インドネシアの音楽

ゴングは、東南アジアを起源とする、主に金属製の打楽器群で、様々なサイズがある。インドネシアでは、主にガムラン楽団で使用される。

ボナンはガムランで使用されるゴング族の楽器です。タレンポンは西スマトラのミナンカバウ族の伝統的な楽器で、ボナンとほぼ同じ形をしています。タレンポンは真鍮で作られることもありますが、木や石で作られるものもあります。タレンポンは木の棒やスティックで叩いて演奏します。タレンポンは通常、タリ・ピリン、タリ・パサンバハン、タリ・アラン、タリ・スンティアン・パングル、タリ・ゲロンバンなどのダンスや歓迎のパフォーマンスの伴奏に使用されます。タレンポンは通常、右手で支えて演奏するオルガンの一種であるアコーディオンの伴奏で演奏されます。アコーディオンの他に、サルアン、ガンダン、セルナイなどのミナンカバウ族の伝統楽器がタレンポンと一緒に演奏されることがよくあります。

コリンタン、またはクリンタンは、インドネシア東部とフィリピン原産の青銅と木製の打楽器です。インドネシアでは特に北スラウェシのミナハサ族と関連付けられていますが、マルク諸島やティモール島でも人気があります。この楽器は、5～9個の段階的に異なるポットゴングが横一列/セットで、フレーム上に水平に配置され、最も低いゴングが演奏者の左側にあります。^{[ 7 ]}ゴングは、フレームの全長に平行に走る2本のコード/弦の上に表面を上にして楽器内に置かれ、竹/木の棒/バーがフレームに対して垂直に横たわり、全体として「パサンガン」と呼ばれるクリンタンのセットを形成します。^{[ 8 ]}

クリンタン音楽の主な目的は、コミュニティの社交娯楽として、プロフェッショナルな民俗レベルで行われることです。^{[ 9 ]}この音楽は、誰もが参加できるという意味で公共の音楽とみなされている点で独特です。^{[ 10 ]}演奏者だけでなく、観客も参加することが期待されています。^{[ 11 ]}これらの演奏は、コミュニティや近隣地域の人々を結びつけ、そうでなければ交流することのないコミュニティを統合するのに役立つため重要です。伝統的に、演奏者がクリンタン音楽を演奏する場合、彼らの参加は任意です。^{[ 12 ]}音楽家は、演奏をコミュニティからの認知、名声、尊敬を得る機会と見なしており、それ以上のことは考えていません。^{[ 13 ]} クリンタン音楽は、ガムラン音楽とは多くの点で異なり、主に後者が骨格音と各楽器の規定された時間間隔の枠組みの中でメロディーを構築する方法に違いがあります。クリンタン音楽の枠組みはより柔軟で、時間間隔という概念が存在しないため、即興演奏などがより多く行われる。

アンクルンは、西ジャワのスンダ族に伝わる竹製の楽器です。竹製のフレームに竹管を取り付けて作られています。管は、振動させたときに独特の共鳴音が出るように彫られています。各アンクルンは1つの音しか出しません。^{[ 14 ]} この竹製の楽器は、振って演奏します。アンクルンの音は、竹管の衝突によって発生します。各サイズで2、3、4つの音の組み合わせで振動する独特の音があります。

アンクルンはインドネシアのヒンドゥー教時代以前から存在していました。スンダ王国時代（12世紀から16世紀）には、アンクルンは様々な行事や祝祭、特に農業の伝統行事で常に用いられる楽器となりました。当時、アンクルンは「デウィ・スリ」、すなわち米の女神または豊穣の女神を崇拝する際に演奏され、植えた作物に祝福を与え、また人生が繁栄するように祈願されました。それだけでなく、スンダ王国時代には、アンクルンは戦争の精神を鼓舞する手段としても用いられました。

楽器として一般的に使用される竹の種類は、黒竹（アウィ・ウルン）とアテル竹（アウィ・テメン）で、乾燥すると白っぽい黄色になります。各音（バレル）は、小さい竹の節から大きい竹の節まで、ブレード（ウィラハン）の形をした竹管の音から生成されます。竹のサイズごとにピッチが異なります。ユネスコは、 2010年11月18日にアンクルンを人類の口承および無形遺産の傑作に指定しました。^{[ 15 ]}

スリンはインドネシア語で「笛」を意味するスンダ語です。竹で作られたインドネシアの笛は常に先端から息を吹き込み、大きさは様々です。指の位置によって、スリン本体内部の音の共鳴波長が変わります。スリンのヘッドから最も近い穴までの距離によって、異なる音を出すことができます。空気の流れの速度によっても音の周波数を変えることができます。周波数が2倍の音は、スリンのヘッドの穴に2倍の速度で息を吹き込むことで出すことができます。一般的に、スリンが短いほど音程が高くなります。このシンプルなスリンは、伝統的に喜びの学びの音として解釈されてきた曲やメロディーを生み出します。インドネシアには、スリンを伝統楽器として使用する地域が多く、それぞれ異なる地域名があります。ジャワ島、スンダ島、バリ島では、この楽器は一般的にスリンと呼ばれ、ミナンではサルアン、トラジャではレンバンフルート、ハルマヘラではバンシル、西ヌサ・トゥンガラではシルと呼ばれています。スリンはインドネシアの竹製のリングフルートで、ガムラン、ガンブス、ダンドゥットなど、さまざまな伝統的な音楽アンサンブルの演奏で使用されます。このフルートは、タミアンと呼ばれる長く薄い壁の竹管で作られており、マウスピースの周りには細い籐のバンドが巻かれています。

カチャピ・スリンは、西ジャワの一部で人気のある、即興性の高い器楽の一種で、カチャピ（琴）とスリン（竹笛）の2つの楽器を使用します。テンバン・スンダに関連しています。カチャピのリズミカルな旋律はテンポが遅く、弦によって生み出され、スリンのメロディーやメリスマティックな歌声と組み合わさると、柔らかい音楽に溶け込みます。カチャピは、中国の古筝から派生したスンダの伝統的な琴で、日本の箏、モンゴルのヤトガ、韓国の伽耶琴、ベトナムのダン・トラン、カザフのジェティゲンに似ており、スリンは竹笛です。

ケンダンまたはゲンダンは、インドネシア諸島の人々が使用する両面太鼓です。ジャワ人、スンダ人、バリ人の間では、ケンダンは片面がもう一方よりも大きく、通常、音の低い大きい面が右側に置かれ、通常は台に水平に置かれ、床に座って両側から手で叩きます。バリ人などのグループでは、両面が同じ大きさで、手やスティックを組み合わせて片面または両面を演奏します。マカッサル人の間では、ガンラン太鼓ははるかに重要で、ジャワのゴングに匹敵する、すべての楽器の中で最も神聖なものと考えられています。

ケンダンの最もよく知られたバリエーションの 1 つは、ゲンダン ベレクです。ゲンダン ベレクは、インドネシアのロンボク島の伝統音楽です。ゲンダン ベレクという名前は、ササック語で「大きな太鼓（大きなゲンダン）」という意味です^{[ 16 ]} 。このパフォーマンスは、2 つの大きな太鼓（ゲンダン）を中心に、ミュージシャンのグループが伝統楽器を演奏し、踊り、行進することで構成されています。太鼓は、ヤギの皮の太鼓の皮が付いた木製のフレームで作られています。木材は、硬くて軽い木材から選ばれます。ゲンダン ベレクのパフォーマンスでは、ドラマーはゲンダンを運び、演奏し、ドラマチックで対立的なデュエットを踊ります。ドラマーは、大きな太鼓で絡み合う曲を演奏します。演奏者は楽器を演奏できるだけでなく、楽器を持って踊り、行進するための敏捷性とスタミナも必要です。

ササンドは、東ヌサ・トゥンガラ州のロテ島原産の撥弦楽器です。ササンドは、竹製の円筒を囲む複数の楔状の部材で弦を張り、その周りを乾燥させたロンタルまたはパルミラヤシ（Borassus flabellifer ）の葉で作った袋状の扇で囲んだ構造になっており、この扇状の部材が楽器の共鳴器として機能します。

北スマトラのタパヌリ地方の音楽演奏。タパヌリ・オゴンは、リュート、トランペット、フルートなどの楽器で演奏される舞踊音楽の一種です。

サペ（sampek、sampeʼ、sapek）は、東カリマンタン、西カリマンタン、北カリマンタンの川沿いに並ぶ長屋に住むケニャー族とカヤン族の伝統的なリュートです。サペは一本の木材から彫り出され、現代の楽器の多くは長さが1メートルを超えます。技術的には、サペは比較的シンプルな楽器で、1本の弦がメロディーを奏で、伴奏弦はリズミカルなドローン音を奏でます。しかし実際には、多くの装飾音や主題の変奏を伴う、非常に複雑な音楽となっています。

インドネシアの地方フォークポップ音楽は、インドネシアの文化と民族の多様性を反映しており、主に現地語を使用し、西洋と地方の音楽や楽器のスタイルをミックスしています。インドネシアのフォーク音楽は非常に多様で、今日ではポップ、ロック、ハウス、ヒップホップなどのジャンルに加え、独特のインドネシアの形式も含まれています。いくつかの種類の「民族」ポップ音楽があり、一般的にポップ・ダエラ（地方ポップ）としてまとめられています。これには、ポップ・スンダ、ポップ・ミナン、ポップ・バタック、ポップ・メラユ、ポップ・アンボン、ポップ・ミナハサなどが含まれます。ミュージシャンは、各地方文化のラグ・ダエラ（地方の伝統歌）の遺産を特徴とするだけでなく、母語で新しい作曲も行っています。

インドネシア音楽の中で最も人気があり有名なのは、おそらくガムランでしょう。ガムランは、鉄琴、太鼓、ゴング、スパイクフィドル、竹笛など、調律された打楽器のアンサンブルです。同様のアンサンブルはインドネシア、シンガポール、マレーシア全土で広く行われていますが、ガムランの起源はジャワ島、バリ島、ロンボク島にあります。

中部ジャワのガムランは複雑で綿密に構成されています。中心となるメロディーはオーケストラの中心にある金属打楽器で演奏され、前列ではメロディーに装飾や装飾が加えられ、後列ではゴングがゆっくりと音楽にアクセントを加えます。調律システムは2種類あります。各ガムランはそれぞれ調律されており、音階の音間の間隔はアンサンブルごとに異なります。金属打楽器は4オクターブをカバーし、スレンテム、デムン、サロン・パネラス、バルンガンなどの種類があります。ガムランの魂は大きなゴング、またはゴング・アゲンに宿ると信じられています。他のゴングは音階の各音に調律されており、ケトゥク、ケノン、ケンプルなどがあります。オーケストラの前列は多様で、レバブ、スリン、シテル、ボナン、ガンバンなどがあります。男性合唱団（gerong）と女性ソロ歌手（ pesindhen）が一般的です。オランダの植民地支配者の到来に伴い、音楽を記録するための番号体系であるkepatihanが開発されました。当時の音楽と舞踊は、スラカルタ、ジョグジャカルタ、パクアラマン、マングクネガランといった地域の主要な宮廷に基づいて、いくつかのスタイルに分かれていました。

東ジャワのガムランは、島の中央部や西部ほど有名ではありません。この地域で最も特徴的なのは、非常に大きなガミャク太鼓でしょう。西ジャワ（旧スンダ）には、いくつかの種類のガムランがあります。ガムラン・デグン、ガムラン・サレンドロ、テンバン・スンダが主な3種類です。東ジャワのオシン族は、結婚式やその他の祝祭で演奏されるガンドゥルンと呼ばれる社交音楽や、バリのガムランによく似た、アマチュアの少年たちが演奏するアンクルンで知られています。

インドネシアでは、ガムランはしばしば舞踊、ワヤン人形劇、儀式や祭典に伴奏として用いられます。通常、ガムランの演奏者は舞踊の動きや詩に精通しており、ダンサーはアンサンブルで演奏することができます。^{[ 17 ]}ワヤンでは、ダラン（人形遣い）は音楽の合図を出すため、ガムランについて十分な知識を持っていなければなりません。ガムランは 「クレネンガン」スタイルで単独で演奏することも、ラジオ放送用に演奏することもでき 、20世紀半ばに設立された国立芸術音楽院ではコンサート形式での演奏が一般的です。^{[ 18 ]}

ガムランは儀式において非常に重要な役割を果たしており、ジャワには「ゴングが吊るされるまでは正式な儀式ではない」という諺があるほどです。^{[ 19 ]}ガムランの演奏の中には、ジョグジャカルタのスルタンの訪問など、王族と関連付けられているものもあります。ガムラン・セカテンのように、特定の儀式に関連付けられているガムランもあり、これはマウリド（ムハンマドの誕生日）の祝祭で使用されます。バリ島では、ほとんどすべての宗教儀式にガムランの演奏が含まれています。ガムランはインドネシアのカトリック教会の儀式でも使用されています。^{[ 20 ]}特定の曲は、演奏や儀式の開始と終了のために指定されています。「ウダン・マス」などの「終了」の曲が始まると、観客はイベントがほぼ終了したことを知り、帰り始めます。特定の曲には魔力があると信じられており、悪霊を追い払うために使用できます。^{[ 19 ]}

テンバン スンダは、「セニ ママオス チアンジュラン」、あるいは単にチアンジュランとも呼ばれ、チアンジュルの植民地時代に生まれた歌詩の一形式です。それは最初は貴族の芸術として知られていました。チアンジュランの作曲家の一人は、チアンジュルの統治者 RAA クスマニングラート (ダレム・パンカニティ) でした(1834 ～ 1862 年)。チアンジュランの楽器は、カカピ インドゥン、カカピ リンチク、スリンまたは竹の笛、そしてサレンドロ曲のレバブです。歌詞は通常、自由詩で歌われますが、より現代的なバージョンのpanambihは韻律的です。

ジャイポンガンは、西ジャワのスンダ族に伝わる、非常に複雑なリズムを持つ舞踊音楽です。そのリズムは一見ランダムに変化するため、多くの人にとって踊るのは困難です。楽器はすべてスンダ族のもので、輸入楽器は一切使用されていません。1960年代にスカルノ大統領がロックンロールなどの西洋音楽を禁止した後、ググム・グンビラなどのアーティストによって生み出されました。

ガンブスとは文字通りウードを意​​味し、リュートの一種、あるいは12弦の洋梨型ギターを指す。中東に起源を持つイスラム教の歌唱および器楽音楽である。これらの伝統は16世紀までにインドネシアの多くの地域に広まり始めた。

カシダは、詠唱と打楽器を伴う宗教詩を意味する古代アラビア語です。カシダ・モダンはこれをポップス向けにアレンジしたものです。これは、イエメンからのイスラム教徒の入植者によってもたらされたと考えられている、ある種のオーケストラとその演奏する音楽を指すのに使われます。カシダ・モダンはイスラム・ポップから派生し、インドネシアの現代的な問題を取り上げた地元の方言と歌詞を加えています。インドネシアのアラブ人の間では人気がありますが、他の地域ではあまり人気がありません。インドネシアで最も古いカシダ・モダン音楽グループの1つは、ナシダ・リアです。^{[ 21 ]}

インドネシアにおける現代的なイスラム中東音楽の代表例としては、スーフィズムのアプローチを音楽に取り入れ、メッセージを広めているバンド、 Debuが挙げられる。

イスラム教徒が大多数を占めるインドネシアでは、多くの歌手が、イスラム声楽の一種である伝統的なナシードや現代的なナシードを、主に、あるいはレパートリーに加えて演奏している。

クロンチョン（別表記：Keroncong ）は、ヨーロッパの楽器を持ち込んだポルトガル人の到来以来、進化を続けてきた。1900年代初頭には、低俗な都市音楽と見なされていた。しかし、1930年代になると、台頭するインドネシア映画産業がクロンチョンを取り入れるようになり、状況は一変した。そして1940年代半ばから後半にかけては、独立闘争と結びつくようになった。

クロンチョン様式で最も有名な曲は、ソロンの音楽家ゲサン・マルトハルトノが1940年に作曲した「ベンガワン・ソロ」でしょう。第二次世界大戦中、日本軍が島を占領していた時期に書かれたこの曲（ジャワ島で最も長く重要な川であるベンガワン・ソロ川を歌ったもの）は、ジャワの人々の間で広く人気を博し、その後、地元のラジオ局で放送されると全国的に知られるようになりました。この曲は日本兵の間でも大変人気があり、終戦後に日本に帰国した兵士たちが日本人アーティストによって再録音したものはベストセラーとなりました。長年にわたり、主にアジア諸国だけでなく、アンネケ・グロンローなど海外の著名なアーティストによって何度も再リリースされており、インドネシア音楽の代表作として認識されている地域もあります。ゲザン自身はこのスタイルの最も著名な代表者であり、このスタイルは現在ではやや堅苦しく「時代遅れ」と見なされているものの、特に高齢者層を中心に多くの人々に依然として人気がある。

第二次世界大戦後、インドネシア独立革命（1945～1949年）の時期以降、クロンチョンは愛国心と結びついており、多くのインドネシアの詩人や愛国的な作詞家が作品の中でクロンチョンやジャズ・フュージョンのジャンルを用いている。イスマイル・マルズキの作品には、「 Rayuan Pulau Kelapa」、「Indonesia Pusaka 」、「Sepasang Mata Bola」、「Keroncong Serenata」、「Juwita Malam」など、愛国的なテーマや戦時中のロマンチックなロマンスが描かれている。これらの愛国歌は賛美歌やオーケストラで歌われることもあるが、最もよく歌われるのはクロンチョン・スタイルで、クロンチョン・ペルジュアンガン（闘争クロンチョン）として知られている。クロンチョンの歌姫であるワルジナ、スンダリ・スココ、ヘティ・クエス・エンダンは、1980年代にこのスタイルを復活させる上で重要な役割を果たした。

スラカルタ（ソロ）には、クロンチョンとガムランの7音音階を融合させた「ラングガム・ジャワ」と呼ばれる独自のクロンチョン様式が存在する。これは、元々のクロンチョンから取り入れられたものである。

20世紀初頭、クロンチョンはコメディ・スタンブルと呼ばれる演劇の一種で用いられ、この目的に合わせてアレンジされた音楽はガンバン・クロモンと呼ばれた。ガンバン・クロモンはジャカルタのベタウィ文化において広く普及している。

タンジドールはジャカルタの伝統的なベタウィ音楽アンサンブルです。^{[ 22 ]}使用される楽器は、軍楽隊の太鼓隊/太鼓とビューグル隊に似ており、通常はチューバまたはスーザフォン、トランペット、クラリネット、タンバリン、太鼓で構成されています。 [ 23 ]タンジドールという用語は、ポルトガル^語のtanger（音楽を演奏する）とtangedor（屋外で音楽を演奏する）に由来し、その後ベタウィ語でtanji（音楽）として採用されました。[ 23 ]^{ジャカルタ以外に}も、西カリマンタンのポンティアナックにもタンジドール音楽アンサンブルが存在します。^{[ 24 ]}

西洋のクラシック音楽は、18世紀という早い時期にオランダ領東インド時代にインドネシアに伝わりましたが、バタビアのソシエテイト・ハーモニーやバンドンのソシエテイト・コンコルディアといったエリート社交クラブや舞踏会で、裕福なオランダ人プランテーション所有者や役員のごく一部にしか楽しまれませんでした。デ・ショウブルク・ファン・バタビア（現在のジャカルタ芸術会館）は、19世紀にコンサートホールとして設計されました。クラシック音楽は、洗練された裕福で教養のある上流階級の人々に限られており、東インド植民地時代には一般大衆に浸透することはありませんでした。当時、社会的な障壁を乗り越えた西洋由来の音楽は、下層階級の音楽として知られるクロンチョンでした。

オランダ植民地時代に、バタビアシェ・フィルハーモニー管弦楽団というアマチュア団体が設立されました。 1912年にラジオ放送局Nederlandsch-Indische Radio Omroep Maatschappijが設立されると、 NIROM管弦楽団となりました。今日ではジャカルタ交響楽団として知られ、流行やニーズに合わせて形式を変えながら、ほぼ1世紀にわたりインドネシアの音楽界に存在しています。1950年には、ジョエル・クレベール指揮のコスモポリタン管弦楽団と、ステジョとイスカンダル指揮のジャカルタ・スタジオ管弦楽団が合併し、ヘンキー・ストレーケ指揮のジャカルタ・ラジオ管弦楽団としてクラシックのレパートリーを演奏し、シャイフル・バクリ指揮のジャカルタ・スタジオ管弦楽団はインドネシアの楽曲を専門としていました。2010年には、ジャカルタ交響楽団はかなり長い間の休止期間を経て復活しました。^{[ 30 ]}ジャカルタ交響楽団は70年代に誕生しました。

1960年代から1980年代にかけて、インドネシアのクラシック音楽は国営ラジオ放送局Radio Republik Indonesia ( RRI )と国営テレビ局Televisi Republik Indonesia ( TVRI )で放送された。この数十年間、クラシックオーケストラは主に大学で学生の課外活動として発展し、合唱団も含まれていた。1990年代には、1991年6月に設立されたAddie MS率いるTwilite Orchestraのようなプロの交響楽団が形を成し始めた。当初は20人の音楽家からなるアンサンブルだったが、その後、70人の音楽家、63人のメンバーからなるTwilite Chorus、そしてベートーヴェンからビートルズまで幅広いレパートリーを持つフルシンフォニックオーケストラに発展した。^{[ 31 ]}このオーケストラは、インドネシアの作曲家による国歌や伝統歌の保存など、インドネシア音楽の振興に役割を果たしてきた。アディ・MSは、ビクトリアン・フィルハーモニー管弦楽団とトワイライト・コーラスの協力を得て、 WR・スプラットマン作曲のインドネシア国歌「インドネシア・ラヤ」を、ジョス・クレベールによるオリジナルのオーケストラ編曲で再録音したほか、アルバム「シンフォニ・ネゲリク」では他のインドネシアの国民的人気歌も収録している。

現代クラシック音楽界で著名なインドネシア人作曲家、アナンダ・スカルラン（1968年生まれ）は、管弦楽曲、室内楽曲、器楽曲を数多​​く手掛けている。中でも最も有名なのは、インドネシアの民謡をモチーフにした技巧的なピアノ独奏曲集『ラプソディア・ヌサンタラ』である。ボストン交響楽団やヴァイオリニストの五藤みどりなど、多くの音楽家のために作品を書いており、その作品は世界中で広く演奏されている。

今日では、ジャカルタ、バンドン、ジョグジャカルタ、スラバヤ、メダン、バタムといった主要都市は、独自の交響楽団を擁し、オーケストラ音楽とは無縁ではない。例えば、ジャカルタにはヌサンタラ交響楽団、トワイライト・オーケストラ、ジャカルタ・コンサート・オーケストラなどがある。

クラシック音楽と関係のある現代インドネシアの音楽家には、作曲家のアナンダ・スカルランとシンタ・ウルルがいます。ピアニストはヘンドリー・ウィジャヤ、エドゥアルドゥス・ハリム、エスター・ブディアルジョ、ヴィクトリア・オードリー・サラスヴァティ。フルーティストのエンボン・ラハルジョ。ソプラノ歌手のプラナウェングラム・カタムシ、アニン・カタムシ、イシャナ・サラスヴァティ（彼女はポップで感傷的なバラードのボーカリストとしても成功しています）です。

インドネシアのポップミュージックは、今日では単にI-popまたはIndo pop（「インドネシアのポップ」）として知られており、西洋音楽のトレンドや録音の影響を受けることもあります。^{[ 25 ]}アメリカのポップ、イギリスのポップ、アジアのJ-popなどからの影響は明らかですが、インドネシアのポップ現象は完全に模倣的なものではなく、現代インドネシアの生活の感情やスタイルを表現しています。

後にKoes Plusとして結成されたKoes Bersaudaraは、1960年代と1970年代のインドネシアのポップとロックンロール音楽のパイオニアの1つと考えられています。Koes Bersaudaraの音楽にはアメリカとイギリスの音楽の影響が顕著で、ビートルズがこのバンドの主な影響源として知られています。数十年にわたって生き残り、インドネシアの音楽界の伝説となったインドネシアのミュージシャンは数多く、ポップとバラード歌手のIwan FalsとChrisye、ポップとダンドゥットの巨匠Rhoma Iramaなどがいます。特に2000年代初頭のインドネシアのポップ音楽シーンで最も影響力のある歌手の1人は、後にAgnez Moとして知られるようになったAgnes Monicaです。

90 年代後半から 2000 年代にかけて、人気のポップ/ポップロック バンドには、Slank、Dewa 19、Peterpan、Gigi、Sheila on 7、Jamrud、Padi、Ungu、Radja、Letto、D'Masiv、Nidjiなどがあり、これらはすべてインドネシア、シンガポール、マレーシアで定期的にツアーを行っており、 MTV Asiaで特集されました。

インドネシアのポップミュージック、またはインドポップミュージックは、1980年代から90年代にかけて登場し、ポップ・クリエイティブとして知られており、日本のジャンルとの類似性から「インドネシアのシティポップ」と呼ばれることが多い。日本のシティポップとポップ・クリエイティブというジャンル自体も、2010年代後半にインターネットを通じて若者やアマチュアミュージシャンの間で人気を博した。

インドネシアのポップミュージックに最近影響を与えているのは、J-POPとK-POPです。J -ROCKSなどのバンドは日本のポップカルチャーを模倣しています。また、 7iconsやCherrybelleといったボーイズバンドの間にもガールズグループが広がりつつあり、日本のAKB48から派生したJKT48もその一つです。

ポップミュージックと同様に、インドネシアのロックシーンもアメリカのロックミュージックの発展から大きな影響を受けています。最も影響力のあるインドネシアのロックバンドは、おそらく1970年代と1980年代に人気を博したPanbers、God Bless、D'Lloydでしょう。1980年代後半から1990年代半ばにかけては、Nicky Astria、Poppy Mercury、Nike Ardilla、Anggunなど、「レディロッカー」として知られる女性ロックシンガーがインドネシアで人気を博しました。Anggunはインドネシアでポップロックシンガーとしてキャリアをスタートさせ、その後フランスに移り、国際的なキャリアを追求しました。その他の注目すべきハードロックおよびポップロックバンドには、Slank、Jamrud、Dewa 19、Peterpanなどがあります。

インドネシアのポップロックバンドの中には、マレーのルーツに立ち返り、「ポップ・メラユ」（マレーポップ）と呼ばれるジャンルを復活させ、2000年代後半に人気を博したバンドもある。マレーポップバンドには、 Kangen Band、Wali、Hijau Daun、Armada、Angkasa、ST 12などがある。

メタルバンドも存在し、メタルコアバンドのKilling Me Inside、デスメタル／グラインドコアバンドのJasad、グルーヴメタル／メタルコアバンドのBurgerkillなどが挙げられる。パンクミュージックシーンも着実にアンダーグラウンドで成功を収め、 Pee Wee Gaskins、Superman Is Dead、Netralといったバンドがメインストリームに進出した。スカミュージックの著名なバンドとしてはTipe-Xが挙げられる。

ダンドゥットは、インドネシアで人気の高い半伝統的な音楽ジャンルで、1960年代後半にジャカルタでインド、アラビア、マレーの音楽から派生したものです。メロディアスでハーモニー豊かな音楽で構成され、特に古典的なダンドゥットではタブラがパーカッションのビートとして重要な役割を果たします。元々はインドネシアのダンス音楽で、東南アジア全域に広がり、1970年代半ばにはポップスタイルとして主流となりました。躍動感のあるビートと若者にアピールするやや道徳的な歌詞で有名なダンドゥットのスターは、現代のポップシーンを席巻しています。しかし、ダンドゥット、特に女性歌手が歌うものは、より多くの聴衆にアピールするために、挑発的なダンスの動きや下品な歌詞を特徴とすることもよくあります。この展開は、保守的な年配のダンドゥットアーティストから強く反対されました。

ダンドゥットは歌手を中心に活動しており、スターにはローマ・イラマとエルヴィ・スカエシ（ダンドゥットの王と王妃）、マンシュール・S、A・ラフィク、カメリア・マリク、ファーミー・シャハブが含まれる。若い世代のチシ・パラミダ、エヴィー・タマラ、イヌル・ダラティスタ、ジュリア・ペレス、デウィ・ペルシクらも参加した。

ジャワの伝統音楽とダンドゥットを融合させた音楽スタイルで、主に中部ジャワ、ジョグジャカルタ、東ジャワのジャワ文化圏で広く普及している。おそらく現在最も偉大なアーティストはディディ・ケンポットだろう。ジャワ西部では、独特のドラムビートを持つ伝統的なジャイポン音楽から、スンダのダンドゥットまたはスンダのチャンプルサリ版が生まれ発展した。

インドネシアでは、実験音楽シーンが盛んに発展しており、多くのアーティストが伝統的なインドネシアの歌唱技法や楽器編成と、メタルやガバ、アンビエントといったエレクトロニック・ミュージックのジャンルを融合させている。実験音楽バンドのSenyawaは、こうした融合によって国際的な成功を収めている。ジョグジャカルタのYes No Waveなどのレーベルは、インドネシアの実験音楽シーンの振興において最前線に立っている。

ゴスペル音楽はインドネシアでも大きな影響力を持っています。ゴスペル音楽は1980年代にアメリカの福音派の人物によってインドネシアにもたらされました。ゴスペル音楽自体がインドネシアで人気を博したのは1990年代で、その頃フランキー・シホンビングは多くのキリスト教の霊歌を作曲しました。インドネシアの音楽愛好家にとってゴスペル音楽のインドネシアへの導入はそれほど歓迎されたものではありませんでしたが、教会音楽に多くの変化をもたらしました。現在、インドネシアの多くの教会は礼拝の手段としてゴスペル音楽を使用しています。それとは別に、伝道や弟子育成の手段としてインドネシアの会衆のために曲をリリースする有名なインドネシアのゴスペルミュージシャンも多数います。また、ジョイ・トビング、シドニー・モヘデ、サリ・シモランキル、フランキー・シホンビングなどの有名なインドネシアのゴスペルミュージシャンや、JPCC Worshipなどの教会の賛美と礼拝チームのミュージシャンも多数います。インドネシアにおけるゴスペル音楽は、今やキリスト教のスピリチュアル音楽という一つのジャンルへと発展を遂げている。

近年、インドネシアの人々、特にキリスト教徒の間でゴスペル音楽の人気が高まっています。インドネシアで開催されるゴスペル音楽コンサートは、様々な層、特にキリスト教のリバイバル集会などから集まったゴスペル音楽ファンで常に満員です。それだけでなく、インドネシアのゴスペル音楽は、マレーシアなどの近隣諸国の教会でも人気があります。これは、マレーシア語が公用語および礼拝の指導言語として使われており、インドネシア語と類似した言語であるため、密接な関係があり、部分的に相互理解が可能であることと関係があるからです。

インドネシアのミュージシャンやバンドの中には、ジャズ音楽を探求している者もいる。著名なインドネシアのジャズミュージシャンには、ジャック・レスマナ、ベニー・リクマフワ、ベニー・ムスタファ、マリョノ、ブビ・チェン・マリク、D'Essentialsなどがいる。その他にも、西洋風の現代ジャズフュージョン音楽と故郷の伝統的な民族音楽を融合させたグループが数多く存在する。西ジャワ出身のバンド、クラカタウやサンバスンダでは、スンダの伝統的なカチャピ・スリンやガムランオーケストラがドラム、キーボード、ギターと共に演奏される。ジャカルタ国際ジャワ・ジャズ・フェスティバルは、インドネシアにおけるジャズの最新の発展を象徴するものであり、毎年多くのジャズフェスティバルが開催されている。

1970年代以降、レゲエはインドネシアで最も影響力のある音楽スタイルの1つであり、ダンドゥット、地域ポップ、その他の人気ジャンルとの融合現象もその一つである。これには、Steven & Coconut Treez、Shaggydog、Souljahといったバンドや、Mbah Surip、Amtenar、Dhyo Haw、Imanez、Nonk'Q Nongkray、Tony Q Rastafaraといった歌手が含まれる。

現在、コンテンポラリーR&Bはインドネシアのミュージシャンによって生み出された最も人気のある音楽ジャンルの1つです。すでに高い評価を得ているミュージシャンも、新進気鋭のミュージシャンも、それぞれ独自の音楽スタイルを披露し、R&Bの普及とインドネシア社会の様々な層への受容を促進しています。

インドネシアでは、ヒップホップ音楽は一般的にベニャミン・スエブとファリド・ハルジャによって最初に紹介されました。その後、イワKをはじめとする他のヒップホップミュージシャンもヒップホップ音楽を一般に広めました。

80年代、若者たちがまだロック音楽を愛していた時代に、イワKはラップ音楽に関わり始めた。ラップは楽器を使うことよりも、おしゃべりのテクニックを重視する音楽ジャンルである。

ファンコットは、1990年代にインドネシアで生まれたエレクトロニック・ダンス・ミュージックのジャンルである。

2000年代末までに、Mocca、Float、White Shoes & the Couples Company、Efek Rumah Kacaなどのインディーズバンドが主流に進出し、映画のサウンドトラックを提供したり、海外ツアーを行ったりするようになった。2010年代に入ると、ミニマルでメランコリックなサウンドと年齢相応の歌詞が若者の間で人気を集め、インディーズ音楽はさらに主流文化に浸透していった。このジャンルの商業的ブレイクスルーを牽引したのは、Payung Teduh、Fourtwenty、Stars and Rabbit、Sore、Danilla、Reality Club、Banda Neira、Barasuara、Fiersa Besariなどである。

• アグネス・モ
• ベニヤミン・スエブ
• ビング・スラメット
• ブライアン・イマニュエル（リッチ・ブライアン）
• クリスイ
• エビエット・G・アデ
• ファリズRM
• ゲザン
• ゴンブロー
• グル・スカルノプトラ
• ハリー・ロースリ（1950年代～1970年代）
• イワン・ファルス
• ニコール・ゼファニャ（ニキ）
• ティティDJ
• ティティエク・プスパ
• ティールマン兄弟は、元々はインドネシア出身のユーラシア人で、ヨーロッパで人気を博した。彼らの音楽スタイルは、ユーラシア人を指す植民地時代の用語であるインド・ヨーロッパ語族（略してインド）にちなんで、インドロックと呼ばれている。
• レイニッチ
• ステファニー・ポエトリ

• バス、コリン。「リスクなし、楽しみなし！」2000年。サイモン・ブロートン、マーク・エリンガム、ジェームズ・マコナキー、オーラ・デュアン編『ワールドミュージック 第2巻：ラテンアメリカ、北アメリカ、カリブ海、インド、アジア、太平洋』131～142ページ。ラフガイド社、ペンギンブックス。ISBN 978-1-85828-636-5
• ヒートン、ジェニー、ステップトー、サイモン。「ブロンズの嵐」。2000年。ブロートン、サイモン、エリンガム、マーク、マコナキー、ジェームズ、デュアン、オーラ（編）『ワールドミュージック 第2巻：ラテンアメリカ、北アメリカ、カリブ海、インド、アジア、太平洋』、117～130ページ。ラフガイド社、ペンギンブックス。ISBN 978-1-85828-636-5