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| 時の終わりのあらゆる場所 | ||||
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 ステージ 1のカバーアート(2016) | ||||
| スタジオアルバムシリーズ | ||||
| リリース |
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| スタジオ | Calyx Mastering、ベルリン | |||
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| 長さ | 390 : 31または 6:30:31 | |||
| ラベル | 歴史は常に勝者を支持する | |||
| プロデューサー | レイランド・カービー | |||
| 世話人年表 | ||||
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Everywhere at the End of Time [a] (通称EATEOT )は、イギリスのエレクトロニックミュージシャン、レイランド・カービーの別名義であるザ・ケアテイカーの11枚目のアルバムである。2016年から2019年にかけてリリースされた6枚のスタジオアルバムでは、サンプリングした社交音楽の劣化したループを使用して、認知症やそれに関連する他の病気の進行を表現している。An Empty Bliss Beyond This World (2011)の成功に触発されたカービーは、この別名義での最後の主要作品としてEverywhereを制作した。アルバムはクラクフで制作され、友人のイヴァン・シールによる抽象的なアルバムカバーとともに、「時の流れの感覚を与える」ために6か月にわたってリリースされた。このシリーズは、作曲家ウィリアム・バジンスキーやエレクトロニックミュージシャンのベリアルの作品と比較され、後期は前衛作曲家ジョン・ケージの影響を受けていた。
このシリーズは6時間分の音楽で構成されており、さまざまな感情を描き、全体を通してノイズが特徴となっている。最初の3つのステージはAn Empty Blissに似ているが、最後の3つはカービーの初期のアンビエント作品から逸脱している。アルバムは患者の障害と死、彼らの感情、そして末期の明晰夢の現象を反映している。シリーズのプロモーションのため、匿名のビジュアルアーティストWeirdcoreが最初の2つのステージのミュージックビデオを制作した。カービーは当初、シリーズが気取ったものに思われるのではないかと懸念し、Everywhereをまったく作らないことも考えていたが、結局、他のリリースよりも多くの時間をこの作品の制作に費やした。アルバムカバーは、アーカイブされた曲のコンピレーションであるCaretakerのEverywhere、an Empty Bliss（2019）にちなんで名付けられたフランスの美術展で注目を集めた。
各ステージがリリースされるにつれて、シリーズは批評家からますます肯定的なレビューを受けるようになり、その長さと認知症を題材にしたコンセプトにより、多くの評論家が完全版に感情移入することになった。カービーの最高傑作とみなされているEverywhereは、2010年代で最も賞賛された音楽リリースの1つである。認知症患者の介護者も、若いリスナーの間で患者への共感が高まったとしてアルバムを賞賛したが、一部の医療関係者はシリーズが直線的すぎると感じた。2020年代初頭にはインターネット現象となり、TikTok動画でリスニングチャレンジとして登場し、ビデオゲームFriday Night Funkin' （2020）のMODに変身し、最も有名なThe Backroomsなどのインターネットミームに登場した。
背景
1999年、イギリスのエレクトロニックミュージシャン、レイランド・カービーは、ケアテイカーという別名義を採用し、ビッグバンドのレコードをサンプリングした作品を制作した。カービーは、映画監督スタンリー・キューブリックの作品『シャイニング』（1980年）の幽霊が出る舞踏会のシーンから影響を受けており、そのことは、別名義でのデビュー作『Selected Memories from the Haunted Ballroom』（1999年）で聞くことができる。[ 1 ]彼の最初のレコードは、彼の最後のリリースで顕著になるアンビエントスタイルを特徴としていた。 [2]このプロジェクトは、同名の病気を描いた3時間に及ぶアルバム『Theoretically Pure Anterograde Amnesia』 （2005年）で初めて記憶喪失を探求した。2008年までに、『Persistent Repetition of Phrases』によって、ケアテイカーという別名義は批評家の注目を集め、ファン層も拡大した。[1]
2011年、カービーは『An Empty Bliss Beyond This World』をリリースし、認知症やそれに関連する他の疾患を探求したことで高い評価を得た。[1]カービーは当初、The Caretakerとしてこれ以上の音楽制作を望んでいなかったが、『An Empty Bliss』の成功を受けてプロジェクトを継続せざるを得ないと感じた。その後、探求すべき唯一のコンセプトは認知症の進行であると考えた。これは6枚のアルバムシリーズを通じて徐々に解明されるだろうと彼は思い描いていた。[2]これはThe Caretakerとしての最後のリリースとなり、カービーは「この後、どこへ向かえばいいのか分からない」と語った。『Everywhere at the End of Time』はThe Caretaker名義自体の象徴的な「死」を表しており、[1]この別名義の以前のリリースからの多くのトラックがサンプリングされている。[3]
音楽とステージ
「この音楽をリアルタイムで生きた文化として記憶するには、今90代でなければならない。カービーがここで提示するものは、かつて愛した曲のかすかな記憶の断片として、萎縮した心の中で揺らめきながら聞こえるだろう。」[4]
カービーが認知症の「進行と全体性」を探求していると説明するアルバムは、各段階に詩的なトラックタイトルと説明を付けており、[5] [6]認知症の人とその感情を表現している。[7] [8] [9]衰え、憂鬱、混乱、抽象性といった考えが全体に存在し、作家のアレクサンドラ・ワイスによると、カービーの作品は「死に対する西洋人の態度について重要な疑問を提起している」。[10] [11] タイニー・ミックス・テープは、ケアテイカー名義の最後の作品として、 Everywhereは「あらゆる瞬間に無に道を譲ると脅かしている」と示唆した。[12]アルバムは前衛的で実験的なコンセプトを特徴としており、[13] [ 14] [15]音楽雑誌ファクトはEverywhereのスタイルとヴェイパーウェイヴのテーマの間に「幽霊のようなつながり」があると指摘している。 [16]作家のサラ・ノーヴは『Everywhere 』に物理的なオーラが欠けていることを賞賛し、バンドキャンプ・デイリーのマット・ミッチェルはシリーズが「霊妙なカタルシス」で終わると書いている。[17] [18]
このシリーズの劣化の探求は、ミュージシャンのウィリアム・バジンスキーによる『The Disintegration Loops』（2002–2003）と比較された。 [2] [19]カービーの作品とは異なり、 9月11日の攻撃と同時期に起きた物理的なテープ劣化に焦点を当てており、神経疾患の代表的なソフトウェア誘発性の劣化ではない。[10] [20] [21]バジンスキーの作品には肯定的であるが、カービーは自身の作品は「ループが壊れているだけではない。なぜ、どのように壊れているのかがテーマだ」と述べている。[2] Everywhereのサウンドは、エレクトロニックミュージシャンのベリアルのスタイルとも比較されている。[10]作家のマット・コルクホーンは『The Quietus』誌に、両アーティストが「『21世紀の壊れた時代』を浮き彫りにしている」と書いている。[ 22]第一段階のレビューで、ライターのエイドリアン・マーク・ローアとアンドレア・サヴェージは、バジンスキー、スターズ・オブ・ザ・リッド、ブライアン・イーノのファンに向けてこのレコードを賞賛した。[23]特定のサンプルはアルバム全体を通して頻繁に使用され、特にアル・ボウリーがカバーした1931年の曲「 Heartaches 」はアルバムごとに劣化している。 [10]ケアテイカーの2枚目のスタジオアルバム『A Stairway To The Stars』 （2001年）の1曲が『Stage 6』の最後の6分間で聞くことができる。[3]
曲は段階を追うごとに歪みを増し、患者の記憶とその劣化を反映している。[24]最初の3つの段階のジャズスタイルは、ビニールレコードとワックスシリンダーからのループを使用したAn Empty Blissを彷彿とさせる。ステージ3では、曲は短くなり、中には1分しか続かない曲もあり、通常はフェードアウトを避けている。[10] [15]意識消失後の段階は、カービーの「すべてが崩壊し始める完全な混乱を探求したい」という願望を反映している。[14]最後から2つの段階では、患者の現実に対する変化した認識を表す混沌とした音楽が展開される。[25]最終段階はドローンで構成され、患者の心の空虚さを表現している。[19]最後の15分間は、オルガン、合唱団、そして死を表現する1分間の沈黙が特徴である。[19] [26]ステージ4～6は、Everywhereのコンセプトと構成の焦点としてしばしば強調される。PitchforkのMiles Boweは、後半のステージとカービーの他のアンビエント作品との対比について「そのサウンドを新しい、そしてしばしば恐ろしい方法で進化させている」と書き、[27]カービーは、このシリーズを「最初の3つよりも最後の3つのステージ」と表現した。[2] Bloomsbury Academicは、 Handbook of the Anthropology of Soundの中で、後半のステージを「残響する霧に包まれた不明瞭な回想の混乱したカットアップ」と表現し、それらを音楽記憶喪失とそれが音楽記憶に与える影響に関連付けている。[28]
ステージ1～3
| 終末のあらゆる場所 – ステージ 1～3 | ||||
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 左から右へ: Beaten Frowns After (2016)、Pittor Pickgown in Khatheinstersper (2015)、Hag (2014) | ||||
| ボックスセット | ||||
| リリース |
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| 世話人年表 | ||||
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| オーディオサンプル | ||||
A1 – 「それはただ燃える記憶」[b]
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ステージ1は記憶力低下の初期症状と表現され、シリーズの中で最も「美しい白昼夢」に近いアルバムである。[5]レコード盤には「一生残る思い出」という文字が刻まれている。[29]まるで「空虚な至福」のように、[30] ステージ1では1920年代と1930年代の曲の冒頭部分が長時間ループされ、ピッチ変更、残響、倍音、ビニールのクラックル音で変化している。[31]このアルバムは、曲名が呼び起こす概念によって示されるように、さまざまな感情を特徴としている。[10] [32]「Into each other's eyes」などの曲名はロマンチックな思い出として解釈できるが、「We Don't Have Many Days」などのより不吉なタイトルは、患者が自分の死を認識していることを示している。[33] [34]ケアテイカーによる明るいリリースであるにもかかわらず、[35]ビッグバンドの楽しい楽曲のいくつかは他のものよりも歪んでおり、ある著者はやや憂鬱だと感じています。[30] [36] [37]イタリアの音楽雑誌オンダロックのミケーレ・パロッツォこのレコードのスタイルをスタンリー・キューブリックの『アイズ・ワイド・シャット』 （1999年）や映画監督ウディ・アレンの作品に例え、キューブリックの映画の「優雅さ」とアレンの作品の劇的な熱意を指摘しました。 [38]
ステージ2は、「何かがおかしいという自己認識と、それを受け入れることへの拒否」と表現されている。[5]また、この段階の人は「おそらく通常よりも多くのことを思い出そうとする」とも述べている。[1]ステージ1の楽しいサウンドとは対照的に、カービーはステージ2は「気分の大きな違い」を特徴としていると指摘し、[1]「A Losing Battle Is Raging」は2つの間の移行を表している。[33]アルバムはステージ1と比較して比較的感情的なトーンを特徴としており、より憂鬱で、劣化した、単調なサンプルを使用している。[10] [39] [40]そのソースマテリアルはより突然のエンディングを特徴としており、幽霊のような雰囲気を探求している。[40] 「Surrendering to Despair」などのトラックタイトルは、患者の障害とそれに伴う悲しみの認識を表し、「The Way Ahead Feels Lonely」はサリー・マグナソンの認知症に関する本から直接引用されている。[41]曲の再生時間は長くなり、ループ回数も少なくなるが、音質は劣化しており、[10]患者の記憶障害への気づきと、その結果生じる否認感情を象徴している。[42]
ステージ3は、「混乱が完全に訪れ、灰色の霧が形成されて消え去る前の、最後のまとまった記憶のいくつか」を特徴としていると説明されている。 [5]カービーは、患者が認知症について知っている最後の瞬間を特徴としていると説明した。[2] An Empty Blissなどの他の作品からのサンプルが水中のようなサウンドで戻ってきて、患者の増大する絶望と記憶を維持しようとする闘いを表現している。他のステージではトラックで一般的なフェードアウトが提示されたが、ステージ3のいくつかの曲は突然終了する。それらの多くは長くて引き延ばされたか、実際に始まる前にカットされている。それらのタイトルはより抽象的になり、以前のステージとAn Empty Blissの曲名を組み合わせて、「Sublime Beyond Loss」や「Internal Bewildered World」などのフレーズを作成します。[34]アルバムの最後のトラックは最後の認識可能なメロディーを提供しますが、いくつかはメロディーの質をほぼ失っています。[34]カービーの説明では、第3段階は「意識後の段階に入る前の意識の最後の残り火」を表しています。[5]
Everywhereのオープニングトラック「It's Just a Burning Memory」では、シリーズを通して徐々に劣化していく主要なサンプルの1つである「Heartaches」が導入されている。[10] Stage 1では、Caretaker名義で最もサンプリングされているミュージシャンの1人であるAl Bowllyのバージョンである。[2] Stage 2の3番目のトラック「What Does It Matter How My Heart Breaks」では、「Heartaches」が無気力なトーンで戻ってきており[10] 、 Seger Ellisによるこの曲のカバーを使用している。この特定のバージョンは、 Stage 1の対応するものとは異なり、Kirbyにはダウンビートに聞こえた。[1] Stage 3の2番目のトラック「And Heart Breaks」では、「Heartaches」の最後のまとまったバージョンが見つかり、ホーンの側面がよりホワイトノイズに似たものになっている。[10] 「Heartaches」をサンプリングしたこれらのトラックは、記憶のテーマを取り巻くサンプルの歌詞からタイトルを取っている。ボウリーは「ただの燃えるような思い出だなんて信じられない / 心痛、心痛 / 心がどれだけ傷つくかなんて関係ない」と歌う。[43]
ステージ4～6
| 時の終わりのあらゆる場所 – ステージ 4～6 | ||||
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 ギルツホルダー（2017）、エプティトランキシスティエメスティオンサーズ・ディセンディング（2017）、ネクロトミゴー（2018） | ||||
| ボックスセット | ||||
| リリース |
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| ジャンル | ||||
| 長さ |
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| 世話人年表 | ||||
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| オーディオサンプル | ||||
「H1 – ステージ 4 意識後の混乱」
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「R1 – ステージ6 世界における地位が消え去る」
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ステージ4は、「単一の記憶を思い出す能力が混乱と恐怖に取って代わられる」時点と説明されている。[5]このステージでは、激しい歪みと残響が見られ、ノイズに近い。これは、 An Empty Blissのような同じスタイルを特徴とする最初の3枚のアルバムとは対照的である。[10] [27]「Post-Awareness」ステージの始まりを示しており、[44] [45] 4つの楽曲がビニールの片面全体を占めている。[46]トラックG1、H1、J1は「Stage 4 Post Awareness Confusions」と題されており、ボウはこれを臨床的な名前だと感じた。一方、I1は「Stage 4 Temporary Bliss State」と題されている。[27]ファンに「Hell Sirens」として知られるH1の特定のセグメントでは、ヘイゼルウッドが「シリーズで最も恐ろしい瞬間の1つ」だと感じたホーンのサンプルが使用されている。[10]しかし、「I1 - Stage 4 Temporary Bliss State」は「Stage 4 Post Awareness Confusions」の3曲よりも穏やかで、より幻想的なサウンドを特徴とする曲である。[ 27]メロディーのシュールかつ支離滅裂な側面は、ボウによって実験音楽家オーヴァルのアルバム94 Diskont（1995）と比較され、「プロジェクトの存続期間中に最も暗く、最も傷ついたサウンドを捉えている」と評された。[25] [27]
ステージ 5は、「より極端な絡み合い、反復、断裂があり、より穏やかな瞬間をもたらす」と評されている。[5]このアルバムはノイズの影響を拡大し、メルツバウやジョン・ヴィーゼの作品との類似点がある。[10]耳をつんざくような、より暴力的な音色で、[47]首尾一貫したメロディーは重要性を失い、重なり合ったサンプルに置き換えられている。ヘイゼルウッドはこれを「オーディオ形式の交通渋滞」と解釈し、ベータアミロイドで満たされたニューロンに例えた。[10]ファリシにとって、ステージ 5には快適さがまったくなく、ステージ 1の最初の兆候とは対照的に、完全な無秩序が表れている。[48]このレコードは、ささやき声や認識可能な英語の歌詞など、シリーズの中で最も多くのボーカルを使用している。最初のトラックの終わり近くで、男性が「このセレクションは、ジェームズ・フィッツジェラルド氏のマンドリンソロです」とアナウンスする。 [10] [47] [49] Stage 4と同様に、Stage 5のトラック名は臨床的であり、プラーク、絡み合い、シナプス、レトロジェネシス仮説などの神経学的な参照を使用しています。ヘイゼルウッドは、「突然の孤立への時間退行」などのタイトルは認知症の「非人間性」を記録していると考えました。[10]
ステージ6は謎めいた表現で、「ポスト・アウェアネス・ステージ6は説明のしようがない」とされている。 [5] UWIREのエスター・ジュは、このステージをシリーズの中で最も解釈的なレコードと呼び、「ほとんどの人が虚無の音と表現するだろう」と述べている。 [50]ステージ5には楽器や声の断片があったが、ステージ6はシューという音やパチパチという音で構成されたかき消された空虚な楽曲で、ヘイゼルウッドはこれを患者の無関心を表現していると解釈した。[10] [51] [52]一般的に、音楽は聞こえるが遠くから聞こえるサウンドコラージュで構成されている。 [26] [53]このステージの曲のタイトルには、「忘れることを忘れるほどの混乱」や「この空虚な敗北を超えた残酷な至福」など、臨床的ではなく感情的なフレーズが使われている。[10]これはAn Empty Blissのサウンドから最も遠く、強い不安を表現している。[19] [54]ステージ6をリリースした後、カービーは完全版のYouTubeビデオで次のようにコメントしました。「長年のサポートに感謝します。ボールルームが永遠に残りますように。これで終わりです。」[c] [5]
最後のトラック「R1 - Stage 6 Place in the World Fades Away」は、2014年の映画「インターステラー」のサウンド トラックと比較されているオルガンのドローンが特徴的です。[55]オルガンは最終的に針落ちに道を譲ります。[10] [19] [26]プロジェクト終了の6分前のEverywhereのクライマックスでは、劣化したビニールレコードから明瞭に聞こえる合唱が特徴的です。[19]このシリーズは、患者の死を表す1分間の沈黙で終わります。この瞬間は評論家によってさまざまな解釈を引き起こしましたが、批評家や医師によって最も受け入れられている理論は、末期の明晰さ、つまり神経疾患を患っている患者が死の直前に精神的に明晰さを取り戻す医学的現象を表しているというものです。[10] [56]ファリシはこれを患者の魂の死後の世界への移動と見なしました。[51]この部分は、バッハのルカ受難曲第246番のアリア「Last Mich Ihn Nur Noch Einmal Küssen」[d]の英訳演奏をサンプリングしている。このアリアは、ケアテイカーの最初のアルバム2枚であるSelected Memories from the Haunted Ballroom（1999年）とA Stairway to the Stars（2001年）のトラック「Friends Past Reunited」でも使用されており、[3] AllMusicのライター、ポール・シンプソンは、この別名義が「一巡した瞬間」であると解釈している。 [47]
生産
カービーはクラクフのアパートで「音楽制作専用に設計された」コンピューターを使用して「Everywhere at the End of Time 」を制作した。彼は最初のステージだけで、別名義の全歴史よりも多くのトラックを作った。アルバムは発売の1年前に制作され、ステージ3の開発は2016年9月に始まり、ステージ6は2018年5月に始まった。[1] [57]カービーは、最初の3つのステージには「微妙だが決定的な違い」があり、「この症状を持つ人が感じる気分と意識に基づいた」同じ一般的なスタイルを提示していると述べた。[58]彼は、アンドレアス「ルポ」ルビッチ[59]が行ったマスタリングプロセスが「最初から最後まで一貫したサウンド」になることを望んでいた。彼によると、作曲戦略は、サンプリングされた曲のさまざまなカバーを使用して、それぞれに特定の感情的なメッセージを関連付けることだった。An Empty Blissのときのように物理的なレコードを購入するのではなく、カービーはほとんどのサンプルをオンラインで見つけ、「今では1つの曲で10のバージョンを見つけることが可能です」と述べた。ステージ1では曲の短いセクションをループし、ステージ2ではサンプルを完全に再生できると彼は述べた。ステージ3が『An Empty Bliss』に最も似ていると説明し、ステージ1～3はシャッフルで聴いてもまとまりが残る可能性があると述べた。[1]ステージ3とステージ4のリリースの間に、カービーは「家とスタジオを移動する」と発表した。[60]
カービーの制作の焦点は最後の3つのステージにあった。[1] [2] [61]そこで彼は「聴きやすいカオス」と呼ぶものを作りたかった。カービーはステージ4を制作しているときに、最後の3つのステージは「意識後の観点から作らなければならない」ことに気づいたと付け加えた。名前の説明として、カービーは患者が障害に気づいていないときのステージであるため「意識後」と名付けた。[58]彼は最後の3つのステージの制作中にプレッシャーを感じたと述べ、「1つのステージを終えて、別のステージをマスターしながら、別のステージを始めることになる」と語った。第4ステージと第5ステージの作曲では、200時間以上の音楽を所有しており、「気分に基づいて編集した」と主張した。[61] ビリーヴァーのランドン・ベイツはステージ4を作曲家ジョン・ケージの「ラジオ・ミュージック」（1956年）に例え、カービーはケージの偶然性音楽（ランダムな要素を持つ音楽）のスタイルが後のステージに影響を与えたと答えた。[58]彼はステージ5はステージ4から「明確な変化」であり、「それは即時ではないが、決定的な兆候だ」と書いた。[1]カービーによると、最終ステージの制作は、観客の期待と「これまでの5つのステージの重みがすべて今これにかかっている」ため、最も困難だったという。[58]
アートワークとパッケージ
「記憶なんて全く信用できないでしょう？だって、全部バグだらけだし、ある意味ナンセンスだから。」[62]
『Everywhere at the End of Time』のアルバム・ジャケットは、カービーの長年の友人であるイヴァン・シールによる抽象的な 油絵である。 [63] [64]これらはミニマリスト的で、それぞれに焦点が当てられたオブジェクトが1つあり、テキストはなく、ステージが進むにつれて認識されにくくなっている。[36] [65] タイニー・ミックス・テープスは、ステージ1のアートワークである『Beaten Frowns After』を2016年と2010年代のベスト・アルバム・ジャケットのリストに含めた。 [ 66] [67]カービーとシールの芸術的テーマを比較する人もいる。カービーと同様に、シールは記憶を芸術の中心的要素として強調し、「芸術は常に記憶から作られる」と述べた。[63] [62]この重なりに注目して、カービーは両方のビジョンが「素晴らしい方法で衝突する」と述べた。[58]
最初の3枚のアルバムのジャケットは、それぞれ『Beaten Frowns After』（2016年）、『Pittor Pickgown in Khatheinstersper』（2015年）、『Hag』 （2014年）と題されている。 [68] [69] 『Beaten Frowns After』には、脳のしわに似た新聞紙の折り目が付いた、灰色の巻物が空の地平線に描かれており、[36] Teen Inkのライターであるシドニー・リーヒーは、これを病気の進行に対する患者の認識に例えた。[65] 『Pittor Pickgown in Khatheinstersper』には、抽象的な腐った岩の花瓶に4つのしおれた花が描かれている。[40] [65] [70] 『Hag』では、極端に歪んだ昆布が描かれており、Tiny Mix Tapesのサム・ゴールドナーはこれを「無秩序の波紋に溢れ出る花瓶」と表現した。[65] [70]
最後の3つの段階の絵画は、それぞれ「Giltsholder（2017年）」、「Eptitranxisticemestionscers Desending（2017年）」、「Necrotomigaud（2018年）」と題されている。[69] Giltsholderは、青と緑の胸像で顔の特徴が認識できない形で人物を表現した唯一の作品である。ゴールドナーによると、その人物は遠くから見ると笑っているように見え、リーヒはそれを患者が人物を認識できないことを表していると解釈した。[70] [65]最も抽象的な表紙と考えられている「Eptitranxisticemestionscers Desending」は抽象的な塊を描いており、作家たちはそれを女性か大理石のような階段だと主張している。ヘイゼルウッドはそれを患者の心を表していると解釈した。かつては経験を表していたが、今では認識できない。[10] [65] ネクロトミゴードは、ステージ6の感情的な空虚さを反映して、緩く貼られた青いテープの四角いアートボードを提示します。[26] [65]
シールの絵画とケアテイカーの音楽は、2019年にフランスのFRACオーヴェルニュ社が開催した美術展 「Everywhere, an Empty Bliss」で紹介され、デュオの作品に関する資料が展示され、アルバムカバーの名前が明らかになった。 [68] [69] [71]シールの絵画は、2019年の展覧会「Cukuwruums」でもカービーのパフォーマンスの近くに展示されていた。[63] 2018年、なぜリリース作品のパッケージに説明文が書かれていないのかと尋ねられたカービーは、シールの絵画が各ステージの中心になっていると答えた。ライナーノーツはシールの芸術から気を散らしてしまうため、「もう少し深く探求したい」リスナーのためにデジタル形式で保存していると述べた。[58]
リリースとプロモーション
カービーは当初、 Everywhereをプロデュースしないつもりだった。最初のステージがリリースされる何ヶ月も前から、彼は友人や家族にこのコンセプトについて話し、「高尚で気取ったアイデアとして受け取られないようにしたかった」と説明した。[1]アルバムは3年かけてリリースされた。最初のステージは2016年、[72] [73] [74]次の2枚は2017年、[75] [76] [77]最後から2番目の2枚は2018年、[78] [79] [80]そして最後の1枚は2019年。[81] [82] [83]カービーによると、延期は「リスナーに時の流れを感じさせる」ためだったという。[1]カービーは認知症が社会問題になることを懸念しているが、この障害は「個人的なレベル」では彼に影響を与えていないと述べ、それが「恐怖というよりは魅力」に変わったことを指摘した。[2] [58] [61]彼はさらに、認知症患者の経験はそれぞれ異なり、彼の描写は「介護者にのみ特有のもの」であると述べた。[61]カービーの音楽は当初、 Spotifyでの配信が禁止されていたが、これはカービーの批判と、彼が言うところの「大企業やストリーミングサービスによる音楽の絶え間ない価値の低下」のためであった。[84]しかし、2023年12月11日、カービーは「人々がこの作品を繰り返しアップロードすることで、際限なく収益化や搾取をしようとしている」ことに不満を抱き、しぶしぶEverywhereの全ステージをストリーミングサービスにアップロードした。[85]
ステージ 6リリースノート
「このシリーズの制作が始まったとき、音楽がどのように展開していくのかを予測するのは困難でした。認知症は多くの人にとって感情的なテーマであり、私は常に最大限の敬意を持って扱ってきました。」
段階はすべて、アルツハイマー病のさまざまな形態の進行と進行に共通する特定の症状を芸術的に反映したものです。
「The Caretakerが記憶するこの一連の作品へのご支援にいつも感謝いたします。」[15]
2016年9月22日に最初のステージをリリースしたとき、カービーはシリーズのコンセプトを発表し、[86]ケアテイカー名義を認知症と「診断」し、アルバムを通して「完全な記憶喪失の深淵へと」落ちていく「進行、喪失、崩壊」を明らかにした。[87] [88]この声明により、カービー自身が早期発症型認知症と診断されたと誤解する人もいた。具体的には、ザ・フェーダーのジョーダン・ダーヴィルとタイニー・ミックス・テープスのマーヴィン・リンである。カービーが認知症ではなく、ケアテイカー名義だけが認知症であると明言すると、両誌は記事を更新した。[88] [89] [90]彼は同日、ステージ3とWe, So Tired of All the Darkness in Our Livesをリリースし、後者は彼自身の名義でリリースした。 [60]ステージ5をリリースしたカービーのプレスリリースでは、シリーズの進行を当時進行中だったBrexitプロセスに例えていた。[91]ケアテイカーの最後のレコードは、ステージ6と同時にリリースされた『Everywhere, an Empty Bliss』（2019年）で、これは『Everywhere』からスクラップされた素材を集めたコンピレーションアルバムである。[92] [93] [94]
匿名のビジュアルアーティスト、ウィアードコアが最初の2つのステージのミュージックビデオを制作し、どちらもカービーのYouTubeチャンネルvvmtestにアップロードされた。[95] [96] 2016年9月と2017年9月にリリースされ、タイムストレッチやディレイなどのエフェクトが特徴となっている。ウィアードコアはアンビエントミュージシャンのエイフェックス・ツインのビジュアルを制作したことで知られていた。[97]カービーはビジュアルが彼の音楽にとって重要であり、「異世界的」だと呼んだ。[58] 2020年、カービーとウィアードコアは再びYouTubeビデオ「[−0º]」でコラボレーションし、 Factによってその年の最高のオーディオビジュアル作品の1つに選ばれた。[98] [99] 2024年12月3日現在、vvmtestには最後の4つのステージの公式ミュージックビデオはない。[100]
2017年12月、カービーはポーランドのクラクフ・バービカンでアンサウンド・フェスティバルに出演した。このショーは2011年以来の彼にとっての初公演であり、シールのアートとウィアードコアのビジュアルがフィーチャーされた。 [101] [102] [103]ミュージックビデオはケアテイカーのその後のショーで披露される予定だった。2018年3月、カービーはパリのフェスティバル・プレサンス・エレクトロニック[104] 、歌手ティノ・ロッシの1944年の曲「Ce Soir」を演奏した。[57]彼は2019年5月にクラクフで開催されたアンサウンドの「Solidarity」ショーに参加した。[105] 2020年4月、彼はオランダのハーグで開催される予定だった「[Re]setting」Rewireフェスティバルでライブを行う予定だった。しかし、このショーはCOVID-19パンデミックにより中止となった。[106] [107]カービーはその後、 2022年5月7日にクレムスのドナウフェスティバル、6月4日にバルセロナのプリマヴェーラサウンドでそれぞれ演奏した。 [108] [109]以前は演奏をためらっていたが、[2]カービーはそれぞれのショーが「混乱から意味を見出すための戦い」になると語った。彼は、ウィアードコアはシールの絵画を「生き生きと」させ、視覚芸術は観客に「気分が悪くなる」というアイデアを探求すると付け加えた。[61]
批評家の反応
Everywhere at the End of Timeは制作が進むにつれてますます肯定的な反応を受け、全体的に批評家から絶賛された。[1] [19] Stage 1は一部の批評家から認知症を「ロマンチックに描いている」と批判されたが、この批判は時とともに薄れていった。ある作家は、カービーがAn Empty Blissのテーマを拡大したのは、そのコンセプトが「40分ほどのアンビエントレコードの容量を超えて詰め込まれていた」ためだと理論づけた。[14] 2021年3月、このアルバムはカービーがフィジカルリリースに使用しているプラットフォームであるBoomkat [110]で最も売れたレコードとなった。 [5] Bandcampでは、Everywhereはダークアンビエントリリース史上最も売れている。[111]当初、カービーは「今日の即時反応の文化」に応えて、「これらの部分は特定の理由でループされています ...それは後で明らかになるでしょう」と述べた。[1]
このシリーズの最初の3つのステージは、認知症の描写について批判された。ピッチフォークの寄稿者であるブライアン・ハウは、最初のステージは精神疾患を搾取的ではないにしても、ロマンチックな見方をしているのではないかと懸念を表明した。彼はカービーの描写が不正確であると考えた。ハウは「祖母が亡くなる10年前から認知症に陥るのを見てきたが、それは『美しい白昼夢』とはほど遠いものだった。実際、美的なものは何もなかった」と述べている。 [31]タイニー・ミックス・テープスのパット・ビーンは、ステージ1を「ケアテイカーの作品の中で最も楽しい聴き物」とみなしたが、 [36]ファリシはステージ2を「衰退でも美でも」、「診断でも治療でもない」とみなした。 [40]ヘイゼルウッドは、ステージ3をカービーのデフォルトの「トリックの宝庫」と表現したが、「これらのステージとその快適さがなければ、ステージ4への移行は、今のような圧倒的なインパクトを持たなかっただろう」と主張した。[10]
最後の3つのステージの認知症の描写は、一般的に優れていると評された。ピッチフォークの寄稿者であるマイルズ・ボウは、ステージ4は「薄っぺらなロマンチック化のリスク」を回避していると評し、[27]ゴールドナーは、このレコードが「ループを破った」と感じたが、「I1 - ステージ4 一時的な至福の状態」は「本当の認知症」ではないと付け加えた。[70]ファリシは、ゴールドナーについて書いているが、ステージ5のそのようなループは「キャプスタンから（果てしなく）ほどかれ、新しい形が形成されるまで積み重なっていく」ものだと考えた。彼はアルバムのサウンドを「不在の不気味な窒息」と評し、「物がなくなったのなら、なぜまだそれを感じるのだろう？」と主張した。 [48]ステージ6の特徴は、「苦痛を伴うスローモーションで表現された精神的な下降」から「宇宙の痛みを伴う超アンビエントなもの」まで多岐にわたる。[26] [51]コメンテーターは、ステージ6をさらに賞賛して評することが多かった。ある人はそれを「独特の力」を持つ「驚くべき音響芸術」と呼んだ。[26] [112]
批評家たちは、シリーズ全体から喚起される解釈的で「考えさせられる」感情についてもコメントしている。[21] [113]タイニー・ミックス・テープスのデイブ・ガーニーはこのコンピレーションを「不穏」と呼び、[114]ヘイゼルウッドは、その音楽が「耳から離れず、メロディーが心に残り、感染する」と述べた。[10]ルカ・ヴコスは、ブログ「ヘッドスタッフ」のレビューで、シリーズの「共感マシン」は「言葉によって特徴付けられるのではない」と論じ、その力は「[カービーが] [ビニールレコード] と最も現代的なデジタルリコールおよび操作モードを融合させたことにある」と述べた。[3]カービーの初期の音楽について書いたサイモン・レイノルズは、ケアテイカーは「このプロジェクトでは、末期患者のためのホスピスの音響看護師に似ているので、ケアギバーと改名することもできただろう」と述べた。彼の意見では、カービーの曲名は「悲痛であり、評論家が言うよりも効果的に音楽を表現していることが多い」とのことである。[4]
賞賛
Everywhere at the End of Timeは、The QuietusとTiny Mix Tapesの年末リストに最も多く登場した。後者はStage 3を除くすべてのアルバムをレビューし、第1、第4、第6のStageに「EUREKA!」賞を与えた。これは「ノイズと音楽の限界を探求し」、「慎重に検討する価値がある」アルバムに与えられる賞である。[36] [51] [70] Resident Advisorは、2019年のベストアルバムのリストにStage 6を含めた。 [115] Quietusの寄稿者であるMaria Perevedentsevaは「We Don't Have Many Days」を2016年のベストソングの1つに選び、[116] Stage 5は後に同出版物の2018年9月のベストミュージックのリストに含まれることになった。[117] Stage 6は、ウェブサイトの今週の「リードレビュー」と2019年のベスト「その他」ミュージックリリースに選ばれた。[19] [118]
影響力と人気
2010年代のベストアルバムの一つと考えられている[114] [133] Everywhere at the End of Timeは、多くの批評家やミュージシャンからカービーの最高傑作と見なされている。[134] [135] [136]ある評論家は、最後から2番目のステージ、最も混沌としたステージを、リスナーに認知症の感覚を思い起こさせるものとして取り上げた。[25] Everywhereの概念化も称賛された。認知症の描写は、The Vinyl Factoryによって「非常に感情的」、VogueのCorey Seymourによって「人生を変える」と評された。[8] [137] Tiny Mix Tapesのライター、Jessie Dunn Rovinelliは、Stage 6の「陳腐な」エンディングは「彼のコンセプトは拒否したいかもしれないが、私たちの腐敗した感傷的な心が求めている解放」を与えていると述べた。[138]『The Caretaker』に触発され、[139]ファンが作った100曲入りアルバム『Memories Overlooked』は、認知症を患った年配の親戚を持つヴェイパーウェイヴミュージシャンによって2017年にリリースされた。[16] [140] [141] デイリー・レコードのライター、ダレン・マクガーベイは『Everywhere』を完成させた後に「深い感謝の気持ちに打たれた」と主張し、それが「適切な芸術作品の力」だと述べた。 [142]作家のコール・クインは『Everywhere』を史上最高のアルバムと呼んだ。[33]
2020年1月、YouTuberのソーラーサンズは、シールのEverywhereでの作品の側面を探る動画「この写真に写っている物体を1つ挙げてください」をアップロードした。[21]この動画は、2024年12月3日の時点で400万回以上再生されている。 [143] 10月後半、ソーシャルメディアプラットフォームTikTokのユーザーは、その長さと実存的なテーマを理由に、シリーズ全体を一度に聴くというチャレンジを作成した。[144] [145] [146]カービーは、シリーズのYouTubeアップロードの視聴回数が指数関数的に増加したことからこの現象を知った（2024年12月3日の時点で3200万回以上）。[5]そのうち12％のみがプラットフォームのアルゴリズムから来ており、直接検索が50％以上を占めていた。[133] [147]一部のライターがEverywhereの人気の原因として仮説を立てた動画で、YouTuberのA Bucket of Jakeはシリーズを「今まで聞いた中で最も暗いアルバム」と呼んだ。[14] [148] [149]このシリーズは人気を博し、Bandcampのアンビエントおすすめに頻繁に登場した。[150]
TikTokユーザーの中には、このシリーズが患者を治すとか、逆に認知症の症状を引き起こすといった架空のクリープパスタストーリーをシェアした者もいた。 [13] [151]この主張と視聴チャレンジは、患者を怒らせたと感じた他の人々からの反発を招いた。[13] [14] [148]しかしカービーはそうは思わず、むしろこのシリーズはティーンエイジャーに「認知症の人が直面する可能性のある症状についての理解」を与えるものだと考えた。[133] [147]ビニールファクトリーのラズロ・ルゴフは、TikTok現象がカービーの音楽にティーンエイジャーの「意外な聴衆」を引き付けたと指摘し、[ 144]後にTikTokのウィリアム・グルーガーはEverywhereをニッチな発見であり「予想外のヒット」と呼んだ。[152]このシリーズは2020年代初頭を通じてミームとして継続的に使用されており、 COVID-19パンデミックとそれがティーンエイジャーに及ぼすメンタルヘルス問題の時期と一致しています。[13] [14]
2021年、EverywhereはEverywhere at the End of FunkというMODでリズムゲームFriday Night Funkin' （2020）のモッディングコミュニティの間で注目を集めた。このMODはeスポーツグループGamursのレン・ロメロによって「あらゆるFNF MODの中で最もユニークな体験の1つ」と評された。[153]このシリーズは、無限に続く空っぽのオフィス空間を描いたクリープパスタであるBackroomsとの関連性でも人気を博したが、作家のシルヴィア・トレヴィソンは、この2つの作品の不条理な精神状態の描写が似ていることから生まれたと述べている。[154]
科学的な反応
神経学の研究グループでは、「Everywhere at the End of Time」は概して肯定的な影響を与えているとみなされている。アイオワ州立大学の研究者の一人は、このシリーズがアルツハイマー病の「恐ろしい現実」を提示し、平静が徐々に混乱に陥る様子を強調していると考えた。[155]認知症ケア教育の代表であるブライアン・ブラウンは、カービーのアルツハイマー病の描写は認知症患者の介護者にとって「非常に歓迎すべきこと」だと述べた。彼は、このシリーズが「必要な共感を生み出す」として新たな注目を集めたことを称賛した。[13]
ブラウンは次のように結論づけている。
この音楽の作曲家は、音楽という媒体を通じて、認知症のプロセスを通じて脳が経験している音の旅に若い世代を導くことができるという点で、本当に素晴らしいことを成し遂げた。
フランスの神経心理学者エルヴェ・プラテルはカービーの研究を部分的に肯定的に評価し、エブリウェアのアプローチと認知症の過程に対する全体的な忠実さを賞賛した。しかしプラテルは、音楽の記憶は最後に消えていくものであると説明し、記憶が線形システムであるという印象を与えているとこのシリーズを批判した。[156]
トラックリスト
Bandcampから引用。[15]全長と音符はカービーのYouTubeアップロードされたステージ1～3、[95] [96] [157] ステージ4～6、[49] [158] [159]および完全版から引用。[5]
人事
クレジットはYouTubeから引用。[5]
- レイランド・カービー– プロデューサー
- イヴァン・シール– アートワーク
- アンドレアス・ルビッチ –マスタリング
リリース履歴
すべてレコードレーベル History Always Favours the Winners から世界中でリリースされました。
参照
- メディアにおけるアルツハイマー病
- 精神疾患と不死を描いた映画シリーズ「 It's Such a Beautiful Day 」（2012年）
- コンセプトアルバム一覧
- アルツハイマー病に対する音楽療法
- アルツハイマー病の進行を記録するために6枚の自画像を描いたアルツハイマー病の芸術家ウィリアム・ウターモーレン
- 痴呆
注記
- ^ Bandcampでは文頭大文字で表記されています。
- ^ 「 Heartaches」（1931年）の歌詞。
- ^ フランス語で「すべて終わった」という意味。
- ^ ドイツ語で「もう一度彼にキスさせて」という意味。
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外部リンク
- Discogsの「Everywhere at the End of Time」
- MusicBrainzの「Everywhere at the End of Time」
- TikTokの #EverywhereAtTheEndOfTime
- YouTubeの「時の終わりのどこでも」
- Bandcampの Everywhere at the End of Time
- 「私たちは遠くの火の影の中にいる」レイランド・カービー著