静物

静物画（‹テンプレート複数 形は統合が検討されています。› 複数形：still lifes）は、主に無生物を題材とした芸術作品であり、典型的には自然物（食べ物、花、死んだ動物、植物、岩、貝殻など）または人工物（コップ、本、花瓶、宝石、コイン、パイプなど）のありふれた物体を題材としています。^[1]

中世および古代ギリシャ・ローマ美術に起源を持つ静物画は、 16 世紀後半までに西洋絵画における独自のジャンルおよび専門分野として登場し、それ以来重要な位置を占めています。静物画の利点の 1 つは、絵画の構成内で要素の配置を自由に実験できることです。静物画は特定のジャンルとして、16 世紀および 17 世紀のネーデルラント絵画から始まり、英語のstill lifeという用語はオランダ語のstillevenに由来しています。初期の静物画、特に 1700 年以前の静物画には、描かれた対象に関連する宗教的および寓意的な象徴性が含まれることが多かったです。後期の静物画は、ファウンド オブジェクト、写真、コンピューター グラフィックス、ビデオ、サウンドなど、さまざまなメディアとテクノロジーを使用して制作されています。

この用語には、死んだ動物、特に狩猟動物の絵画が含まれます。生きている動物は動物芸術と見なされますが、実際には死んだモデルから描かれることが多かったです。静物画のカテゴリは、主題として植物や動物を使用するため、動物学、特に植物学のイラストレーションとの共通点もあります。ただし、視覚芸術や美術では、作品は単に主題を正しく描写することを意図しているわけではありません。

静物画はジャンルのヒエラルキーの最下層を占めていたが、購入者の間では非常に人気があった。独立した静物画の主題だけでなく、静物画には、通常は象徴的な静物画の要素が目立つ他の種類の絵画や、「表面上は『人生の一部』を再現するために多数の静物画の要素に頼った画像」が含まれる。^[2] トロンプ・ルイユ画は、見る人を欺いてその場面が現実であると思わせることを目的とした、特殊な静物画の一種で、通常は無生物で比較的平坦な物体を描いている。^[3]

静物画は古代エジプトの墓の内部を飾ることが多い。そこに描かれた食べ物やその他の品物は死後、現実のものとなり、死者が使用できると信じられていた。古代ギリシャの壺の絵も、日常の物や動物を描く優れた技術を示している。ペイライコスは大プリニウスによって「低俗な」主題の板絵画家として言及されており、ポンペイのモザイク版や地方の壁画に残る「床屋、靴屋、ロバ、食べ物、その他同様の主題」である。^[4]

同様の静物画は、装飾的な意図がより単純だが写実的な遠近法で描かれており、ポンペイ、ヘルクラネウム、ボスコレアーレ邸で発掘されたローマ時代の壁画や床のモザイクにも見つかっており、果物の入ったガラスのボウルという後世によく知られるモチーフも含まれている。裕福なローマ人の家で発見された「エンブレマ」と呼ばれる装飾モザイクは、上流階級が好んださまざまな食べ物を示しており、もてなしのしるしや季節や人生を祝うものとしても機能していた。^[5]

16世紀になると、食べ物や花が再び季節や五感の象徴として登場するようになった。また、ローマ時代には、死と地上の遺物の象徴として頭蓋骨を絵画に描く伝統も始まり、しばしば「死は皆を平等にする」というフレーズが添えられていた。 [ ^6]これらのヴァニタスのイメージは、1600年頃のオランダの画家たちから始まり、過去400年の美術史を通じて再解釈されてきた。^[7]

静物画の写実性が一般に評価されたことは、古代ギリシャの伝説に記されている。この伝説では、かつて最も生き生きとした物体を創り出すために競い合ったとされるゼウクシスとパラシオスが、歴史上最も古いトロンプ・ルイユ^{の描写となっている。 [8]}古代ローマ時代に大プリニウスが記録したように、ギリシャの芸術家たちは、すでに数世紀前に肖像画、風俗画、静物画の芸術で進歩していた。彼はペイライコスを特に挙げ、「彼の芸術性に勝る者はごくわずかだ...彼は理髪店や靴屋の店、ロバ、野菜などを描き、そのため『俗悪な題材の画家』と呼ばれるようになった。しかし、これらの作品はどれも素晴らしく、他の多くの芸術家の最高傑作[の絵画]よりも高値で売れた。」^[9]

1300年までに、ジョットとその弟子たちによって、静物画は日常的な物を描いた宗教的な壁画の架空のニッチの形で復活しました。^[11]中世からルネサンスにかけて、西洋美術における静物画は主にキリスト教の宗教的主題の付属物であり、宗教的および寓意的な意味を集約していました。これは特に北ヨーロッパの芸術家の作品に当てはまり、彼らは非常に詳細な光学的リアリズムと象徴主義に魅了され、絵画全体のメッセージに大きな注意を払いました。^[12]ヤン・ファン・エイクのような画家は、静物画の要素を図像プログラムの一部としてよく使用しました。^[要出典]

中世後期には、主に花だが動物や時には無生物などの静物画が、装飾写本の縁にますます写実的に描かれるようになり、より大きな画像の画家たちが使用するモデルや技術の進歩が進んだ。写本のミニチュアを作る芸術家と板絵を描く芸術家の間には、特に初期フランドル絵画においてかなりの重複があった。おそらく1440年頃にユトレヒトで作られた『クレーヴのカタリナの時祷書』は、この傾向の顕著な例の一つで、縁にはコインや魚網など、その時点でのテキストやメインのイメージを引き立たせるために選ばれた非常に幅広いオブジェクトが描かれている。世紀後半のフランドルの工房では、縁取り要素の自然主義がさらに進んだ。ゴシック様式のミルフルール・タペストリーは、植物や動物の正確な描写に対する一般的な関心の高まりを示すもう1つの例である。 『貴婦人と一角獣』のセットは最もよく知られた例で、1500年頃にパリでデザインされ、その後フランドルで織られた。^[要出典]

ヤン・ファン・エイクや他の北欧の芸術家による油絵の技法の発達により、油絵の具の乾燥速度、混ざり具合、重ね塗りのしやすさのおかげで、日常的な対象物を超写実的な方法で描くことが可能になった。^[13]宗教的な意味から解放された最初の画家の中には、自然に対する絶え間ない観察の一環として果物の水彩画（1495年頃）を制作したレオナルド・ダ・ヴィンチや、動植物の正確な色彩画を制作したアルブレヒト・デューラーがいる。 ^[14]

ペトルス・クリストゥスの金細工師のもとを訪れた新郎新婦の肖像画は、宗教的内容と世俗的内容の両方を描いた過渡期の静物画の典型的な例である。メッセージはほとんど寓意的ではあるが、カップルの人物は写実的で、描かれた物（硬貨、容器など）は正確に描かれているが、金細工師は実際には聖エリギウスの描写であり、物は非常に象徴的である。別の同様のタイプの絵画には、人物とよく並べられた食事のテーブルを組み合わせた家族の肖像画があり、これは人物の信心深さと神の豊かさへの感謝の両方を象徴している。^[15]この頃、人物（寓意的な意味ではない）を切り離したシンプルな静物画が、私的な信仰画の鎧戸の外側に描かれ始めていた。^[9]自立した静物画へのもう一つのステップは、1475年頃の世俗的な肖像画の裏に象徴的な花瓶を描いたことです。 ^[16]ヤコポ・デ・バルバリは、署名と日付の入ったトロンプ・ルイユの静物画の中で最も古い作品の一つである『ヤマウズラと長靴のある静物画』（1504年）でさらに一歩前進しましたが、この作品には宗教的な内容は最小限しか含まれていませんでした。^[17]

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  エンゲルベルト・フォン・ナッサウの彩飾時祷書の縁取りに描かれた様々な器、フランドルの芸術家、1470年代
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   1500 年頃の「貴婦人と一角獣」のミルフルールタペストリーの詳細
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  アルブレヒト・デューラー『大きな芝』 1503年
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  ヤコポ・デ・バルバリ、「ヤマウズラと長手袋のある静物画」（1504年）、非常に初期の独立した静物画、おそらく肖像画の裏表紙か表紙

1600 年以降の静物画のほとんどは比較的小さな絵画であったが、このジャンルの発展において決定的な段階となったのは、主にアントワープを中心とする「記念碑的静物画」の伝統であった。これは、人物や動物を描いた静物画の大きな見開きを含む大型の絵画であった。これはピーテル・アールツェンによる発展であり、アールツェンの『聖家族の施しをする肉屋』 （1551 年、現在のウプサラ）は、今でも驚かせる絵画でこのタイプを紹介した。別の例としては、アールツェンの甥ヨアヒム・ビューケラーによる『肉屋』（1568 年）があり、生の肉の写実的な描写が前景を占め、背景のシーンは酩酊と淫乱の危険性を伝えている。ピーテル・アールツェンとその甥のヨアヒム・ビューケラーが開発した、非常に大きなキッチンや市場のシーンは、典型的には、キッチン用品の静物画とたくましいフランドルの台所女中とともに、豊富な食べ物を描いている。遠くに小さな宗教的な場面が描かれていることもよくあり、四季などのテーマが加えられて主題が高められている。この種の大規模な静物画は、南北分離後もフランドル絵画で発展し続け、オランダ絵画ではまれであるが、この伝統の他の作品は「陽気な仲間」タイプの風俗画を予見している。^[18]

徐々に、宗教的な内容は、このタイプの絵画における大きさと配置が縮小したが、道徳的な教訓はサブコンテキストとして継続した。^[19] このスタイルの比較的数少ないイタリアの作品の1つである、アンニバレ・カラッチが1583年に同じ主題を扱った『肉屋』では、この時期の他の「台所と市場」の静物画と同様に、道徳的なメッセージを取り除き始めている。^[20] ヴィンチェンツォ・カンピは、おそらく1570年代にアントワープ様式をイタリアに導入した。この伝統は、次の世紀まで続き、ルーベンスのいくつかの作品で、彼は主に静物画と動物の要素を、フランス・スナイダースとその弟子ヤン・フィットなどの専門の巨匠に下請けした。16世紀後半までに、自立した静物画が進化した。^[21]

16 世紀には、自然界への関心が爆発的に高まり、新世界やアジアの発見を記録した豪華な植物百科事典が作られました。また、科学的図解や標本の分類も始まりました。自然物は、宗教や神話との関連から離れて、研究対象として個別に評価されるようになりました。この時代には、この新しい知識の実践的な延長として、初期の薬草療法の科学も始まりました。さらに、裕福なパトロンが動物や鉱物の標本の収集を後援し始め、大規模な珍品コレクションが作られました。これらの標本は、リアリズムと新奇性を求める画家たちのモデルとなりました。貝殻、昆虫、エキゾチックな果物や花が収集され、取引されるようになり、チューリップ(トルコからヨーロッパに輸入された)などの新しい植物が静物画で称賛されました。^[22]

園芸の爆発的な増加はヨーロッパで広く関心を集め、芸術家たちはそれを利用して何千もの静物画を制作した。一部の地域や宮廷は特別な関心を持っていた。例えば、柑橘類の描写はイタリアのフィレンツェにあるメディチ家の宮廷の特別な情熱だった。^[23]自然標本のこの大きな普及とヨーロッパ全土での自然描写への関心の高まりにより、1600年頃にはほぼ同時に現代の静物画が制作された。^{[24] [25]}

世紀の変わり目には、スペインの画家フアン・サンチェス・コタンが厳粛で静かな野菜の絵でスペインの静物画の先駆者となり、1603年に40代で修道院に入り、その後は宗教的な主題を描くようになった。^[要出典]

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  ピーテル・アールツェン『​​肉屋の売店で施しをする聖家族』（1551年）、123.3 × 150 cm（48.5 × 59インチ）
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  アンニーバレ・カラッチ(1560–1609)、肉屋(1580)
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  フアン・サンチェス・コタン（1560–1627）『マルメロ、キャベツ、メロン、キュウリの静物画』、キャンバスに油彩、69 × 84.5 cm
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  ジョヴァンニ・アンブロージョ・フィジーノ、桃とブドウの葉の金属板（1591–94）、パネル、21×30cm、彼の唯一の静物画

アンドレア・サッキ など、17 世紀初頭の著名なアカデミー会員は、風俗画や静物画には、絵画が偉大であると見なされるに値する「威厳」が欠けていると感じていました。フランス古典主義の歴史学者、建築家、理論家であるアンドレ・フェリビアンが 1667 年に発表した影響力のある定式化は、18 世紀のジャンル階層理論の古典的な表現となりました。

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des Fruit、des fleurs ou des coquilles。 Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des は死を選択し、mouvement はありません。 & comme la フィギュア・デ・ローム・エスト・ル・プラス・パフェ・オーヴラージュ・ド・デュー・シュール・ラ・テール、イル・レスト・アウシー・ケ・セルイ・キ・セイ・レンド・リミテチュール・デ・デュー・アン・ペニナン・デ・フィギュア・ヒューメーヌ、エスト・ボークー、そして優れたク・トゥ・レ・オートル... ^[26]

完璧な風景画を描く人は、果物や花、魚介類だけを描く人よりも優れています。生きた動物を描く人は、動きのない死んだものだけを描く人よりも高く評価されるべきです。そして、人間が地球上で最も完璧な神の作品であるように、人間の姿を描くことで神の模倣者となる人は、他のすべての人々よりもはるかに優れていることも確かです...」

静物画は、16世紀最後の25年間に低地諸国で独立したカテゴリーとして発展した。 ^{[27]英語の}still life という用語はオランダ語のstillevenに由来するが、ロマンス語（およびギリシア語、ポーランド語、ロシア語、トルコ語）では、死んだ自然を意味する用語が使用される傾向がある。15世紀の初期フランドル絵画は、板絵と装飾写本の両方で非常に幻想的な技法を発達させ、その縁には花、昆虫、そして『カタリナ・オブ・クレーヴの祈祷書』のような作品では多種多様な物体が精巧に描かれることが多かった。装飾写本が印刷本に取って代わられた後、同じ技術が後に科学的な植物画に活用され、低地諸国は植物学と植物の美術における描写の両方でヨーロッパをリードした。フランドルの芸術家ヨリス・フフナーゲル（1542年 - 1601年）は、皇帝ルドルフ2世のために花やその他の静物画を水彩画やグアッシュ画で制作した。また、 1600年にプランタンから出版されたハンス・コラールトの『花卉図鑑』など、当時は手彩色が多かった書籍用の彫刻された挿絵も数多く残している。 ^[28]

1600年頃、油絵で花を描くことが流行した。カレル・ファン・マンデルは自らいくつかの作品を描き、コルネリス・ファン・ハールレムなどの他の北方マニエリスムの画家たちも同じような作品を描いたと記録されている。彼らの花の作品は現存していないが、南ネーデルラントで活躍したヤン・ブリューゲル（父）とアンブロシウス・ボスハールトという著名な専門家たちの作品は数多く残っている。^[29]

北部の芸術家たちは、長らく彼らの主力作品であった宗教的図像を描く機会が限られていたが（宗教的主題の図像はオランダ改革派プロテスタント教会では禁じられていた）、細密な写実主義と隠されたシンボルという北部の伝統は、教会と国家に代わってネーデルラントの主要な芸術パトロンとなった成長中のオランダ中産階級に魅力的に映った。これに加えて、オランダ人の園芸、特にチューリップへの熱狂があった。美的対象としての花と宗教的シンボルとしてのこの2つの花の見方が融合し、このタイプの静物画の非常に強力な市場が生まれた。^[30]静物画は、ほとんどのオランダ芸術作品と同様に、一般にオープンマーケットやディーラー、またはアーティストがスタジオで販売し、依頼されることはめったになかったため、アーティストが主題と配置を選択するのが普通だった。^[31]このタイプの静物画は非常に人気があり、オランダの花の絵画の技法の多くは、1740年にヘラルド・デ・ライレッセによって書かれた論文「Groot Schilderboeck」にまとめられており、色彩、配置、筆遣い、標本の準備、調和、構成、遠近法などについて幅広いアドバイスが与えられています。^[32]

花の象徴性は、初期のキリスト教時代から進化してきました。最も一般的な花とその象徴的な意味は次のとおりです。バラ（聖母マリア、はかなさ、ビーナス、愛）; ユリ（聖母マリア、処女、女性の胸、心の純粋さまたは正義）; チューリップ（派手さ、高貴さ）; ヒマワリ（誠実さ、神の愛、献身）; スミレ（慎み深さ、控えめさ、謙遜）; オダマキ（憂鬱）; ポピー（力、眠り、死）。昆虫については、蝶は変容と復活を、トンボははかなさを、アリは勤勉さと収穫への注意を象徴しています。^[33]

フランドルとオランダの芸術家たちも、古代ギリシャの静物画の伝統であるトロンプ・ルイユ、特に自然の模倣やミメーシスを復活させ、彼らはこれをベドリーゲルチェ（「小さな欺瞞」）と呼んだ。^[8]これらのタイプの静物画に加えて、オランダの芸術家たちは「台所と市場」の絵画、朝食と食事のテーブルの静物画、ヴァニタスの絵画、寓意的なコレクションの絵画を特定し、個別に発展させた。^[34]

カトリック教徒の多い南ネーデルラントでは、花輪画というジャンルが発達した。1607年から1608年頃、アントワープの画家ヤン・ブリューゲル（父）とヘンドリック・ファン・バーレンは、（たいていは宗教的な）イメージを豊かな静物画の花輪で囲んだ絵画を制作し始めた。この絵画は、静物画家と人物画家という2人の専門家の共同作業だった。ダニエル・ゼーガースがこのジャンルをさらに発展させた。もともと宗教的な役割を果たしていた花輪画は、非常に人気が高まり、家の装飾として広く使われるようになった。^[35]

静物画の特別なジャンルは、いわゆるプロンクスティレヴェン（オランダ語で「派手な静物画」）でした。この装飾的な静物画のスタイルは、1640年代にアントワープでフランドルの芸術家、フランス・スナイデルスやアドリアン・ファン・ユトレヒトによって開発されました。彼らは、果物、花、獲物の死骸など、さまざまな物を描くことで豊かさを強調した静物画を描き、生きている人々や動物と一緒に描くことが多かったです。このスタイルはすぐにネーデルラント共和国の芸術家によって採用されました。^[36]

この時代に特に人気があったのはヴァニタス絵画で、果物や花、本、小像、花瓶、コイン、宝石、絵画、楽器や科学機器、軍の記章、純銀や水晶が豪華に並べられ、人生のはかなさを象徴的に思い出させるものも添えられていた。さらに、頭蓋骨、砂時計や懐中時計、燃え尽きたろうそく、ページをめくる本などは、感覚的な喜びのはかなさを説く教訓的なメッセージとして機能した。果物や花自体が腐り始めたり、色あせたりしている様子が描かれ、同じ点を強調することが多かった。^[要出典]

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  コルネリス・ノーベルトゥス・ギスブレヒト(  1660 年頃– 1683 年頃)、だまし絵(  1680年頃)、ロサンゼルス郡立美術館
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  ヤン・フィリップ・ファン・ティーレン（1618–1667）、「花瓶の花」（ 1660年頃）、フィッツウィリアム美術館、ケンブリッジ、イギリス
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  マリア・ファン・オースターウェイク、ヴァニタス-静物画(1693)
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  ヤン・ヤンス・トレック（1606–1652）、静物画 ピューター製水差しと磁器皿2枚（1645年）
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  ルバン・ボージャン(  1610 年頃-1663年頃)、ゴーフレットのデザート(  1631年頃)、ルーヴル美術館、パリ

静物画のもうひとつのタイプは、オントビチェスまたは「朝食の絵画」として知られ、上流階級が楽しむであろうご馳走の文字通りの表現と、暴食を避けるという宗教的な戒めの両方を表現している。^[37] 1650年頃、サミュエル・ファン・ホーフストラテンは、壁掛け用の絵画、トロンプ・ルイユ静物画の最初のひとつを描いた。これは壁板に縛り付けられたり、鋲で留められたり、その他の方法で取り付けられた物体を描いたもので、19世紀のアメリカで非常に人気のあった静物画の一種である。^[38]もうひとつのバリエーションは、特定の職業に関連した物体を描いたトロンプ・ルイユ静物画で、コルネリス・ノルベルトゥス・ギースブレヒトの絵画「果物片を載せた画家のイーゼル」では、画家の技術に必要な道具がすべて描かれている。^[39] 17世紀前半には、「五感」、「四大陸」、「四季」など、女神や寓意的な人物が適切な自然物や人工物に囲まれた寓意的な形式のさまざまな標本を描いた絵画も人気がありました。^[40]ヴァニタス画やその他の静物画の人気は、すぐにオランダからフランドルやドイツ、さらにはスペイン^[41]やフランスにも広がりました。

オランダの静物画の生産量は膨大で、特に北ヨーロッパに広く輸出されていた。イギリスではほとんど生産されていなかった。ドイツの静物画はオランダのモデルに忠実に従った。ゲオルク・フレーゲルは人物のない純粋な静物画の先駆者であり、キャビネット、戸棚、展示ケースに詳細なオブジェクトを配置し、同時に複数のビューを作成するという構成上の革新を生み出した。^[42]

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  ピーテル・パウル・ルーベンス『狩りから戻るダイアナ』、歴史画の専門家による静物画（ 1615年頃）
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  レンブラント、「死んだ孔雀二羽と少女の静物画」 （ 1639年頃）
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  ウィレム・クレスゾーン・ヘダ（1594–1680）『パイ、銀の水差し、カニのある静物画』（1658年）
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  アンブロシウス・ボスハールト（1573–1621）、花の静物画（1614）
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  サミュエル・ファン・ホーグストラテン、筆記用具を備えた偽のレターラック（ 1655年頃）
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  ピーテル・ボエル（1626–1674）、『地球儀とオウムの静物画』（ 1658年頃）
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  ピーテル・クラース(  1597 年頃- 1660 年)、静物画(1623 年)
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  ヤン・ダヴィッツ・デ・ヘーム（1606–1684）、『果物、花、グラス、ロブスターのある静物画』（ 1660年代頃）
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  ピーター・ビノワ、1618年、スコクロスター城。
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  ピーテル・クラース（ 1597年頃- 1660年）「塩桶のある静物画」
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  オシアス・ビアト・ザ・エルダー、牡蠣、フルーツ、ワインを使った料理
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  ジョージ・フレーゲル（1566–1638）、『パンと菓子の静物画』、1630年

スペイン美術において、ボデゴンとは、食料、狩猟肉、飲み物などの食料庫の品々を描いた静物画であり、単純な石板に並べられることが多い。また、1人以上の人物が描かれているが、重要な静物要素が描かれ、通常は台所や居酒屋を舞台にしている絵画でもある。バロック時代から、このような絵画は17世紀の第2四半期にスペインで人気を博した。静物画の伝統は、南ヨーロッパよりも、当時の低地諸国、今日のベルギーとオランダ（当時はフランドル人とオランダ人の芸術家）で始まり、はるかに人気があったようである。北方の静物画には多くのサブジャンルがあり、朝食の絵にはトロンプ・ルイユ、花束、ヴァニタスが加わった。^[要出典]

スペインでは、こうしたものを好むパトロンははるかに少なかったが、テーブルの上にいくつかの食べ物や食器を並べた朝食用の絵が人気を博した。スペインの静物画はボデゴネスとも呼ばれ、質素であった。豪華な宴会が華麗で豪華な布やガラスの品々に囲まれていることが多いオランダの静物画とは異なっていた。スペインの絵画で描かれている獲物は、皮を剥がされるのを待っている動物の死骸であることが多い。果物や野菜は調理されていない。背景は荒涼としているか、幾何学模様の素朴な木のブロックで、シュールレアリスト的な雰囲気を醸し出している。オランダとスペインの静物画はどちらも道徳的な目的が埋め込まれていることが多いが、一部の人がスペインの高原の荒涼とした雰囲気に似ていると感じるその質素さは、オランダの静物画の官能的な喜び、豊かさ、贅沢さを拒絶しているように思われる。^[44]

イタリアの静物画（イタリア語でナチュラ・モルタ、「死んだ自然」と呼ばれる）は人気が高まっていたが、歴史的には、歴史、宗教、神話の主題を描く「グランド・マナー」の絵画ほど尊敬されていなかった。その一方で、成功したイタリアの静物画家たちは、当時十分な支援者を得ていた。^[45]さらに、少数ではあったが、女性画家は静物画を描くことを選んだり、静物画に限定されたりすることがよくあった。ジョヴァンナ・ガルゾーニ、ローラ・ベルナスコーニ、マリア・テレジア・ファン・ティーレン、フェデ・ガリツィアなどがその例である。^[要出典]

他のジャンルでも多くのイタリアの一流芸術家が静物画を制作した。特にカラヴァッジョは、彼の影響力のある自然主義を静物画に応用した。彼の『果物籠』（ 1595年頃- 1600年）は、純粋な静物画の最初の例の一つであり、正確に描かれ、目線の高さに置かれている。^[46]あからさまに象徴的ではないが、この絵はフェデリコ・ボッロメーオ枢機卿の所有物であり、宗教的および美的理由の両方で高く評価された可能性がある。ヤン・ブリューゲルも枢機卿のために『ミラノの大花束』（1606年）を描き、これを「すべて自然から作った」（fatta tutti del natturel）と主張し、余分な労力に対して追加料金を請求した。^[47]これらは、枢機卿のコレクションにあった多くの静物画の一部であり、彼の膨大な骨董品コレクションに加えて含まれていた。他のイタリアの静物画の中でも、ベルナルド・ストロッツィの『料理人』はオランダ風の「台所風景」で、料理人と彼女が調理している狩猟鳥の詳細な肖像画である。^[48]同様に、レンブラントの珍しい静物画の1つである『死んだ孔雀を抱く少女』は、同様の共感的な女性の肖像画と狩猟鳥のイメージを組み合わせている。^[49]

カトリック教徒の多いイタリアやスペインでは、純粋なヴァニタス絵画は珍しく、静物画の専門家ははるかに少なかった。南ヨーロッパでは、カラヴァッジョの柔らかな自然主義がより多く採用され、北欧のスタイルと比較してハイパーリアリズムはあまり重視されていない。^{[50]フランスでは、静物画（}ナチュール・モルテ）の画家たちは、ネーデルラントのヴァニタス絵画やスペインの簡素な構成から借用し、北方派と南方派の両方の影響を受けていた。^[51]

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  フェデ・ガリツィア(1578–1630)、皿の中のリンゴ(  1593年頃)
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  フェデ・ガリツィア、(1578–1630)、マイオリカの果物のバスケット(  1610年頃)、個人コレクション
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  ジョヴァンナ・ガルゾーニ（1600–1670）、『シトロンのボウルのある静物画』（1640年）、テンペラ紙に描かれた羊皮紙、ゲッティ美術館、パシフィック・パリセーズ、カリフォルニア州ロサンゼルス
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  ジャコモ・フランチェスコ・チッパー（1664–1736）『魚介類の静物画』

18 世紀には、17 世紀の方式が大幅に改良され、生産量は減少しました。ロココ様式では、花の装飾が磁器、壁紙、織物、彫刻が施された木製家具などでより一般的になったため、購入者は絵画にコントラストの効いた人物が描かれていることを好みました。変化の 1 つは、現在最も著名な芸術家の大部分を占めるフランス人画家たちの間に新たな熱意が生まれたことです。一方、イギリス人は依然として輸入品に満足していました。ジャン＝バティスト・シャルダンは、オランダ黄金時代の巨匠たちの手法を基盤とし、19 世紀の作品に大きな影響を与えることになる、小さくてシンプルな食べ物や物の集合体を、非常に繊細なスタイルで描きました。狩猟用の小屋を題材とした死んだ獲物の絵画は、引き続き人気がありました。専門家のほとんどが生きた動物の絵画も描きました。ジャン＝バティスト・ウードリーは、毛皮や羽毛の質感の見事な描写と、シンプルな背景（多くの場合、石灰で洗った食料貯蔵室の壁の真っ白）を組み合わせ、それらを効果的に引き立てました。^{[引用が必要]}

18世紀までに、静物画の宗教的、寓意的な意味合いは多くの場合失われ、台所の食卓の絵画は、日常の食べ物を描いた、さまざまな色と形の計算された描写へと進化した。フランス貴族は、食卓を飾る豊かで贅沢な静物画を描くために芸術家を雇ったが、オランダの先人たちが示した道徳的な虚栄心はなかった。ロココの技巧への愛着は、フランスでトロンプ・ルイユ（フランス語で「目を欺く」）絵画に対する評価の高まりにつながった。ジャン＝バティスト・シャルダンの静物画は、オランダ風のリアリズムからより柔らかいハーモニーまで、さまざまな技法を採用している。^[52]

アンヌ・ヴァライヤー＝コスターの作品の大部分は、17世紀から18世紀にかけて発達した静物画の表現に捧げられた。^[53]これらの世紀の間、静物画というジャンルは階層の最下層に位置していた。ヴァライヤー＝コスターの絵画には、その魅力につながる独特の手法があった。「大胆で装飾的な構図の線、色彩の豊かさと模造の質感、そして自然と人工の両方を含むさまざまな対象を描く際に彼女が成し遂げた幻想的な技巧」^{[53]が、王立アカデミーや彼女の絵画を購入した数多くの収集家の注目を集めた。芸術と自然のこの相互作用は、}オランダ、フランドル、フランスの静物画では非常に一般的であった。 ^[53]彼女の作品にはジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダンや、はるかに高い評価を得ている17世紀オランダの巨匠たちの影響がはっきりと表れているが、ヴァライエ＝コスターの作風が他の静物画家たちと比べて際立っているのは、表現的イリュージョニズムと装飾的な構成構造を融合させた独自の手法である。^{[53] [54]}

18世紀末とフランス王政の崩壊により、ヴァリエ＝コスターの静物画の時代は終わり、新しいスタイルの花の絵の時代が始まりました。^[55]この絵が彼女のキャリアのハイライトであり、最もよく知られている作品だと言われています。しかし、花の絵は彼女のキャリアにとって無意味だったとも言われています。それでも、このコレクションには油彩、水彩、グアッシュで描かれた花の習作が含まれていました。^[55]

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  カール・ホフフェルバーグ (1695–1765)、だまし絵(1737)、スウェーデン王立武器庫財団
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  ジャン＝バティスト＝シメオン・シャルダン 『ガラスのフラスコと果物のある静物画』（ 1750年頃）
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  ジャン＝バティスト・ウードリー『白いアヒル』（1753年）、1990年にホートン・ホールから盗まれた
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  レイチェル・ルイシュ『石棚の壷の中のバラ、ヒルガオ、ポピー、その他の花』（1680 年代）
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  アンヌ・ヴァレイヤー＝コスター『音楽の特質』（ 1770年頃）
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  カルロ・マニエリ、銀食器のある静物画、プロンクスティレヴェン（1662–1700）
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  アンヌ・ヴァレイヤー＝コスター『ロブスターのある静物画』（ 1781年頃）
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  アンヌ・ヴァレイヤー＝コスター『絵画の特質』（ 1769年頃）

ヨーロッパのアカデミー、特にアカデミック芸術で中心的な役割を担っていたアカデミー・フランセーズの台頭により、静物画の人気は下降し始めた。アカデミーは「ジャンルの階層」（または「主題の階層」）の教義を教え、絵画の芸術的価値は主にその主題に基づいているとしていた。アカデミーのシステムでは、絵画の最高の形態は歴史的、聖書的、または神話的重要性を持つ画像で構成され、静物画の主題は芸術的認識の最も低いランクに追いやられていた。静物画を使用して自然を賛美する代わりに、ジョン・コンスタブルやカミーユ・コローなどの一部の芸術家は、その目的を果たすために風景画を選択した。^[要出典]

1830年代までに新古典主義が衰退し始めると、写実主義とロマン主義の芸術革命では風俗画と肖像画が焦点となった。その時代の大芸術家の多くは静物画を作品に取り入れた。フランシスコ・ゴヤ、ギュスターヴ・クールベ、ウジェーヌ・ドラクロワの静物画は強い感情の流れを伝え、正確さよりも雰囲気に関心が向けられている。^[56]エドゥアール・マネの静物画はシャルダンの初期の静物画の主題を模倣しているが、色調が強く、明らかに印象派に向かっている。より伝統的な技法を用いたアンリ・ファンタン＝ラトゥールは、絶妙な花の絵で有名で、コレクター向けの静物画をほぼ専ら描いて生計を立てていた。^[57]

しかし、ヨーロッパでアカデミックな階層構造が最終的に衰退し、印象派やポスト印象派の画家たちが台頭するまで、技法と色彩の調和が主題に打ち勝ち、静物画が再び芸術家によって熱心に描かれることはなかった。クロード・モネは初期の静物画でファンタン＝ラトゥールの影響を示しているが、暗い背景の伝統を破った最初の画家の一人であり、ピエール＝オーギュスト・ルノワールも明るいオレンジ色の背景の「花束と扇のある静物画」 （1871年）で暗い背景を捨てている。印象派の静物画には寓話や神話的な内容はまったくなく、細心の注意を払って細かく描かれた筆遣いもない。その代わりに印象派は、幅広く軽くたたくような筆遣い、色調の値、色の配置の実験に焦点を当てた。印象派やポスト印象派の画家たちは自然の色彩設計にインスピレーションを受けたが、自然を独自の色彩の調和で再解釈したが、それは時に驚くほど非自然的であった。ゴーギャンは「色彩には独自の意味がある」と述べた。^[58]ギュスターヴ・カイユボットの『果物の台に並べられた絵』のように、タイトなクロッピングやハイアングルの使用など、遠近法のバリエーションも試みられた。この絵は当時「鳥瞰図で果物を並べた絵」と揶揄された。^[59]

フィンセント・ファン・ゴッホの「ひまわり」は、19世紀の静物画の中でも最もよく知られている作品のひとつである。ゴッホは主に黄色の色調とむしろ平坦な描写を用いて、静物画の歴史に忘れがたい貢献をした。「画板のある静物」（1889年）は静物画の形式で描かれた自画像で、パイプ、簡単な食べ物（玉ねぎ）、インスピレーションを与えてくれる本、兄からの手紙など、自分の私生活の多くの品々がテーブルの上に並べられているが、自分の姿は描かれていない。ゴッホはまた、ヴァニタスの絵画「開いた聖書、ろうそく、本のある静物」（1885年）の独自のバージョンも描いている。^[58]

独立戦争時代のアメリカでは、海外で訓練を受けたアメリカ人芸術家が、ヨーロッパのスタイルをアメリカの肖像画や静物画に応用した。チャールズ・ウィルソン・ピールは著名なアメリカ人画家の一族を築き、アメリカの芸術界の主要リーダーとして、芸術家養成協会や有名な自然珍品博物館も設立した。その息子ラファエル・ピールは、ジョン・F・フランシス、チャールズ・バード・キング、ジョン・ジョンストンらを含む初期のアメリカ人静物画家グループの一人でした。 ^[60] 19世紀後半までに、マーティン・ジョンソン・ヘッドは、花や鳥を模擬屋外環境に配置するアメリカ版の生息地またはビオトープ絵画を導入しました。^[61]アメリカのトロンプ・ルイユ絵画もこの時期に栄え、ジョン・ヘイバール、ウィリアム・マイケル・ハーネット、ジョン・フレデリック・ピートが制作しました。ピートはノスタルジックな壁掛け絵画を専門とし、ハーネットは身近な物を通してアメリカの生活を絵画で讃えることで、最高レベルのハイパーリアリズムを達成しました。^[62]

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  フランシスコ・ゴヤ、『果物、瓶、パンのある静物画』（1824–1826年）
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  ウジェーヌ・ドラクロワ『ロブスターと狩猟と漁の戦利品のある静物画』（1826-1827年）、ルーブル美術館
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  ギュスターヴ・カイユボット（1848–1894）『花瓶の黄色いバラ』（1882年）、ダラス美術館
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  ジェームズ・シレット、「花瓶のチューリップと芋虫」（日付不明）、ノーフォーク博物館コレクション
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  アンリ・ファンタン＝ラトゥール（1836–1904）『白いバラ、花瓶の菊、白いテーブルクロスのかかったテーブルの上の桃とブドウ』（1867年）
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  ポール・セザンヌ（1839–1906）、黒大理石の時計（1869–1871）、個人蔵
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  メアリー・カサット（1844–1926）『窓辺のライラック』（1880年）
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  クロード・モネ（1840–1926）『リンゴとブドウの静物画』（1880年）、シカゴ美術館
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  エドゥアール・マネ（1832–1883）、クリスタルの花瓶のカーネーションとクレマチス（1883）、オルセー美術館、パリ
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  ポール・ゴーギャン、「リンゴ、洋ナシ、陶器の肖像水差しのある静物画」（1889年）、フォッグ美術館、マサチューセッツ州ケンブリッジ
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  ウィリアム・ハーネット（1848–1892）『狩りの後』（1883）
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  ウィリアム・ハーネット（1848–1892）、ヴァイオリンと音楽の静物画（1888年）、メトロポリタン美術館、ニューヨーク市
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  ダリウス・コブ（1834-1919）のアメリカ南北戦争のトロンプ・ルイユ作品。ここではクロモリトグラフ印刷で表現されている。
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  ポール・セザンヌ『天使のいる静物画』（1895年）、コートールド美術研究所ギャラリー、ロンドン

20 世紀の最初の 40 年間は、例外的な芸術的興奮と革命の時代でした。前衛的な運動は急速に進化し、非具象的で完全な抽象化に向かって進みました。静物画やその他の具象芸術は、ジャクソン ポロックのドリップ ペインティングに代表される完全な抽象化によって認識可能な内容がすべて排除された 20 世紀半ばまで進化と調整を続けました。^{[引用が必要]}

この世紀の初めには、芸術にいくつかの潮流が生まれた。1901年、ポール・ゴーギャンは11年前に亡くなった友人のゴッホに敬意を表して『ひまわりのある静物画』を描いた。ピエール・ボナールやエドゥアール・ヴュイヤールを含むナビ派として知られるグループは、ゴーギャンの調和理論を取り入れ、静物画に日本の木版画からインスピレーションを得た要素を加えた。フランスの芸術家オディロン・ルドンもこの時期に注目すべき静物画、特に花を描いた。^[63]

アンリ・マティスは静物画の表現をさらに簡略化し、鮮やかな色彩で満たされた大胆で平坦な輪郭線だけにした。また遠近法を簡素化し、多色の背景を導入した。^[64]彼の静物画のいくつか、例えば『ナスのある静物』では、テーブルに置かれた物体は部屋の他の部分を埋め尽くす色彩豊かな模様の中に埋もれてしまいそうになっている。^[65]モーリス・ド・ヴラマンクやアンドレ・ドランといったフォーヴィスムの他の代表者たちは、静物画の中で純粋な色彩と抽象表現をさらに探求した。^[要出典]

ポール・セザンヌは静物画の中に、幾何学的な空間構成における革命的な探求のための完璧な手段を見出しました。セザンヌにとって静物画は、絵画を単なる描写や模倣から、色彩、形、線の要素を独立して表現する絵画へと移行させる主要な手段であり、抽象芸術への大きな一歩でした。さらに、セザンヌの実験は、20世紀初頭のキ​​ュビズム静物画の発展に直接つながったと見ることができます。 ^[66]

キュビズムの画家たちは、セザンヌの平面と軸の移動を応用して、フォーヴィスム派の色彩パレットを抑え、代わりに対象物を純粋な幾何学的形状と平面へと分解することに焦点を当てた。1910年から1920年にかけて、パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラック、フアン・グリスなどのキュビズムの画家たちは、しばしば楽器を描いた多くの静物画を描き、静物画をほぼ初めて芸術的革新の最前線に押し上げた。静物画はまた、ピカソの楕円形の「籐編み椅子のある静物画」（1912年）など、最初の総合キュビズムのコラージュ作品の主題でもあった。これらの作品では、静物画が重なり合って混ざり合い、識別可能な2次元形状をほとんど維持せず、個々の表面の質感を失い、背景に溶け込んでおり、伝統的な静物画とほぼ逆の目的を達成している。^[67] フェルナン・レジェの静物画では、豊富な空白と色彩豊かで鮮明に定義された重なり合う幾何学的形状の使用が導入され、より機械的な効果を生み出しました。^[68]

マルセル・デュシャンやダダ運動の他のメンバーは、キュビズムによる空間の平坦化を拒否し、根本的に異なる方向に進み、3Dの「既成」の静物彫刻を制作しました。静物に何らかの象徴的な意味を取り戻す一環として、未来派やシュルレアリストは、夢の風景の中に認識可能な静物を配置しました。ジョアン・ミロの静物画では、物体は無重力で、軽く示唆された2次元空間に浮かんでいるように見え、山でさえ単純な線で描かれています。^[66]この時期のイタリアでは、ジョルジョ・モランディが静物画の第一人者であり、日常的なボトルや台所用品を描くためのさまざまなアプローチを模索していました。^[69]詳細でありながら曖昧なグラフィックで最もよく知られているオランダの芸術家M.C.エッシャーは、伝統的なオランダのテーブル静物画の最新版である「静物と街路」 （1937年）を制作しました。 ^[70]イギリスではエリオット・ホジキンが、非常に精細な静物画を描くのにテンペラを使用していました。 ^[要出典]

20 世紀のアメリカの芸術家たちは、ヨーロッパのモダニズムに気づき、アメリカのリアリズムとキュビズム由来の抽象表現を組み合わせて静物画を解釈し始めた。この時期のアメリカの静物画の代表例としては、ジョージア・オキーフ、スチュアート・デイヴィス、マースデン・ハートリーの絵画や、エドワード・ウェストンの写真が挙げられる。オキーフの超クローズアップの花の絵画は、花びらや葉の物理的構造と感情的背景の両方を、これまでにない方法で表現している。^[要出典]

メキシコでは、1930年代からフリーダ・カーロや他の芸術家が、静物画の中に地元の食べ物や文化的なモチーフを描き、独自のシュルレアリスムを生み出しました。^[71]

1930年代から抽象表現主義が静物画を形と色の生々しい描写にまで大幅に縮小し、1950年代までには完全な抽象が芸術界を席巻した。しかし、 1960年代と1970年代のポップアートは傾向を逆転させ、静物画の新しい形式を生み出した。多くのポップアート（アンディ・ウォーホルの「キャンベルスープ缶」など）は静物画に基づいているが、その真の主題は静物画そのものではなく、表現された商業製品の商品化されたイメージであることが多い。ロイ・リキテンスタインの「金魚鉢のある静物画」（1972年）は、マティスの純粋な色彩とウォーホルのポップな図像を組み合わせたものである。ウェイン・ティーボーの「ランチテーブル」（1964年）は、1つの家族の昼食ではなく、標準化されたアメリカの食品の組み立てラインを描いている。^[72]

ジャスパー・ジョーンズを含むネオ・ダダ運動は、ジョーンズの『ペインテッド・ブロンズ』（1960年）や『愚者の家』（1962年）のように、デュシャンの日常的な家庭用品の立体的表現に立ち戻り、独自の静物画を生み出した。^[73] 抽象画家としてスタートしたアヴィグドール・アリカは、ピエト・モンドリアンの教えを静物画やその他の作品に取り入れ、巨匠たちの伝統に再びつながりながら、モダニズムの形式主義を達成し、自然光の中で1回のセッションで制作し、主題がしばしば意外な視点で浮かび上がるようにした。^[要出典]

20世紀の静物画の発展に大きく貢献したのはロシアの芸術家たちであり、その中にはセルゲイ・オチポフ、ヴィクトル・テテリン、エフゲニア・アンティポワ、ゲヴォルク・コティアンツ、セルゲイ・ザハロフ、タイシア・アフォニナ、マヤ・コピツェワなどがいます。^[74]

対照的に、 1970 年代のフォトリアリズムの台頭は、オブジェクト、イメージ、商業製品の融合というポップのメッセージの一部を保持しながら、幻想的な表現を再主張しました。この点で典型的なのは、ドン・エディとラルフ・ゴーイングスの絵画です。^[要出典]

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  アンリ・マティス（1869–1954）、『皿と果物』（1901年）、エルミタージュ美術館、サンクトペテルブルク、ロシア
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  オディロン・ルドン(1840–1916)、『花』 (1903)
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  ジョルジュ・ブラック（1882–1963）『ヴァイオリンと燭台』（1910年）、サンフランシスコ近代美術館
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  フアン・グリス(1887–1927)、自然死(1913)、ティッセン・ボルネミッサ美術館
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  マースデン・ハートリー（1877–1943）「ハンサム・ドリンクス」（ 1916年頃）、ブルックリン美術館
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  フェルナン・レジェ（1881–1955）「ビールジョッキのある静物画」（1921年）、テート
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  パブロ・ピカソ、コンポティエ・アベック・フルーツ、ヴィオロンとヴェール(1912)
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  ピエール・ボナール(1867–1947)、テーブル上のフルーツボウル(  1934年頃)、MAMC ストラスブール

20 世紀から 21 世紀にかけて、静物画の概念は、伝統的な 2 次元の絵画芸術の枠を超えて、ビデオ アートや、彫刻、パフォーマンス、インスタレーションなどの 3 次元の芸術形式にまで広がりました。一部の複合メディアの静物画作品では、ファウンド オブジェクト、写真、ビデオ、サウンドが使用され、ギャラリーの天井から床まであふれ出て部屋全体を埋め尽くすこともあります。静物画家は、ビデオを通じて、鑑賞者を作品に取り入れています。コンピュータ アートやデジタル アートが登場したコンピュータ時代を経て、静物画の概念にもデジタル テクノロジーが取り入れられました。コンピュータ生成グラフィックスによって、静物画家が利用できるテクニックが潜在的に増えています。3D コンピュータグラフィックスと3Dフォトリアリスティック効果を備えた2D コンピュータ グラフィックスは、合成静物画像を生成するために使用されます。たとえば、グラフィック アート ソフトウェアには、透明レイヤー上の 2D ベクター グラフィックスまたは 2D ラスター グラフィックスに適用できるフィルターが含まれています。視覚芸術家は、 3D 効果をコピーまたは視覚化して、フィルターを使用せずにフォトリアリスティック効果を手動でレンダリングしてきました。 ^{[出典が必要]}

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