アンビエントミュージック

アンビエントミュージックは、伝統的な音楽構造やリズムよりも音色や雰囲気を重視した音楽ジャンルである。多くの場合「平和的」に響き、構成、ビート、構造化されたメロディーが欠けている。^[5]受動的および能動的リスニングの両方に満足感を与え^[6]、落ち着きや瞑想の感覚を促すテクスチャーレイヤーのサウンドを使用する。^{[7] [8]}このジャンルは「雰囲気のある」、「視覚的な」、「控えめな」^{[9 ] 品質を呼び起こすと言われている。 [10]}自然のサウンドスケープが含まれる場合があり、ピアノ、弦楽器、フルートなどのアコースティック楽器の音がシンセサイザーでエミュレートされることもある。^[11]

このジャンルは、シンセサイザーなどの新しい楽器がより広い市場に導入され始めた1960年代から1970年代に始まりました。[ ^12]エリック・サティの家具音楽や、ミュージック・コンクレート、ミニマル・ミュージック、ジャマイカのダブ・レゲエ、ドイツのエレクトロニック・ミュージックなどのスタイルによって先駆けられていましたが、1978年にイギリスのミュージシャン、ブライアン・イーノがアルバム「アンビエント1：ミュージック・フォー・エアポート」で名付け、普及させました。イーノはアンビエントミュージックは「興味深いものであると同時に無視されがちでなければならない」と意見を述べたが、初期にはジャン＝ミシェル・ジャール、ヴァンゲリス、マイク・オールドフィールド、ウェンディ・カルロス、クラフトヴェルクなど、このジャンルの先駆者となったアーティストがいた。 ^{[13] 1980年代後半にはハウスミュージックや}テクノミュージックの台頭とともに復活し、1990年代にはカルト的な支持者を生み出した。 ^{[14]アンビエントミュージックには}ニューエイジミュージックやドローンミュージックの要素があり、一部の作品では持続音や反復音を使用している。^[15]

アンビエントミュージックは「飾り立てたニューエイジ」から「退屈で的外れな技術的なごまかし」まで、あらゆるものとして批判され、大きな商業的成功を収めることはなかった。^{[16]しかし、}インターネット時代を中心に、長年にわたって一定の評価を得てきた。アンビエントミュージックは比較的オープンなスタイルであるため、クラシック、前衛音楽、実験音楽、フォーク、ジャズ、ワールドミュージックなど、他の多くのジャンルから影響を受けることが多い。 ^{[17] [18]}

20世紀初頭のフランスの作曲家、エリック・サティは、ダダイズムに触発された探求を利用して、初期のアンビエント/バックグラウンドミュージックを創作し、それを「家具音楽」( Musique d'ameublement )と名付けました。彼はこれを、注目の的となる音楽ではなく、食事中にその活動の背景となる雰囲気を作り出すために流すことができる音楽であると説明しました。^[19]

サティ自身の言葉によれば、彼は「周囲の騒音の一部となり、周囲の騒音を考慮に入れる音楽」を作ろうとした。「それは、食事の際のナイフやフォークの音を和らげるメロディアスなもので、それらを支配したり、押し付けたりしないものだと思います。それは、一緒に食事をする友人たちの間に時々訪れる重苦しい沈黙を埋めるでしょう。それは、友人たちが自分の陳腐な発言に注意を払う手間を省くでしょう。そして同時に、会話の遊びに無分別に割り込んでくる通りの騒音を中和するでしょう。そのような音楽を作ることは、ニーズに応えることです。」^{[20] [21]}

1948年、フランスの作曲家兼エンジニアであるピエール・シェーファーは、ミュージック・コンクレートという用語を生み出しました。この実験的な音楽スタイルでは、自然音の録音を使用し、それを変更、操作、またはエフェクト処理して作曲しました。^{[22]シェーファーの}テープループとスプライシングを使用するテクニックは、現代のサンプリングの先駆けであると考えられています。

1952年、ジョン・ケージは有名な3楽章構成の作品^[23] 「4'33」を発表した。これは4分33秒間の完全な沈黙の演奏である。この作品は、演奏会場/場所の周囲の音を捉え、それを音楽として演奏することを意図している。^[24]ケージはブライアン・イーノなどの著名なアーティストから影響を受けたとされている。^[24]

1960 年代には、多くの音楽グループが珍しい手法を実験し、そのうちのいくつかは後にアンビエント ミュージックと呼ばれるようになる音楽を生み出しました。

1962年の夏、作曲家のラモン・センダーとモートン・サボトニックは、電子音楽スタジオとコンサート会場の両方の機能を備えたサンフランシスコ・テープ・ミュージック・センターを設立した。 ^[25]テープレコーダーを扱う他の作曲家たちもメンバーや協力者となり、その中にはポーリン・オリヴェロス、テリー・ライリー、スティーヴ・ライヒなどが含まれる。彼らの作品は、反復パターンやパルス、安定したドローン、協和音のハーモニーなど、アンビエント・ミュージックと多くの共通点を持つミニマル・ミュージック（ミニマリズムとも呼ばれる）の発展に貢献した。^[26]

1960年代半ばから1990年代半ばにかけて、ヨーロッパとアメリカ合衆国で多くのレコードがリリースされ、英語圏のポピュラー音楽市場でアンビエントというジャンルの慣習が確立されました。^[27]アンビエントの要素を持つ1960年代のレコードには、トニー・スコットの『Music for Yoga Meditation and Other Joys』と『Music for Zen Meditation』、レイモンド・スコットの『Soothing Sounds for Baby』、アーヴ・タイベルの『Environments』アルバムシリーズの最初のレコードなどがあります。

1960年代後半、フランスの作曲家エリアヌ・ラディゲは、 2台のテープレコーダーとマイクの間のフィードバックからテープループを処理していくつかの作品を作曲しました。^{[28] 1970年代には、彼女はほぼ独占的に}ARP 2500シンセサイザーで同様の音楽を作曲し、彼女の長くてゆっくりとした作品はしばしばドローン音楽と比較されました。^{[29] [30] 1969年、} COUM Transmissionsというグループがイギリスの美術学校で音響実験を行っていました。^[31] Pearls Before Swineの1968年のアルバムBalaklavaには、アンビエントミュージックの比喩となる鳥の鳴き声と海の音が収録されています。" ^[32]

1970 年代に発展したアンビエント ミュージックは、当時の 実験的でシンセサイザーを重視したスタイルから生まれました。

1974年から1976年にかけて、アメリカの作曲家ローリー・シュピーゲルは、 GROOVEと呼ばれるコンピューターとアナログのハイブリッドシステムで、彼女の代表作である『膨張する宇宙』を制作しました。 ^[33] 1977年、彼女の作曲した『天体の音楽』が、ボイジャー1号と2号のゴールデンレコードに収録されました。^[34]

1975年4月、スザンヌ・シアニはブックラ・シンセサイザーで2回の演奏を行った。1回はWBAIフリーミュージックストアで、もう1回はフィル・ニブロックのロフトで行われた。^{[35]これらの演奏は2016年に}『ブックラ・コンサート1975』というタイトルのアーカイブアルバムでリリースされた。レコードレーベルによると、これらのコンサートは一部はライブプレゼンテーション、一部は助成金申請、一部は教育デモンストレーションであった。^[36]

しかし、アンビエントミュージックがジャンルとして定義されたのは、ブライアン・イーノが70年代半ばにこの用語を作り出してからである。イーノはこれを念頭に置いて1975年のディスクリートミュージックを録音し、サティの「ミュージック・ダムブルマン」に関する引用に言及して「比較的低い音量、可聴域を下回ることもしばしば」で聴くことを提案した^{[20] 。 [37]}

当時アンビエント風の音楽を制作していた他の同時代ミュージシャンには、キング・タビー^[2]などのジャマイカのダブミュージシャン、冨田勲^{[3] [4]}や坂本龍一などの日本の電子音楽作曲家、アーヴ・タイベルのEnvironmentsシリーズの心理音響的サウンドスケープ、ポポル・ヴー、クラスター、クラフトヴェルク、ハルモニア、アシュ・ラ・テンペル、タンジェリン・ドリームなどのドイツの実験的バンドがいる。スタイラス・マガジンのマイク・オームは、ベルリン派のミュー​​ジシャンの作品を「アンビエントの土台を築いた」と評している。^[38]

現代音楽におけるシンセサイザーの台頭がアンビエントというジャンルに与えた影響は、いくら強調してもし過ぎることはない。初期のエレクトロニック音楽の先駆者であるクラフトヴェルクのラルフ・フッターは、1977年のビルボード誌のインタビューで次のように語っている。「エレクトロニクスは国や肌の色を超えている...エレクトロニクスがあれば、すべてが可能になる。唯一の限界は作曲家にある」。^[39] イエロー・マジック・オーケストラは、後にアンビエント・ハウス・ミュージックへと発展することになる独特のスタイルのアンビエント・エレクトロニック音楽を生み出した。^[40]

イギリスのプロデューサー、ブライアン・イーノは、1970年代半ばに「アンビエント・ミュージック」という用語を作り出したと言われています。彼は、他のアーティストが同様の音楽を作っていたが、「私はただ名前を付けただけです。それがまさに必要なことでした...名前を付けることで違いが生まれます。これは本物だと言えます。名前はとても重要です。」と述べています。[ ^41]彼は、 Muzakのような既成の音楽とは異なる音楽を説明するためにこの用語を使用しました。^[42]

1978年のアルバム『アンビエント1： ミュージック・フォー・エアポート』のライナーノーツで、イーノはこう書いている。^[43]

既存の缶詰音楽会社は、音響や雰囲気の特異性を覆い隠すことで環境を規則化することを基本としていますが、アンビエント ミュージックは、これらを強化することを目的としています。従来のバックグラウンド ミュージックは、音楽から疑念や不確実性 (したがって、すべての真の関心) をすべて取り除いて制作されますが、アンビエント ミュージックはこれらの特性を保持しています。また、彼らの意図は、刺激を加えることで環境を「明るくする」こと (したがって、日常的な作業の退屈さを軽減し、身体のリズムの自然な浮き沈みを平準化する) ですが、アンビエント ミュージックは、落ち着きと思考の空間を誘発することを目的としています。アンビエント ミュージックは、特定のレベルを強制することなく、さまざまなレベルのリスニングの注意に対応できなければなりません。興味をそそると同時に無視できるものでなければなりません。

イーノは自身を「非音楽家」と称し、自身の実験を伝統的な演奏ではなく「治療」と呼んだ。^{[43] [44]}

70年代後半、ニューエイジミュージシャンのララージは、ワシントンスクエアパークを含むニューヨークの公園や歩道で路上演奏を始めた。そこでブライアン・イーノがララージの演奏を聞き、アルバムを録音しないかと尋ねた。 1980年にリリースされた『Day of Radiance』は、イーノのアンビエントシリーズの3枚目のアルバムだった。ララージはすでに何枚かアルバムを録音していたが、このアルバムで彼は国際的に認知されるようになった。^[45]このシリーズの他のアルバムとは異なり、『Day of Radiance』では電子楽器ではなくアコースティック楽器が主に使用されている。

1980年代半ばには、サンプリングの使用により音の風景を作り出す可能性が高まりました。1980年代後半には、レコードの作曲と録音のプロセスにコンピュータが組み込まれるケースが急増しました。サウンドが内蔵された16ビットのMacintoshプラットフォームと、それに匹敵するIBMモデルが、ミュージシャンやレコード制作者のスタジオや自宅で見られるようになりました。^[46]

しかし、多くのアーティストは依然としてアナログシンセサイザーやアコースティック楽器を使用してアンビエント作品を制作していました。

1983年、高田みどりは初のソロアルバム『Through the Looking Glass』を2日間でレコーディングした。彼女はパーカッション、マリンバ、ゴング、リードオルガン、ベル、オカリナ、ビブラフォン、ピアノ、ガラスのコカコーラボトルなど、多様な楽器を使ってアルバムの全パートを演奏した。^[47]

1988年から1993年にかけて、エリアヌ・ラディゲはARP 2500で3時間の作品を制作し、後に『 La Trilogie De La Mort』としてまとめてリリースされた。^[48]

同じく1988年、サンフランシスコ・テープ・ミュージック・センターの創設メンバーでディレクターのポーリン・オリヴェロスは、ワシントンにある45秒の残響時間を持つ巨大な地下水槽でアルバムを録音したことから、 「ディープ・リスニング」という造語を生み出した。ディープ・リスニングのコンセプトはその後、「即興、電子音楽、儀式​​、教育、瞑想の原理に基づいた美学」へと発展していった。^[49]

1990年代初頭までに、オーブ、エイフェックス・ツイン、シーフィール、イレジスティブル・フォース、バイオスフィア、ハイアー・インテリジェンス・エージェンシーなどのアーティストが商業的に成功し、ポピュラー音楽誌ではアンビエント・ハウス、アンビエント・テクノ、IDM 、または単に「アンビエント」と呼ばれるようになった。チルアウトという用語は、もともとはメインのダンスフロアの外にある、リラックスしたダウンテンポの「チルアウト・ルーム」で使われ、トリップした心を落ち着かせるためにアンビエント、ダブ、ダウンテンポのビートが演奏されていたイギリスのエクスタシー文化から生まれた。^{[50] [51]}

エイフェックス・ツイン（具体的には『Selected Ambient Works Volume II』、1994年）、グローバル・コミュニケーション（76:14、1994年）、ザ・フューチャー・サウンド・オブ・ロンドン（『Lifeforms』、1994年、ISDN、1994年）、ザ・ブラック・ドッグ（『Temple of Transparent Balls』、1993年）、オウテカ（ 『 Incunabula』、1993年、『Amber』、1994年）、ボーズ・オブ・カナダ、ザ・KLFの『Chill Out 』（1990年）などのイギリス人アーティストは、当時流行していたハードコアやテクノの激しさから逃れるための穏やかな休息としてアンビエントミュージックを普及させ、多様化させるのに貢献した。^[50]

1990年代の他の世界的なアンビエントアーティストには、アメリカの作曲家スターズ・オブ・ザ・リッド（この10年間に5枚のアルバムをリリース）や、ピッチフォーク誌が「独特のサウンドツールとしての夢のような加工ギター」と評したアルバム『Sakura』（1999年）をリリースした日本のアーティスト、横田進などがいる。^[52]

2000年代後半から現在までに、アンビエントミュージックもYouTubeで広く認知されるようになり、アップロードされた作品は通常1時間から8時間で、数百万回を超えるヒットを記録している。このような動画は通常「リラックスできる音楽」というタイトルが付けられているか、一般的にそのように知られており、他の音楽ジャンルの影響を受けていることがよくある。アンビエント動画は、オンラインリスナーがヨガ、勉強、睡眠（音楽と睡眠を参照）、マッサージ、瞑想をしたり、楽観的になったり、インスピレーションを得たり、部屋やその他の環境で平和な雰囲気を作ったりする のに役立つ。 ^{[53]アップロードされたアンビエント動画の多くは}バイオミュージックの影響を受けており、自然の音をフィーチャーしているが、アンビエンスの一部として音の空間的なバージョンを作るためにリバーブやディレイユニットで音を修正している。このような自然音には、ビーチ、熱帯雨林、雷雨、雨などが含まれ、鳥の鳴き声などの動物の声も使用されている。バイノーラルビートを含んだ楽曲も一般的で人気のあるアップロードであり、リスナーに音楽療法やストレス管理を提供します。 ^{[54] [55] [a]}

iTunesとSpotifyには、主に独立系レーベルが制作したアンビエントミュージックを特集したデジタルラジオ局がある。^[5]

この時代高く評価されたアンビエントミュージックには（ Pitchfork誌によると）、マックス・リヒター、ジュリアンナ・バーウィック、グルーパー、ウィリアム・バジンスキー、ワンオートリックス・ポイント・ネヴァー、ザ・ケアテイカーの作品がある。^{[59] [60] [61] [62] 2011年、}グルーパー名義でレコーディングしているアメリカの作曲家リズ・ハリスがアルバム『AIA: Alien Observer』をリリースし、Pitchforkの「史上最高のアンビエントアルバム50」で21位にランクインした。^[63] 2011年、ジュリアンナ・バーウィックは初のフルアルバム『The Magic Place』をリリースした。幼少期の教会の聖歌隊での経験に大きく影響を受けたバーウィックは、言葉のないボーカルをエーテルのようなサウンドスケープにループさせている。^[64]このアルバムはPitchforkの「史上最高のアンビエントアルバム50」で30位にランクインした。^[63]数枚のアルバムを自主リリースした後、Buchlaの作曲家、プロデューサー、パフォーマーであるケイトリン・オーレリア・スミスは、2015年に独立系レコードレーベルのウェスタン・ビニールと契約した。^[65] 2016年に彼女は2枚目の公式アルバムEARSをリリースした。このアルバムではBuchlaシンセサイザーと伝統的な楽器が組み合わされ、彼女の作品はローリー・シュピーゲルやアリス・コルトレーンと比較された。^[66]ケイトリンは他の有名なBuchlaパフォーマーであるスザンヌ・シアニともコラボレーションしている。^[67] イギー・ポップの2019年のアルバムFreeはアンビエントなサウンドスケープを特徴としている。^[68] ヴェイパーウェイヴのサブジャンルであるモールソフトは様々なアンビエントの影響を特徴としており、キャット・システム・コーポレーションやグロサリーズなどのアーティストはショッピングモールや食料品店に典型的なアンビエントサウンドを探求している。^[69]

アンビエント・ダブは、アンビエント・ミュージックとダブが融合したものです。この用語は、1990年代初頭に、現在は解散したバーミンガムのレーベル「Beyond Records」によって初めて造られました。このレーベルは、Ambient Dub Volume 1から4までの一連のアルバムをリリースし、多くのアーティストに影響を与えました。その中には、 Bill Laswellもいます。Bill Laswellは、自身の音楽プロジェクト Divination で同じフレーズを使用し、このジャンルの他のアーティストとコラボレーションしました。アンビエント・ダブは、1960年代から1970年代初頭にかけてKing Tubbyや他のジャマイカのサウンド・アーティストによって有名になったダブのスタイルを採用しており、DJにインスパイアされたアンビエント・エレクトロニカを使用し、固有のドロップアウト、エコー、イコライゼーション、サイケデリックな電子効果をすべて備えています。レイヤー技術が特徴であることが多く、ワールドミュージック、深いベースライン、ハーモニック・サウンドの要素が組み込まれています。^[2]デイヴィッド・トゥープによると、「ダブミュージックは長いエコーディレイのようなもので、時間をループします...音楽シーケンスの合理的な順序を感覚の海に変えます。」^[70]このジャンルの著名なアーティストには、ドレッドゾーン、ハイアーインテリジェンスエージェンシー、オーブ、ガウディ、^[71] オット、ループグル、ウーブ、トランスグローバルアンダーグラウンド^[72]、バンコデガイア、レイランドカービーなどがあります。

アンビエントハウスは、1980年代後半に創設された音楽カテゴリーで、アンビエントミュージックの要素と雰囲気を特徴とするアシッドハウスを表すために使用されます。 ^[73]アンビエントハウスのジャンルのトラックは、通常、4つ打ちのビート、シンセパッド、ボーカルサンプルが雰囲気のあるスタイルで統合されています。^[73]アンビエントハウスのトラックは、一般的に全音階の中心がなく、合成コードとともに無調性が多くなっています。オランダのBrainvoyagerはこのジャンルの例です。Illbientはアンビエントハウスミュージックの別の形式です。

アンビエントテクノは1980年代後半に登場した音楽カテゴリーであり、テクノのリズムとメロディーの要素を取り入れたアンビエントミュージックの雰囲気を表現するために使用される。^{[74]著名なアーティストには、}エイフェックス・ツイン、B12、オウテカ、ブラック・ドッグなどがいる。

アンビエント インダストリアルは、インダストリアルミュージックとアンビエント ミュージックのハイブリッド ジャンルです。 ^[75]「典型的な」アンビエント インダストリアル作品 (もしそのようなものが存在するとすれば) は、金属的なドローン音や共鳴音、極低周波のゴロゴロ音や機械音などの不協和音のハーモニーが展開し、ゴング、パーカッシブなリズム、ブルローラー、歪んだ声など、アーティストがサンプリングしたいと思ったあらゆる音 (多くの場合、元のサンプルが認識できなくなるまで処理されます) が加わったものかもしれません。^{[75]作品全体が、}電波望遠鏡の録音、新生児の喃語、電信線に接触したマイクで録音した音に基づいている場合もあります。^[75]

アンビエントポップは、1980年代から1990年代にかけてポストロックと同時期に発展したスタイルで、ドリームポップ運動やシューゲイザーの雰囲気のあるスタイルの延長線上にあるとも考えられている。インディーズ音楽に共通する構造を取り入れているが、インディーズエレクトロニックミュージックの中心でもある「アンビエントミュージックの催眠的で瞑想的な性質を反映した電子的な質感や雰囲気」を広範囲に探求している。^{[76]アンビエントポップは、}サイケデリックの音楽実験やミニマリズム、クラウトロック、テクノの反復的な特徴を広く影響として利用している。ドリームポップの延長線上にあるにもかかわらず、「サンプリングを含む現代のエレクトロニックイディオムを採用しているが、大部分は生楽器がサウンドを定義し続けている」という点で特徴付けられる。^[76]

デヴィッド・ボウイのベルリン三部作はアンビエント音楽の先駆者であるブライアン・イーノと共同制作され、二人とも三部作のアルバム制作中にドイツのコスミッシェ・ミュージックのバンドやミニマリストの作曲家からインスピレーションを受けており、^[77]アンビエント・ポップに影響を与えたとされている。三部作の3枚目のアルバム『ロジャー』（1979年）収録の「レッド・セイルズ」は、モトリックなドラムリズム、電子的に処理されたギター、シンプルなメロディーを顕著に取り入れていることから、音楽ジャーナリストのデヴィッド・バックリーによって『デヴィッド・ボウイ：ザ・ミュージック・アンド・ザ・チェンジズ』の中で遡及的に「アンビエント・ポップの作品」と評されている。^[78]

ドリームポップバンド、スロウダイヴの1995年のアルバム『ピグマリオン』は、バンドの通常のサウンドから大きく逸脱し、アンビエントエレクトロニカとサイケデリックの要素を催眠的で反復的なリズムに大きく取り入れており、^[79]多くのアンビエントポップバンドに影響を与え、後にこのジャンルの画期的なアルバムと見なされた。^[80] ピッチフォークの評論家ニツ・アベベは、アルバムの曲を「ライドのようなシューゲイザーよりも、ディスコインフェルノのようなポストロック[バンド]に共通するアンビエントポップドリーム」と評した。^[81]このジャンルは、2000年代にもスウィートトリップ、ムム、ブロードキャスト、Dntel、そして彼のプロジェクトであるポスタルサービスなどのバンドによって、スタイルの進歩を続けた。^[82]

ブライアン・イーノが当初思い描いていたアンビエントミュージックは、控えめな音楽の壁紙であり、1990年代にオーブによって暖かいハウスのリズムと融合され、遊び心のある性質が与えられたが、その対極にあるのがダークアンビエントと呼ばれるスタイルだ。年配のインダストリアルやメタルの実験音楽家（スコーンのミック・ハリス、カレント93のデイヴィッド・ティベット、ナース・ウィズ・ウウンドのスティーブン・ステイプルトン）からエレクトロニック音楽家（キム・カスコーン/PGR、Psychick Warriors Ov Gaia）、日本のノイズアーティスト（KK Null、Merzbow）、後期のインディーロッカー（メイン、Bark Psychosis）まで、多種多様なアーティストが所属するダークアンビエントは、ビートを抑えたり完全になくしたりしながら、キーボードの不穏なパッセージ、不気味なサンプル、加工したギターエフェクトを特徴とする。90年代のエレクトロニック/ダンスミュージックに何らかの形で関連するほとんどのスタイルと同様に、これは非常に漠然とした用語である。多くのアーティストがリリースごとにこのスタイルに参加したり離れたりしている。^[83]関連するスタイルには、アンビエントインダストリアル（下記参照）やアイソレーションアンビエントなどがある。

「インターステラー」タマキ・ツォ著

実験的要素とポストロックの要素を融合したアンビエントミュージックの曲の例

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スペースミュージックは「スペースミュージック」とも綴られ、アンビエントジャンルの音楽だけでなく、瞑想的な広々とした空間を体験できる共通の特徴を持つ幅広いジャンルの音楽が含まれます。^{[84] [85] [86]}

スペースミュージックは、単純なものから複雑なものまで、時には従来の旋律、リズム、ボーカルの要素を欠いた音のテクスチャーを伴い、^{[87] [88]}一般的に「空間イメージと感情の連続性」の感覚、^[89]有益な内省、深い傾聴^[90]、浮遊感、巡航感、飛行感を呼び起こします。^{[91] [92]}

宇宙音楽は、リラクゼーション、熟考、インスピレーション、一般的に平和で広々とした気分^[93]やサウンドスケープを刺激するために、バックグラウンド強化とフォアグラウンドリスニングの両方で個人によって使用されています。宇宙音楽は多くの映画のサウンドトラックの要素でもあり、プラネタリウムではリラクゼーション補助や瞑想のためによく使用されています。^[94]

アンビエントミュージックを多少または広範囲に使用したサウンドトラックを持つ映画の例としては、禁断の惑星（1956年）、THX 1138（1971年）、^[95] 惑星ソラリス（1972年）、 [ ^96] ブレードランナー（1982年）、^{[96]遊星からの} 物体X（1982年）、^[95] デューン（1984年）、^[96] ヘザース（1988年）、^[96] Akira（1988年）、^[96] 攻殻機動隊（1995年）、^[95] タイタニック（1997年）、^[97] トラフィック（2000年）、ドニー・ダーコ（2001年）、ソラリス（2002年）、パッション（2004年）、^[98] 高慢と偏見（2005年）、^[96] Moon（2009年）、^[95] ソーシャル・ネットワーク（2010年）、^[96] コスモポリス（2012年）などがあります。^[95] Her（2013年）、『エネミー』（2013年） 、 『ドライヴ』（2011年）、^[99] インターステラー（2014年）、『ゴーン・ガール』（2014年）、^[96] レヴェナント：蘇えりし者（2015年）、『コロンバス』（2017年）、『マンディ』（2018年）、^[100] 『全滅領域』（2018年）、『アド・アストラ』（2019年）、『チェルノブイリ』 （2019年）^[101]、『デューン／砂の惑星』 （2021年）、^[102]など多数。

• Sirius XM Chill は、アンビエント、チルアウト、ダウンテンポのエレクトロニカを再生します。
• Sirius XM Spa は、チャンネル XM 68 でアンビエント音楽とニューエイジ インストゥルメンタル音楽を融合します。
• Echoes は、ジョン・ディリベルトが司会を務める毎日 2 時間の音楽ラジオ番組で、アンビエント、スペースミュージック、エレクトロニカ、ニューアコースティック、ニューミュージックの方向性を特集しています。1989 年に開始され、米国の 130 のラジオ局で放送されています。
• BBC Radio 1 Relaxは、英国放送協会(BBC)が提供するアンビエント ミュージックを放送するラジオ局です。このチャンネルでは、エレクトロニックやインストゥルメンタルの楽曲など、さまざまなアンビエント ジャンルを取り上げています。
• ハーツ・オブ・スペースは、スティーブン・ヒルが司会を務め、1973年から米国のNPRで放送されている番組である^{。 [103] [104]}
• ミュージカル スターストリームは、1981 年以来フォレストが制作、プログラミング、ホストを務めている、米国を拠点とする商業ラジオ局およびインターネット プログラムです。
• スターズエンドは、ペンシルベニア州フィラデルフィアの88.5WXPNで放送されているラジオ番組です。1976年に設立され、世界で2番目に長い歴史を持つアンビエントミュージックのラジオ番組です。 ^[105]
• Ultima Thule Ambient Music は、1989 年からオーストラリア全土のコミュニティ ラジオで毎週 90 分間放送されている番組です。
• 「宇宙ゴミ」を意味する名前を持つアヴァルスロムアは、1990年からフィンランドの公共放送局YLEのさまざまな局で放送されている60分間のアンビエントで前衛的なラジオ番組である。^[106]

• サウンド・オン・サウンドのアンビエント・テクノ
• アンビエントミュージックガイド – 包括的なアンビエントミュージックリソースサイト 2016-04-07 にWayback Machineでアーカイブされました