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浮世絵（あきよえ）は、 17世紀から19世紀にかけて隆盛を極めた日本の美術の一ジャンルです。浮世絵師たちは、美人画、歌舞伎役者や相撲力士、歴史や民話の場面、旅の風景や風景、動植物、そして春画といった題材の木版画や絵画を制作しました。浮世絵（きよえ）という言葉は、「浮世の絵」という意味です。
1603年、江戸（現在の東京）は徳川幕府の本拠地となった。社会階層の最下層に位置する町人階級（商人、職人、労働者）は、この都市の急速な経済成長から最も恩恵を受けた。彼らは歌舞伎、芸者、遊郭の遊女といった娯楽に耽溺し、それらを後援するようになった。「浮世」という言葉は、こうした享楽的な生活様式を表すようになった。印刷物や絵画による浮世絵は、町人階級の間で人気を博し、彼らは浮世絵で自宅を飾る余裕ができたのである。
浮世絵の初期の作品は1670年代に菱川師信の絵画や美人画のモノクロ版画として登場しました。カラー版画は徐々に導入され、当初は特別な依頼にのみ使用されていました。1740年代には、奥村政信などの画家が複数の木版を用いて色彩を印刷するようになりました。1760年代には、鈴木春信の「錦織版画」の成功により、1枚の版画を制作するために10枚以上の木版を用いるフルカラー制作が標準となりました。浮世絵師の中には絵画制作を専門とする者もいましたが、作品の大部分は版画でした。画家が自ら版木を彫ることは稀で、むしろ制作は版画をデザインする画家、木版を彫る彫師、手漉き紙に版にインクを塗ってプレスする摺師、そして作品の資金提供、宣伝、流通を行う版元の間で分担されていました。印刷は手作業で行われていたため、印刷工は機械では実現不可能な効果、例えば印刷版上での色の混色やグラデーションなどを実現することができた。
専門家たちは、18世紀後半に鳥居清長、歌麿、写楽といった巨匠たちが描いた美人画や役者の肖像画を高く評価してきた。19世紀には、浮世絵の伝統を受け継ぐ巨匠たちが活躍し、日本美術の代表作の一つである葛飾北斎の『神奈川沖浪裏』や、歌川広重の『東海道五十三次』などが制作された。しかし、この二人の巨匠の死後、そして1868年の明治維新以降の技術的・社会的な近代化の波に押され、浮世絵の制作は急激に衰退していった。
しかし、20世紀に入ると日本の版画は復興を遂げた。新版画は、西洋における日本の伝統的な風景を描いた版画への関心の高まりを利用し、創作版画運動は、一人の作家がデザイン、彫刻、印刷まで全てを手がける個性的な作品を世に送り出した。20世紀後半以降の版画は、西洋から伝わった技法を用いながらも、個性的な作風を継承し続けている。
浮世絵は、19世紀後半、特に葛飾北斎や歌川広重の風景画を中心に、西洋における日本美術の認識形成において中心的な役割を果たしました。1870年代以降、ジャポニズムは顕著な潮流となり、エドガー・ドガ、エドゥアール・マネ、クロード・モネといった初期のフランス印象派画家たちに大きな影響を与えただけでなく、フィンセント・ファン・ゴッホや アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックといったポスト印象派画家にも影響を与えました。
平安時代（794～1185年）以降の日本美術は、主に二つの流れを辿ってきた。一つは土佐派の作品に代表される、日本的な主題に焦点を当てた土着的な大和絵の伝統であり、もう一つは雪舟東陽とその弟子たちの単色水墨画など、様々な様式の中国風唐絵である。狩野派の絵画は、これら両方の特徴を取り入れている。[ 1 ]
古代から、日本の美術は貴族、軍事政権、宗教当局の庇護を受けてきた。[ 2 ] 16世紀までは、庶民の生活は絵画の主要な主題ではなく、たとえ描かれたとしても、それは支配階級の武士や裕福な商人階級のための贅沢品であった。[ 3 ]後世には、町民によって、また町民のために制作された作品が登場し、安価な単色画で描かれた美人画や劇場や遊郭の風景などが含まれるようになった。これらの仕込絵は手作業で制作されていたため、制作規模が限られていたが、大量生産の木版画に移行したジャンルによって、その限界はすぐに克服された。[ 4 ]
16世紀の長期にわたる内戦の間、政治的に力のある商人階級が発展した。江戸時代の町人の前身であるこれらの町州は朝廷と同盟を結び、地域社会を支配した。彼らの芸術への庇護は、16世紀後半から17世紀初頭にかけて古典芸術の復興を促した。[ 5 ] 17世紀初頭、徳川家康（1543年～1616年）は国を統一し、日本に対する最高権力を持つ将軍に任命された。彼は江戸（現在の東京）の村に政府を統合し、 [ 6 ]領主たちに隔年で従者とともにそこに集まるよう求めた。成長する首都の需要により、多くの男性労働者が地方から集まり、男性が人口のほぼ70パーセントを占めるようになった。[ 7 ]この村は江戸時代（1603年～1867年）に人口が1800人から19世紀には100万人以上に増加した。[ 6 ]
中央集権的な幕府は町州の権力を終焉させ、人々を4つの社会階級に分け、支配階級である武士階級を最上位に、商人階級を最下位に置いた。政治的影響力を失ったものの[ 5 ] 、商人階級は江戸時代の急速な経済成長から最も恩恵を受け[ 8 ]、生活水準の向上により、多くの人々が遊郭、特に江戸の吉原[ 6 ]で求める余暇を楽しんだり、以前は経済的に到底手の届かなかった美術品を収集して家を飾ったりすることが可能になった[ 9 ] 。遊郭での経験は、十分な財力、礼儀作法、教育を備えた人々に開かれていた[ 10 ] 。
日本における木版印刷の歴史は、西暦770年の百万堂だらに遡る 。17世紀までは、このような印刷は仏印や仏像に限定されていた。[ 11 ]活版印刷は1600年頃に登場したが、日本語の文字体系には約10万個の活字が必要であったため、[ b ]木版に文字を手彫りする方が効率的であった。京都の佐賀では、書家の本阿弥光悦と出版社の住倉宗庵が、伊勢物語（1608年）などの文学作品の翻案において、印刷された文字と画像を組み合わせた。 [ 12 ]寛永年間（1624～1643年）には、檀緑本と呼ばれる民話の挿絵入り書籍が、木版印刷を用いて大量生産された最初の書籍となった。[ 11 ]木版画は、新都での享楽的な都市生活を描いた金草子というジャンルの挿絵として進化を続けた。 [ 13 ] 1657年の明暦の大火後の江戸の再建は都市の近代化を促し、急速に都市化する環境の中で挿絵入りの印刷本の出版が盛んになった。[ 14 ]
「浮世」という言葉は、「浮世」と訳すことができ、古代仏教用語の「憂き世」と同音異義語で、「この悲しみと苦しみの世界」を意味します。この新しい言葉は、他の意味の中でも、「エロティック」や「スタイリッシュ」などを意味することもあり、当時の下層階級の快楽主義的な精神を表すようになりました。浅井良井はこの精神を小説『浮世物語』（1661年頃）で称賛しました。[ 15 ]
今この瞬間だけを生き、月や雪、桜や紅葉を味わい、歌を歌い、酒を飲み、ただ漂うことに喜びを見出し、差し迫った貧困の可能性を気にせず、川の流れに運ばれる瓢箪のように軽やかで気ままに過ごすこと。これが私たちが浮世と呼ぶものです。
初期の浮世絵師は日本の絵画界から来た。[ 16 ] 17世紀の大和絵では、輪郭線を描くスタイルが発展し、濡れた表面に墨を垂らして輪郭線に向かって広げることができた。この輪郭線を描くスタイルは、浮世絵の主流のスタイルとなった。[ 17 ]
1661年頃、寛文美人図と呼ばれる掛け軸が人気を博した。寛文年間（1661～1673年）の絵画は、その多くが作者不明であるが、浮世絵が独立した流派として始まったことを示すものであった。[ 16 ]岩佐又兵衛（1578～1650年）の絵画は、浮世絵と非常に親和性が高い。又兵衛の作品自体が浮世絵であるかどうかについては学者間で意見が分かれているが、[ 18 ]彼が浮世絵の創始者であるという主張は、特に日本の研究者の間で一般的である。[ 19 ]又兵衛は、現存する最古の浮世絵作品の一つである可能性のある無銘の彦根屏風の作者であるとされることもある。 [ 20 ]この屏風は洗練された狩野様式で、画流派の規定された主題ではなく、当時の生活を描いている。[ 21 ]
浮世絵作品への需要の高まりに応えて、菱川師信（1618-1694）は最初の浮世絵木版画を制作した。[ 16 ] 1672年までに師信は成功を収め、作品に署名するようになった。これは書籍挿絵画家としては初めてのことだった。彼は多作な挿絵画家で、幅広いジャンルで活動し、女性の美しさを描く影響力のあるスタイルを確立した。最も重要なのは、書籍だけでなく、単独でもシリーズの一部としても使える一枚ものの挿絵を制作し始めたことである。菱川派は多くの追随者を集め[ 22 ]、杉村治兵衛[ 23 ]などの模倣者も生み出し、新しい芸術形式の普及の始まりを告げた[ 24 ] 。
鳥居清信1世と安藤懐月堂は師匠の死後、師信の作風を継承する著名な画家となったが、どちらも菱川派には属していなかった。両者とも背景の細部を省略し、人物像に焦点を当てた。清信とその後の鳥居派の役者絵では歌舞伎役者、 [ 25 ]安藤と懐月堂派の美人画では遊女が描かれた。安藤とその追随者たちは、大量生産に適したデザインとポーズを持つ、定型的な女性像を生み出し、[ 26 ]その人気は他の画家や流派が利用する絵画の需要を生み出した。[ 27 ]懐月堂派とその人気の「懐月堂美人」は、1714年の江島生島事件における安藤の関与により彼が流刑となった後に終焉を迎えた。[ 28 ]
京都出身の西川助信（1671-1750）は、遊女を題材にした技巧に優れた絵画を描いた。[ 29 ]春画の巨匠とみなされていた彼は、1722年に政府の禁令を受けたが、別の名前で流通する作品を制作し続けたと考えられている。[ 30 ]助信はキャリアのほとんどを江戸で過ごし、関東地方と関西地方の両方で大きな影響力を持っていた。[ 29 ]宮川長春（1683-1752）の絵画は、18世紀初頭の生活を繊細な色彩で描いた。長春は版画を制作しなかった。[ 31 ]彼が18世紀初頭に創設した宮川派は、懐月堂派よりも線と色彩が洗練された様式のロマンティックな絵画を専門としていた。長春は弟子たちに表現の自由をより大きく認め、そのグループには後に北斎も含まれるようになった。[ 27 ]
初期の単色版画や書籍においても、特別な依頼があれば手作業で彩色が施された。18世紀初頭の彩色への需要は、オレンジ色、時には緑色や黄色で手彩色されたタンエ[ c ]版画で満たされた。 [ 33 ]これに続いて1720年代にはピンク色の紅エ[ d ]が流行し、その後漆のようなインクのウルシエが登場した。1744年には、紅摺エがカラー印刷で初めて成功を収め、複数の木版（各色に1枚ずつ）が使用され、初期の紅ピンクと植物緑が用いられた。[ 34 ]
優れた自己宣伝家であった奥村政信（1686-1764）は、17世紀後半から18世紀半ばにかけての印刷技術の急速な発展期に大きな役割を果たした。[ 34 ]彼は1707年に店を開き[ 35 ]、政信自身はどの流派にも属していなかったものの、当時の主要な流派の要素を幅広いジャンルで融合させた。彼のロマンチックで叙情的なイメージにおける革新の中には、1740年代の浮絵ジャンルへの幾何学的遠近法の導入[ 39 ] 、細長い柱絵の版画、自作の俳句を含む版画における図版と文学の融合[ 40 ]などがある。
浮世絵は、長きにわたる不況の後、田沼興次のもとで江戸が繁栄を取り戻した後に発展したフルカラー版画の登場により、18世紀後半に最盛期を迎えた。 [ 41 ]これらの人気のカラー版画は、鮮やかな色彩が輸入された中国の舒江錦（日本では舒光錦として知られる）に似ていることから、錦絵と呼ばれるようになった。[ 42 ]最初に登場したのは、非常に上質な（または標準よりも上質な）紙に、濃く不透明な墨で複数の版木を使って印刷された高価なカレンダー版画だった。これらの版画には、各月の日数がデザインの中に隠されており、新年[ f ]に、作者ではなく依頼主の名前が記された個人的な挨拶として送られた。これらの版画の版木は後に商業生産に再利用され、依頼主の名前は消され、作者の名前が記された。[ 43 ]
鈴木春信（1725-1770）の繊細でロマンチックな版画は、表現力豊かで複雑な色彩デザインを実現した最初の作品の一つであり、[ 44 ]異なる色[ 45 ]や中間調[ 46 ]を扱うために最大12個の版木を用いて印刷された。彼の抑制された優雅な版画は、和歌や大和絵の古典主義を想起させる。多作な春信は、当時の浮世絵師の第一人者であった。[ 47 ] 1765年以降の春信の色彩豊かな錦絵の成功は、限られた色数を用いた紅摺絵や漆絵、手彩色版画の需要の急激な減少につながった。 [ 45 ]
春信の死後、1770年に春信が亡くなると、春信や鳥居派の版画の理想主義に反する傾向が強まった。勝川春章（1726年 - 1793年）とその一派は、それまでの傾向よりも役者の実際の容姿に忠実な歌舞伎役者の肖像画を制作した。[ 48 ]時には春信と共同制作した古龍斎（1735年 - 1790年頃）と北尾重政（1739年 - 1820年）は、当時の都市の流行や、有名な遊女や芸者に焦点を当てることで、春信の理想主義の支配から浮世絵を遠ざけた著名な女性画家であった。[ 49 ]古龍斎はおそらく18世紀で最も多作な浮世絵師であり、それまでのどの画家よりも多くの絵画や版画シリーズを制作した。[ 50 ]重政が創設した北尾派は、18世紀末の数十年間における有力な流派の一つであった。[ 51 ]
1770年代、歌川豊春は、それまでの浮世絵の画家にはできなかった西洋遠近法の技法を習得したことを示す浮世絵の遠近法版画を数多く制作した[ 52 ] [ 36 ]。豊春の作品は、風景を単なる人物の背景ではなく、浮世絵の主題として確立するのに貢献した[ 53 ] 。19世紀には、西洋式の遠近法の技法が日本の芸術文化に取り入れられ、葛飾北斎や歌川広重[ 54 ]といった画家の洗練された風景画に用いられた。歌川広重は豊春が創設した歌川派の一員である。この流派は最も影響力のある流派の一つとなり[ 55 ]、他のどの流派よりもはるかに多様なジャンルの作品を制作した[ 56 ] 。
18世紀後半は経済的に厳しい時代であったが、[ 57 ]浮世絵は作品の量と質の両面でピークを迎え、特に寛政時代（1789～1791年）に顕著であった。[ 58 ]寛政時代の浮世絵は美と調和を重視したが、[ 51 ]改革が崩壊し緊張が高まるにつれて、次の世紀には退廃と不調和へと転落し、1868年の明治維新で頂点に達した。 [ 58 ]
特に1780年代には、鳥居派[ 58 ]の鳥居清長（1752-1815）[ 51 ]が、美人画や都市風景といった伝統的な浮世絵の題材を描き、それを大きな紙に印刷し、しばしば横長の二枚組や三枚組として制作した。彼の作品は春信が描いた詩的な夢想風景を捨て、代わりに最新の流行を身にまとい、美しい場所でポーズをとる理想化された女性の姿を写実的に描いた[ 59 ] 。彼はまた、伴奏の音楽家や合唱隊を含めた写実的なスタイルで歌舞伎役者の肖像画も制作した[ 60 ] 。
1790年に、版画を販売するには検閲官の承認印が必要であるという法律が施行された。検閲はその後数十年にわたって厳格化し、違反者は厳しい罰を受ける可能性があった。1799年からは、下書きでさえ承認が必要となった。[ 61 ]豊国を含む歌川派の違反者グループは1801年に作品を弾圧され、歌麿は16世紀の政治家・軍事指導者である豊臣秀吉の版画を制作したとして1804年に投獄された。[ 62 ]
歌麿（1753年頃- 1806年）は、1790年代に美人大首絵で名を馳せた。これは、歌舞伎役者の肖像画で以前に用いられていた、頭部と上半身に焦点を当てたスタイルである。[ 63 ]歌麿は、線、色彩、印刷技術を駆使して、様々な階級や背景を持つ人物の顔立ち、表情、背景の微妙な違いを引き出していた。歌麿の個性的な美人像は、それまで一般的だったステレオタイプ化された理想化されたイメージとは対照的であった。[ 64 ] 1797年にパトロンの蔦屋重三郎が亡くなった後、特に1790年代末には、歌麿の膨大な作品の質は低下し、[ 65 ] 1806年に亡くなった。[ 66 ]
1794年に突如現れ、10か月後には同じく突如消えた謎めいた写楽の版画は、浮世絵の中でも最もよく知られているもののひとつである。写楽は歌舞伎役者の印象的な肖像画を制作し、役者と描かれた人物との違いを強調する写本に、より高いレベルの写実性を導入した。[ 67 ]彼が描いた表情豊かで歪んだ顔は、春信や歌麿などの画家が描くような穏やかで仮面のような顔とは対照的であった。[ 46 ]蔦屋から出版された[ 66 ]写楽の作品は抵抗に遭い、1795年には現れた時と同じように謎めいた形で制作が途絶えた。彼の本当の正体は今も不明である。[ 68 ]歌川豊国（1769-1825）は、江戸の町民がより親しみやすいと感じる様式で歌舞伎の肖像画を制作し、劇的な姿勢を強調し、写楽の写実性を避けた。[ 67 ]
18世紀後半の浮世絵は一貫して高い水準を誇っているが、歌麿と写楽の作品はしばしば同時代の他の巨匠たちの作品を凌駕している。[ 66 ]清長の弟子の一人である栄志（1756-1829 ）は、将軍徳川家治の画家としての地位を捨て、浮世絵のデザインに取り組んだ。彼は優雅で華奢な遊女の肖像画に洗練された感覚をもたらし、多くの著名な弟子を残した。[ 66 ]栄正斎朝基（ 1786-1808年頃活躍）は、繊細な線で優美な遊女の肖像画をデザインした。歌川派は江戸時代後期に浮世絵の制作を席巻するようになった。[ 69 ]
江戸時代を通して、江戸は浮世絵制作の中心地でした。もう一つの主要な中心地は、京都と大阪の周辺地域である上方地方に発展しました。江戸の浮世絵の題材の幅広さとは対照的に、上方の浮世絵は歌舞伎役者の肖像画が中心でした。18世紀後半まで、上方の浮世絵の様式は江戸の浮世絵とほとんど区別がつかなかったのは、画家たちが両地域を行き来することが多かったためです。[ 70 ]上方の浮世絵は、江戸の浮世絵に比べて色が柔らかく、顔料が厚く塗られている傾向があります。[ 71 ] 19世紀には、多くの浮世絵が歌舞伎ファンやその他のアマチュアによってデザインされました。[ 72 ]
1841年から1843年にかけての天保の改革は、遊女や役者の描写を含む、外面的な贅沢の表現を抑圧しようとした。その結果、多くの浮世絵師は旅行の風景や自然、特に鳥や花を描いた。[ 73 ]風景は師信以来あまり注目されてこなかったが、清長や春朝の作品では重要な要素となった。風景がジャンルとして確立したのは江戸時代後期になってからで、特に北斎や広重の作品を通してである。風景というジャンルは、西洋における浮世絵の認識を支配するようになったが、浮世絵にはこれらの後期の巨匠より前に長い歴史があった。[ 74 ]日本の風景は、自然の厳密な観察よりも想像力、構図、雰囲気に重きを置いている点で西洋の伝統とは異なっていた。[ 75 ]
自称「狂気の画家」葛飾北斎（1760-1849）は、長く多彩なキャリアを歩んだ。彼の作品は、浮世絵によく見られる感傷主義の欠如と、西洋美術の影響を受けた形式主義へのこだわりが特徴である。彼の業績の中には、滝沢馬琴の小説『三日月』の挿絵、スケッチブックシリーズ『北斎漫画』、そして風景画のジャンルを普及させた『冨嶽三十六景』[ 76 ]などがあり、その中には彼の最も有名な版画『神奈川沖浪裏』 [ 77 ]も含まれており、これは日本美術の最も有名な作品の1つである[ 78 ] 。古い巨匠たちの作品とは対照的に、北斎の色彩は大胆で平坦で抽象的であり、彼の主題は遊郭ではなく、働く庶民の生活や環境であった。[ 79 ]確立された巨匠である英泉、国芳、国貞も1830年代に北斎の足跡をたどり風景版画に進出し、大胆な構図と印象的な効果を持つ版画を制作した。[ 80 ]
歌川派は、より有名な先人たちほど注目されることは少なかったものの、衰退期に数人の巨匠を生み出した。多作な国貞（1786-1865）は、遊女や役者の肖像版画の伝統において、ライバルはほとんどいなかった。[ 81 ]そのライバルの一人が英泉（1790-1848）で、彼は風景画にも長けていた。[ 82 ]おそらくこの後期の最後の重要な人物である国芳（1797-1861）は、北斎と同様に、さまざまなテーマやスタイルに挑戦した。彼の武士の激しい戦闘を描いた歴史画は人気があり、[ 83 ]特に『水滸伝』（1827-1830）と『忠臣蔵』（1847）の英雄シリーズは人気があった。 [ 84 ]彼は風景画や風刺画にも長けていたが、後者は江戸時代の独裁的な雰囲気の中ではめったに探求されなかった分野である。国吉があえてそのような題材に取り組んだことは、当時の幕府の弱体化の兆候であった。[ 83 ]
広重（1797年 - 1858年）は、北斎の最大のライバルとみなされている。鳥や花、静謐な風景画を専門とし、東海道五十三次や木曽街道六十九次などの旅行シリーズで最もよく知られている[ 85 ]。後者は英泉との共同制作である[ 82 ] 。広重の作品は北斎よりも写実的で、色彩が繊細で、雰囲気があり、自然や四季が重要な要素であった。霧、雨、雪、月光は彼の作品の重要な部分であった[ 86 ] 。養子の広重二世や婿の広重三世を含む広重の弟子たちは、明治時代まで師の風景画のスタイルを受け継いだ[ 87 ] 。
葛飾北斎と歌川広重の死後[ 88 ]、そして1868年の明治維新以降、浮世絵は量と質の両面で急激に衰退した[ 89 ] 。続く明治時代の急速な西洋化により、木版画はジャーナリズムにその役割を転用し、写真との競争に直面するようになった。純粋な浮世絵の制作者はますます少なくなり、時代遅れの遺物と見なされるこのジャンルから人々の嗜好は離れていった[ 88 ] 。芸術家たちは時折注目すべき作品を生み出し続けたが、1890年代までにはこの伝統は衰退の一途を辿っていた[ 90 ] 。
19 世紀半ば、ドイツから輸入された合成顔料が従来の有機顔料に取って代わり始めた。この時代の多くの版画は鮮やかな赤色を多用しており、赤絵と呼ばれた。 [ 91 ]芳年( 1839–1892)などの画家は、1860 年代に殺人や幽霊の残虐な場面、[ 92 ]怪物や超自然的な存在、日本の伝説や中国の英雄を描くという流行を牽引した。彼の『月百姿』（1885–1892）は、月のモチーフでさまざまな幻想的および日常的なテーマを描いている。[ 93 ]清親(1847–1915) は、鉄道の導入など東京の急速な近代化を記録した版画や、日本と中国、ロシアとの戦争を描いた作品で知られている。[ 92 ]以前は狩野派の画家であった周延（1838-1912）は、1870年代に版画、特に皇室や明治時代の日本の生活における西洋の影響を描いた版画に転向した。[ 94 ]
江戸時代初期から貿易関係を持っていたオランダの商人を除いて[ 95 ]、西洋人は19世紀半ばまで日本の美術にほとんど注意を払わず、注意を払ったとしても東洋の他の美術と区別することはほとんどなかった[ 95 ] 。スウェーデンの博物学者カール・ペーター・トゥーンベルクは長崎近郊のオランダの貿易拠点出島で1年間過ごし、日本の版画を収集した最初期の西洋人の一人だった。その後、浮世絵の輸出は徐々に増加し、19世紀初頭にはオランダの商人アイザック・ティツィングのコレクションがパリの美術愛好家の注目を集めた[ 96 ] 。
1853年にアメリカのマシュー・ペリー提督が江戸に到着したことがきっかけとなり、1854年に神奈川条約が締結され、 2世紀以上続いた鎖国を経て日本は世界に開かれた。浮世絵は彼がアメリカに持ち帰った品物の中にあった。[ 97 ]こうした版画は少なくとも1830年代からパリに現れており、1850年代には数多く存在していた。[ 98 ]受け入れられ方はまちまちで、賞賛された場合でも、浮世絵は一般的に自然主義的な遠近法や解剖学の熟練度を強調した西洋の作品よりも劣ると考えられていた。[ 99 ]日本の美術は1867年のパリ万国博覧会で注目を集め、[ 95 ] 1870年代と1880年代にはフランスとイギリスで流行した。[ 95 ]葛飾北斎と歌川広重の版画は、西洋人の日本美術に対する認識を形成する上で重要な役割を果たした。[ 100 ]木版印刷が西洋に伝わった当時、木版印刷は日本で最も一般的な大量生産媒体であり、日本人はそれを永続的な価値が低いと考えていた。[ 101 ]
浮世絵や日本美術の初期のヨーロッパの推進者や研究者には、作家のエドモン・ド・ゴンクールや美術評論家のフィリップ・ビュルティ[ 102 ]がおり、ビュルティはジャポニズムという用語を作り出した[ 103 ] [ g ]。日本製品を販売する店が開店し、1862年にはエドゥアール・デソイエ、1875年には美術商のジークフリート・ビングの店が開店した[ 104 ]。ビングは1888年から1891年にかけて、英語、フランス語、ドイツ語版の雑誌『アーティスティック・ジャパン』[ 105 ]を出版し[ 106 ] 、1890年にはエコール・デ・ボザールで浮世絵展を企画し、メアリー・カサットなどの芸術家が参加した[ 107 ]。
アメリカ人のアーネスト・フェノロサは、西洋人として初めて日本文化に傾倒した人物であり、日本美術の普及に大きく貢献した。ボストン美術館で日本美術の初代キュレーターとして就任した際の最初の展覧会では葛飾北斎の作品が目立って展示され、1898年には東京で日本初の浮世絵展を企画した。[ 108 ] 19世紀末までに、西洋における浮世絵の人気は、ほとんどの収集家の手の届かない価格にまで高騰した。ドガのような人物は、自分の絵画を浮世絵と交換した。パリを拠点とする著名な美術商で、趣味の良い人物として知られる林忠正は、東京の事務所で大量の浮世絵を鑑定し、西洋に輸出していた。その量は非常に多く、後に日本の批評家から、日本の国宝を吸い上げていると非難された。[ 109 ]日本の芸術家たちが西洋の古典的な絵画技法に没頭していたため、当初、この流出は日本国内では気づかれなかった。 [ 110 ]
日本の美術、特に浮世絵は、初期印象派の時代から西洋美術に影響を与えてきました。[ 111 ]初期の画家兼コレクターは、1860 年代にはすでに日本のテーマや構図の技法を作品に取り入れていました。[ 98 ]マネの絵画の模様のある壁紙や敷物は、浮世絵に見られる模様のある着物から着想を得ており、ホイッスラーは浮世絵の風景画のように、自然の儚い要素に注目しました。[ 112 ]ゴッホ は熱心なコレクターで、広重や英泉の版画を油彩で模写しました。[ 113 ]ドガとカサットは、日本の影響を受けた構図と遠近法で、束の間の日常の瞬間を描きました。[ 114 ]浮世絵の平面的な遠近法と単調な色彩は、グラフィックデザイナーやポスター制作者に特に大きな影響を与えました。[ 115 ]トゥールーズ＝ロートレックのリトグラフは、浮世絵の平坦な色彩と輪郭線のある形態だけでなく、その主題である役者や娼婦にも関心を示していた。[ 116 ]彼はこれらの作品の多くに、日本の版画の印章を模倣して、円の中に自分のイニシャルを署名した。[ 116 ]浮世絵から影響を受けた当時の他の芸術家には、モネ、[ 111 ]ラ・ファルジュ、[ 117 ]ゴーギャン、[ 118 ]ボナール[ 119 ]やヴュイヤール[ 120 ]などのナビ派のメンバーがいる。フランスの作曲家クロード・ドビュッシーは、葛飾北斎と歌川広重の版画から音楽のインスピレーションを得ており、最も顕著な例は『海』（1905 年）である。[ 121 ]エイミー・ローウェルやエズラ・パウンドなどのイマジズム詩人は浮世絵からインスピレーションを得ており、ローウェルは東洋的なテーマまたは東洋的なスタイルで『浮世の絵』（1919年）という詩集を出版した。[ 122 ]
旅行スケッチブックは、明治政府が国民に自国をよりよく知ってもらうために国内旅行を奨励した1905年頃から人気ジャンルとなった。[ 123 ] 1915年、出版社の渡辺昭三郎は、伝統的な日本の題材を扱い、外国人や上流階級の日本人を対象とした版画のスタイルを説明するために、「新版画」という用語を導入した。[ 124 ]著名な画家には、女性を描く手法から「大正時代の歌麿」と呼ばれた橋口五洋、女性像に現代的な感性をもたらした伊藤深水[ 125 ] 、現代的な風景画を描いた川瀬巴水[ 126 ]などがいる。渡辺は日本人以外の画家の作品も出版しており、その初期の成功例として、1916年にイギリス人のチャールズ・W・バートレット（1860-1940）がインドと日本をテーマにした版画を出版したことが挙げられる。他の出版社も渡辺の成功に追随し、五洋や吉田博などの新版画家の中には、自らの作品を出版するためにスタジオを設立した者もいた。[ 127 ]
創作版画運動の芸術家たちは、版画制作のあらゆる側面をコントロールし、デザイン、彫刻、印刷を同一人物が行いました。[ 124 ]当時東京美術学校の学生だった山本佳苗（1882-1946）は、この手法の創始者とされています。1904年、彼は木版画を用いて「漁師」を制作しました。木版画はそれまで日本の美術界では時代遅れで商業的な大量生産と結びついているとして敬遠されていました。[ 128 ] 1918年に日本木版画家協会が設立されたことで、この手法が運動として始まりました。[ 129 ]この運動は芸術家の個性を重視し、そのため支配的なテーマやスタイルはありませんでした。[ 130 ]作品は、恩地幸四郎（1891–1955）の完全に抽象的なものから、平塚運一（1895–1997）の伝統的な日本の風景の具象的な描写まで多岐に渡る。[ 129 ]これらの芸術家は、大衆に受け入れられることを期待して版画を制作したのではなく、それ自体が創造的な目的であり、版画の媒体を伝統的な浮世絵の木版に限定しなかった。[ 131 ]
20世紀後半から21世紀にかけての版画は、それ以前の運動、特に創作版画運動が重視した個人表現への関心から発展してきた。シルクスクリーン、エッチング、メゾチント、ミクストメディア、その他の西洋の技法が、伝統的な木版画に加えて版画家の技法として取り入れられている。[ 132 ]
初期の浮世絵師たちは、中国古典絵画の構図原理に関する高度な知識と訓練を携えてやってきた。そして、次第にこれらの画家たちは、露骨な中国の影響を捨て、日本独自の表現様式を発展させていった。初期の浮世絵師たちは、版画という媒体が新たな挑戦であり、彼らは何世紀も前の技法を適応させたという意味で「原始的」と呼ばれてきたが、彼らの図案は「原始的」とは見なされていない。[ 133 ]多くの浮世絵師は、狩野流派やその他の絵画流派の教師から訓練を受けた。[ 134 ]
浮世絵版画のほとんどに共通する特徴は、明確で太く平坦な線である。[ 135 ]最初期の版画は単色で、これらの線が唯一の印刷要素であった。カラー版画が登場した後も、この特徴的な線は依然として支配的であった。[ 136 ]浮世絵の構図では、形は平面空間に配置され、[ 137 ]人物は通常、単一の奥行きの平面上に位置する。垂直方向と水平方向の関係、および衣服の模様などの線、形、パターンといった細部に注意が向けられた。[ 138 ]構図は非対称であることが多く、視点は上からなど、通常とは異なる角度からであることが多かった。画像の要素はしばしば切り取られ、構図に自然な印象を与えている。[ 139 ]カラー版画では、ほとんどの色の領域の輪郭は、通常、線画によって明確に定義されている。[ 140 ]平坦な色の領域の美学は、西洋の伝統で期待される変化に富んだ色彩[ 137 ]や、上流階級に庇護された日本の美術における他の著名な現代的伝統、例えば前画の繊細な単色の墨の筆致や狩野派の濃淡のある色彩とは対照的である。[ 140 ]
浮世絵の色彩豊かで華やかかつ複雑な模様、流行の変化への関心、緊張感のある躍動的なポーズや構図は、日本の伝統的な美意識の多くの概念とは著しく対照的である。その中でも特に顕著なのが侘び寂びで、時間の経過の痕跡を伴う簡素さ、非対称性、不完全さを重んじる。[ 141 ]また、渋いは繊細さ、謙虚さ、抑制を重んじる。[ 142 ]浮世絵は、粋の都会的なスタイリッシュさといった美意識の概念とはそれほど矛盾しない。[ 143 ]
浮世絵は、グラフィック遠近法に関して独特なアプローチを示しており、同時代のヨーロッパ絵画と比較すると未発達に見えることがある。西洋式の幾何学的遠近法は日本でも知られており、 1770年代の秋田蘭画の画家たちが最も顕著に実践していた。また、平行線の均質性を用いて奥行き感を表現する中国の手法も同様であった。浮世絵作品では、これらの技法が一緒に用いられることもあり、幾何学的遠近法は背景に奥行きの錯覚を与え、より表現力豊かな中国式遠近法は前景に用いられた。[ 144 ]これらの技法は、西洋の作品から直接ではなく、おそらく最初は中国の西洋式絵画を通して習得されたと考えられる。[ 145 ]これらの技法に精通した後も、画家たちは構図や表現上のニーズに応じて、伝統的な手法と調和させ続けた。[ 146 ]奥行きを示す他の方法としては、仏教絵画で用いられる中国の三分割構図法があり、前景に大きな形、中景に小さな形、そしてさらに背景に小さな形が配置される。これは葛飾北斎の「神奈川沖浪裏」にも見られ、前景に大きな船、その後ろに小さな船、さらにその後ろに小さな富士山が描かれている。[ 147 ]
初期の浮世絵では、美術史家の若倉みどりが「蛇行姿勢」と呼んだポーズで美女を描く傾向があった。 [ h ]これは、被写体の体が不自然にねじれ、後ろを向いているポーズである。美術史家の河野元明は、これは伝統的な舞踊に由来すると主張したが、諏訪春雄は、これらのポーズは浮世絵師による芸術的自由裁量であり、一見リラックスしたポーズが不自然あるいは不可能な身体的極限に達すると反論した。これは、構図の他の部分に写実的な遠近法が適用される場合でも変わらなかった。[ 148 ]
典型的な題材は美人画、役者画、風景画であった。描かれた女性は、遊女や芸妓が余暇を過ごしている姿であることが多く、遊郭で見られる娯楽を宣伝していた。[ 149 ]遊女の服装や髪型が細部まで丁寧に描かれているため、版画の年代をある程度正確に特定することができる。女性の身体的特徴の正確さにはあまり注意が払われず、当時の絵画の流行に従っていた。顔はステレオタイプ化され、体型は世代によって背が高く痩せているものもあれば、小柄なものもあった。[ 150 ]有名人の肖像画は非常に需要が高く、特に歌舞伎や相撲といった当時の最も人気のある娯楽の2つからの肖像画が人気であった。[ 151 ]多くの西洋人にとって風景画は浮世絵を定義づけるものとなっているが、風景画が隆盛したのは浮世絵の歴史の中では比較的後になってからのことである。[ 74 ]
浮世絵は書籍の挿絵から発展したもので、師宣の初期の単ページ版画の多くは、彼が挿絵を描いた書籍のページが元になっている。[ 12 ]絵本は人気があり[ 152 ]、浮世絵師にとって重要な発表の場であり続けた。後期には、北斎は3巻からなる『冨嶽百景』と15巻からなる『北斎漫画』を制作した。後者は、写実的なものから幻想的なものまで、4000点を超えるスケッチを収録した作品集である。[ 153 ]
日本の伝統的な宗教では、性行為やポルノグラフィーは、ほとんどのアブラハム系宗教の意味での道徳的堕落とはみなされておらず、[ 154 ]明治時代の道徳の変化によって弾圧されるまで、春画は主要なジャンルであった。[ 155 ]徳川政権下では日本は厳しい検閲法に服したが、ポルノグラフィーは重大な犯罪とはみなされず、検閲官の承認を概ね得ていた。[ 62 ]これらの版画の多くは、寝室の場面、覗き見、巨大な人体などを露骨に描写しており、高度な描写技術とユーモアがしばしば見られた。[ 156 ]遊女の描写と同様に、これらの画像は遊郭の娯楽と密接に結びついていた。[ 157 ]浮世絵師のほとんど全員が、ある時点で春画を制作した。[ 158 ]春画の社会的受容に関する記録は存在しないが、ティモン・スクリーチは、この問題に関して何らかの懸念があったことはほぼ確実であり、その受容度は後世の収集家、特に西洋の収集家によって誇張されていると主張している。[ 157 ]
歴史を通じて、自然の風景はアジア美術の重要な部分を占めてきました。芸術家たちは植物や動物の正しい形や解剖学的構造を綿密に研究してきましたが、人間の解剖学的構造の描写は近代までより空想的なものにとどまっていました。浮世絵の自然版画は花鳥絵と呼ばれ、「花鳥の絵」と訳されますが、このジャンルは花や鳥だけでなく、花と鳥が必ずしも一緒に描かれているわけではありません。[ 73 ]葛飾北斎の精緻で正確な自然版画は、花鳥絵を一つのジャンルとして確立したとされています。[ 159 ]
1840年代の天保の改革は役者や遊女の描写を抑圧した。風景画や花鳥絵の他に、画家たちは古代の武士や伝説、文学、宗教の場面など、歴史的な場面の描写に目を向けた。11世紀の源氏物語[ 160 ]や13世紀の平家物語[ 161 ]は、浮世絵[ 160 ]を含め、日本の歴史を通じて芸術的インスピレーションの源となってきた。宮本武蔵（1584-1645 ）のような有名な武士や剣豪は頻繁に題材となり、怪物、超自然的なもの、日本や中国の神話の英雄の描写も同様であった。[ 162 ]
17世紀から19世紀にかけて、日本は世界の他の地域から孤立していた。貿易は主にオランダ人や中国人とのもので、長崎近郊の出島に限られていた。外国人やその商品を描いた長崎絵と呼ばれる異国情緒あふれる絵が観光客に売られていた。[ 97 ] 19世紀半ば、横浜は1859年以降、主要な外国人居住地となり、そこから西洋の知識が日本に広まった。[ 163 ]特に1858年から1862年にかけて、横浜絵は、日本人が接触するようになった世界の住民の増加するコミュニティを、事実と空想の様々なレベルで記録した。[ 164 ]西洋人とその技術の場面を描いた三連画は特に人気があった。[ 165 ]
特殊な版画には、愛好家向けの豪華な限定版版画である摺物（通常は五行詩がデザインの一部となっている）[ 166 ]や、手に触れられることで傷みやすいうちわ絵などがある。[ 12 ]
浮世絵師は版画と絵画の両方を制作することが多かったが、どちらか一方に特化する者もいた。[ 167 ]以前の伝統とは対照的に、浮世絵師は明るく鮮やかな色を好み、[ 168 ]版画の線描に似た効果として、墨で輪郭を描くことが多かった。[ 169 ]印刷の技術的な制約を受けないため、画家はより幅広い技法、顔料、表面を利用できた。[ 170 ]画家は、紅花、粉砕した貝殻、鉛、辰砂などの鉱物または有機物質から作られた顔料、[ 171 ]後にはパリグリーンやプルシアンブルーなどの西洋から輸入された合成染料を用いて絵を描いた。[ 172 ]絹または紙の掛け軸、巻き物 、屏風が最も一般的な表面であった。[ 167 ]
浮世絵は、複数の工房に所属する職人チームによって制作されたものであり、[ 173 ]デザイナー自身が木版を彫ることは稀であった。[ 174 ]制作は4つのグループに分かれていた。版画の制作を依頼し、宣伝し、配布する出版者、デザインイメージを提供する画家、印刷用の木版を準備する木彫り職人、そして木版を紙に刷る摺師である。[ 175 ]通常、完成した版画には画家と出版者の名前のみが記載されていた。[ 176 ]
浮世絵は、西洋のように機械式プレスではなく、手漉きの紙に手作業で刷られた。[ 177 ] [ 178 ]作者は薄い紙に墨で下絵を描き、それを桜の木の版木に貼り付け、油を塗って紙の上層を剥がし、半透明の紙の層を残した。版木彫り職人は、この半透明の層をガイドとして版木を彫った。版木彫り職人は、黒以外の部分を彫り落とし、盛り上がった部分に墨を塗って版を作った。[ 173 ]この過程で、下絵は破棄された。[ 179 ]
版画は、版木を上向きにして印刷し、印刷者が圧力を変えてさまざまな効果を出したり、紙が水性墨を吸収する様子を観察したりできるようにした。 [ 178] 墨は、均一な水平方向のストロークで素早く塗布された。[ 182 ]印刷者の技巧の中には、インクのついていない木版を紙に押し付けて、衣服の模様や漁網の質感などの効果を出すエンボス加工があった。[ 183 ] その他の効果には、瑪瑙で紙をこすって色を鮮やかにする磨き[ 184 ] 、ニス塗り、重ね刷り、金属や雲母の粉をまぶす、雪が降る様子を模倣するスプレー[ 184 ]などがあった。
浮世絵は商業的な芸術形式であり、出版社が重要な役割を果たした。[ 186 ]出版業界は競争が激しく、この時代を通じて千社を超える出版社が知られている。その数は1840年代から1850年代にかけて約250社でピークに達し[ 187 ] 、江戸だけでも200社[ 188 ]、日本の開国後徐々に減少し、20世紀初頭には約40社にまで減少した。出版社は木版と著作権を所有し、18世紀後半からは絵本・版画出版社組合を通じて著作権を執行した[ 187 ] 。 [ j ] [ 189 ] [ 189 ]複数回印刷された版画は特に利益が大きく、出版社は版画家や木版彫刻師に追加料金を支払うことなく木版を再利用することができた。木版は他の出版社や質屋に売買されることもあった。[ 190 ]出版社は通常、販売業者でもあり、互いの商品を店で販売することがよくありました。[ 189 ]アーティストの印章に加えて、出版社は版画に独自の印章を付けていました。シンプルなロゴのものもあれば、住所やその他の情報を取り入れた非常に凝ったものもありました。[ 191 ]
版画デザイナーは、自分の名前で署名できる版画を制作する権利を与えられる前に、見習い期間を経る必要がありました。[ 192 ]若いデザイナーは、木版を彫る費用の一部または全部を負担することが求められました。アーティストが有名になるにつれて、出版社がこれらの費用を負担するようになり、アーティストはより高い報酬を要求できるようになりました。[ 193 ]
前近代の日本では、人々は生涯を通じて様々な名前を使うことができ、幼少期の陽名と成人後の族名が異なっていた。画家の名前は、画家の姓である「我勢」に続いて、個人名である「あざな」が付く形であった。「我勢」は、歌川や鳥居など、画家が所属していた流派から取られることが最も多く、「あざな」は通常、師匠の芸名から漢字が取られた。例えば、豊国の多くの弟子は、国貞や国芳など、豊国の名前から「国」を取っていた。「国」は、画家が生涯を通じて名前を変えることがあったため、作品に署名した名前は混乱を招くことがある。「葛飾北斎」は極端な例で、 70年の生涯を通じて100以上の名前を使用していた。 「北斎」は、70年にわたる生涯を通じて100以上の名前を使用していた。
版画は大量販売され、[ 186 ] 19世紀半ばには、版画の総発行部数は数千部に達することもありました。[ 197 ]小売業者や行商人は、裕福な町民が購入できる価格で版画を宣伝しました。[ 198 ]版画によっては、版画家による着物のデザインを宣伝するものもありました。[ 186 ] 17世紀後半からは、版画はシリーズの一部として販売されることが多くなり、[ 191 ]各版画にはシリーズ名とシリーズ内の版画番号が刻印されました。[ 199 ]これは、収集家がコレクションを完成させるためにシリーズの新しい版画を毎回購入したため、効果的な販売手法となりました。[ 191 ] 19世紀には、広重の「東海道五十三次」のようなシリーズは数十枚の版画に及ぶようになりました。[ 199 ]
日本におけるカラー印刷は1640年代に遡るが、初期の浮世絵は黒インクのみを使用していた。色は、丹絵では赤鉛インク、後に紅絵ではピンク色の紅花インクを用いて、手作業で加えられることもあった。カラー印刷は1720年代に書籍に、1740年代には単色印刷に登場し、色ごとに異なる版木と印刷方法が用いられた。初期の色はピンクと緑に限られていたが、その後20年間で技術が発展し、最大5色まで可能になった。[ 173 ] 1760年代半ばには、10枚以上の木版を用いたフルカラーの錦絵が登場した。 [ 173 ]各色の版木を正しく揃えるために、角と隣接する辺に見当と呼ばれる位置合わせマークが付けられた。[ 173 ]
印刷業者は当初、鉱物や植物由来の天然染料を使用していた。これらの染料は半透明で、原色の赤、青、黄の顔料を混ぜ合わせることで様々な色を作り出すことができた。[ 202 ] 18世紀にはプルシアンブルーが人気となり、葛飾北斎や広重の風景画で特に目立つようになった。[ 202 ]また、ぼかし染めも普及し、印刷業者は色のグラデーションを作り出したり、ある色を別の色に混ぜ合わせたりした。[ 203 ] 1864年には、より安価で安定した合成アニリン染料が西洋から伝わった。これらの染料の色は、従来の顔料よりも鮮やかで強烈だった。明治政府は、西洋化政策の一環として、これらの染料の使用を奨励した。[ 204 ]
浮世絵師に関する同時代の記録は稀である。最も重要なのは、解説と画家伝記を集めた『浮世絵類考』である。太田南保が1790年頃に最初の版を編纂したが、現存しない。この作品は江戸時代には印刷されなかったが、手書きの写本として流通し、数多くの加筆や修正が加えられた。[ 205 ]『浮世絵類考』には120以上の異本が存在することが知られている。[ 206 ]
第二次世界大戦前、浮世絵の主流の見解は版画の重要性を強調するものであり、この見解では浮世絵の創始者は師信であるとされていた。戦後、浮世絵の重要性や17世紀の大和絵との直接的な関連性に着目する考え方が広まり、この見解では又兵衛がこのジャンルの創始者とされ、特に日本で支持されている。この見解は1930年代までに日本の研究者の間で広く普及していたが、当時の軍国主義政府はこれを抑圧し、宮廷と結びついた大和絵の巻物と、時に反権威主義的な商人階級と結びついた版画との区別を強調しようとした。[ 19 ]
浮世絵に関する最も初期の包括的な歴史書や批評書は西洋から生まれた。アーネスト・フェノロサは1878年から東京の帝国大学で哲学教授を務め、1886年からは日本政府の美術委員を務めた。1896年に出版された彼の『浮世絵の巨匠たち』は、浮世絵に関する最初の包括的な概観であり、時代区分という観点から歴史を捉えるアプローチで、後のほとんどの作品の基礎を築いた。すなわち、原始時代の又兵衛から始まり、18世紀後半の黄金時代へと発展し、歌麿の登場とともに衰退し始め、1830年代には北斎と広重の風景画で一時的に復活したというものである。[ 207 ]大英博物館の東洋版画・素描部門の責任者であったローレンス・ビニヨンは、1908年に『極東の絵画』の中でフェノロサの記述に似た記述を書いたが、歌麿と写楽を巨匠の中に位置づけた。アーサー・デイヴィソン・フィッケは、フェノロサとビニヨンの作品を基に、1915年に『日本の版画に関するチャット』というより包括的な著作を著した。 [ 208 ]ジェームズ・A・ミッチェナーの1954年の『浮世絵』は、大まかに以前の作品の年代順に沿っているが、時代区分をなくし、初期の画家を原始人ではなく、以前の絵画の伝統から生まれた熟練した巨匠として認識している。[ 209 ]ミッチェナーと、時折協力するリチャード・レーンにとって、浮世絵は又兵衛ではなく師信から始まった。[ 210 ]レーンの1962年の『日本の版画の巨匠たち』は、時代区分のアプローチを維持しつつ、浮世絵を日本美術の系譜の中にしっかりと位置づけている。この本は、芳年や清親などの画家を後期の巨匠として認めている。[ 211 ]
高橋誠一郎の1964年の著書『日本の伝統的な木版画』では、浮世絵師を3つの時代に分けている。第一期は春信を含む初期時代、続いて清長、歌麿、写楽の黄金時代、そして1790年代から始まった厳格な奢侈禁止令によって美術作品に描けるものが制限された後の衰退期である。しかしながら、この本は、それまでの著作よりもこの最後の時代を通して多くの巨匠を認めており[ 212 ] 、浮世絵を大和絵の復興と捉えている[ 17 ] 。小林忠は、高橋の分析をさらに洗練させ、衰退期は幕府が国に対する支配力を弱めながら、苛酷な法律を制定することで権力を維持しようと必死に試みた時期と一致し、1868年の明治維新で頂点に達したと指摘している[ 213 ]。
浮世絵研究は、これまで画家の目録作成に重点を置く傾向があり、他の分野の美術分析に適用されるようになった厳密さや独創性に欠けるアプローチとなっている。こうした目録は数多く存在するが、圧倒的に著名な天才画家グループに集中している。浮世絵とその画家に関する初期の基本的な評価、特に比較的マイナーな画家に関する評価には、独自の研究はほとんど加えられていない。[ 214 ]浮世絵の商業的性質は常に認識されてきたが、画家とその作品の評価は、鑑定家の美的嗜好に基づいており、当時の商業的成功にはほとんど注意を払ってこなかった。[ 215 ]
浮世絵の正典に含める基準は、初期の文献において急速に変化した。歌麿は特に議論の的となり、フェノロサらは浮世絵の衰退の象徴として退廃的だと見なしたが、その後、歌麿は浮世絵の最も偉大な巨匠の一人として広く認められるようになった。芳年などの19世紀の画家は無視されるか、あるいは周縁化され、20世紀末になってようやく学術的な注目を集めるようになった。[ 216 ]歌川国貞や歌川国芳といった後期の画家に関する研究は、これらの画家が当時享受していた評価をいくらか復活させた。後期の研究の多くは、芸術の背景にある社会的またはその他の状況を考察しており、芸術を衰退期に位置づけるような評価には関心を払っていない。[ 217 ]
小説家の谷崎潤一郎は、浮世絵を発見したと主張することでより高い美意識を主張する西洋人の優越的な態度を批判した。彼は、浮世絵は西洋人の価値観から見て最も理解しやすい日本美術の形式に過ぎず、あらゆる社会階層の日本人が浮世絵を楽しんでいたが、当時の儒教の道徳観がそれを自由に議論することを妨げており、西洋人がその発見を誇示することは社会規範を侵害するものであると主張した。[ 218 ]
20世紀の幕開け以来、マンガ（日本の漫画や漫画）の歴史家たちは、この芸術形式を20世紀以前の日本の芸術と結びつける物語を展開してきた。特に北斎の漫画が先駆者として重視されているが、北斎の本は物語ではなく、「マンガ」という言葉も北斎に由来するものではない。[ 219 ]英語やその他の言語では、「マンガ」という言葉は「日本の漫画」または「日本風の漫画」という限定的な意味で使われるが、[ 220 ]日本語ではあらゆる形態の漫画、漫画、 [ 221 ]風刺画[ 222 ]を指す。
支配階級は、下層階級の住居に許されるスペースを厳しく制限していた。浮世絵の比較的小さなサイズは、これらの住居に掛けるのに理想的だった。[ 223 ]浮世絵のパトロンに関する記録はほとんど残っていない。浮世絵は版画よりもかなり高額で販売され、数千倍にもなったため、裕福な人々、おそらく商人、そしておそらく武士階級の人々によって購入されたに違いない。[ 10 ]後期の版画は、19世紀に最も多く制作されたため、現存する例が最も多く、版画が古いほど現存する可能性は低くなる。[ 224 ]浮世絵は主に江戸と関連付けられており、江戸を訪れる人々は、お土産としてあずま絵[ l ]と呼ばれるものを購入することが多かった。それらを販売する店は、手持ち扇子などの製品を専門に扱っていたり、多様な品揃えを提供したりしていた。[ 189 ]
浮世絵の市場は、日雇い労働者から裕福な商人まで、多様な層に販売されていたため、非常に多様化していた。[ 225 ]生産や消費習慣に関する具体的な情報はほとんど知られていない。江戸では、遊女、役者、力士など、さまざまな人物の詳細な記録が残されていたが、浮世絵に関するそのような記録は残っていないか、あるいはそもそも存在しなかったのかもしれない。浮世絵の消費層について理解されていることを解明するには、間接的な手段が必要であった。[ 226 ]
版画がいくらで売られていたかを判断することは専門家にとって困難である。正確な数字の記録は乏しく、制作品質、サイズ[ 227 ] 、供給と需要[ 228 ]、そしてフルカラー印刷の導入[ 229 ]などの変化を経た制作方法に大きなばらつきがあったからである。当時の社会経済状況が常に変動していたため、価格がどの程度高かったかを判断することも難しい[ 230 ] 。19世紀には、版画が16文[ 231 ]から豪華版では100文[ 232 ]まで販売されていた記録が残っている。大久保淳一は、1920年代と1930年代の文という価格は、標準的な版画では一般的だった可能性が高いと示唆している[ 233 ] 。大まかな比較として、19世紀初頭のそば一杯は通常16文で売られていた[ 234 ]。
浮世絵の染料は、わずかな光にもさらされると退色しやすいため、長期展示には適していません。印刷に使用されている紙は酸性物質に触れると劣化するため、保管箱、フォルダー、台紙は中性またはアルカリ性でなければなりません。版画は定期的に検査して、処置が必要な問題がないか確認し、カビによる変色を防ぐために相対湿度70%以下で保管する必要があります。[ 235 ]
浮世絵の紙と顔料は光や季節による湿度の変化に敏感です。紙は急激な湿度の変化で破れる可能性があるため、表地は柔軟性のあるものでなければなりません。江戸時代には、紙は長繊維紙に表地を貼られ、簡素な桐箱に巻かれ、さらに漆塗りの木箱に入れられて保存されていました。[ 236 ]美術館では、光や環境汚染による劣化を防ぐため、展示時間は厳しく制限されており、巻物の巻き戻しには注意が払われています。巻くと紙に凹みができ、巻き戻しでは折り目がつくためです。[ 237 ]巻物が保管される湿度は一般的に50～60％で、乾燥しすぎる環境で保管すると巻物が脆くなります。[ 238 ]
浮世絵は大量生産されたため、その収集は絵画の収集とは異なる考慮事項を伴います。現存する版画の状態、希少性、価格、品質には大きなばらつきがあります。版画にはシミ、黄ばみ、虫食い穴、破れ、折り目、犬印などがある場合があり、色が褪せていたり、修正されている場合もあります。複数版を重ねた版画では、彫師が色や構図を変更している可能性があります。印刷後に裁断された紙は、余白の内側でトリミングされている場合があります。[ 239 ]版画の価値は、作者の評判、版画の状態、希少性、オリジナル刷りかどうかなど、さまざまな要因によって決まります。高品質の後刷りであっても、オリジナル版の評価額のほんの一部しか得られません。[ 240 ]
浮世絵版画はしばしば複数版を重ね、後の版では版木に変更が加えられることもあった。再彫刻された木版から作られた版画も流通しており、正当な後期の複製だけでなく、海賊版やその他の偽物も存在する。[ 241 ]浮世絵複製版画の制作者である高見沢円司（1870-1927）は、色褪せた原版に新しい色を刷り込むために木版を再彫刻する方法を開発し、その上にタバコの灰を塗って新しいインクが古びたように見せかけた。彼はこのように刷り直した版画をオリジナル版画として転売した。[ 242 ]詐欺被害に遭ったコレクターの中には、アメリカの建築家フランク・ロイド・ライトもいた。1500枚の高見沢版画が日本からアメリカに持ち込まれ、そのうちのいくつかは真実が発覚する前に売却されていた。[ 243 ]
浮世絵師は、姓を名の前に付けるという日本式の表記で呼ばれ、歌麿や北斎のような有名な画家は名のみで呼ばれる。[ 244 ]画商は通常、浮世絵版画を標準サイズの名前で呼ぶ。最も一般的なのは、34.5×22.5センチメートル（13.6 × 8.9インチ）のあいばん、22.5×19センチメートル（8.9 × 7.5インチ）の中ばん、38×23センチメートル（15.0 × 9.1インチ）の大ばんである。 [ 203 ]正確なサイズは様々で、紙は印刷後にトリミングされることが多かった。[ 245 ]
浮世絵の最高品質コレクションの多くは日本国外にある。[ 246 ] 19世紀前半にはフランス国立図書館のコレクションに収蔵された。大英博物館は1860年にコレクションを開始し[ 247 ]、 20世紀後半にはその数は70,000点。[ 248 ]最大規模で、10万点の作品はボストン美術館に所蔵されており、[ 246 ] 1912年にアーネスト・フェノロサがコレクションを寄贈したことから始まった。 [ 249 ]日本で最初の浮世絵展は、おそらく1925年に松方幸次郎が開催したもので、彼は第一次世界大戦中にパリでコレクションを集め、後に東京国立近代美術館 に寄贈した。[ 250 ]日本最大の浮世絵コレクションは松本市の日本浮世絵博物館には10万点の浮世絵が所蔵されている。[ 251 ]
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