライスト スーパースター、ロッキー ホラー ショーなどのロック オペラ作品は、ポピュラー ミュージックの才能を大きく後押しし、マーシャ ハインズ、レグ リバモア、コリーン ヒューエットなどのパフォーマーは、その出演を通じて全国的に有名になりました。オーストラリアの音楽歌手ピーター アレン( 1998 年のThe Boy From Oz ) とジョニー オキーフ( Shout! The Legend of The Wild One )の伝記ミュージカルは、1990 年代に多くの観客を集めました。[ 91 ] [ 14 ]
ボブ・エリスの『キング・オマリーの伝説』、ドロシー・ヒューイットの『ムキヌピンから来た男』、トニー・ブリッグスの『サファイアーズ』、ジミー・チーの『ブラン・ニュー・デイ』 、ニック・エンライトの『ミラクル・シティ』や『サマー・レイン』など、作曲家や作曲家と脚本家のデュオではなく脚本家に著作権が与えられたオーストラリアのミュージカルは、ミュージカル劇場のより急進的な政治的役割を示唆した。[ 92 ]
オーストラリアの初期の歴史の大部分において、巡業劇団はバラエティ劇場やボードビルを地方の観客に届けました。ボードビルは、軽演劇、コメディ、歌など、一連の独立した演目から構成されていました。イリュージョニスト、ジャグラー、歌手、アクロバットをフィーチャーしたブレンナン・フラーズ[ 100 ]や、 4つの州のティボリ劇場を中心に活動していたティボリ・サーキットのような巡業サーキットは非常に人気がありました。
シドニーのティボリ劇場またはアデルフィ劇場は、1912年から1966年までボードビルを上演していましたが、テレビの普及により採算が合わなくなりました。ティボリ劇場のスターには、 1916年から白と黒のメイクでコメディキャラクターのモー・マッカッキーを作り上げていたロイ・レネがいました。好色で、にやりとしていて、下品なモーは、オーストラリアの「売春婦」を象徴し、常に「1ポンド稼ぐ」か「女を口説く」ことを目指していました。彼は戦争中も満員の観客の前で公演し、ラジオを通じて全国的な人気を獲得しました。[ 101 ]
ジョージ・ウォレスもデュオでキャリアをスタートさせ、「港湾労働者」というキャラクターを作り上げましたが、大恐慌時代にはソロアーティストとして人気を博しました。教育は受けていませんでしたが、彼は自分の作品をすべて自分で書き、歌とダンスもできました。5本の映画で主演を務めた後、彼はオーストラリア最大の映画スターとして知られるようになりました。[ 102 ]
バリー・ハンフリーズはオーストラリアで最も有名なコメディアンです。不条理芸術運動ダダの信奉者として、彼の無政府主義と視覚的風刺における数々の実験は伝説となっています。数多くの舞台キャラクターの中でも、ムーニー・ポンズのエドナ・エベレッジは、その過激なオーストラリア訛り、観客を恥じ入らせる仕草、グラジオラスを振る仕草で有名になりました。もう一人のキャラクター、バリー・マッケンジーは、人気漫画として始まり、イギリス人のオーストラリア人に対する見方を象徴する粗野で純真な人物を描きながら、イギリス人をからかっていました。ハンフリーズはオーストラリアだけでなくイギリスでも人気があり、エドナ・エベレッジは女王からデイムの称号を授与されました。ハンフリーズはブロードウェイのツアーやテレビ出演でアメリカでも成功を収めました。彼はイギリスとオーストラリアの演劇界の重鎮であり、両国で栄誉を称えられました。[ 103 ]
1954年から1971年までシドニーで営業していたフィリップ・ストリート・シアターでは、親密な雰囲気の風刺レビュー公演が行われていた。ハンフリーズをはじめとするオーストラリアの著名なコメディ俳優の多くは同劇場の出身である。オーストラリア初の風刺スケッチコメディの時事風刺テレビシリーズである「メイビス・ブラムストン・ショー」も、フィリップ・ストリートの俳優たちから生まれた。[ 104 ]
コリングウッド、そして後にアテネウム劇場に移転したザ・ラスト・ラフは、オーストラリアにおけるオルタナティブ・コメディやスタンドアップ・コメディの主要拠点となり、ヨーロッパ風の本格的なキャバレー・アクトが頻繁に上演された。オーストラリア屈指のコメディアンの中には、この会場でキャリアをスタートさせた者もいる。メルボルンには、移動式路面電車や列車など、型破りなコメディ会場を実験的に利用する伝統もあった。ザ・ラスト・ラフのオーナーであるジョン・ピンダーは、世界三大コメディ・フェスティバルの一つであるメルボルン国際コメディ・フェスティバルを立ち上げた。 [ 105 ]
ボードビルにはサーカス芸人が登場することが多かったが、郊外や海辺のリゾート地では、大テント、リングマスター、アクロバット、動物芸、ピエロ芸などを特徴とする移動サーカスも毎年恒例の催しだった。ワース・サーカスは1882年から1963年までの80年間、オーストラリア独自の「地上最大のショー」として宣伝された。1902年からは現在のメルボルン・アーツ・センターの敷地をオリンピア・サーカスとして引き継ぎ、シドニーのヘイマーケットに常設の場所を構えた。このサーカスは太平洋地域も巡業した。その他の重要なサーカスとしては、 1847年にタスマニアで設立され、6代目のアシュトン家が経営する世界で最も長く続いているサーカスの1つであるアシュトンズ・サーカスがある。ブレンズ・サーカスは1920年から1969年まで営業し、大きな象の群れを特徴としていた。[ 106 ]
テレビの普及により、従来の巡回サーカスは衰退したが、1970年代から劇場を拠点とするサーカスが登場し、サーカス学校としての役割も果たすようになった。フライング・フルーツ・フライ・サーカスは、 1979年にビクトリア芸術大学演劇学校から結成された。サーカス・オズは、1978年にオーストラリアン・パフォーミング・グループから生まれ、ラスト・ラフ劇場で長期公演を行った。この劇団は現在、閉鎖の危機に瀕している。[ 107 ]
伝統的な移動サーカスには、2021年まで野生動物のショーを特徴としていた最後のサーカスであったスターダスト・サーカス[ 108 ]や、その他多くの小規模な家族経営のサーカスが含まれる。
オーストラリア初の操り人形劇団は、イギリスから訪れた劇団が結成したウェブズ・ロイヤル・マリオネッツで、1876年から1887年まで巡業した。1940年代にはシドニーとメルボルンで人形劇ギルドが設立された。オーストラリア初の主要劇団はティントゥーキーズで、 1956年にピーター・スクリブンがエリザベス朝劇場トラストの後援のもとで設立した。ティントゥーキーズはオーストラリアと東南アジアを巡業し、明らかにオーストラリア的な内容の大規模なショーを上演した。[ 109 ]
オーストラリア評議会は設立当初から人形劇に資金を提供しており、クイーンズランド・マリオネット・シアター、タスマニアン・パペット・シアター（1976年）、ポリグロット・パペット・カンパニー、テラピン・パペット・シアター、スペア・パーツ・パペット・シアターなどの他の団体も支援している。クイーンズランド州を拠点とするデッド・パペット・ソサエティは国際的に活動しており、コンピューター設計とレーザーカットの人形を使用し、デザイン主導の演劇でマルチジャンルの作品を上演している。[ 110 ]
小規模な1人または2人芝居の人形劇は補助金なしで運営され、学校を巡回している。[ 109 ]
1940年代、ジョン・アンティルはアボリジニのコロボリーを基にしたバレエ「コロボリー」の音楽を作曲した。この作品は1946年に初演され、1950年代にはオーストラリア各地を巡回公演し、 1954年のエリザベス2世女王の最初のオーストラリア公式訪問のスケジュールにも組み込まれた。これは、オーストラリアにおける西洋とアボリジニの演劇形式の融合の初期の例であり、現在ではバンガラ・ダンス・シアターや他の先住民劇団の作品で定期的に表現されている。[ 111 ] [ 112 ]
1960年代後半から1970年代初頭にかけて、アボリジニコミュニティによるストリートシアター、ゲリラシアター、その他のパフォーマンスが政治的抗議の形態として用いられた。[ 113 ]俳優、演出家、教師であるブライアン・サイロンは、1960年代以降のアボリジニ演劇の先駆者であった。[ 114 ]メルボルンのニンデタナ劇場は、 1971年にボブ・マザとアンクル・ジャック・チャールズによって共同設立されたオーストラリア初の先住民劇団でした。[ 113 ]マザはまた、1972年にシドニーのレッドファーンにナショナル・ブラック・シアターを設立するのにも貢献しました。 [ 115 ]ケビン・ギルバート、ジャック・デイビス、ボビー・メリット、キャス・オージェルー・ヌヌッカル・ウォーカーなどの劇作家は、先住民による、先住民についての、先住民のための作品を書き、ハリーとビンディ・ウィリアムズ、ゲイリー・フォーリー、ポール・コーは、「ブラック」演劇制作に役立つ内容と推進力を加えました。[ 113 ]ローダ・ロバーツとジャスティン・サンダースは、 1987年の第1回全国黒人劇作家会議から生まれたアボリジナル・ナショナル・シアター・トラストの設立など、他の2人の推進力でした。[ 116 ]
2020年現在パースのYirra Yaakin、メルボルンのIlbijerri (Maza の娘 Rachael が率いる) [ 118 ]、シドニーのCarriageworksを拠点とするMoogahlin Performing Arts [ 119 ]など、先住民の劇団がいくつか存在する。Bangarra Dance Theatre は世界的に知られており、BlakDance は先住民ダンサーのための別の道であり、Marrugeku は「オーストラリアを代表する先住民異文化ダンスシアター」であり、シドニーの Carriageworks と西オーストラリア州のブルームの両方に拠点を置いている。[ 113 ] [ 120 ]ブリスベンのAboriginal Centre for the Performing Artsは、若い先住民パフォーマーのための道を提供している。Nakkiah Lui [ 118 ]、Leah Purcell [ 121 ]などの作家/パフォーマーは、舞台作品を作り続けている。
スコット・ランキンとトレバー・ジェイミソンによる『ンガパルジ・ンガパルジ』は、冷戦中に西部砂漠で行われた核実験がピチャンチャチャラ族に及ぼした影響を描いた物語である。これは、オーストラリアの演劇の伝統が現代的に融合した例であり、ピチャンチャチャラ族の俳優がギリシャ、アフガニスタン、日本、ニュージーランドの血を引く多文化的なキャストに支えられている。[ 122 ]
オペラは当初「高尚な文化」とは見なされておらず、バラエティショーの一環として他の音楽やコメディ作品とともに上演されていた。1820年代には、エミュー・プレーンズ刑務所農場で囚人によっていくつかのオペラが上演された。シアター・ロイヤルとロイヤル・ヴィクトリア劇場は1832年からオペラを上演した。[ 11 ]
国際的なオペラカンパニーによるツアーはゴールドラッシュ後に始まった。最初の常駐オペラカンパニーは1861年にウィリアム・ソーリン・リスターによってオーストラリアに招かれ、同カンパニーはオーストラリアとニュージーランドを巡業した。1860年代には、約1500回の公演で42の長編オペラを上演した。同カンパニーは1880年にリスターが亡くなった後に解散した。オーストラリアには1966年まで別の常設オペラカンパニーは存在しなかった。[ 123 ]
それまでは、ほとんどのオペラ歌手は海外に出て訓練を受け、名声を得ていた。リリック・コロラトゥーラ・ソプラノ歌手のデイム・ネリー・メルバは、19世紀後半で最も有名な歌手の一人だった。彼女はヨーロッパを旅し、パリ、ブリュッセル、そして1888年からはロンドンのコヴェント・ガーデンで大成功を収めた。彼女は頻繁にオーストラリアに戻り、第一次世界大戦の慈善事業のために多額の資金を集めた。[ 124 ]
デイム・ジョーン・サザーランドは、20世紀を代表するコロラトゥーラ・ソプラノ歌手とみなされていた。彼女は1952年にロンドンで主役を歌い始めた。イタリア語、ドイツ語、英語で歌ったが、最も有名なのは『ランメルモールのルチア』の主役で、そこで彼女は「ラ・ストゥペンダ」として知られるようになった。[ 125 ]
その他、オーストラリアの著名なオペラ歌手には、ソプラノ歌手のジューン・ブロンヒルとイヴォンヌ・ケニー、バリトン歌手のジョン・ショー、ジョン・キャメロン、アンソニー・ウォーロウ、デニス・オルセンなどがいる。
大規模な国の助成機関の支援により、オーストラリアのオペラカンパニーが実現しました。エリザベス朝トラストオペラカンパニーは1966年に常設となり、オペラ・オーストラリアとして1973年にシドニー・オペラハウスで初公演を行いました。オーストラリアの主要オペラカンパニーであるだけでなく、オーストラリア最大の舞台芸術カンパニーでもあります。西オーストラリアオペラ、オペラ・クイーンズランド、南オーストラリア州立オペラ、ビクトリア州立オペラなどのカンパニーは、各州に拠点を置いています。シドニーのピンチガットオペラはバロックと初期古典派の作品を上演し、シドニー室内オペラは20世紀と現代の作品を制作しています。[ 11 ]
シドニー音楽院は1935年にオペラ学校を開設した。オーストラリア各地の他の音楽院でも声楽は楽器として提供されている。[ 126 ]
オペラと同様に、初期のオーストラリアのバレエダンサーは公演のためにイギリスへ行った。サー・ロバート・ヘルプマンは1932年以降、ヴィック・ウェルズ・バレエ団のプリンシパルダンサーとなった。当初から彼はオペラや演劇の主要な演出家でもあり、主要な劇場で主役を演じる俳優でもあり、15本の映画に出演した。1965年にオーストラリア・バレエ団の共同ディレクターになったが、ケチな経営陣と頻繁に衝突した。オーストラリアの同時代における最も偉大な演劇人として、1986年に国葬が執り行われた。 [ 127 ]オーストラリア・バレエ団は、イギリスのバレリーナ、デイム・ペギー・ヴァン・プラーグによって1962年にメルボルンで設立された。オーストラリアで最も有名なクラシック・バレエ団であり、今日では世界の主要な国際バレエ団の1つとして認められている。[ 128 ]古典レパートリーの作品だけでなく、オーストラリアや海外の主要な振付家による現代作品も上演している。 2010年時点で、オーストラリア各地の都市や地方で年間約200回の公演を行い、国際ツアーも実施していた。主な公演会場には、メルボルン芸術センター、シドニー・オペラハウス、シドニー劇場、アデレード・フェスティバルセンター、クイーンズランド舞台芸術センターなどがある。[ 129 ]
オーストラリア・バレエ・スクールは、オーストラリア・バレエ団の主要な訓練機関です。1964年に設立され、メルボルン・アーツ・プレシンクトを拠点として活動しています。[ 130 ]
他のほとんどのダンス形式は、いくつかの重要な例外を除いて、演劇的なパフォーマンスというよりは参加型のパフォーマンスである。先住民のコロボリーは、一般的にプレゼンテーションまたは演劇の形式として行われ、人々と土地、部族、または祖先との関係を示している。[ 6 ]
コンテンポラリーダンスは、リハーサル済みの公開公演としても上演されます。シドニーダンスカンパニーは元々、ダンス教育のコンテンポラリーダンスグループであり、 1976年からグレアム・マーフィーの指導の下で発展しました。マーフィーは、芸術における生涯の功績に対してJCウィリアムソン賞を受賞した唯一の振付家です。 [ 131 ]
Theatre in Australia today includes a diverse range of performances of different scale and contexts. Performing arts centres across the country like the Sydney Opera House, Arts Centre Melbourne, Queensland Performing Arts Centre, Adelaide Festival Centre produce, present or host Australian and international theatre productions of various kinds. Venues in smaller cities like the Theatre Royal Hobart, The Arts Centre Gold Coast, Darwin Entertainment Centre or Geelong Performing Arts Centre, or outside the CBD of major cities like Frankston Arts Centre, Riverside Theatre Parramatta or Sunnybank Performing Arts Centre, also present seasons of touring productions. Non-traditional spaces Carriageworks in Sydney and Arts House in Melbourne have a focus on contemporary and experimental works. Independent and fringe theatre is fostered by venues such as La Mama and Theatre Works in Melbourne and the Old Fitz in Sydney.[132]
The national Helpmann Awards are the major live performance awards in Australia.[133] Major cities also have their own theatre awards, such as the Sydney Theatre Awards, Melbourne's Green Room Awards and Brisbane's Matilda Awards.[134][135]
Publishers of Australian playscripts include the non-profit Australian Script Centre, Currency Press, Yackandandah playscripts,[136] Playlab Press[137] and Full Dress Publishing.[138]
{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link)この記事は、オーストラリア人名辞典第19巻（ANU Press）、2021年に印刷版で掲載されました。
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